1. 美洲兒童電影的發展過程
世界電影的產生和發展
（一）十九世紀30年代，電影開始了它的誕生前的技術准備期，也叫做發明期。
早在1829年，比利時著名物理學家約瑟夫普拉多發現：當一個物體在人的眼前消失後，該物體的形象還會在人的視網膜上滯留一段時間，這一發現，被稱之為「視象暫留原理」。普拉多根據此原理於1832年發明了「詭盤」。「詭盤」能使被描畫在鋸齒形的硬紙盤上的畫片因運動而活動起來，而且能使視覺上產生的活動畫面分解為各種不同的形象。「詭盤」的出現，標志著電影的發明進入到了科學實驗階段。1834年，美國人霍爾納的「活動視盤」試驗成功；1853年，奧地利的馮烏卻梯奧斯將軍在上述的發明基礎上，運用幻燈，放映了原始的動畫片。
攝影技術的改進，是電影得以誕生的重要前提，也可以認為攝影技術的發展為電影的發明提供了必備條件。早在1826年，法國的W尼埃普斯成功地拍攝了世界上第一張照片「窗外的景」，曝光時間8小時。而在初期的銀板照相出現以後，一張照片縮短至30分鍾左右，由於感光材料的不斷更新使用，攝影的時間也在不斷縮短。1840年拍攝一張照片僅需20分鍾，1851年，濕性珂珞酊底版製成後，攝影速度就縮短到了1秒，這時候 「運動照片」的拍攝已經在克勞黛特、杜波斯克等人的實驗拍攝中獲得成功。1872年至1878年，美國舊金山的攝影師愛德華慕布里奇用24架照相機拍攝飛騰的奔馬的分解動作組照，經過長達六年多的無數次拍攝實驗終於成功，接著他又在幻燈上放映成功。即在銀幕上看到了駿馬的奔跑，受此啟發，1882年，法國生理學家馬萊改進了連續攝影方法，試製成功了「攝影槍」，並在另一位發明家強森製造的 「轉動攝影器」的基礎上，又創造了「活動底片連續攝影機」，1888年9月，他把利用軟盤膠片拍下的活動照片獻給了法國科學院。
在1888-1895年期間，法、美、英、德、比利時、瑞典等國都有拍攝影像和放映的試驗。1888年，法國人雷諾試制了 「光學影戲機」，用此機拍攝了世界上第一部動畫片《一杯可口的啤酒》。1889年，美國發明大王愛迪生在發明了電影留影機後，又經過5年的實驗後，發明了電影視鏡。他將攝制的膠片影像在紐約公映，轟動了美國。但他的電影視鏡每次僅能供一人觀賞，一次放幾十英尺的膠片，內容是跑馬、舞蹈表演等。他的電影視鏡是利用膠片的連續轉動，造成活動的幻覺，可以說最原始的電影發明應該是屬愛迪生的。他的電影視鏡傳到我國後被稱之為 「西洋鏡」。
1895年，法國的奧古斯特盧米埃爾和路易盧米埃爾兄弟，在愛迪生的 「電影視鏡」和他們自己研製的 「連續攝影機」的基礎上，研製成功了「活動電影機」。「活動電影機」有攝影、放映和洗印等三種主要功能。它以每秒16畫格的速度拍攝和放映影片，圖像清晰穩定。1895年3月22日，他們在巴黎法國科技大會上首放影片《盧米埃爾工廠的大門》獲得成功。同年12月28日，他們在巴黎的卡普辛路14號大咖啡館里，正式向社會公映了他們自己攝制的一批紀實短片，有《火車到站》、《水澆園丁》、《嬰兒的午餐》、《工廠的大門》等12部影片。盧米埃爾兄弟是第一個利用銀幕進行投射式放映電影的人。史學家們認為，盧米埃爾兄弟所拍攝和放映已經脫離了實驗階段，因此，他們把1895年12月28日世界電影首次公映之日即定為電影誕生之時，盧米埃爾兄弟自然當之無愧地成為 「電影之父」。
（二）1896-1912年，電影從幼年期迅速成為一種藝術
早期的電影，還沒有脫離剛剛誕生的痕跡，它以雜耍和魔幻術的姿態，使人們感到新奇。從《火車到站》、《膝行的人》到《水龍出動》、《水龍救火》、《撲滅大火》、《拯救遭難者》等影片，盧米埃爾創造了最早的新聞片、旅遊片、紀錄片、喜劇片等影片樣式。盧米埃爾電影最突出的特點是紀實性，它直接拍攝真實的生活，給人以身臨其境之感，成為寫實自然主義電影風格的開路先鋒，形成了電影的紀實性傳統。盧米埃爾的生活紀實短片在持續放映了一年半時間以後，人們的興趣就在明顯的減弱，以至最後再也無人問津了，這不能不說是時代的局限和自然主義的局限造成的。但剛起步的困境，並沒有影響電影的大勢所趨，另一位法國電影先驅喬治梅里愛應時而出，他使電影從一種紀實性的「活動照相」(亦稱運動畫面)導向了藝術電影，為電影的發展作出了許多創造性的貢獻。
作為機械師，梅里愛製造了一整套機關、機器和舞台道具；作為畫家，他製造了無數個布景和服裝；作為魔術師，梅里愛運用了豐富的想像力，創造了許多新的特技；作為作家，他不斷創造出新的劇本；作為演員，他是他節目中的重要角色；作為導演，他懂得怎樣設計和調動一個小劇團。喬治薩杜爾在《世界電影史》中說：「梅里愛天才的特徵，在於有系統地將絕大多數戲劇上的方法如劇本、演員、服裝、化妝、布景、機關裝置以場景的化分等等，應用電影上來。」他在這方面所取得的經驗，直到今天還以各種形式保留在電影中。
梅里愛以照相的特技代替了舞台上的機械裝置，同樣，由於無聲電影的需要，梅里愛也特為演員們發明了一種新的演技。這種演技雖和啞劇的演技有所不同，但著重誇張，突出手勢，因為它非常注意動作，而對面部表情極不重視。影片《灰姑娘》是梅里愛戲劇電影的代表作，這部取材於歐洲著名童話故事的影片，巧妙地運用了諸種特技手法，把南瓜變成車子；把老鼠變成了馬車夫，對於特技攝影的開創性運用，是梅里愛對於電影的又一個貢獻。
1902年，梅里愛根據儒勒凡爾納和HG威爾斯的兩部有名科幻小說編導了著名的科學幻片《月球旅行記》。這是他的高峰作，在電影史上產生了深遠影響。影片描述了一群身著星相家服裝的天文學家到月球上去旅行的奇幻故事。他們來到一座奇怪的機器製造廠，一些漂亮的女海員搬來一個大炮彈狀的飛行器，當天文學家坐進去後，他們被反射到了月球。天文學家們從飛行器里出來，欣賞了月球火山口附近平原的奇妙風光；他們還受到了由美女扮演的星神們的歡迎。天黑以後，他們從夢中被凍醒，就鑽進了一個大洞窟里，在裡面看到了月亮神、巨型蘑菇和各種稀奇古怪的東西。幾經危險周折，他們又乘炮彈飛行器飛回地球，經過海底奇異的旅行，在一座雕像的揭幕典禮中結束。梅里愛對電影藝術的貢獻，使電影在成為一門獨立的影像視聽藝術的道路上向前邁進了一大步。
在這一時期，不能不提到的是拍攝了《火車大劫案》的鮑特。鮑特在《火車大劫案》中第一次用14個場景來構成一部電影，而在此之前的梅里愛的影片都是從頭到尾一個鏡頭。《火車大劫案》第一次使用多場景來構成電影(嚴格說來它還不算真正的電影，因為那時候沒有鏡頭變化)。鮑特的影片里有了特寫，電影史上很有名的鏡頭就是讓手槍對著觀眾，在影片里已經初步嘗試，但是，對這種鏡頭的美學功能，它的作用還根本沒有任何有意識的認識，所以這只是一種自發的開始走向電影藝術的一個階段。
在無聲電影階段，對電影發展做出了巨大貢獻的是美國的格里菲斯、卓別林和蘇聯的愛森斯坦。
1908年，大衛格里菲斯加入了愛迪生公司，一開始時當演員，後來當導演。從1908年到1912年間，他共導演了大約四百部影片。在《孤獨的別墅》中，他創造了「平行蒙太奇」，標志著電影已完全擺脫了舞台劇的束縛，電影的時空得到了極大的擴展。
