1. Epic Games 认为 UE5 引擎搭配 PS5 等次世代主机 游戏将能实现电影般画面质感
新版UnrealEngine5游戏引擎中Nanite系统，能透过产生虚拟微型多边行几何，进而借由数百万至数十亿组多边形几何形成更细腻3D物件或场景，再搭配Lumen系统，透过即时动态全域照明效果，让3D物件、场景呈现视觉感受更为拟真，而且不会影响游戏内容运算执行所需时间，让系统能以相对更低功耗呈现更拟真视觉内容。
同时也意味未来PC游戏画面将更加拟真
日前对外预览新版UnrealEngine5游戏引擎运作表现，并且宣布将应用在年底将推出的PlayStation5后，EpicGames技术长KimLiberi在接受访谈时，强调包含PlayStation5、XboxSeriesX等次世代主机，终于可以实现如同电影般的拟真画面质感。
在访谈中，KimLiberi自然也没有忘记夸赞旗下新版UnrealEngine5游戏引擎所提供运作表现，其中包含可借由名伍盯为Nanite的系统，透过产生虚拟微型多边行几何，进腔磨和而借由数百万至数十亿组多边形几何形成更细腻3D物件或场景。
同时，Nanite技术也能套用在现有3D建模资料，让3D物件能更加拟真，并且进一步对应更高解析度输出，借此符合未来即将成为全新主流的8K解析度输出画质，或是未来16K画质表现。
另一方面，除了透过让多边形几何以更细腻形式构成3D物件、场景，搭配名为Lumen的系统，则透过即时动态全域照明效果，让3D物件、场景呈现视觉感受更为拟真。而在Nanite、Lumen技术运用情况下，甚至不会影响游游模戏内容运算执行所需时间，让系统能以相对更低功耗呈现更拟真视觉内容。
若搭配UnrealEngine5游戏引擎，以及新款次世代游戏主机运算效能，就能有如同电影般的拟真画面质感表现，或许更代表接下来的PC游戏呈现效果将更为拟真，同时也能让画面质感大幅提升。
[embedcontent]
TaggedEPICGames,PlayStation5,UnrealEngine5,XboxSeriesX
2. 什么时候游戏能达到电影的视觉效果
纵观有些变化，我们会发出无穷感叹
就拿那些长系列的作品来看吧
《极品飞车》，从纸片一样的画面到照片一样的场景，我们不得不惊叹！！
《古墓丽影》，劳拉那八边形的脸蛋如今已经性感纯熟、撩人不已。我们不得不惊叹！
对于电影，在90年代是一个特效方面飞速发展的年代，到了2000年后，电影已经有以假乱真的技术，直到如今，电影特效还是在以假乱真中多元发展。
因此，相对电影，次时代游戏画面发展仿佛进入了90年代的电影画面发展阶段，玩家也越来越注重游戏画面。
其中具有划时代意义的作品如《孤岛危机(DX10)》。游戏展现的是一个热带雨林天堂，杂草灌木，乱世流水，光影交错，云蒸霞蔚…该游戏在E3展商获尽了几乎所有关于画面的大奖，也刺激了游戏产业对画质的注重，刺激的硬件产业的前进脚步。
电影画面可能在无线接近饱和状态了，伟台电影的优势可能不再画面了，而是创意、形式以及传达给人们更为深刻的主题。因此，游戏是有机会再画面上追上电影的。
但是，游戏的画面逼真程度有其制约因素，如下
1.玩家电脑的配置问题。并不是每个玩家都是拥有很高的配置，因此，玩家的配置关乎了游戏的销量，指引着游戏的开发策划。也就是说，不是游戏商没有能力把游戏做的很逼真，其实他们已经在优化上下了很大的功夫，只不过优化是有限的，总不能把游戏优化得连10年前的电脑都跑得起如今这些大游戏吧，因此游戏开发者就会把持在一个度，让游戏画面不太低，配置要求又不太高，这样销量才可能有看头。
