① 战争电影的观后感720字
锈蚀之刃
文/梦里诗书
对《罪恶之城》风格的借鉴，并没能成为《钢刀》一鸣惊人的亮点所在，其仅是沦为了导演的一块遮羞布，且并无从掩盖那凌乱毫无逻辑的剧情，这是一个发生在战争年代兄弟间羁绊的电影，却只有狗血粉饰的苍白，用荒蛮缠斗代替的沉思。
原名刘晓光的电影导演给自已起了一个颇具电影意蕴的名字——阿甘，而从电影来说他也确实有着“阿甘精神”，正可谓是屡战屡败，屡败屡战，甚成为了当代国产低成本恐怖片的奠基人，电影《阿甘正传》中曾有句经典的台词“人生就像一盒巧克力，你永远不知道下一块会是什么味道。”，但阿甘导演的作品却基本都是“还是一样的配方,还是熟悉的味道”，这一点在《钢刀》中并没有发生改变，整个故事给人一种莫名其妙的感觉，剧情间的联系牵强而尴尬，唯所见的便是导演对《罪恶之城》风格不知节制的滥用。
《钢刀》虽与《罪恶之城》有着极为相同的风格，但这样的借鉴在电影中并未能达到与《罪恶之城》相之媲美的暴力美学，不进真实的做作，不仅令人无从得见于一场战争的本态，只是班门弄斧，为人贻笑大方，在故事上电影亦并没有将风格服务于剧情，而是在很多场景上甚可以牺牲剧情去彰显这种所谓风格，更令人不忍直视的是这样一部电影其所表达的内在价值更是为人生厌的套路。
纵观战争题材电影，在近年来如《索尔之子》《地雷区》《无境之兽》等多以深刻的人文情怀表达对战争的着点反思，而在这部电影中，刻意为之的热血渲染，没有兄弟只有战士的对决，动不动就是血拼肉搏的自我相杀，这些组成电影内在的构思，肤浅更令人尴尬不堪，作为一部战争电影其不仅无从令人去反思战争的原罪，那糟糕一同抗战神剧的狗血编排只是让人无所适从。
电影所呈现的这把“钢刀”犹如一把锈蚀之刃，刻意生硬的风格即无从金玉其外，亦没有锋利的内在动人心弦。
② 求电影《苍白》 影评
这是 我借鉴的 我也是看完电影 在看这个 才理解了许多许多
影片一开头其实就揭示了一部分结局：海滩上安娜腐败的脸，露西、威廉、本三人开去古宅的车被藤蔓覆盖，古旧残败的车身表明三人最终没有成功从古宅逃脱。
关于露西的异色双瞳，威尔森夫人（女医生，其实也就是安娜的老同学）说过，其实这是表明一个身体居住着两个灵魂的原因。露西发现父亲在母亲走后第八月就有了对象感到很生气，并在浴室里看到上吊死亡的母亲，而后感受母亲的手温柔抚摸她脸庞的触感。这里不能肯定露西究竟是幻想，还是实实在在与母亲的魂魄发生的接触。但是很有可能母亲死后魂魄并没有离开露西，而是就居住在女儿身体里。
关于杰赛尔夫人，我觉得可以说她是老不死的妖怪。即使都已经老得形同枯槁，但她的战斗力依然爆表，徒手解决一个成年男子完全没障碍。杰赛尔夫人攻击人的方式和安娜一样，凶猛、简洁、直扑要害，同时也一样让被攻击物大失血，给人一种血流成河的暴力血腥感。本来以为是吸血鬼，但是如此的暴力美学实在是与吸血鬼一贯强调的优雅不符合。而且杰赛尔夫人不怕阳光，还讽刺安娜畏惧阳光的虚弱体质。古宅里面有很多的动物标本，其中也不乏狼的。还有影片前面露西和威廉去本的酒吧时，路过一张海报（还是招牌的旗帜？），几乎占了整个画面的一半，画的就是一把剪刀插入了狼的脖子。所以以此判断杰赛尔夫人很有可能是狼人。而且是抗攻击力超强的狼人，她遇血就原地复活。要不是最后露西和安娜齐手把她的下巴从头部扯断，即使被剪刀划开咽喉、从几楼高摔下，都死不了。
关于安娜，首先要赞一下饰演安娜的演员，无论是跳芭蕾时的优雅；还是满身是血从古宅摇摇晃晃走出来时的迷茫；又或者是在露西的呼唤下重新活动时的诡异舞蹈，我都觉得她演绎得淋漓尽致。那个类似机械舞的舞蹈动作在这种恐怖、悬疑的情境下也TM赞了吧。
安娜的攻击习性与她母亲相似，但是很怕阳光。所以难道她是狼人和吸血鬼的混血？？但是小姑娘悲催的很，母亲大人凶得很，成天把她囚禁在古宅不说，还用暴力的方式逼迫她练习芭蕾。甚至于脊椎都被凶残的母亲大人给生生踩断了。可是这样她依然死不了，只要有血，她就能永生下去，只是需要借助机械的能动力了。影片出现杰赛尔夫人给安娜做手术的时候，我简直就是笑喷了。杰赛尔夫人全能啊，还会外科手术+高精度机械修理！这点也太科幻了吧！
后来的灵魂交换仪式就更加玄幻了，杰赛尔夫人通过在露西和安娜身体的伤口里埋入虫蛹，然后孵化的飞蛾从各自口中飞出，再各自飞入另外一个人的口中来完成。我觉得这里的飞蛾就是身体中的灵魂，也就意味着露西和安娜体内的灵魂进行了一次互换。但因为露西的体内有两个灵魂，所以究竟是哪一个灵魂进入了安娜的体内？
安娜的眼睛颜色是蓝色，露西母亲的眼睛颜色是黑色。在安娜再次醒过来后，她的眼睛和露西本来的颜色一致了，变成了蓝黑双色。而露西的眼睛则变成了黑色。所以很有可能仪式之后的露西体内是她母亲的灵魂，这点从仪式之后的露西看着镜子抚摸自己的脸，就像是之前在浴室里她母亲的手在抚摸一样就可以看出。而且这个时候她小声念叨着，“一个人”，说明她意识到体内只有自己的灵魂，而露西的灵魂不见了一样。而且在后来杀死杰赛尔夫人，她们二人睡在沙发上可以看出，露西抱着安娜的方式充满了保护欲，就像是姐姐抱着妹妹，抑或是妈妈抱着女儿。