這時期美國出現的布賴頓學派對電影藝術的發展也起到重要的作用。布賴頓學派的代表威廉保羅在《彼卡德里馬戲團的摩托車表演》中成功運用了移動攝影。威廉遜還在《中國教會被焚化》首次成功使用了追逐和救援的戲劇式場面，以劃分兩頭的交切手法造成劇情的漸次緊張，給其後的驚險片特別是美國的 「西部片」開了先河。布賴頓學派的另一位代表人物GA史密士在《祖母的放大鏡》和《望遠鏡中的景象》中，同一場景交替使用了最初的真正的蒙太奇形式，特寫和遠景相結合手法的交替使用對電影語言的開拓與應用作出了貢獻。此外，布賴頓學派的柯林斯和哈橋梁爾分別拍攝了《礦工的生活》與《煤礦爆炸慘案》、《囚犯的越獄》等真正描寫現實生活的影片。這一時期，被稱為世界上第一座電影城的法國萬森市，被譽為「世界電影首都」，擁有「百代」「高蒙」兩大電影製片公司。1903至 1909年也因而被稱為世界電影史的「百代時期」。
1908年，世界上第二座影城——好萊塢也在拍攝《基度山伯爵》時初具雛形。其時，只不過是攝影師湯馬斯伯森斯和導演弗蘭西斯鮑格斯共同搭建的一個小小的攝影棚，直到1913年才形成規模。
（三）1913-1926年，無聲電影走向成熟
梅里愛在完成他第430部影片之後，於1913年退出影壇，最後慘死在街頭。一代巨匠在為電影藝術的發展做出巨大的貢獻之後，就這樣靠別了世界。梅里愛的衰落和好萊塢的興起，標志著電影已告別了它的幼年時期，而進入了成熟期階段。
格里菲斯在1915年以藝術家的勇氣拍攝出了世界電影史上的經典無聲片《一個國家的誕生》，在1916年又拍攝了《黨同伐異》。這兩部被譽為電影藝術的典基之作，標志著電影成為藝術的起始，是美國電影史上的里程碑，是當時電影水平的最高境界，也是世界電影史上的兩部經典之作。
格里菲斯的不朽功績是突破了梅里愛時期戲劇電影若干陳舊的陋習。作為第一人，在拍片時，他讓攝影機移動起來，極大地豐富了電影語言，開創性地使用了「特寫」、「圈入」和「切」的手法，又使蒙太奇成為電影藝術的重要組接手段。在梅里愛的特技攝影和英國布賴頓學派對蒙太奇的早期發現的基礎上，格里菲斯創造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。在《一個國家的誕生》里，他充分運用了他發展的特技和蒙太奇語言，影片集中體現了當時歐美電影藝術探索的成果。這部影片在廣闊宏偉的歷史場景中，較好地發揮了電影藝術時空的跳躍自如的特性，同時體現了蒙太奇多線對比、交替的作用。全片由一千多個鏡頭組接而成，不同景別的轉換使用，靈活多變的攝影技巧，是格里菲斯在電影史上的大膽創造。在影片中，近景及特寫等不同景別的組合運用，和諧、變換，各得其所。如大遠景，他用來表現兩軍對峙交火的戰爭場面；特寫，他用來表現人物的細部動作。在拍攝三K黨信馬飛馳的場面時，格里菲斯將攝影機安裝在卡車上，追逐奔馬進行跟拍，取得了緊張、逼真、生動別致的畫面效果。一年後的《黨同伐異》也是標志格里菲斯畢生成就的影片，沖破了古典戲劇的「三一律」限制，創造了開拓銀幕時間、空間的「多元律」。影片將不同時代的事件加以排比和集中，極大地豐富了電影語言，又豐富並發展了平行蒙太奇語言。這部精典巨作，以其疏密相間的節奏，溢彩流光的畫面，移動攝影的美感，宏偉開闊的大膽構思，在電影史上佔有重要地位，促進了電影藝術的發展。
這一時期，電影成為藝術已有公論；另一方面，這一時期，電影已經成為一種企業，電影到此時才有了真正的藝術作品。美國喜劇電影大師查爾斯卓別林，也是無聲電影時期傑出的電影藝術家。1914年，編導了第一部影片《二十分鍾的愛情》。接著，《陣雨之間》又問世，在這部影片中，第一次出現了流浪的夏爾洛的形象。1917年的《安樂街》里，夏爾洛形象顯示了逼人的光輝。《夏爾洛從軍記》一片標志著卓別林表演藝術的成熟。1919年，他自己集資建廠，成了好萊塢第一個真正獨立製片的藝術家。20年代，他拍攝了一批以《淘金記》為代表的著名影片。卓別林一生有80部喜劇電影作品，其中《王子尋仙記》、《大獨裁者》、《凡爾杜先生》、《摩登時代》和《淘金記》等代表作具有永久魅力。卓別林電影的最大特色是：具有鮮明的現實感和尖銳的諷刺性及雅俗共賞的大眾化特色。薩杜爾先生對其作品作了如下評論：「卓別林的影片是唯一能為貧苦階級和最幼稚的群眾所欣賞。同時又能為水準最高的觀眾和學識淵博的知識分子所欣賞的影片」。
蘇聯的著名電影大師謝蓋愛森斯坦是無聲電影時期為蒙太奇理論的建立與發展作出舉世矚目的重要貢獻的傑出代表。 1924年，他導演了第一部影片《罷工》，創造性地使用了雜耍蒙太奇，把沙俄軍警屠殺工人鏡頭和屠殺牲畜的鏡頭組接在一起，使之交替出現，造成了怵目驚心的隱喻。1905年，他導演了世界電影史上最傑出的史詩式的無聲片《戰艦波將金號》，成功地在影片里表現了俄國1905年革命。該片曾多次在國際電影評選中獲獎。影片中著名的敖德薩階梯的場面、段落，已成為影響幾代電影藝術家的經典性範例。1927年，他還導演了《十月》。 愛森斯坦的貢獻在於對蒙太奇理論地闡述和藝術實踐，使之成為一個完整的美學體系。愛森斯坦的藝術特點在於將格里菲斯創造的平行蒙太奇技巧向前推進了一大步；善於運用特寫表現事物的內涵；利用鏡頭的交切形成蒙太奇節奏，揭示人物的內在情緒；充分發揮了蒙太奇的隱喻功能 ，形成「詩電影」的傳統。
（四）1927-1945年，電影作為一種藝術走向成熟
1927年是電影史上具有劃時代意義的一年。《爵士歌王》影片的誕生標志著有聲電影時代的來臨，同時也是電影走向成熟期的標志。聲音使電影由單純的視覺藝術，發展成視聽結合的銀幕藝術，實現了電影史上的一次革命，極大發展了電影的本性，為電影藝術開拓了新的天地。有聲電影從問世到推廣，大約用了五、六年的時間，原因有認識上的、經濟上的和技術上的。特別是一批有名的電影藝術家，留戀無聲電影時期的美學原則，過多挑剔了剛問世的有聲電影的一些弱點。但是，隨著電影藝術家對聲音控制運用能力的增強，以及錄音設備、技術條件的改善，有聲電影才得以正常的發展。
聲音進入電影之後，蒙太奇不僅是畫面組合，同時也擴展至聲畫的對位或對立，因而豐富了蒙太奇的內涵手段。有聲電影取代無聲電影，是符合電影發展的客觀規律的，也是有其客觀必然性的，因為有聲電影的誕生標志著電影走向藝術真正發達的時期。1933年以後，由於技術的進步，電影製作中同期錄音得以改為後期錄音，電影攝影又變得靈活而富有生氣了。同時，蒙太奇理論和手法都有了較大的發展。蘇聯電影大師普多夫金在拍攝《逃兵》一片時，就曾用聲畫對位和對立的配音方法來加強影片效果，使觀眾耳目一新。
1935年，馬摩里安攝制了世界上第一部彩色故事片《浮華世界》。彩色膠片的發明，使得電影藝術又進入了一個新的發展階段。聲音和色彩促使電影更趨近於自然。有的電影創作家，在一部影片中交替使用彩色片和黑白片，因而收到了特殊的藝術效果。
彩色電影的問世，標志著電影從誕生發展達到了完善成熟的發展時期，從此電影藝術進入了新的發展階段。
（五）1946-1959年，電影藝術進入了重要的發展時期