2.游戏的形式问题。像您这样提问的，应该是指3D游戏吧。对于3D游戏，玩家可以再一个三维世界里有一定范围的角度地观察；不同的是，电影特效不一定是单纯三维做出来的，有时候后期还会增加一些平面的特效，颜色的过滤等等，这些都是电影工作人员为一段镜头量身打造的，而游戏是一个很大的世界，有时一种方案不是对各种场景都是那么协调，那些量身打造的特效在游戏中又显得不太起作用，因此游戏画面的真实性是不及电影的。另外，游戏受到介质的制约，贴图不能无限大，模型不能过分细分，所以出现画质缩水是必然的。
3.投入资金不同。同时派拉蒙、梦工厂出品，电影版的《变形金刚》和游戏版《变形金刚》怎么差别那么大呢？还有电影版《阿凡达》和游戏版《阿凡达》也是天壤之别。同时，华纳的《极度恐慌》，迪士尼的《争分夺秒》却是比较尽人意的。他们的差别不在制作商，在投入上。一部电影版《阿凡达》能够做几十部游戏版《阿凡达》，那么游戏画面会比电影画面好？答案自在人心。
不过，在这个高科技更新换代如此快是时代，游戏画面能慢慢解开它的束缚，逐渐成为和电影类似的、满足人类视觉要求的一种形式。
据说，2012年，次世代游戏机将诞生，届时游戏处理能力将提升到一个新高度，游戏画面也会更加真实。我认为，在往后几年中，游戏画面将逐渐达到以假乱真的质量。5年后，游戏画面达到电影版的质量。
3. 电子游戏属于什么艺术类型
游戏是继绘画、雕刻、建筑、音乐、诗歌（文学）、舞蹈、戏剧、电影（影视艺术）等八大艺术形式之后被人们公认的第九艺术。
游戏艺判数术是指在计算机或计算机网络上实现的,具有交互性、开放性、虚拟现实特征的超媒体艺术形态。除了具有叙事功能、负载情感体验、具有充分交互性的角色扮演类、策略类、养成类等电子游戏外,电子游戏艺术还包括网络文学、数码电影、数码电视、数码动画、3DS、数码音乐、数码戏剧、数码舞蹈等。电子游戏艺术的特征是交互性、开放性、虚拟现实等。
游戏如同戏剧、电影一样，也是一种综合艺术，并且是更高层次的综合艺术。所谓综合竖冲液艺术，指的是由两种以上的艺术成分融合而成的一种独立的艺术样式。然后就开始游戏作品的制作，其中又分为原型（Prototype）制作与正式动工两个阶段。原型制作也就是以最快的速度制作出游戏的原型，一个可以执行的程序原型。从这些基础程序与基础图形，创作组可以看到从电脑中表现出来的与原来设想的有多大差距，经过调整磨合后就进入了正式余物动工这个漫长枯燥但又至关重要的阶段了。企划的宏观调控、程序员的设计编程、美术师的场景绘制、音乐师的主题及背景音乐的谱写，共同配合创作出一部完整的作品。
4. 从那个网上下的小游戏都是以电影的形式打开的，这样游戏不能使用键盘，有没有什么打开小游戏的软件
有，楼上的胡扯呢。首先，你应该想到flash独立播放器，那个哪里都有。如果小游戏是2D（平面）的，使用暴风影音即可（当然，如果是3D（立体）的就用flash独立...吧），如果你用IE浏览器能玩，右键点击小游戏，打开方式改为IE浏览器，打开后解除阻止栏弹出的阻止，就能玩了。
【作者声明：句句实话，亲身体验，唉呀妈呀，我打字本来就慢，累死我了，给满意答案啊...............】
5. 游戏于电影是否有着不可分割的关系，相互成就同时相互启发
对于艺术种类的划分其实有很多细小的争议，例如第九艺术有人认为是游戏，而有人则认为是电视艺术，也有人认为是漫画，不过现今大多数人都认为其指的是电子游戏。作为一种新兴的艺术种类，游戏的特点于此前八大艺术有着明显的不同，艺术种类不同但是目的相同，通过不同的形式传递给受众们，创作者想要表达的内容，其中这些内容可能是快乐的，也可能是悲伤的。
在这种解读中，尸罗看到了弗罗多的软弱，这一点在电影《王者归来》中以尸罗想要吃掉弗罗多来表现。于是，尸罗与咕噜进行了交易，哄骗咕噜去火山达成戒指的毁灭。当然这种解读本身不存在正确与否，虽然游戏和电影都选用了托尔金老爷子的“剧本”，但是各有各的理解。不过这一点也正说明了，游戏与电影相互启发相互补充的关系，第九艺术与第八艺术会不会在未来合二为一，这也是令人期待的一件事。