而安娜和露西的灵魂就同时存在于安娜体内了。可是为什么后来的安娜要与露西一起联手解决掉杰赛尔夫人呢？难道安娜体内的安娜灵魂没有意识？？我觉得有两种可能，一是安娜的身体完全被露西给控制；二是安娜对自己的母亲只有恨没有爱，她恨她的囚禁、她恨她的控制，她想摆脱杰赛尔夫人，追求真正正正的自由。联想到之前回忆中安娜千方百计的逃脱古宅，渴望阳光，对杰赛尔夫人的呵斥不理不睬，逃跑应对，甚至还被她踩断骨头，后者的可能性很大。而且在影片的最后，杰赛尔夫人挂掉了，安娜真正自由了，她可以走出古宅，享受新鲜空气，即使从悬崖飞身而下，她也是欣喜的。
不过影片里还是有疑惑没有看懂，例如杀死本的三个芭蕾女孩到底是谁？我有考虑过跟着杰赛尔夫人联系芭蕾的小女孩，但她们为什么要杀人？还是说本就是一个悲情男二号，他的存在只是为了渲染古宅的诡异气氛。。。
另外草地里的蓝色火苗是什么？死去女孩的灵魂？
当然法国的恐怖片还是一如既往得延续了他们浪漫的色彩，即使是恐怖片，也依旧文艺范儿十足啊。
③ 有哪位知道大概10多年前一部描写德国纳粹党一群水下作战的片子！！！名字急求！！！
《从海底出击》 （德语《潜艇》）
大导演沃夫冈·彼得森一举成名之作，影史上少见广受好评的战争片，在出品本片的德国创下极高卖座纪录。 完整版片长293分钟。 剧情描述二次世界大战期间，德国发明了一艘出没无踪的深海潜水艇，在海战中无往不利，后来跟英国海军发生了遭遇战，双方都有重大牺牲。影片制作认真，戏剧张力逼人。导演在潜艇内狭窄的空间内运用行云流水般的镜头将船上的军队生活作出生动逼真的呈现，海战镜头的气氛亦掌握得相当不错。
电影相当忠实地纪录了一艘德国U型潜艇在二战中的一段航程，从奉命出航搜索并击沉大洋上的英国商船
《从海底出击》电影剧照(21张)队，历经惊涛骇浪出生入死，直到最后返回基地(电影的结局实在太有意味，从海底出击
为顾及未看过此片的读者，这里还是不煞风景不说为妙)。摄影机仿佛观众的眼睛，身临其中，但又自始至终旁观着一幕幕险景的发生。从娱乐的角度来看，电影的戏剧性与紧张度无时无刻不在(虽然它的放映时间是那么漫长，一如全体船员的航程)。看完该片没几天，我碰巧看到一部讲二战片的电视片，其中就有该片导演及主要演员的专访。据导演说，他拍此片时为照顾狭窄的内景空间，特意改制了一部小型摄影机，以追求写实与纪录的风格。而且，整部电影打破了拍摄常规(众所周知，一部电影并非按照放映的物理时间先后来拍摄)，尽量依照故事的顺序来拍，所以观众甚至可以留意到演员的胡须生长程度。 为了拍摄的真实，演员们有差不多1年的时间没晒太阳，个个脸色苍白。 曾有评论说，与沃夫冈的《从海底出击》相比，斯皮尔伯格的电影简直是在讲童话故事。
二次大战期间，德军一艘U型潜艇奉命出击，完成对英国船队的袭击任务，当他们完成任务返航途中，却遭遇上前所未见的危机。《从海底出击》片长超过三个小时，而从开始到结束的每一分钟里，时间几乎都消耗在一艘德国潜艇的封闭空间里面，满脸油污、胡子拉茬的德国海军是影片的主要角色。在它的悠长篇幅之中并不缺乏大起大落的情节起伏，潜在的重重危机随时威胁着舰艇上官兵的生命安全，这个貌似强大而冷冰冰的庞然大物完全不能自保，一切只能听天由命。 以德国人的观点去审视、反思二次世界大战的电影并不多见，但几乎一出现都成为了精品，从沃尔克·施隆多夫（Volker Schlondorff）的《铁皮鼓》（The Tin Drum，1979）到萨博（Szabo）的《摩菲斯特》（Mephisto，1981），虽然取材和角度各不相同，但对战争的批判和人性的揭示同样深刻。《从海底出击》并没有以上两部电影那样尖锐而明显的批判性，也没有在影片中为敌对双方作出道义上的判断，它仅仅以二战中一群普通的德国士兵的角度出发，写实、客观地描写这群非常时期的军人。他们无条件地执行上级的命令，兢兢业业地坚守自己的岗位，甚至灾难来临也毫不退缩，深入研究对“敌人”的作战方案，拯救即将崩溃的舰艇和日渐失去的胜利果实。然而面对无休止的战争，他们渐渐麻木了，朋友或敌人的界限越发模糊，被他们重创后掉下水中生灵的绝望求救都不能触动他们的神经。而长时间徘徊在生死边缘的折磨和压迫，面对敌人、面对同袍、面对无助的困境，他们逐渐丧失了理性的判断力，他们苦闷、忧郁难以自拔，行为日渐失控并趋向疯狂和歇斯底里。在残酷的战争中，他们更象是一堆行尸走肉，原来性格鲜明、思想单纯的年轻人已经彻底死去，取而代之的一部一部的冷血战争机器。他们失去了热情、失去了思想，没有现在更没有未来，在一个冷漠而朝不保夕的环境中惶恐度日，何时会死去，何时才能结束，没有人可以给他们答案。时间已经无人关心，空间已经不再重要，一切将会如何了断…… 沃尔夫冈·彼得森通过《从海底出击》，从人性的角度重新审视战争为全人类带来的毁灭性灾难。它通过详实的资料充分地说明，战争不单只为被侵略的国家带来了不可估量的损失，作为德国、这个战争的发动者，它的人民同样处于水深火热之中，同样是广大受苦受难民众中的一员，而直接参与战争的士兵，更成为疯狂野心的陪葬品，他们牺牲的不只是宝贵的生命，还有生存的权利和尊严，他们的在天之灵将永不瞑目！