這一時期，世界電影呈現多頭並進的曲折發展時期。美國電影在戰後一段時間里，在世界各地受到了冷遇；戰後的蘇聯及其東歐國家形成四足一方，大體沿著社會主義現實主義的傳統軌道緩慢發展。藝術創作受教條主義和庸俗社會學的影響，少有突破和進展。這一時期，蘇聯的一些電影工作者拍攝出了一批有感情沖擊力的戰爭片和有一定形象感染力的人物傳記片。如《青年近衛軍》、《攻克柏林》、《易北河會師》、《米丘林》、《茹科夫斯基》、《海軍上將烏沙科夫》。在斯大林逝世後，蘇聯電影在"解凍文學"的思潮影響下，開始走出僵化的模式。繼1957年卡拉托卓夫《雁南飛》以後，蘇聯電影便出現了再度大發展的局面。西歐的電影大國，如英、法、德、意，構成當時四足並立的另一極。戰爭留下的陰影和經濟困難的制約，西方電影進入特殊的時期，在困難和對手挑戰下，不僅沒有委縮，反而刺激了西歐現實主義電影的繁榮發展。在東方，主要是日本、中國、印度的電影出現了長足的新發展，並先後進入了世界大國之列。日本電影在東方起步較早，二戰期間日本電影步入歧途，而戰後不久便獲得新生。尤其在1950年黑澤明的《羅生門》以後，日本電影引起了世界的關注。印度電影在三十年代開始也有了較好的狹窄的發展。進入本時期後，印度電影因受義大利、法國和蘇聯電影的影響，逐漸從追求豪華的音樂歌舞片而轉向現實。1953年，拉基卡普爾導演的《流浪者》和比麥爾洛埃的《兩畝地》等影片標志著印度電影的新面貌。在1955年，印度影片產量達285部，僅次於日本成為世界第二位。現在，印度電影每年產量多達700部左右，成為世界電影產量第一大國。
這一時期世界電影史上有著重要影響的是義大利的新現實主義電影。新現實主義電影中心代表人物是義大利《電影》雜志反法西斯影評家巴巴羅桑蒂斯和柴蒂尼等。出身於新聞記者和作家的年青導演是他們的響應者，主要包括：德西卡、羅西里尼、維斯康蒂、利薩尼、莫切里尼等。他們要求建立一種現實主義的、大眾的和民族的義大利電影。他們的口號是：「還我普通人」；「把攝影機扛到大街上去」。他們十分重視作品的真實，盡可能使場景和細節具有照相性的逼真誠，基本上利用外景和實景拍攝；不大注重講究文法，不強調蒙太奇剪輯；主張啟用非職業演員，演員在表演中可以即興對話。其代表作品主要有：《羅馬11時》、《偷自行車的人》、《游擊隊》、《警察與小偷》、《大地在波動》、《橄欖樹下無和平》、《米蘭的奇跡》等。新現實主義電影的特點是取材大都是義大利的真實生活的紀實性寫照。新現實主義電影在五十年代中期衰落，但對推動電影藝術的發展，是起到極其重大的作用的。
（六）1960年至今，世界電影從突破創新中走向多樣化發展
繼義大利「新現實主義」電影之後，世界電影史上又出現了規模巨大的第三次革新運動。這次電影運動始於法國，自1959年新浪潮興起，法國電影出現了一條全新的、有效的打破商業電影壟斷製片的道路。新浪潮的口號就是不要大明星，打破明星制度，不要花大價錢拍豪華影片，影片要接近生活等等。這股浪潮蔓延到了全世界，許多國家都出現了新浪潮。「新浪潮」電影運動是一個留下較多實績，在世界電影發展過程中產生深遠影響的電影運動。這次電影運動以反傳統為旗幟，以非理性為基本特徵，是對戲劇化電影更大的一次沖擊。這次電影運動以夏布羅導演的《漂亮的塞爾傑》和《表兄弟》公映起始，特呂弗《四百下》，阿侖雷乃《廣島之戀》在戛納電影節引起轟動為開端。其電影藝術特徵是：影片呈現全新風格、意識流和閃回鏡頭為一些創作人員常運用的表現手段，情節鬆散，眾多生活事件無邏輯地以無技巧手法編輯在一起，表現人物的潛意識活動，缺乏結構上的完整性。
新浪潮後期影片，現實主義完全被拋棄，影片陷入到狂亂、神秘和頹廢的泥坑。其非理性、非情節化的傾向愈演愈烈，導致不久就衰落了，但由於聲勢浩大，且敢於突破創新，所以，在電影史上的影響是巨大的。它既確立和強化了導演的中心地位，又進一步發掘了電影的特性，豐富了電影的語匯，推動了這一時期電影的全球性的大發展，真正形成了電影題材的多樣化、電影樣式的豐富化和電影思潮與流派的多樣個性化。
這一時期全世界的電影事業出現較大的發展。就連拉丁美洲、遠東、阿拉伯世界和黑非洲電影都有了可觀的發展，而過去巴西、阿根廷、墨西哥在世界電影史已佔有一席之地，在這段時期，又有了新的發展，智利、古巴、玻利維亞等國電影也有了新的發展。這一時期，香港電影發展到充斥著整個中南亞電影市場，並影響著整個大陸的局面。所以，本時期世界電影已由過去的四足分立並進變成了全球性大發展。
世界電影發展中有兩個名詞必須要談，一是好萊塢，一是奧斯卡。
上文談到1913年好萊塢電影城初具規模，實際上當1908年攝影師湯馬斯伯森斯和導演弗蘭西斯鮑格斯來到這兒拍攝《基度山伯爵》時，這里還只是美國西海岸洛杉磯郊外的一個小村，這個小村風光秀麗，景色宜人，之所以被稱為好萊塢，意即常青的橡樹林。
自1913年建立以來，這里聚集著派拉蒙、米高梅、福斯、環球、華納等大製片公司，支配著影片的生產以及全世界影片的上映和發行，同時，也吸引著世界各地的導演和演員去那裡拍片和表演，成為美國繁華的電影城市。
好萊塢是美國電影出品的主要基地，據有人統計，生產的影片可以分為75種類型，其中我們較熟悉的有偵破片、西部片、歌舞片、喜劇片、驚險片、科幻片、抒情片，這些製片公司在電影方面大量投資，使電影事業在美國成為一種大規模的工業，取得了世界電影的霸主地位。
好萊塢攝制的影片完全是以票房價值收入為指導原則，製片人關心的是如何多賺錢，要求「把光打在有錢的地方」，「把鏡頭對准觀眾崇拜的面孔」。因此，好萊塢的影片一般都能在商業上獲得巨大成功。這些影片十分講究戲劇性，編織各種人在各種生活中的各種遭遇，結構緊湊、曲折，人物性格復雜、獨特，情節常有誤會、巧合；富有傳奇、浪漫色彩，具有極大的刺激性和觀賞性，能夠滿足要求娛樂的感官體驗和心理需求。
第一部在好萊塢拍攝的電影史根據大仲馬的原著改編的無聲影片《基督山伯爵》，那是1908年在好萊塢的荒野上搭建的一個簡陋的棚子里拍成的。有些人把1913年影城好萊塢的奠基年，這年由派拉蒙公司在好萊塢建立了一個初具規模的攝影棚，並有當時美國東部大導演西帛.地迷爾來此拍攝《通婚著》一片，攝影棚也由此再次擴建，所以人們將這作為好萊塢的誕辰載入史冊。
三四十年代是好萊塢的黃金時代，其間推出了不少傳世佳作，如《亂世佳人》、《蝴蝶夢》、《魂斷藍橋》以及喜劇大師卓別林的傑作《摩登時代》、《大獨裁者》等，這些影片不僅被奉為好萊塢的經典之作，而且也為世界電影史冊增添了輝煌的一頁；世界觀眾並由此熟悉了那些在銀幕上塑造了一個個性格鮮明的人物形象的明星：卓別林、鮑嘉、蓋博、泰勒、勞倫斯、瓊.芳登、英格麗.褒曼等。
隨著資本主義經濟的畸形發展，好萊塢也受過種種危機，通貨膨脹，製片成本大幅度提高，以及電視業的競爭，觀眾審美觀的改變，一度使好萊塢走向低谷。有的公司因此虧損，有些公司乾脆搞多種經營，變攝影棚為旅遊、展覽區。直到70年代，製片商們採用了歐洲的製片人制度，才使好萊塢走出低谷。同時，製片商還引進新的科學技術，創造了立體聲、寬銀幕等電影形式；有的廠家與電視化敵為友，使好萊塢也躋身於電視界，並由此使影視事業走向繁榮。
至於奧斯卡，眾所周知，每年的三四月間，太平洋之濱的美國名稱洛杉磯音樂中心影星薈萃，他們在這里參加由美國電影藝術與科學學院舉辦的奧斯卡金像獎的頒獎典禮。這一年一度的頒獎盛典，不僅是美國電影界的一件大事，也是世界影壇上的一件令人矚目的事情。
在美國，最為著名的電影藝術獎由兩種，一是外國記者頒發的金球獎，另一種是奧斯卡金像獎。比較而言，金像獎更為人們所津津樂道，因為它是美國電影界的最高榮譽，一旦獨占鰲頭，便馬上身價百倍，因此，此項大獎的競爭頗為激烈。