6. 游戏作为艺术到底该像电影还是该更有趣
“模仿”是距离艺术最远的东西。电影化叙事虽然从电影中借鉴了许多技巧，但这并不是单纯的照搬，而是以游戏的表达方式为基础，重新发明的一套叙事手法，从发展到成熟经历了十多年，决不是仅仅“像电影”就可以的。实际上发展到后期，小岛秀夫早期作品为代表的大量过场动画思路已经是有些落伍了，追求“像电影”其实是开历史倒车。但小岛对电影化叙事实践做出的贡献是不可忽视的。一种新的表现手法少不了先行者的探索。除了电影化叙事，最近比较流行的步行模拟游戏也是一种艺术上的探索。陈星汉的《JOURNEY》在这方面起了开创性的作用。对交互性大刀阔斧的削减是这类游戏的一个显著特征。这大概也就是问题中“更有趣”的一个来源，因为削减了交互性的游戏肯定会变得没有那么有趣。对于《JOURNEY》来说，为了制造心流效果，使设计师能够准确把握和引导玩家的情绪发展，削减交互性是很有必要的。实际上效果也很好，在艺术上是成功的。但是这里面有一个问题，《JOURNEY》把游戏做的没那么有趣，是因为它需要这样做来达到叙事的效果。也就是说，重点是叙事，而不是“不有趣”。如果一部游戏的叙事空洞无物或者陈词滥调，那就与艺术相去甚远。即使风景优美音乐悦耳，作为游戏的整体，其艺术价值仍然是肤浅的。如果错把“不有趣”和艺术等同起来，审美角度恐怕出了偏差。
7. 电影游戏的特点
电影游戏所呈现给大众的是一个虚拟的实境，它的艺术价值表现在它能够模拟一个虚拟 的世界，且让虚拟人物扮演独具个性的角色并注入生活情感。当人们越理解这个虚拟的世界， 就会越想把自己融入其中成为其中一份子，使得虚拟世界中的各种经历和体验，会在现实生 活中产生具体的意义。 鉴于目前人们对电影游戏的理解。我们大致能够总结出它的三大特征：互动性、叙事性、 虚拟性。
1，互动性
互动是玩家们透过游戏界面，享有选择与不选择的权力。而所谓的游戏互动方式，是起 源于人们对电脑中那些虚拟的人物或物件进行的操控。当人们在玩单机游戏时，可以通过对 鼠标和键盘的操控，掌控代表玩家的虚拟角色与代表电脑的角色的互动，这通常被称为基础 的游戏互动模式。但是，当这一切发生在网络游戏时，普通的互动便转换为玩家与玩家之间 的更深一层的高级互动。
2，叙事性
故事叙事性是电影游戏的重要组成元素，是连接整个游戏的生命线。它使游戏更具情节 性，使得游戏更能吸引玩家沉浸其中。通过游戏互动，人们选择游戏人物在虚拟的世界中闯 荡，展现自己的勇气与机智，在绚丽多彩的游戏世界里，寻求隐秘的法宝和特技来克服游戏 设置的各种难关与考验，其中还夹杂着唯美的爱情故事与深厚的兄弟情意。 电影游戏那自由的叙述框架使得更多玩家投身其中，乐此不疲。游戏的制作者制定了游 戏的框架和规则，使得游戏玩家们在游戏过程中有据可依，又由于框架的叙事具有自由开放 性，所以玩家们又存在不同的选择方式，形成了纷繁多姿的游戏过程与结果。
3，虚拟性
游戏开发者构建了游戏的时空，为人类的虚拟身份提供了自由空间，让真实与虚拟交替 出现，相互渗透、相互转变，于是一种模拟文化开始渐渐形成。 玩家操控的人物是游戏的主体，这些虚拟人物所拥有的权利与能力是现实生活中人类所 无法拥有的，所以人们能够以另一种身份在另一个世界中获得快感与荣耀。在网络游戏中， 我们在一个虚拟的世界里生活着，我们以不同的人物身份出现，大人可以变成小孩、人类可 以变成机器。我们还可以和他人聊天、恋爱、共同斗争，一起为打怪的成功喜悦，一起为攻 城的失败悲伤，在这个虚拟的世界中，人们的潜心欲望得到了最大的满足。
8. 从看电影到“玩”电影，电影技法究竟如何在游戏中融合和应用
与刚刚诞生时相比，如今电子 游戏 产业无论是发展劲头、制作方式还是 娱乐 兴奋点上都开始逐渐向“第九艺术”的定义靠拢。作为极度依赖技术发展的产业，随着数字工业技术爆发似的发展，电子 游戏 开始逐渐成熟并且呈现出融合其他艺术形式的趋势，而在各方面“相性”都极具共通性和互补性的电影艺术则首当其冲。