幕后信息
德国人沃尔夫冈·彼得森（Wolfgang Petersen）被人们褒扬并不是因为从海底出击
他被好莱坞同化之后的商业作品《空军一号》（Air Force One，1997）和《完美风暴》（The Perfect Storm，2000），而是一部令他完全有资格受到广泛尊敬的德国电影《从海底出击》（Das Boot，1981），这部反映二战时期潜艇战的惊险片获得了82年奥斯卡金奖六项提名，沃尔夫冈·彼得森更成为有史以来第一位凭着德语电影获得最佳导演提名的人。该片彻底征服了全球观众，也为战争类型电影建立了一次几乎不可逾越的典范。 沃尔夫冈·彼得森通过《从海底出击》，从人性的角度重新审视战争为全人类带来的毁灭性灾难。它通过详实的资料充分地说明，战争不单只为被侵略的国家带来了不可估量的损失，作为德国、这个战争的发动者，它的人民同样处于水深火热之中，同样是广大受苦受难民众中的一员，而直接参与战争的士兵，更成为疯狂野心的陪葬品，他们牺牲的不只是宝贵的生命，还有生存的权利和尊严，他们的在天之灵将永不瞑目！
影片分析
一向对表现热兵器战争的影片都不是十分的热衷，人脆弱的身体在这些现代武从海底出击
器的攻击下总会令我产生厌恶的感觉。几乎每一部令人称道的战争电影，其编导都会去专心的标明每一个参与战争的是人类，而非冰冷的机器。除了本能的排斥外，战争对现在的我们而言，确实有着疏离感。看着自己的同类在眼前血肉横飞，看着构建的一切在影像里灰飞烟灭，而来寻得感官上的快感，战争这种残酷人性最佳表现的方式，一再重复的在电影里出现时，需要观众在这影像里去怜悯谁人？ 《从海底出击》已把战争脱离了本质上的意义，更是人类本身的一个历程。在U潜艇的内部空间里活动着的舰员，宛如人身的神经那般，各司其位，每每在绝境处做出相应的反应，一路保护着潜艇这个‘身体’冲破道道屏障。若把这部电影称为‘全金属外壳’更为合适，穿行在海底自保多于攻击的过程中，金属外壳和现实里人身体的无异，一次次在深水炸弹的攻击下，在舱里所有人凝成一线的恐惧心理，每一次突破底线的下潜深度，潜艇里的所有军士都是在一样的情绪下操作着各自的工作，把军人与这艘潜艇看作一个完全不可以分割的整体，绷紧着神经不敢出任何错误的处理每一个突发难关，在海底里无奈的潜行者，在炮火中，远方则是故乡，停泊的港口。 这艘名为U96的潜艇在下水时已是二战末期，出航的任务则是封锁航道上的英国货船。电影以这帮潜艇舰员在俱乐部里的狂欢开场，导演对室内戏的调度是当今世界上数一数二的高手，先不说在潜艇里制造的巅峰效果，仅是在俱乐部里群军士的欢狂场景，在视听上所造成的效果已是现在顶尖大片的效果。在上潜艇执行任务的前一夜，所有的舰员都忘我的投入了狂欢之中，这是战争给予他们的权利，但没人知晓下一秒是否还有生存可能。 在俱乐部这一幕经典：疯狂饮酒调戏舞女满屋乱窜的猪猡兵哥哥与一脸淡然坐在吧台前的舰长。狂乱中拉开航程的序幕。上潜艇前舰长向将士介绍着前来随军报道的记者，于记者前面挤眉弄眼的娃娃兵们仍把心情留给了俱乐部舞女的身上。如果再下一城，或者他们也会像宛如《现代启示录》马龙·白兰度喃喃说着的‘恐怖’，再也找不到任何形容以表达自我。 潜艇对外敌方信息的接受方式只能靠肉眼、潜望镜及听螺旋桨这几个简单途径来获取。无尽黑暗的舱里听着驱逐舰在水里传来的螺旋桨打水声时，将恐惧无限放大。当驱逐舰停在头顶上时，声声钻心入肺的隆隆声宛如恶鬼催命那般。绝境。在水底除了这一层‘金属外壳’的保护之外，几乎是无处可逃。每次因躲避深水炸弹而再三地潜过各个舰员可承受的心理底线之外的潜艇。外壳因水压而发出的吱吱声，像利刀那般击在各个将士随时崩溃的神经线。潜艇竭斯底里的大吼或喃喃说着上帝救我，在黑暗里等待着每一次死亡的来临。但他们知道，上帝是绝不会在这艘潜艇里的，每次躲过死亡的泪水与欢呼，在呼喊着下一个死亡危机的到来。在水底，除了这个金属外壳，他们便一无所有了。而这个外壳，则是所有人的生命。生则同生，亡则同亡。而唯一能接受外面信息的感觉只能是那对牵连全身神经的耳朵。头顶穿梭着敌军的驱逐舰时，只能是双手握于胸前，紧闭双眼，在黑暗里听着潜艇外那由远至近的螺旋桨打水声与深水炸弹爆炸声。 父母生我一对耳朵，于此时，我用它来感受死神的面貌。 航行初，第一次潜水演习设定了潜艇成员的第一个心理底线。