為什麼金像獎命名為「奧斯卡」呢？這還得從金像的設計說起：金像的造型本由米高梅公司的美工師塞德里克.吉木斯構思而成，後由青年雕塑家喬治.斯坦利於1928年完成塑像的製作。這尊金像的主體是一個男人站在一盤電影膠片上，手中緊握戰士的長劍，身長34.5厘米，重3.45公斤，由銅為主的合金鑄成。因塑像呈金色，故稱之為金像獎。得名奧斯卡是在1931年，頒發金像獎之時，說來也純屬偶然：當年頒獎前夕，評審委員會的成員在一起評論金像，當時的藝術與科學院的圖書管理員瑪格麗特.赫里奇仔細地端詳了金像後，情不自禁地叫到：「呀！他看上去真象我的叔叔奧斯卡。」於是，藝術與科學院的工作人員便稱金像為奧斯卡，這個名稱也從此聞名全球了。
奧斯卡金像獎誕生至今已有73多年的歷史了。我們從中可以看到美國乃至世界電影事業的飛躍發展。奧斯卡金像獎原定為兩年評選一次，自1934年起，擴大到每年一次。最初規模不太大，活動只限於電影界內部，且評選消息只在《洛杉磯時報》上發表，直到1953年，評獎的全過程才第一次通過電視媒介向全國實況轉播，同時還增設了一項外國影片金像獎，至此，奧斯卡獎評選成為世界矚目的一件大事。如今，有了衛星作為傳送媒介，奧斯卡金像獎的評選更是家喻戶曉。1989年3月30日，在好萊塢舉行盛況空前的第61屆奧斯卡獎揭曉盛典，主持人當場宣布：世界上有91個國家的十億觀眾，包括第一次收看實況轉播的前蘇聯觀眾通過衛星收看這次頒獎儀式。
總之，從第二次大戰結束以來，電影在技術上是相當完善了，在藝術表現方面也是已經成熟了。我國的電影理論家邵牧君在《西方電影史概論》一書中提出，電影在其百年的發展歷程中，大致可以從四個階段進行研究：
一是形成期(1895年——1927年)，從愛迪生、盧米埃爾在美國和法國發明電影之日起，經歷了從短片到長片，從單鏡頭到多鏡頭剪接，從而形成視覺語言的二十多年歷史。
二是發展期(1927年——1945年)。在這不到二十年的時間里，電影獲得了聲音和色彩，具備了電影藝術的一切必要的表現元素。人們對反對無聲電影的經驗開始了總結，並且在運用音響和色彩方面，在探索電影形象表現潛力方面都展開了認真的研究和實驗。
三是成熟期(1945年至今)，電影在第二次世界大戰結束後已在技術上達到了完善的地步，此後的技術發展不再對藝術表現有重大的影響。電影從此進入了在藝術上精益求精的階段，並在同其他藝術的關繫上，從過去單純的摹仿吸收進行到有取有舍的階段。此外，更值得重視的是，電影這時的不再是單純的娛樂品，而是具有極大的社會影響的藝術門類了。
2. 弗萊迪·海默還演過什麼電影啊，除了奇幻精靈事件簿，黃金羅盤
傑克與仙豆 Jack and the Beanstalk: The Real Story (2001)
(小弗萊迪·海默開始跑龍套 角色： Freddie Highmore .....Son at Playground)
劇情介紹：
傑克·羅賓遜是位富有的商人，每天圍繞他生活的就只有工作。然而，一個家族的詛咒卻日夜纏繞著他：但凡羅賓遜家族的後人都活不過30歲。就在傑克30歲的生日即將來臨之際，他挖出一具巨人屍骨。從天堂來人間尋回寶物的安迪自稱記者采訪傑克，而一位神秘的老婦人竟宣稱知道巨人頭骨的下落。夜裡傑克被領到神秘老婦處，老婦給他講述了家族的故事。
395年前，在古老的歐洲，一個家庭里，生活著兩母子。生活很艱難，母親讓兒子第一代老傑克去變賣唯一的財產——奶牛。老傑克出門時碰到了一個老人，用五粒豌豆和他換了奶牛。老人告訴傑克：豌豆有著無與倫比的魔力。夜裡，撒在地上的豌豆長成了豆苗，一直長上了天空，老傑克爬上豆苗，發現這是另一個世界。
在那裡他發現一個巨人統治著一個巨大的城堡，巨人擁有一隻會下金蛋的鵝，伴隨著旁邊的黃金小和諧女神所彈奏豎琴的美妙音樂中，鵝會生下金蛋。老傑克偷了鵝和黃金小女神的豎琴，爬下豆莖。但是巨人緊追不舍於是傑克把豆苗砍斷，巨人摔死。傑克家由此興旺發達，隨之詛咒和恐懼也籠罩著這個家族，現在只有傑克才可以結束這一詛咒。
為了解救自己的生命與巨人王國，傑克必須阻止過去發生的事情，並要把魔幻豎琴及會下金蛋的鵝帶回原來屬於他們的地方。老婦給傑克一顆綠色小豆子，豆子也長成通豆莖，傑克設法沿莖上天。經過一番努力，傑克重新找回了這個鵝和豎琴。巨人世界才回復了天國般的美麗，而傑克家的詛咒也因此解除。
沙子精靈 Five Children and It (2004)
劇情介紹：
戰爭開打了！因為爸爸要駕著飛機保家衛國，媽媽要照顧傷患，所以我們五個頑皮可愛的小孩也得要離開溫暖的家裡，借住在怪怪叔叔的家，叔叔的家有禁止進入的溫室、規矩特多的嬸嬸、當然還有討厭的小瑞堂哥。原本枯燥的生活卻在我們意外發現一隻8000多年的沙仙之後變得更加不可思議了！它實現了許多我們平常不敢說出口的願望，只可惜這些願望在太陽下山後都會消失。就在沙仙和我們之間逐漸產生了微妙的情感時，意外發生了：有人發現了沙仙的蹤跡試圖綁架它、失控的魔法把整個小鎮搞得天翻地覆、更慘的是……我們是不是再也看不到爸爸了呢？！我們到底該怎麼辦？可以讓一切回復原狀嗎？
幕後製作：
這部電影改編自英國經典同名童話，這部童話出版於1902年，至今仍是書店的暢銷書籍。《哈里·波特》的作者J.K羅琳都自稱她的書是受到這部童話的啟發才得以完成。導演約翰·斯蒂芬森是著名的動畫和特效師，曾先後執導過《101斑點狗》《迷失太空》等片。因此影片的特效非常突出，沙子精靈的形象被塑造的非常有質感。影片始終洋溢著一種熱情，沒有因為過多的特效而喪失靈魂，它更默默投注了溫暖關懷的家庭價值觀於其中，使整部電影的人文素質因而突顯。雖然這種價值觀或許是保守的，但一個童話色彩的故事的最終價值就在於此。
尋找夢幻島 Finding Neverland (2004)
劇情介紹：
英王愛德華時代，劇作家詹姆斯·巴利(約翰尼·德普飾)小有成就，可他的新劇上演後卻反響不佳，他意識到必須尋找新的創作靈感。這一天，巴利像往常一樣到肯辛頓公園散步，在那裡遇到了萊文利·戴維斯一家：四個剛剛失去父親的孩子和他們美麗善良的母親西維婭(凱特·溫斯蕾特飾)。
盡管孩子的祖母艾瑪(朱莉·克里斯蒂飾)和他的妻子(瑞哈·米切爾飾)百般阻撓，但詹姆斯·巴利仍然堅持不懈地幫助萊文利一家。巴利和孩子們一起玩游戲、惡作劇、過家家，進入城堡和國王、牛仔和印第安人、海盜和漂流的世界。是他把小山坡變成帆船、木棍削成寶劍、風箏畫成仙女，把四個小男孩裝扮成「迷失的夢幻島男孩」。
通過和這些天真無邪的孩子們的接觸，詹姆斯·巴利打開了想像力的大門，創作了一部後來家喻戶曉的經典童話《小飛俠》。最初，巴利的劇團對這部童話劇的吸引力非常懷疑，就連一向支持他的製作人查爾斯(達斯汀·霍夫曼)也擔憂不已。但是在巴利堅持不懈的努力下，《小飛俠》最終以天真的童趣和豐富的想像，打動了不計其數的孩子和大人。
幕後製作：
影片由曾執導《死囚之舞》的馬克·福斯特導演，而男女主角分別是因《加勒比海盜》和《泰坦尼克》走紅的約翰尼·德普和凱特·溫斯萊特，同時，老牌的奧斯卡影帝達斯汀·霍夫曼也加盟了本片。影片音樂的製作陣容也很強大，英國著名流行音樂人，曾經製作並演唱影片《獅子王》主題曲《今夜你能否感受到我的愛》(CAN YOU FEEL THE LOVE TENIGHT)的艾爾頓·約翰(Elton John)這次再次創作了本片的主題曲《彼得的歌》(Peter's Song)。2004年恰好是小飛俠彼得·潘誕生100周年，在這個特殊的時間，影片《尋找夢幻島》向人們講述了一個傳奇而真實的故事。《尋找夢幻島》獲的了2004年美國國家評論協會最佳影片獎，並成為當年的奧斯卡奪標大熱門。