索尼作为将 游戏 以电影化叙事手法展现的大户，旗下《底特律：成为人类》《最后生还者》等一系列大作都得到了玩家的广泛好评，而PS4收官大作《最后生还者2》虽然遭遇了剧透和跳票等种种挫折，也因为制作上的过硬水平得到了各大 游戏 媒体的一致好评。2020年，Square Enix的《最终幻想7RE》、Monolith Soft的《异度神剑：决定版》也大量引入了电影化表现手法， 游戏 艺术的电影化融合已经成为了一个不可逆的趋势。
先说一句，“电影技法”的融合是一个思路，不仅仅限定于3A 游戏 哦。
电子 游戏 非常重视“沉浸体验”，尤其从RPG诞生开始，以“剧情”作为主要线索的表现手法更是加深了玩家的沉浸体验感觉，从此 游戏 与电影开始产生了密不可分的联系，甚至有人开始将RPG称为“互动电影”。
当然，彼时2D为主的画面在人机交互上仍然存在着微妙的割裂感，引领玩家 探索 前进的要素更多侧重于剧本和 游戏 系统，与“电影”能扯上关系的最多就是几张插画。然而随着 游戏 机3D机能的逐渐强大，大量精美的CG动画和剧情演出随之引入使得 游戏 的表现力开始大幅增加。
弗洛伊德曾表示:“富于想象力的作家创造了一个自己的世界，他按照使他中意的新方式，重新安排他的天地里的一切。”日渐成熟的3D技术无疑给了艺术家们更多的发挥空间，1997年决定初代PlayStation胜利的RPG名作《最终幻想7》，用出色的3D画面和宏大的世界构造，告诉了玩家什么叫做“华丽”，而在任天堂以不朽名作《塞尔达传说：时之笛》树立了3D 游戏 普遍的操作方式——第二人称自由（背后）视角操作之后，玩家 探索 的自由度、目之所及的场景都开始成倍增长，使得 游戏 制作人可以更加自由地创造自己的心目中的天地，铃木裕创造的沙盒RPG鼻祖大作《莎木》则充分展现了 游戏 世界存在的无限可能性。
CG技术推动了电子 游戏 和电影的融合，2000年前后大量3DCG动画开始加入 游戏 ，甚至 游戏 业界已经开始利用CG技术制作电影，坂口信博耗时4年重金打造的大电影《最终幻想：灵魂深处》虽然用1.42亿美元打了一个漂亮的水漂，但从画面角度看来却仍算得上是顶级表现，5年后同样是SE出品的《最终幻想7BC》则获得了广泛好评，充分展示了 游戏 与电影之间的高度融合性。
游戏 硬件的提升给了艺术家们更多创造的空间，《鬼泣4》在公布之初曾大力宣传无缝连接技术，即CG动画后无需加载读盘画面立即进入战斗画面，进而提升玩家参与剧情的热情；真人配音技术早已是 游戏 的必备要素，人脸扫描也逐渐成为了3A大作必经的“手续”之一；次世代主机大力宣传的光追和SSD技术则将 游戏 表现向着“更高更快更强”继续推进。
随着电影拍摄逐渐“绿幕化”， 游戏 技术和电影技术之间似乎只隔着一张窗户纸，彼此之间的大量融合和借鉴开始变得繁多起来，无论是制作精度、制作体量甚至是时间和金钱的投入，双方都开始互相对标——比如跳票了一次又一次的《赛博朋克2077》。 游戏 的“电影化”开始变得稀松平常，未来的 游戏 已有转向大规模电影化制作的趋势。
小岛秀夫一般被认为是 游戏 电影化之父，虽然现在小岛监督总被冠之“已经在做了”的名号，但其 游戏 电影化的功力至今仍是业界翘楚。1997年，小岛秀夫在E3上展示的《METAL GEAR SOLID》让人惊呼“互动式电影”时代来临，而其最为人称道的一点就是对镜头的深刻理解。
镜头是电影技法在 游戏 中最典型的运用，从1973年NASA Ames开发了 历史 上第一款第一人称视角“三维” 游戏 《迷宫战争》，效仿的就是电影中的主观镜头，而为了弥补第一人称视角在观察范围和距离上的缺陷，又效仿电影的双人过肩镜头开发了“过肩视角”，近些年《生化危机3RE》《战神4》以及大量第三人称射击 游戏 中十分常见，加上前文提到的背后视角和“上帝视角”，基本上构成了 游戏 的基本视角。与电影通过布设摄像机达到模拟视角的效果不同， 游戏 将视角使用进行了进一步延伸，能够完成很多电影中不能完成的灵活操作。