舰长把潜艇潜到水下170公尺时，流着冷汗都欲出声制止舰长这个令人心生恐惧的演习。这个深度是舰长所能接受的心理底线，看着在低头祷告着的手下将士，微笑着把潜艇升回水面。但是他也没料到在之后居然要一次次的突破对潜艇可以潜深度的底线，以至在经过直布罗陀海峡时完全突破底线。电影不只是用一次次心理底线的突破来释放及加深舰员及观众的恐惧、来描述这一过程。在航行了差不多一个月之后，除了躲避驱逐舰的追击之外，几乎毫无建树的U96潜艇全体成员的士气在慢慢的低落，在大海里毫无目的漂流。在某一天在前方居然看到了已方近在眼前的潜艇，站在瞭望台上的对方舰长正是出航前一天一起在俱乐部狂欢的老汤姆森，这名须发皆白本来是处于退休状态的老舰长正站在暴风雨对面的潜艇上向这边狂挥着手。‘嘿，汤姆森，汤姆森！’茫茫大海居然相遇，互挥手擦边而过。那刻百感交集，宛如在一个偏远的地方，看到自己亲近的人，与他互望而过。 此片如此完美，可以说是导演对‘室内戏’超乎常人的理解。特别在潜艇‘可视’的狭小空间里用‘听’来表现无限的空间。在狭小空间里所做到的不凡效果，把‘视听’范围做到了极致。导演在访谈中谈及，不过是把摄影机改小一些来适合这个拍摄空间罢了。而把电影表现得妙到颠峰的不是影像里可视的空间，而是听到的关于潜艇外传来的各种声音。驱逐舰探测潜艇方位的声纳，驱逐舰的螺旋桨打水声，在头顶上爆炸的深水炸弹，艇壳受到水压而发出的声音。每一样声音都让人真切的宛如置身于这个黑暗潮湿的潜艇之内，而外面则是无限空旷的大海底。于狭小空间表现另一空间无限性且让人身临其境的处理手法，确实是在视听表现上的一个里程碑。导演在进军好莱坞之后的《空军一号》如法炮制，却未达到如此真实引人入境的感觉。《从海底出击》足已让导演不朽。 当U96驶入码头全体将士接受着凯旋归来的礼仪时，被盟军的飞机击沉时，这样的归宿对于U96而言不是最好的结局么？我更愿意把这艘潜艇看作是一个活生生的物体，一个包着金属外壳的智慧体。影片则是表现它从生到死的过程。
影片信息
这部影片有三个版本，136分钟的剧场版，216分钟的导演剪辑版及293分钟的未剪辑版。泰盛文化最新发行216分钟的导演剪辑版。对这部影片有着由衷的喜爱，不但是导演技惊四座的表现手法，还因U96潜艇一次次的劫后余生，将心理底线拉到退无可退的崩溃点。生活并不是像影片里所表现的潜艇航行过程那般惊险，而所谓的窘境也不是潜艇次次所面对的生死一线那样决绝。对生活现状有所不满并叽叽歪歪的一般都是我般吃饱撑的家伙才说的事，真正有资格出来吼几声的，大多给累得说不出话了。而这部电影在绝望的氛围里一直都透着一线生机，一个多月的航程，上艇时一脸稚气的娃娃兵在下潜艇时已一脸沧桑，磨难是最好的成长方式。而那副在海底里所有人赖以生存的金属躯壳，不正是现在人类社会的一个缩影么？当看到它在回到港口既被击沉时，若不觉得悲伤，那就不妨欢呼吧。
幕后花絮
德国导演彼德森扬威国际影坛的作品，改编自战地记者布克海姆的畅销自传。影片用狭窄场景，取得了宏大场面所特有的巨片气氛，被誉为潜艇片的经典。原为六小时的电视片，现在以不同长度的版本流传。
④ 越战5部曲是哪5部电影呢
没听过这个说法，只是知道奥利弗·斯通(OliverStone)的越战三部曲《野战排》（《Piatoon》，1986）、《生于7月4日》《BornontheFourthofJuly》，1989）、《天与地》（《Heaven&Earth》，1993）
奥利弗·斯通最新作品是《世贸大厦》
奥利弗·斯通
生平简介: 奥利弗·斯通1946年9月15日出生于美国纽约。耶鲁大学辍学后,前往越南在当地教英文.21岁时参加越战.回国后进入纽约大学电影系就读, 早在70年代中期，他便以其非凡的编剧和导演才华而享誉好莱坞。 早先，斯通担任的大多是编剧的角色。25岁时，他开始自编自导了影片《seizure》（1974），反响不俗。1978年，他更是以影片《午夜快车》（《midnight express》）的编剧身份登上了奥斯卡的领奖台。从此，斯通声名鹊起。
进入80年代， 斯通接连或编或导了《conan the barbarian》（1982）、《scar face》（1983）和《龙年》（《the dragon》（1985）等影片，它们进一步巩固和发展了斯通在好莱坞影坛上的地位。 在1986年作了影片《salvador》的编剧之后，斯通开始一心扑在导演事业上。他喜好用个性化的艺术语言来表达其对一些社会、政治问题的独到见解。他拍摄的影片具有一种自然流畅而又刚毅沉重的特质。它们总是以丰富的情感和巨大的想象空间令观众折服。