虎兄虎弟 Two Brothers (2004)
劇情介紹：
一道黎明的曙光刺破法屬印度支那原始叢林的茂密枝椏，帶給這座早已被人遺忘的破敗古廟一絲生氣，兩只剛出生不久的小老虎在父母的呵護下歡快地嬉戲林間，他倆的名字叫古瑪和桑哈。
一聲槍響打破了這里亘古的寧靜，對象牙和古代財寶的貪欲驅動著西方獵人闖進叢林，艾丹(蓋•皮爾斯 飾)也是這些獵手中的一員，對冒險和狩獵的熱情，對叢林的了解和大量的狩獵知識都讓他成為這個行業的佼佼者，這一次，他和自己的探險隊侵入了老虎的勢力范圍，並開槍打死了為保護孩子而發動攻擊的雄虎。
桑哈和媽媽一起逃離，而古瑪則被艾丹捕獲，當他因為掠奪雕像被投入監獄，古瑪被賣進了馬戲團，開始了他在那裡的悲慘生活。馴獸師澤比奧同情這只小獅子，但馬戲演員塞萊汀卻使用最嚴厲的方式對他進行訓練，迫不得已，古瑪開始無精打采地開始了跳火圈的無聊表演。他開始減少進食，日漸消瘦下去。
地方長官尤金同意釋放艾丹，但條件是他必須為當地的國王帶領一隻狩獵隊。這次狩獵再次進入了老虎活動的地區，雌虎被射傷了耳朵再次逃脫，但狩獵隊還是捕獲了藏在洞穴中的桑哈。尤金的兒子拉奧勸說父親同意將這只小虎帶回家裡作為自己的玩伴。兩個同樣感覺孤單的心靈不斷靠近，拉奧和這只小虎連晚上都睡在一起。然而好景不長，家裡的寵物狗激怒了這只幼虎，結果當然是非常悲慘的。這個家庭無法保留這只老虎，不得不將他送往國王的私人動物園。這里的馴獸師決定徹底祛除這只幼虎的平和個性，希望能夠訓練他成為一隻兇猛的斗虎並送他去參加比賽。
幾個月之後，當地國王為了取悅他的新未婚妻，決定在自己的皇宮舉行一次斗虎比賽，參賽的老虎是剛剛結束訓練的桑哈，而另外一隻是巡迴馬戲團里的明星老虎。現在，完全長大的桑哈和古瑪在決斗場上再次相遇了，讓觀眾感到驚奇的是，兩只從氣味中認出對方的老虎沒有想他們想像中那樣撕咬，而是開始了他們童年時的那些小把戲，雀躍地翻滾在一起。在人們的驚訝聲中逃離了決斗場，在這之後，他們佔領超級市場，侵入家庭，伏在公共汽車上旅行，他們開始用自己的方式享受得來不易的自由。
地方長官說服艾丹帶領捕獵隊去射殺老虎，他利用自己的豐富經驗將老虎驅趕到密林深處，就在老虎們出生的古廟那裡，一道火牆阻住了去路，危急時刻，古瑪，這個馬戲團里跳火圈的高手帶著自己的兄弟逃離了包圍圈。兩只老虎之間深厚的感情感動了人們，拉奧和艾丹向這兩只重獲自由的虎兄弟揮手道別，古瑪和桑哈找到了母親，又重新回到屬於自己的動物王國，原始叢林的美麗屬於他們，他們也繼續成為這份美麗的一部分……
幕後製作:
這部影片與讓-雅克·阿諾的前作《熊》有著類似的模式，以動物之間的感情關系模擬人之間的倫理關系，從動物世界中發現人類的某種精神情感的流失。這樣的影片總會獲得極佳的票房和口碑。無論是《熊》里的北歐風光，還是《虎兄虎弟》中的柬埔寨風情都充分展示了一種異國情調。阿諾說：「《虎兄虎弟》蘊涵了三種我最痴迷的東西：野生動物世界、神秘的宗教和美麗的亞洲大陸風光。」這是一種全然的明信片式的欣賞。將影片的情節置換到人的身上，就可以向我們證明這種風光展示永久不衰的魅力。而柬埔寨文化部官員則稱該片是外國來柬埔寨拍片歷史上最重要的一部影片。
查理和巧克力工廠 Charlie and the Chocolate Factory (2005)
劇情介紹：
小男孩查理·巴克特和父母、爺爺奶奶、外公外婆住在一起。雖然家境貧困，巴克特一家居住在一棟搖搖欲墜的小木房裡，當相互之間和睦融洽。雖然每個夜晚，一家七口吃的晚餐都是捲心菜湯，可是小查理卻樂意與自己最心愛的人一起分享。
從巴克特一家的窗子望出去，可以看到全世界最大的巧克力工廠―旺卡巧克力工廠。工廠由一位偉大的巧克力發明人兼製造商威利·旺卡所擁有。那是座神秘的工廠，大門緊鎖，15年來，從來沒有看見有工人從大門進去或出來過，可是卻能聞到濃郁的巧克力香味。工廠出產的旺卡牌巧克力銷往世界各地，深受孩子們的喜愛。小查理也不例外，在每個夜晚的夢鄉中，他都幻想自己可以親身進入那座工廠。
有一天，威利·旺卡先生宣布了一個告示，他將向五位幸運的孩子開放充滿「奧秘和魔力」巧克力工廠。除了得到參觀工廠外，他們還能得到足夠吃一輩子的巧克力糖和其他糖果。全世界購買旺卡牌巧克力的孩子都有機會，只要發現藏在包裝紙里的金券，誰獲得金券誰就是幸運兒。不過，旺卡先生一共只准備了五張金券，小查理的機會微乎其微。全世界一下子掀起了購買旺卡牌巧克力的熱潮，幸運兒一個又一個地出現了，媒體們也都在播報孩子們發現金券的新聞。首先是喜歡暴飲暴食的奧古斯塔斯，一個不愛思考但是喜歡每天往嘴裡塞甜食的胖男孩。接下來一位是被家人寵壞的小女孩維魯卡·索爾特，要是她爸爸不給買她想要的東西，她就會耍賴，又踢又鬧吵個沒完。第三位幸運兒是嚼口香糖冠軍維奧莉特，她只在意往自己背包里不斷地裝戰利品。最後一位是邁克，一個喜歡打電玩，總是喜歡炫耀自己比別人聰明的小男孩。
前四張金券都有主人了，最後的機會會降臨在小查理身上嗎？奇跡終於發生了，小查理在雪地上發現了錢幣，於是他奔向最近的商店迫不及待地買下了旺卡牌的巧克力。很久沒有嘗到巧克力的小查理正想著這塊巧克力會是什麼味道時，拆開包裝紙，發現下面露出了金色。沒錯，這是最後一張金券。查理就要去巧克力工廠了，他的爺爺、年邁的喬·巴克特聽到這個好消息高興地從床上跳下來，他回憶起旺卡先生在關閉塔樓之前自己在巧克力工廠工作時的美好時光。全家決定讓爺爺陪伴小查理去，一塊去度過即將到來的精彩紛呈的冒險時光。
參觀巧克力工廠的過程是一次奇特的經歷。小查理、爺爺和每個參觀者都被眼前的景象和撲鼻而來的香味驚嘆不已，他們的體驗充滿了無限的著迷、狂喜、好奇、驚訝和迷惑不解。說得誇張一點，即便是做最荒誕的夢你也想像不出這樣的事情。飛流直下的巧克力瀑布，龍頭船航行在棕色巧克力糖漿的河流，鬱郁蔥蔥的口香糖草地，還有滿山遍野的牛奶糖。巧克力工廠里的工人全是來自蠻荒叢林、酷愛巧克力的矮人國的小矮人。
巨大的「糖衣炮彈」讓其他四個孩子都失去了自製，他們有的掉進了巧克力河、有的變成了糖果，有的被送進了廢品爐，有的鑽進電視變成了信號微粒。對於這一切，小查理不為所動。最不可思議的事發生在了最後……
幕後製作：
這部作品曾經在1971年被拍攝成電影，而影片的名字和本片稍有不同——《威利·旺達和巧克力工廠》。老影片拍得更像一部成人影片，而不是兒童片，所以，它的故事比原著黑暗了很多。對此，原著作者羅爾德·達爾頗有微詞，認為這部作品偏離了原著的立意和主題，完全是掛著羊頭賣狗肉。而這次蒂姆·伯頓重新拍攝的影片則基本忠實了原著的主題和風格，完全從兒童的視角去講述這個奇妙的巧克力工廠之旅。素有「鬼才導演」之稱的蒂姆·伯頓跟本片簡直就是天生一對！想法古怪、不按常理出牌的蒂姆·伯頓，總是能賦予奇幻電影原汁原味的感覺。他對視覺效果和電影配樂的把握很有一套，已經形成了非常鮮明的「蒂姆·伯頓風格」。在影片色彩的運用上，《查理和巧克力工廠》可以說是一次色彩大爆發——各種鮮艷、嬌嫩欲滴的糖果色全都被蒂姆·伯頓在影片中發揮到極致，視覺沖擊力非同一般。
一年好時光 A Good Year (2006)
劇情介紹：