除了玩家可以自由操作的镜头之外，为了表现特定场景，在 游戏 的过程中还会强制更改机位，并采取摇镜头、跟踪镜头、特写镜头等方式提升 游戏 氛围。2020年初大作《最终幻想7RE》中，克劳德与艾丽丝从教堂向第五区逃亡的过程中，为了表现地形的危险，采取了大量的推拉和跟踪镜头，导演还恰到好处地使用了前景遮挡和背景贴图，不仅营造了贫民窟的萧条，还反衬了艾丽丝的乐观，达到了一种微妙的和谐。
近些年，电影中的剪辑手法也开始在 游戏 中得到了大量运用，比如最具 游戏 特色的 游戏 菜单功能如今已被制作人们玩出了花样，比如《女神异闻录5》的 游戏 菜单中，心之怪盗团各种花式炫酷动作让很多玩家都觉得非常新鲜。
而传统的电影剪辑手段也在 游戏 中得到大量运用，比如在推进 游戏 主线剧情过程中，依靠“画中画”提供更多的相关信息；比如《刺客信条》《异度神剑》等通过闪回的方法，将蒙太奇运用到 游戏 的流程中以凸显人物的背景和精神状态等；再如《鬼泣5》《鬼武者3》等 游戏 ，操作多位主角推进故事流程的做法，本身就采用了平行蒙太奇的思想等，这些技法的运用在表现力上无疑爆了旧时代单线剧情好几条街。
然而， 游戏 在运用电影技法的过程中仍有许多不得不去考虑的因素，在沉浸体验和交互方式上，比起电影被动灌输导演的想法， 游戏 则是一种更加主观的参与，同时因为 游戏 在流程上必定存在着 探索 的过程，因此出于氛围营造和心理诱导等方面考虑， 游戏 会更多地考虑用好长镜头（ 游戏 主要操作都是在长镜头背景下完成的），而过多地使用特写镜头等特效，则可能会造成 游戏 节奏的拖沓。
说回小岛秀夫，他对于电影技法的理解无疑是业内顶尖的，甚至有人说小岛监督去好莱坞也能做个三流导演，但在 游戏 中运用了大量的CG播片也同样被很多玩家的诟病，这是过多电影技法的弊端——而 游戏 “电影化”的弊端不止于此。
法国著名刊物《电影手册》编委让-米歇尔·弗罗东，在2005年发表的《电影的不纯性——电影与电子 游戏 》一文中指出:“大众类的电影参照电子 游戏 和其他视听工业产品的模式，日益趋向于制造一系列壮丽场面;通过爆炸和搏斗的场景描绘，以及着重突出瞬间炙烈感情的场景描绘，不断刺激观众的肾上腺素的分泌。”如今15年已过，从《阿凡达》到漫威电影宇宙的发展过程中，让我们切实感受到了电子 游戏 语言和电影融合的脚步，但更深度的融合也带来了各种各样的问题。
电影借助 游戏 的表现手法无疑构建起了拍摄电影的新思路，但也间接促成了更多“打怪升级”似的爆米花电影的诞生，很多从业人员已经表现出对“绿幕流水线”的担忧，而造成这一情况的主要原因还是在于 游戏 的叙事方式的表现手法，很难浓缩进2小时的电影中，反过来，电影的表现手法也不能全部融进 游戏 中，二者在内容创意、故事设置和文化想象等方面其实有着较大的区别，“大量播片”就是全部照搬最直接的体现。
而随着现金技术的提升，无论是 游戏 还是电影都容易陷入“炫技”陷阱而忘记了制作的初心，毫无疑问，电影化的3A 游戏 在场景表现、演员表现、剧本描述以及音乐渲染等方面都达到了业界顶尖水平，对于世界的还原极为真实而鲜活，但往往到了最后却忽视了最体现 游戏 价值的“ 游戏 性”，比如《底特律：成为人类》等 游戏 ，虽然在结束 游戏 后会引发玩家强烈的思考，但 游戏 玩法却往往被忽略掉了，相比之下同以“选择”作为推进 游戏 主要动作的《逆转裁判》，玩法上给很多玩家留下深刻印象，这就是 游戏 电影化过分重视技术的体现。