1986年，斯通经过长期的酝酿，凭着自己的亲身经历和对艺术的独到理解，仅靠650万美元的资金， 只用54天时间便在菲律宾的丛林中拍摄了《野战排》（《platoon》)一片。该片一反战争影片通常讴歌战斗和战士的传统，通过一个年轻士兵的眼睛，展现了战争的恐怖与残酷，并进而对越战作了深刻的揭露与批判。影片一推出即引起轰动。果然，在87年的第59届奥斯卡颁奖晚会上，该片又为斯通赢得了其艺术生涯中的第二尊金像。
不久，斯通又导演了影片《wall street》(1987）和《生逢7月4日》(《born on the fourth of july》（1989），获得了观众的广泛好评。尤其是同样具有批判意义的战争题材影片《生逢7月4日》以其内涵的深刻性和艺术手法的独到魅力令观众叹为观止。该片也为斯通赢得了奥斯卡最佳导演提名的荣 誉。
1991年，斯通又执导了《刺杀肯尼迪》(《jfk》）一片，它以独特的视角对前总统肯尼迪的一些生活片段作了艺术化了的诠释。影片虽然引起了诸多争议，但毕竟取得了成功。
此后，斯通又执导了根据小说改编的电影《天与地》（《heaven &earth》1993）。该片以艺术的想象，通过一个女子和他的美国丈夫在战乱中的颠沛生活，再次控诉了战争的野蛮与残酷。
次年，斯通又导演了《natural born killers》。该片以其内蕴批判的思想内核在诸多观众中引起了共鸣。 最近，知命之年的奥利弗?斯通仍探索不懈。在95年的新片《尼克松》(《nixon》）中，他把取材范围从战争背境又移到了社会政治领域，对美国前总统尼克松的政治生活作了独到的反映。
近几年又拍摄了<<u型转弯>>(u turn)(1997)与<<挑战星期天>>(any given sunday)(1999)关于美墨边境与体育体裁的影片,虽无突破,到也中规中矩,不失水准,充满爆发力与破坏性,不愧为具有颠覆传统价值能力的煽动者.
不完全得奖记录:第三十六届金球奖最佳编剧 （1979）,第五十一届奥斯卡最佳改编剧本 （1979）
第三十七届柏林电影节最佳导演 （1987）,第四十四届金球奖最佳导演 （1987）
第五十九届奥斯卡最佳导演 （1987）,第四十一届英国电影学院奖最佳导演 （1988）
第四十七届金球奖最佳编剧 （1990）,第四十七届金球奖最佳导演 （1990）
第六十二届奥斯卡最佳导演 （1990）,第四十九届金球奖最佳导演 （1992）
作品年表:
《seizure》1974
《mad man of martinique》短片 1979
《午夜快车》midnight express 编剧 1978
《手》the hand 1981
《王者之剑》conan the barbarian 编剧 1982
《疤面煞星》scarface 编剧 1983
《龙年》year of the dragon 编剧 1985
《英雄胆》8 million way to die 编剧 1986
《野战排》platoon 1986
《萨尔瓦多》salvador 1986
《华尔街》wall street 1987
《脱口秀》talk radio 1988
《生于七月四日》born on the fourth of july 1989
《门》the doors 1991
《刺杀肯尼迪》jfk 1991
《天与地》heaven and earth 1993
《天生杀人狂》natural born killers 1994
《尼克松》nixon 1995
《阿根廷,别为我哭泣》evita 编剧 1996
《不准掉头》u-turn 1997
《挑战星期天》any given sunday 1999
《beyond borders》2001
佳品浅评:
《生于七月四日》:人们对电影的观念往往是虚构和不可信,但这次你可要睁大双眼,因为银幕上七成的东西,导演在若干年前都曾经历过.另外奥斯卡小金人与靓汤的牺牲造型也能吸引你不少的注意力经济,当然这些要归功于那个狗屁制度下的狗屁政府发动的狗屁战争.
《野战排》:斯通首次证明在越战体裁上,其的权威是不可动摇的,这次除了技术手段的圆润外,还得到了欧洲的认可(柏林最佳导演银熊奖).
《华尔街》:一个俗套的故事,一个人人渴望的名利战场,为利益而生,为金钱而活,那儿是贪婪与手腕的演武场,是人性与善良的坟地,当然它也给了你机会,只要你善于出卖灵魂,你在这里就能呼风唤雨.值得一提的是迈克尔.道格拉斯从幕后走到幕前,鲜活的演出不仅使其在奥斯卡上称帝,更为其今后成为银幕上的魅力坏男人形象打上了深深的烙印.
《门》:现实模糊理想,虚幻逃避真相,上帝为灵魂开了一扇名叫摇滚的门,供你我来回穿梭.门那边,性,暴力与毒品一个不少,但反射着深刻与真实;门这边,茶,玫瑰与烟草,也一个不缺,但映衬着苍白与虚无.当然它也是一种精神鸦片,很有毒但也很有效,而且决不容你浅尝辄止.所以如果你碰巧还是个摇滚乐迷的话,那么《门》就是你盼望已久获得心灵上酣畅的良药.此外你要相信方.基墨与梅格.瑞恩是不会让你失望的,斯通当然更不会.