從倫敦逼仄、狹小的辦公室里出來，股票經紀人麥克斯(拉塞爾·克勞飾)投入了法國普羅旺斯的懷抱。那裡有分外藍的天，分外清爽的空氣，還有故去的叔叔留給他的一大片葡萄園。雖然葡萄園風景如畫，但是習慣了都市生活的麥克斯決定把葡萄園賣出去。在為葡萄園尋找買家的過程中，精明的麥克斯使用了他在商場上的一貫手腕，並沒有考慮到葡萄園原來的釀酒師傅們的感受，只想著早日拿到錢後返回倫敦。
在法國停留的期間，麥克斯認識了當地一家咖啡館的女招待芳妮(瑪麗昂·歌迪婭德飾)。原來芳妮曾是麥克斯小時候來法國找叔叔度假時的玩伴。在與芳妮的相處之中，麥克斯回憶起兒時與叔叔亨利(阿爾波特·芬尼飾)之間的許多往事，也為芳妮將這些珍貴回憶帶回而對她萌生好感。二人一來二去，不禁萌生情愫。也使得麥克斯有意保留葡萄園並在此生活。湊巧的是，值此重獲新生之際，一位自稱是該庄園合法繼承人的神秘的美國女郎，闖進了麥克斯的生活，這就是來自加利福尼亞的，麥克斯的叔叔亨利的私生女--克里斯蒂(艾比·考尼什飾)。克里斯蒂本來是來法國尋找生父亨利的，而私生子女同樣擁有遺產繼承權，所以庄園的歸屬問題一時間還難以判定。於是麥克斯便以此為由，順理成章的呆在庄園，享受難得的一年好時光。
亞瑟和他的迷你王國 Arthur and the Invisibles (2006)
劇情介紹：
亞瑟、賽琳娜、倍塔枚許穿過七大洲，他們來到了禁忌城奈克羅鮑利，這里由惡魔瑪塔扎德統治的城市。為了找到珠寶，他們必須進入惡魔的宮殿，但是，惡魔千方百計不讓亞瑟一行人達到目的。亞瑟他們處於危險之中，而且時間很緊迫，還有一到兩天，就將不再有花園，不再有房子，也不再有迷你墨人了……惡瑟是否能及時找到他外公呢？他是否能贏得賽琳娜的心呢？他們一起冒著生命危險去救迷你墨王國是否能成功呢？最重要的，他們是否最終挫敗了達維多的陰謀，使得外婆的美麗房子沒有落入他人之手呢？
幕後製作：
關於影片
法國導演呂克·貝松，曾經執導過家喻戶曉的《這個殺手不太冷》和《第五元素》等影片。本片由呂克·貝松暢銷系列兒童小說《亞瑟和迷你墨王國》改編，結合了真人與CGI動畫技術製作而成，堪稱法國版的《哈利·波特》。主角「亞瑟」將由弗萊迪·海默扮演，他憑借《尋找夢幻島》中的出色表演被譽為「全英倫最幸運小童星」。
八月迷情 August Rush (2007)
劇情介紹
一見鍾情的背後，往往都是無盡的苦果和數不清的等待……12年前，華盛頓廣場某個被月光籠罩的美麗夜晚，萊拉·諾瓦切克，一個從小就被父親保護過度的大提琴手，希望可以從讓人透不過氣的緊密盯防中稍稍松一口氣，跑到屋頂的她卻偶遇背著吉他、英俊且魅力十足的愛爾蘭歌手路易斯·康納利。在街頭歌手演奏的《月宮舞》徐徐縈繞的旋律中，萊拉和路易斯相遇並迅速墜入愛河，音樂成了他們能夠分享的共同語言，發生在他們之間的情感維系是真實不可否定的，可惜的是，卻很短暫。
在兩人共度了一個浪漫到讓人意亂情迷的夜晚之後，盡管萊拉不斷地表示抗議，可是她的父親卻堅持甚至強迫她繼續舉辦音樂會，害得她不能履行去見路易斯的承諾。相愛的人如果太在乎對方，就很容易產生誤會，路易斯沮喪地認為，優秀且家境豐厚的萊拉對自己的愛根本就沒有他想像得那麼深沉，因為心碎而喪失了勇氣，路易斯發現自己沒辦法繼續創作和彈吉他了，最終，他放棄了音樂，離開了這塊傷心地。而萊拉，也失去了今生的愛人，幾個月後，一場車禍還奪走了她那未出生的寶寶。
轉眼10多年過去了，不知真相的萊拉和路易斯一直生活在各自的悔恨與傷感當中，他們並不知道，其實萊拉的孩子並沒有死，而是被她的父親偷偷送走了。如今那個名叫奧古斯特·拉什的小男孩已經有11歲了，不僅勇敢活潑，還具有非同一般的天賦--任何發生在他周圍的聲響，到了他的耳朵里，都變成了美麗的旋律，只要他站在麥田間，甚至能將微風掃過麥穗的沙沙聲變成宏大的交響樂，顯而易見，奧古斯特是一個天生的作曲家和指揮家。雖然是以孤兒的身份長大的，奧古斯特卻堅信他的雙親仍然活著，而且就像他對他們的迫切希望一樣，他們也需要他。
下定決心去尋找自己的父母，奧古斯特離開孤兒院隻身來到紐約，卻在紐約的街頭迷失了方向。這時，奧古斯特被一個在街頭演奏的孩子所吸引，並跟在他的身後，來到了一所廢棄的菲爾莫東大劇院，他發現，這個暫時的避難所還有許多像他一樣無家可歸的孩子，一個被稱為「巫師」的神秘人保護著他們。那一晚，奧古斯特第一次拿起吉他，隨即無師自通的他，就即興為大家表演了一曲。
一個從未受過音樂訓練的小男孩，竟然可以釋放出如此具有激情的旋律，這讓「巫師」驚訝不已，於是他為奧古斯特設計了一系列的表演計劃……奧古斯特並沒有覺得「巫師」的做法有什麼不妥，因為他相信，他的雙親就生活在這個城市的某個地方，如果他們聽到他的音樂，一定會找到他的。那個時候的奧古斯特還不知道，他期盼的「尋找」，已經開始了。
萊拉的父親終於將真相告訴她，原來她以為已經夭折的嬰兒竟然還活著……萊拉發了瘋似地找到社工理查德·傑弗里斯，希望他能夠幫助自己找到失散了11年的兒子。而遠走他鄉的路易斯，因為仍然無法對萊拉忘情，也回到了他們當初相遇的地方。
萊拉、路易斯和奧古斯特，他們雖然因為生活的無奈與欺騙，而被迫分開，可是他們之間通過愛和音樂建立起來的聯系卻從未斷過，他們終將找到彼此，因為只有這樣，他們的生命才有可能完整。
幕後製作
【關於孩子】
一部《查理和巧克力工廠》，讓那個在《尋找夢幻島》中毫不起眼的弗萊迪·海默迅速成為最炙手可熱的童星之一，並隨後分別在《一年好時光》和《亞瑟和他的迷你王國》有過非常出色的表現，然而就連海默自己都說，從電視到電影，自己從沒有經歷過像這部《八月迷情》中「改變」如此巨大的角色。
弗萊迪·海默在詮釋奧古斯特·拉什這個角色時，所面對的最大挑戰，就是小小年紀的他，要如何掌握音樂中的神髓，尤其是一個在英國倫敦土生土長的都市男孩，怎麼才能體會像奧古斯特這種在美國鄉村生活的孤兒的心境呢？海默表示：「這部影片對於我來說確實是迄今為止遇到的最大考驗，尤其是需要我這個標準的英國小孩嘗試用美國英語來完成所有的對白，同時很多場景還要演奏吉他，當然，包括指揮樂團……也許，只用手做出彈吉他的樣子，然後進行後期配音製作會更加簡單一些，而且也看不出來有什麼不同，但我真的希望能夠實際去操作它，因為我覺得，就連我自己都不知道正在做什麼，又如何將情感通過影像傳達給觀眾呢？」
讓講著一口標準的倫敦腔、只有15歲的弗萊迪·海默完全用美國口音去出演一部影片，聽起來確實有那麼點不可思議，不過海默表示，學習語言的過程其實還是挺有趣的：「在正式開拍之前，他們為我專門請了一位發音老師，從那時候開始，我就逼著自己每一句話都用美國音來發，無論是不是在拍戲的時候，那段時間我甚至連家都不會回，就假裝我是一個孤兒，沒有家。這種做法產生了非常實際的效果。當學習變成一種環境，最終成為一種習慣時，再加上我們是在紐約實地拍攝的影片，身邊都是美國人，這就是最好的復習。」
弗萊迪·海默在影片中是最小的主要演員，可是他需要學習的卻是最多的，除了糾正口音，他還要勤練吉他，雖然海默將一切都想像成是一種樂趣，可是難免會辛苦一些，他說：「音樂方面就比較麻煩了，突擊不來，我預先特訓了6個月的吉他課程，當然，主要集中在我會在電影中演奏的那幾首曲子上。現在容我賣個小關子，我只想說，我真的取得了不俗的成績，與吉他有關的場景，都是我親自完成的。」