另外，重视电影化表现的 游戏 往往需要耗费大量的人力物力，之前R星倾全力打造《荒野大镖客：救赎2》，一度陷入了“加班门”事件；“波兰蠢驴”集中全部力量打造《赛博朋克2077》已经多年，也代表着一旦 游戏 失败就会血本无归；《最后生还者2》历经多年打磨，最后卷入了“剧透门”，导致玩家差评如潮，这些都表示着 游戏 的投入产出比是一个比较严重的问题。这么多年过去了， 游戏 的价格却没有任何改变，在保持多年60美元的大背景下，确保 游戏 质量和销量对于任何一家3A厂商来说，都是一个不小的难题。
电子 游戏 在 探索 发展的历程，就是一个不断借鉴电影技法的历程，毫无疑问“电影化”有效地提升了 游戏 的表现力和玩家的参与感，在业界竞争更加激烈、硬件换代即将到来的时代，可以预见未来 游戏 向电影借鉴融合的力度将越来越大，“第九艺术”的未来如何真叫人期待。
9. 游戏和电影在剧情表达方式上有什么区别
游戏是直接的爆发表现，通过自己的行动来获得快感，而电影是通过间接接受来感受的，是接受导演的心理！
10. 媒体解析从历史的演进看游戏和电影的区别
两种艺术从诞生之初，就同样饱受非议。电影刚起步的时候，都是社会底层的人爱看，社会名流不屑于看，而游戏作为艺术被人接受的程度，远不及电影，至今还没被普遍地看待为艺术，甚至以后第九艺术都只是小众范围内被认可，在大众认知里游戏无法作为艺术载体而存在，即便是脱离电器这种承载方式。
归根结底，是承载内容种类的量级不一样：电影离不开故事和画面，也可以承载音乐和少量文字，游戏可以承载的内容更多，比如大量的文字(Galgame)，人和人的交互(网游)等等，这也就意味着游戏比起电影，想定义为艺术更加困难。
另外，电影更加倾向于一次性消费，游戏则不一定(不只是网游，街机时代就开始了)。你想象一下你欣赏艺术欣赏到一半跟你说要续费才能继续的感觉。
电影的方式可变，游戏不然
事实上电影的发展方式是可以多变的，因为它的方向只有一个目标：叙事。观众只需要看，并且思考。但游戏则不然，它在视听之上还加了一层操作的限制。你仍然可以将操作简化，注重视听，但那样并非游戏真正的发展方向，游戏的核心在于交互，这一点电影是不具备的，早期的文字MUD游戏，只要适时地显示文字就可以快乐的玩耍。而没有人会把只显示字幕的荧屏当作电影来看。
但游戏如果有了一套固定的模式后，很难再有突破。
比如俄罗斯方块，你在游戏开始前后放上一段高质量CG，讲述一个很复杂的故事，但这和俄罗斯方块本身无关。
但你要是给俄罗斯方块加入一个死斗模式，这便是游戏性的突破。
这是游戏发展的一个瓶颈，无法利用画面，声效等外包装和游戏性相结合。或者说游戏性和包装本身是矛盾的。
电影个人标签大，游戏不然
另外，电影艺术经过许多艺术家地探索，逐渐地形成了“作者电影”，即一部电影深深地打上了主创者个人的烙印，使之具有鲜明的个人风格。如费里尼电影，塔可夫斯基电影，游戏中固然也有“小岛秀夫作品”、“宫本茂作品”，但这种特质风格并不明显，更多的只是游戏好不好玩的保证。不过随着独立游戏越来越突出，相信游戏也会有有越来越多的“作者游戏”。倒是电影，由于电影工业的急剧膨胀，越来越多地电影成为流水线作品——好看，但毫无特质。
艺术化源于电影的装逼成本低
电影由于认知程度低，其实更像是戏剧的另外一种呈现方式。说不好听点，艺术就是装逼，那么电影装逼的成本真的很低。
而对于“游戏艺术”来说，体现其艺术性的是规则。一般来说越复杂的规则越有趣，但复杂的规则容易阻挡大部分玩家甚至是资深玩家。而且游戏没有确切的细分，不像现在电影你可以分为商业片和艺术片，游戏你可以说它是艺术性游戏，但做一款艺术性游戏依然要制作人倾家荡产，而且游戏这行业很少有富人参与，一般人做游戏都抱着一种“孤注一掷”的心态，做不好也要出，怎么也要出。我想按照这种心态做游戏，一般也很难做好。电影是可以很随意的，以前香港拍电影，拍两周后期剪一个月，然后上院线，某某一年可以接十几部电影对吧?