《刺杀肯尼迪》jfk:一段美国人心碎的历史,一次迷一样的刺杀,简单的几枪就终结了山姆大叔的一代神话.那把冷枪背后的黑手究竟是谁,黑帮,fbi,还是……?人民是否有权力知道他们认为应该知道的事?国家的是否有权力欺骗人民,如果他们觉得有必要?国家的保密制度到底应该对谁负责……?一个定格在世界警察梦断这一特定时点的黑白镜头,牵带出斯通一连串疑问,并且他根剧自己的资料,通过科斯特纳等人的闪亮表现,臆造出上述的种种答案.这大概是斯通在上世纪90年代的最高水准,然而敏感的体裁遭遇更为敏感的奥斯卡与美国大众,注定是不能登顶的,虽然以旁观者眼光来欣赏地世界其他民族,给予了该片当年度最热烈的掌声.
《天生杀人狂》:光看名字就知道这是一部争议影片,何况这次斯通还遭遇了昆汀.塔伦提诺.整部影片就像一个kill game,展现出赤裸裸的杀人娱乐,即使是最和平软弱的心,观后也会不时泛起点点杀机.当然如果你的眼力够狠,还可以看到对司法,新闻机制的抨击和人性黑暗面的挖掘,但问题是这些对大众来说往往会淹没在血淋淋的视觉快感中,如同你看到的某些大师的情色大作,在目睹赤裸裸的性交场面时,有多少人会琢磨不同姿式所承载的人性与社会暗寓.其实这之间的偏差根本在于大师们对电影本质作用的认识与大众的绝然不同,这就是我们经常听到的所谓艺术与商业之争,电影究竟是是以育人(绝不是某些大师用不明所以或假装高深来愚人)还是娱人为主.单就这部片子而言,先锋的欧洲电影小众们还是给了它很高的评价.
⑤ 急需特洛伊剧情介绍！！！
实话实说,这是我复制来的,你看对你有什么帮助没.
特洛伊Troy(2004)
导演：
沃尔夫冈·彼德森 Wolfgang Petersen
主演：
戴安·克鲁格 Diane Kruger
奥兰多·布鲁姆 Orlando Bloom
布拉德·皮特 Brad Pitt
艾瑞克·巴纳Eric Bana
更多中文片名：
木马屠城
类型：爱情/动作/剧情/冒险/战争/历史
片长：163 min / Germany:162 min (cut version)
公元前1193年，特洛伊国王普里阿摩斯和他俊美的二儿子王子帕里斯在希腊斯巴达王麦尼劳斯的宫中受到了盛情的款待。但是，帕里斯却和麦尼劳斯美貌的妻子海伦一见钟情并将她带出宫去，恼怒的麦尼劳斯和他的兄弟迈西尼国王阿伽门农兴兵讨伐特洛伊。
希腊联军的统帅阿喀琉斯和Priam最小的儿子，特洛伊年轻的国王赫克托耳逐渐成为在战争中成为双方各自的英雄。
由于特洛伊城池牢固易守难攻，希腊军队和特洛伊勇士们对峙长达10年之久，最后英雄奥德修斯献上妙计，让希腊士兵全部登上战船，制造撤兵的假相，并故意在城前留下一具巨大的木马。
特洛伊人高兴地把木马当作战利品抬进城去。当晚，正当特洛伊人沉湎于美酒和歌舞的时候，藏在木马腹内的20名希腊士兵杀出，打开城门，里应外合，特洛伊立刻被攻陷，杀掠和大火将整个城市毁灭。老国王和大多数男人被杀死，妇女和儿童被出卖为奴，海伦又被带回希腊，持续10年之久的战争终于结束。
特洛伊》：走下神坛的悲壮史诗
西方文明起源于古希腊文明，《荷马史诗》则是古希腊文学艺术中的瑰宝。作为世界文明的源头之一，这一伟大作品一直启迪着后人的智慧与想象；5月14日公映的好来坞电影《特洛伊》，是对《荷马史诗》的最新一次致敬。
与以往“忠实原著”的改编作品不同，《特洛伊》对《荷马史诗》中的《伊利亚特》部分作了大幅度修改，去除了所有的神话色彩，将一场人神之间的混战，变成一部完全以人类为主体的、关于战争、爱情、英雄与传奇的悲壮史诗。
一
和原著一样，《特洛伊》的故事也是以希腊第一勇士阿喀琉斯（Achilles）为中心。影片一开始，就塑造了他的“战神”般的形象，同时表现了他与当时希腊最强大的王阿伽门农（Agamemnon）之间的矛盾。接下来，就是大家都非常熟悉的盗取海伦（Helen）和大举围攻的故事了。鉴于《伊利亚特》在特洛伊主将赫克托尔（Hector）死后就结束了，《特洛伊》剩下来的情节就参考了《奥德赛》的开头部分以及其他古希腊传说，最终还是以阿喀琉斯的命运为终结。
除了隐去神话色彩外，《特洛伊》还对《荷马史诗》故事中部分人物关系和情节作了修改。例如原著中阿波罗神庙祭司之女克律塞伊斯与阿喀琉斯的女俘布里塞伊斯（Briseis），在电影中就变成了同一个人，帕特洛克罗斯（Patroclus）由阿喀琉斯的好友变成了表弟，而阿伽门农在电影中的归宿也要比原著中更戏剧化得多。此外，在原著中，特洛伊之战持续了十年，虽然《伊利亚特》以阿喀琉斯的愤怒开始，只集中描述了其中最精彩的51天，但对一部两三个小时的电影来说，过于细节的描述是不可能的，也是不必要的。因此，特洛伊之战，在电影中看起来也就是两三天的事。