如果你仔細觀看影片，就會發現其中的一個小細節，不會樂器卻又受到音樂召喚的奧古斯特在第一次拿起吉他的時候，就「獨創」了一種擊弦式的演奏風格，弗萊迪·海默談到這里時表示：「首先我要聲明的是，這種方法不是我首創的，而是我跟一個名叫邁克爾·亨吉斯(Michael Hedges)的吉他手學來的，他就非常善用這招表演。影片中的奧古斯特雖然是個音樂天才，可是他不知道什麼叫E大調、什麼叫G大調，所以他只能通過一些別人想像不到的方式將這些聲音發出來--這里使用『擊弦』，我覺得非常合適。」
【關於父母】
作為一對一見鍾情的音樂人，萊拉·諾瓦切克和路易斯·康納利卻因為世俗的種種被迫分開，心碎無痕。而他們共同蘊育的一個天才音樂少年，則成了讓他們重新找到彼此的惟一紐帶。那麼飾演奧古斯特父母的喬納森·萊斯·梅耶斯和凱麗·拉塞爾是不是也相信有如童話般美好的「一見鍾情」呢？梅耶斯對此倒是一直持肯定意見：「我相信，因為我有過相似的經歷。當然，那是很多年以前的事了，而且我現在和那個女孩也沒什麼聯系了。在我看來，那種感覺並不像書中描述的那樣，有如被雷電擊中般，反而更像是生了病的胸悶。我覺得影片中的路易斯和萊拉是因為感受到彼此相似的沮喪和悲觀，才會毅然決絕地走進愛情。他們看著對方，就好像看到了自己在水中的倒影：一個來自於上流社會，另一個卻位於最底層的貧民窟。」拉塞爾的補充則充滿了宿命感：「我覺得一切都是命，當你和某個人有了孩子的時候，那是命運；當你恨或愛一個人的時候，也是命運，所以你註定會被這個人束縛一生。」
由於影片包含了很多魔幻氣息，所以讓人難免會擔心2007年的現代觀眾是否會全盤接受，凱麗·拉塞爾表示：「其實我本人是非常喜歡這種類型的電影的，我特別享受那種感覺，就是想像身邊有一些特殊的東西在引導著我們、保護著我們的感覺。當然，我也擔心過，可是影片的試映會結束後，好多成年的男性觀眾走過來對我說，『我從沒看到過感情如此豐富的影片。』所有的擔心在那一刻似乎都不重要了。」
也許是因為凱麗·拉塞爾已經身為人母的關系，她特別能夠理解影片中那個只存在於母親和孩子之間的神秘聯系：「這是最沒有辦法否認的，只要當了母親的人都能體會得到。我曾經和我的丈夫一起去看過《海底總動員》，當我看到尼莫找不到他的爸爸時，忍不住哭了起來……我知道說這些，有人可能覺得我有點瘋狂，但我就是控制不了自己，因為那個時候我就是一位母親，所以特別能夠體會與孩子分離的痛苦。雖然照顧小孩是一件非常辛苦的事，我幾乎連睡覺的時間都沒有，可是看著他們開始對你笑，或開始認識你的時候，是最美妙的時刻。」
3. 中國電影史的史上第一
第一次電影放映：、1896年（清光緒22年）8月11日，在上海徐園內的「又一村」放映的西洋影戲。
以中國為題材的第一部紀錄片：1896年美國繆托斯柯甫公司拍攝的《李鴻章在格倫特墓前》。
中外合拍的第一部影片：1902年，美國文列文同邵醉翁合拍《慈禧太後》。第一部獨立拍攝的影片：1905年在北京豐泰照像館拍成的由京劇著名武生譚鑫培主演的《定軍山》片斷。
第一個電影放映場：北京西單的「文明茶園」掛牌為「北京電影」。
第一部電影故事短片：由鄭正秋編劇、張石川導演的《難夫難妻》。它首映是1913年9月底。
第一位女演員：受傳統禮教的影響，中國的戲曲舞台上一向遵循著男扮女裝的規則。即使是在甲午戰爭後誕生的 「文明戲」中，也沒有打破男扮女裝的傳統。1905年問世的中國電影自然也難以擺脫這一文化習俗。直到1913年《難夫難妻》這部以婚姻關系為內容的影片中，所有的男女人物依然都是由男演員扮演的。中國銀幕上的第一位女演員來自和《難夫難妻》同年拍攝的香港短故事片《莊子試妻》。影片取材於明清傳奇，描述莊周詐死，以試其妻子是否忠貞的故事。也許是因為香港長期處在英國統治之下，得西方風氣之先，故能夠接受男女同台演出。結果，導演黎民偉的妻子嚴姍姍在片中扮演了莊周妻子的使女，雖然還不是主角，但這已足以使嚴姍姍獲得中國電影史上第一位女演員的殊榮。
攝制的第一部長故事片：1922年上映的《閻瑞生》，任彭年導演。該片以當時上海閻瑞生謀斃王蓮英的轟動社會案件為依據，寫的是真人真事，上映盛況空前。第一個電影文學劇本：中國電影史上第一個比較完整的電影劇本問世於1925年，即電影在中國誕生後整整20年後。它是由洪深編寫的歷史題材劇《申屠氏》，發表於當年《東方雜志》22卷1-3月號上。
第一部動畫片：動畫片是美術片中的一種重要類型。中國的美術片就是從動畫電影開始的。1920年，上海的萬籟鳴、萬古蟾、萬超塵、萬滌寰兄弟（人稱「萬氏兄弟」）在影院中看到了《大力水手》、《勃比小姐》等早期美國動畫片後，對這種藝術形式產生了濃厚的興趣，從此開始研製中國的動畫電影。1926年，萬氏兄弟克服了資金、場地、資料等多方面的困難，終於研製成功了中國第一部動畫片《大鬧畫室》；它也是中國美術片的開始。
第一部出國的影片：新亞公司拍攝的《紅粉骷髏》，管海峰導演，除在上海、天津、北京上映外，還到日本、越南等國放映。
第一個電影公司：亞細亞影戲公司。
第一首電影插曲：1930年12月3日，聯華公司出品的影片《野草閑花》上映，該片以蠟盤配音的方法為影片配製了一首由孫瑜作詞、孫成壁作曲的電影歌曲《尋兄詞》，它成為中國電影史上的第一首電影插曲。
第一部蠟盤發音片：《歌女紅牡丹》（1931年）。
第一部片上發聲片：《雨過天晴》（1931年）。
第一部獲得國際榮譽的影片：《漁光曲》，榮獲「莫斯科國際電影節」榮譽獎。
第一部音樂喜劇片：袁牧之編導的《都市風光》，完成於1930年10月。
第一部採用管弦樂隊演奏的影片：《都市風光》。
第一個由政府設立的電影獎：1932年，由當時中國教育界和電影界熱心人士共同倡議，在南京建立中國教育電影協會。中國教育電影協會於次年舉行了第一次影片評選活動，《人道》和《自由之花》被評為優秀影片。此後又舉行了幾次評選。由於當時協會的領導者中有不少具有政府黨政高層官員身份，因此可以說這是中國電影史上最早的具有政府色彩的電影獎。
第一位電影皇後： 1933年，開辦於上海的《明星日報》以「鼓勵諸女明星之進取心，促成電影之發展」為宗旨，發起了一次評選「電影皇後」的活動。這也是中國電影史上第一次具有較大影響的電影明星評選。在參選的諸明星中，來自明星公司的胡蝶、聯華公司的阮玲玉和來自天一公司的陳玉梅呼聲最高，選票也比較接近。經過長達兩個月的評選，胡蝶得票21，334張，陳玉梅得票10，028張，阮玲玉得票7，290張。胡蝶由此登上了中國第一位「電影皇後」的「寶座」。第一部在國際上獲獎的影片：1935年3月，由蔡楚生編導的影片《漁光曲》在蘇聯舉辦的莫斯科國際電影展覽會上獲得了榮獲獎，這是中國電影第一次在國際電影節上獲獎，《漁光曲》遂成為中國第一部在國際上獲獎的影片。
第一位國際三大影展最佳演員：1992年2月，張曼玉憑借電影《阮玲玉》獲柏林國際電影節影後，成為中國影史上第一位在世界三大國際電影節上獲得最佳演員榮譽的影星。
第一部恐怖電影：1937年，新成立的新華影片公司推出了一部深受歡迎的影片《夜半歌聲》，這是中國銀幕上出現的第一部國產恐怖電影，它不但在當時製造了轟動效應，歷經半個多世紀的歲月，其價值和魅力依然能夠得到驗證。
第一部抗戰影片：《保衛我們的土地》是抗日戰爭爆發後完成的第一部表現抗戰的故事片，史東山編導、吳蔚雲攝影，完成於1938年1月。
第一部彩色電影：中國第一部彩色電影是1948年拍攝於上海的戲曲片《生死恨》，由華藝影片公司出品，費穆導演，主演梅蘭芳，著名攝影師黃紹芬為攝影指導，李生偉任攝影師。