游戏规则越复杂，它的外部操作越简单。事实上大神、ICO、旺达和巨像这样的艺术类作品操作是很别扭的，外人也很难理解，一般玩一玩就“卧槽什么垃圾操作这么别扭”，代入性低(以至于不敢拿游戏泡妹子)。journey这样的作品甚至不需要什么操作，你只动动操作杆看就好。游戏规则你可以随意设计，但你很难找到一个让所有人都满意的平衡点。至今能做到的这一点的，可能也只有暴雪一家。
而且，游戏还很难像电影那样保存传播，受制因素多。受科技水平影响更新换代。被大众喜好所左右，和电影一样依赖观众玩家生存，从这个角度说大多数还有点缺乏自主能力。
游戏受技术制约太大
电影进化过程中，技术的进步和类型/表现方式的进化关联不大，只有有声电影影响较大，而对于游戏而言，游戏的类型和新表现方式，受到硬件技术影响的程度极高。
很多游戏类型(具体说是系统)在很早就有原型出现，但是因为缺乏相应的硬件——除了画面技术，还包括输入方式——而停滞了很多年，真正发展起来一定是因为硬件的出现，有的是新硬件导致新类型(比如3D图形技术与3D FTG)，有的是新类型催生新硬件(比如3D ACT与模拟摇杆，还有FPS与双摇杆)。
而游戏的表现方式几乎完全是由技术决定的。比如MGS引起的电影化风潮。其实MG的类型早在80年代就出现了，90年时2代与98年的MGS在内容上几乎完全没有区别，两者的区别就只在表现方式上。小岛秀夫很早就已经有全套的电影化方案，但只能等到PS主机上市才能实现。这与电影就非常不同，我们今天看到的电影技法比如蒙太奇、特写、长镜头等，与技术的关联性很小，现在的人穿越回30年代，照样能拍。但是现在的游戏制作人回到FC时代，那就只能做与FC时代一模一样的游戏。
作为一个新生的类型，游戏制作人从其他艺术类型中吸取了大量的经验，他们的构想必然是远远超过当时游戏机硬件的表现能力的，等到合适的硬件出现，新的游戏方式和表现技法早就已经在导演心中酝酿了多年，只等爆发了。像游戏表现方式中的电影化播片和脚本演出，其实在8位机时代就有雏形了，但效果太过原始，完全词不达意。而游戏的3D化，在过去一直受制于输入设备限制(图形技术倒还不是最主要的)，直到N64采用了模拟摇杆，PS采用了双摇杆，问题才得以解决。
如果说游戏艺术的本质在于互动，那么游戏技术的进步甚至可以导致一个游戏类型发生从没互动到有互动这样翻天覆地的进化，这是电影完全无法想象的。同一个游戏的同一个场面用老技术和新技术表现的差异。
电影的社会情感较大于游戏
电影和其他传统艺术一样，贵在以情动人抑或引发人对世界对自身的思考。譬如说看到一部爱情电影，观众也许会联想到自己的爱情生活，从而被打动乃至陶醉其中。这样的情感触动在RPG游戏中也很常见。但游戏中的另一种情感触动是其他艺术中所不具备的，我费尽千辛万苦搜集上百种材料获得一个成就，我多次尝试击败了一个BOSS。在这里有成功的喜悦、失败的挫折、大量重复操作获得一个终极的目标，这样的情感触动在其他的艺术中几乎没有。
电影作为一门有着100多年的艺术，有着巨大的社会影响力。主人公的装扮有时会引发一阵时尚热潮。如赫本出演的《蒂凡尼早餐》，游戏也会引发游戏迷的COSPLAY行为，但这种影响往往仅限于参加某个圈内的聚会活动，还难以动摇主流民众的时尚观。部分影片的影响力不仅限于影迷，而会引发整个社会的反思和共鸣，譬如《克莱默夫妇》、《毕业生》、甚至在国际上造成广泛而持久的社会影响力，如《海豚湾》。而游戏的影响很多时候仅限于玩家群体。