这种取舍与改动，在我看来是成功的，是符合电影的叙事特性与节奏的。历时十年的战争，电影并非没法表现，只要几个简单的字幕就行了；但是，剧情电影真正吸引人的地方，应当在于情节的连贯与紧凑，尤其是对于这样大制作的商业电影而言，突出原著所表现的主题、而不是斤斤计较于虚构的时间细节，才是把握原著神髓的正确方式。从这一点来看，我赞赏影片的叙事节奏。影片开始十五分钟内，就交代了一场最伟大战争的起因和主要人物关系与性格，却并没有露出仓促急躁的痕迹，显示出编导优秀的控制能力。电影的开头，使用的是典型的“先声夺人”的手法，阿喀琉斯的勇猛无敌以及自负散漫给人留下了深刻的第一印象，这样一来，观众就很容易理解其后发生在他身上的故事了。
作为一部85%时间里表现战争过程的将近三小时的电影，而且又是线性发展的情节，《特洛伊》居然没有我想象中的沉闷或过分；恰恰相反，影片的不少场景，都强烈地吸引了我。更为难得的是，它不仅是吸引我的“目光”，而是吸引我的“心灵”：尽管我已经对《荷马史诗》的故事烂熟于心，但在观影过程中，我仍然对帕里斯（Paris）的不负责任感到出离愤怒，对赫克托尔的忠诚与无奈感到无比痛心，对阿喀琉斯的个人悲剧感到同情与悲哀……
可以说，《特洛伊》不仅仅是复活了《荷马史诗》所表现的主题，还使得这些主题更容易被普通人理解。原著中人物的命运无常以及相应悲剧，还可以说是人被百无聊赖的众神玩弄于股掌之间；但在本片中，正由于抽离了所有的神话因素，人物的命运变得完全由人物各自性格与环境驱使；因此，原著中需要借助“神的安排”所表现的种种转折，无一不深深烙上了人性的印记。原著中带上了神意的人的脆弱、贪婪、勇敢、忠诚，也终于可以现出“原形”。也许有人会说这是将高贵的艺术史诗庸俗化了，但是我认为，只要让更多的人更能理解人类自身，那这样的“庸俗化”只有好处，没有坏处。
二
正如同伟大的战争需要伟大的战士一样，史诗级的电影也需要史诗级的场面。
《特洛伊》在这方面做得中规中矩。倒不是说它不好、不震撼，只是有《角斗士》、《魔戒》等影片珠玉在前，而本片的很多场面又是模仿以上两片的运镜方式，所以至少在创造性上就降低了一些印象分。
“虚拟摄影”似乎在好来坞拍摄大场面时越来越有用了。《角斗士》中对于壮观罗马城的俯瞰镜头，《魔戒》系列中那跨越无数士兵与枪尖的摇移镜头，在《特洛伊》中都让人看起来特眼熟。数万士兵的前进与对峙再到相互冲击，茫茫碧海上的千帆争舸，凌空回转的不可思议的长镜头，都是体现好来坞最新视觉效果的把戏。只不过《特洛伊》把这些技术应用得更娴熟了，也更逼真了。例如那数万士兵的冲击场面，虽然现在没有观众不知道那绝大部分“士兵”都是虚拟出来的，但在片中那光天化日之下的环境下，你还不得不佩服人家做得都看不出破绽。相对于《魔戒》系列中的类似镜头，本片的同类场景尽量避免那种梦幻的感觉，而力求更多的细节表现。影片聪明地将更多镜头对准了局部人群的战斗，以此来烘托整体战场的激烈，同时又能突出个体人物的英雄形象，可谓一举两得。
不过，我还是要奉劝一心抱着看“大场面”读者一声：本片的大场面不会让你失望，但也不是特别出色；与其欣赏那基本上玩不出什么新花样的大场面，不如寻找一些小场面上的亮点。个人觉得本片的人物造型和动作设计值得一提。
提到希腊，很多人可能不一定能想到《荷马史诗》，但一定能想到奥林匹克运动。一想到奥林匹克运动，我们的脑海里一定会马上浮现出一具具健美的身体和一个个展现力与美的无暇动作。看来本片导演深得此中三味，专门用此片来勾起我们对那最原始同时又是最永恒的美的向往。片中的三位男主角，都有不少的肌肤裸露镜头，这使我有点怀疑导演是故意讨好女性观众。但那样健美的身躯，即使是男性观众看了，也会觉得挺养眼的。被人作为“战神”拥戴的阿喀琉斯，是诠释力量之美的最佳人物。从影片的效果来看，布拉特彼特（Brad Pitt）六个月的汗水没有白流，当他那蜜色的胴体出现在银幕上时，估计台下所有的美眉都有幸福到眩晕的感觉。虽然性感之神和战神的概念不一样，但是极端突出了阿喀琉斯的“偶像化英雄”特性，和原著的精神气质还是一脉相承的。
这样一个性感之神又是绝对致命的，那才是阿喀琉斯真正“战神”的一面。为了突出他无敌于天下的武技，电影为阿喀琉斯设计了一套不同于其他人的动作与招式。可能有些观众会不习惯，认为阿喀琉斯的动作稍嫌花哨了点。但我觉得这对于体现阿喀琉斯神赐一般的战斗能力，还是非常有必要的。何况那些动作实际上并不花哨，不仅是符合实战需要的，而且是符合原著描写的。尤其是像滑步、抬脚、弓步、转身这样的动作，是实战中非常普通的技巧，只不过其他角色都打得过于直接，因此显得阿喀琉斯“花哨”了。而对于攻击“技巧”的掌握，不正体现阿喀琉斯异于普通战士之处吗？在原著中，荷马多次用“山鹰猛扑”来形容阿喀琉斯的超人战斗能力，在电影中，我们也看到阿喀琉斯多次采用这种“鹰击术”，端的是轻盈迅猛，高手风范。尤其是与赫克托尔决斗的场景，充分体现了阿喀琉斯的快速与强力的作战特点，堪称本年度好来坞电影中的最佳打斗。
三