新中國第一部故事片：抗戰勝利後，中國共產黨派出文化幹部前往東北接管偽「滿洲映畫協會」（日本侵略中國後在東北建立的電影製片廠），1946年10月，在「滿映」的原址上成立東北電影製片廠，後更名為長春電影製片廠。1949年，在極為艱苦的條件下，東影拍出了新中國第一部故事片《橋》。
第一部譯製片：1949年5月，由東北電影製片廠譯制的蘇聯電影《普通一兵》。
第一部在國際上獲獎的中國美術片：1956年上海電影製片廠出品的木偶片《神筆》獲第八屆國際兒童影片節兒童娛樂片一等獎，這是第一部在國際上獲獎的中國美術片。
建國後第一部中外聯合攝制的影片：中國北京電影製片廠與法國加朗斯影片公司聯合攝制的兒童片《風箏》，1958年6月上映。
第一部彩色寬銀幕電影：1958年，上海電影製片廠（海燕廠）拍攝了中國第一部35毫米彩色寬銀幕立體聲故事片《老兵新傳》。這是中國第一部彩色寬銀幕影片，也是中國大陸第一部寬銀幕電影。
第一部彩色寬銀幕故事片：《魔術師的奇遇》，1962年由上海天馬電影製片廠攝制。
第一部彩色遮幅寬銀幕故事片：《青春》，1976年由上海電影製片廠攝制。
第一部寓言樣式的動畫片：《誇口青蛙》
第一部在國際電影節上獲最高獎的故事片：1988年，由張藝謀執導，鞏俐和姜文主演的影片《紅高粱》在第38屆西柏林國際電影節上獲得最高獎金熊獎。這是第一部在國際A類電影節上獲得最高獎的中國電影。
第一部獲得世界吉尼斯紀錄的影片：2002年12月12日，世界吉尼斯英國總部正式授予中國電影《廬山戀》「世界上在同一影院連續放映時間最長的電影」的吉尼斯世界紀錄。這是第一部創造了世界吉尼斯紀錄的中國電影，到目前為止，也是惟一的一部。
中國第一個由專業影人評選的電影獎：在中國電影三大獎中，電影金雞獎是由專業電影人員評選的專業性電影獎。金雞獎始創於1981年中國農歷雞年，由中國電影家協會主辦，獎杯為一尊引頸高唱的金雞，以金雞啼曉象徵百家爭鳴，同時亦包含著激勵電影工作者聞雞起舞、奮發前進的意義。該獎每年評選一次。由電影藝術家、電影評論家擔任評委。在這一類別的電影獎中它不僅是第一個，也是惟一的一個。它也是中國電影界專業性評選的最高獎 。
4. 《彼得兔》電影適合幾歲孩子看
《彼得兔》電影適合3-10歲孩子觀看。
比得兔，又譯彼得兔，（英語：Peter Rabbit）是一本漫畫圖書，他的作者是英國女性作家暨插畫家碧雅翠絲·波特（Helen Beatrix Potter）。
比得兔最早出現在1902年所出版的童書：《比得兔的故事》（The Tale of Peter Rabbit），之後，碧雅翠絲·波特又陸續出版五本和比得兔有關的童書。(Peter Rabbit已經正名為比得兔。）
劇情：
《比得兔》的創作來歷即最早的故事原形，是來自於1893年，波特小姐寫給她家庭教師的五歲兒子的信件。這位家庭老師的兒子長期卧病在床，波特小姐不知道這封信該說些什麼，就講個故事作為這位小男孩的娛樂，並且在故事當中鼓勵他。
"Once upon a time, there were four little Rabbits, and their names were Flopsy, Mopsy, Cotton-tail and Peter."
「從前有四隻小兔子，他們的名字叫弗洛普茜，默普茜，棉球尾，和比得。」
5. 《比得兔2》確認引進中國內陸地區，這部電影為何有這么大的吸引力
首先這部電影的畫風非常符合中國人的審美觀念，這種電影能融合非常多的電影元素，其次真人動漫電影是一種完全創新的電影風格， 雖然是一部兒童電影，但它比較不一樣可以橫跨不同的年齡層，男女老少都可觀看。尤其是年輕人一代對於這部真人動畫片更是喜愛有加，這部電影的內容劇情設計相對緊湊，內容方向主要是冒險喜劇，與當今時代的發展趨勢相吻合。 因此，在將電影引入中國後，它在市場上得到了廣泛的關注。否則，這部電影不會有那麼多年輕人喜歡看。 還有這部電影也是由著名導演和世界著名電影明星主演的真人動畫電影，其演員陣容非常強大。 另外，中國也有很多影迷作為推廣該電影的基礎，因此這部電影在中國市場才具有如此高的地位。
6. 大浪淘沙的電影背景
電影《大浪淘沙》是根據朱道南(1902――1985)的個人回憶錄《在大革命的洪流中》於1962年改編為電影劇本。 劇中的主人公之一顧達明的原型就是朱道南本人。電影中其他主要人物俱是朱道南的山東省立一師同學。朱道南是山東棗庄嶧縣人，山東省立一師學生，1926年冬由青島轉道上海再去武漢，考取了武漢中央軍事政治學校（黃埔六期）。1927年2月又考入湖南長沙黃埔第三分校。馬日事變後撤回武漢，返回中央軍事學校學習。1927年7月，武漢中央軍校的學生被編入第二方面軍軍官教導團。1927年11月，隨教導團參加廣州起義。廣州起義失敗後，朱道南隨廣州起義余部編入中國工農紅軍第四師任第十團排長，參加海陸豐地區蘇維埃土地革命。1932年夏天，與黨組織失去聯系的朱道南回到了家鄉──山東嶧縣任小學教師。抗日戰爭時期，任八路軍一一五師運河支隊政委、嶧縣抗日民主政權縣長。解放戰爭時期，任魯南行署渤海留守處主任；1948年6月，任魯中南行政公署秘書長。1950年5月，魯中南行政公署撤銷，朱道南調到山東省人民政府，先後任省府辦公廳行政處長、省幹校黨委書記、省府辦公廳副廳長等職。1950年9月，朱道南調往上海，歷任華東軍政委員會辦公廳副主任、華東行政委員會機關事務管理局副局長、上海市房地產管理局黨組書記、黨委書記兼副局長等職。1984年經中央組織部批准「按上海市副市長級待遇」離休。
《大浪淘沙》1966年已經被定調為「嚴重歪曲革命史實」的「反革命」影片和「十大毒草」影片之一，被迅速查封，不準公開放映。導演伊琳被劇組某些風派人物揭發批判，其實這部與陶鑄本人絲毫沒有關聯的影片，卻硬被說成是為陶鑄歌功頌德、樹碑立傳。導演硬被說成是陶鑄暗授機宜的內線人物，慘遭批鬥。「文革」運動轟轟烈烈、大張旗鼓地開始後，身體瘦削羸弱的伊琳卧病在床，他當時受到的嚴重打擊，使他的身體健康遭受到了極大的摧殘，體重還不到一百斤。可是，當權領導和造反派卻全然不顧，冷酷無情地把骨瘦如柴的伊琳，還是趕到了英德勞改茶場，去接受重體力的勞動改造。直到1972年的秋天，伊琳才得以返回廠里，但廠里堅決拒絕接收組織關系，其檔案只好暫時放在省文化廳。情形有所好轉後，伊琳強烈地表示在廠工作的願望，並親自主抓了描寫葉挺的《白馬將軍》和《革命母親李麗英》、《橫空出世》等劇本，都因各方面的排斥，而未能搬上銀幕。但他還是壯心不已，幫助導演劉欣拍攝了根據《漁島之子》改編的兒童故事片《小螺號》、指導於得水導演了粵劇戲曲片《沙家浜》等。1979年，蔡輝廠長傳達上級的命令，任命伊琳擔任珠影廠副廠長，此時，已經64歲的伊琳已在「文革」中折磨得身體難以支撐，當羅戈東副廠長前去看望重病在床的伊琳時，他激動地抓住羅廠長的手說:「我們曾經去上海找朱道南、於炳坤，修改《大浪淘沙》的劇本，現在總算有了結果，我們再來一次合作，再拍一部故事片。」這是伊琳投入工作激情的自然迸發，也是他的臨終遺願。當年11月27日，瘦弱的伊琳便告別了人世，姍姍來遲的任命，最終使伊琳抱憾而去。 一部《大浪淘沙》，一段中國電影在殘酷年代中的曲折史。然而，電影藝術的步履，卻永遠是那麼的匆忙而奮進！