一部“史诗”如果只有故事和场面，那它很可能失败。史诗必须能经受得住历史的考验。史诗电影也一样：场面、效果都可能过时，给观众留下深刻印象的，往往是血肉饱满的人物形象和他们身上所体现的触动观众心灵的特质，。
阿喀琉斯，这一被神化了的人类最伟大的战士，在片中果然是光芒四射：他的勇猛，他的不羁，他的柔情，他的愤怒，他的悲哀都表现得不错。作为原著中一个比较偶像化的人物，布拉特彼特的演绎还是很有神采的。动作语言上的健美和技巧，通过训练还可以比较容易达到，阿喀琉斯在战场上那股令对方胆战心惊的杀气，却不容易通过肢体语言表现出来。布拉特彼特用凌厉的眼神和血气方刚的冲劲，增强了动作的感染力，塑造了一个令人信服的“战神”形象。与其他演员的表演相比，布拉特彼特的演绎总是散发出咄咄逼人的性感魅力，这可能与其本人的气质有关。不过这种气质和原著人物形象配合得很好，也许“万人迷”的阿喀琉斯本来就该是这个样子的。
尽管阿喀琉斯够眩目，但影片最让我动心的却是赫克托尔，永远的赫克托尔。与热血冲动的阿喀琉斯相比，沉稳的赫克托尔无疑显得更成熟。赫克托尔的心里，装着比他弟弟帕里斯要博大、深沉得多的爱，这使他成为最完美男人的典范，同时也照就了他不可避免的悲剧性。艾瑞克班纳（Eric Bana）的演绎堪称完美，尤其是他那双大眼睛，虽然不如布拉特彼特那样放电，但却永远让人感到温暖可靠和勇气；虽然他的表情并不复杂，但这深邃的眼神足以说明一切。在观看的过程中，观众根本不用去设想原著人物是怎样的，因为班纳的表演和赫克托尔这个人物在精、气、神上完全统一了。过多地描述他的表演是不必要的，观众的反映最能说明问题。片中赫克托尔迎接他命运终点的场景，是整部电影的高潮；也只有在那一刻，我注意到电影院里静得让人心悸——所有观众同时被感动了，那种感觉真的非常美好。即使整部电影没有那些炫耀似的视觉效果，没有酣畅淋漓的打斗场景，单凭班纳塑造的赫克托尔形象，已足以让人喜欢上这部电影。毫不夸张的说，如果说阿喀琉斯是影片最大的卖点的话，赫克托尔就是本片的灵魂。正如同《角斗士》的成功离不开罗素克洛（Russell Crowe）一样，没有班纳完美塑造的赫克托尔，《特洛伊》将沦为浅显娱乐的爆米花作品。
相对前两位而言，人气帅哥奥兰朵布鲁姆（Orlando Bloom）的角色极端不讨好。在原著中，这位特洛伊的二王子就是个大花瓶，是男人中的“祸水”。电影中的帕里斯似乎比原著更窝囊，也更幼稚和冲动。演出这样一个人物，对于凭《魔戒》系列中光彩照人的“精灵箭手”而大受欢迎的兰朵布鲁姆而言，是个不小的挑战。个人对他的演绎基本满意，他的角色从头到晚没让人喜欢过，但他也没有演出那种“孬”得让人喜欢的效果，所以只能算中规中矩。
至于影片的女性角色们，因为在原著中就多为脸谱化的角色，因此电影中也没有哪一个特别出彩。影片加强了阿喀琉斯与女祭司布里塞伊斯之间的感情戏份，却也只能算是一个比较成功的噱头，还缺乏让人咀嚼的滋味。赫克托尔的妻子安德洛玛克（Andromache）与那传说中绝色的海伦也是同样的效果，不过，后者还因为无法达到观众心目中“角色”的目标而饱受攻击。其实这也是电影相对于文字很难表现的一个方面：文学具有无限想象的空间，而电影中一旦露面就固化了形象，总会有人不满意。
与女演员的苍白表现形成鲜明对比的是那些老演员的卓越表现，真正体现出“老戏骨”的价值。一向甘当绿叶的英国演员萧恩宾（Sean Benn）在片中出演智勇双全的奥德修斯（Odysseus），将角色那种委屈求全同时又能运筹帷幄的个性传递得很到位；布莱恩考克斯（Brian Cox）扮演的西腊联军首领阿伽门农则一如原著中令人讨厌，但他又“邪”得带上了考克斯自己的特点，因此比布鲁姆的帕里斯要出彩。最有神韵的，还是彼德奥图尔（Peter O’Toole）扮演的特洛伊王普里阿墨斯（Priam），和班纳的赫克托尔一样，也是属于和角色完全融合的表演。在与阿喀琉斯秘密交涉的场景中，奥图尔的演绎悲伤中透出坚忍，恳求中隐含机锋，令人觉得阿喀琉斯那句“你比我们这边的王要好得多”的感叹是由衷的。
伟大的演员能拯救一部电影。的确，《特洛伊》正因为了有了传神而且更人性化的普里阿墨斯、赫克托尔和阿喀琉斯，影片才具有了真正打动人心的力量。
四
看完《特洛伊》的感觉有点奇怪：剧中人物的命运能让你浠嘘不已，部分演员的表演也能让你击节赞赏，但对影片整体却并没有特别出色的感觉。脑海中能回响起来的，还是少数几段感人的片段，对那些大场面却很少有印象。或者说，观众对很多场面的记忆，很可能与其他“史诗”片混淆起来。
怪只能怪影片的整体制作太程式化了。好来坞发展到今天，已经有一套特别成熟的史诗片泡制工序。这套工序是如此的熟能生巧，以至于观众有些“审美疲劳”：虽然画面越来越漂亮，故事越来越流畅，但总觉得缺少点什么来让自己爱得发狂。
从剧本来看，两个多小时的电影当然无法等同于一万多行、洋洋洒洒24卷的长篇诗歌，电影需要简化。让特洛伊的故事走下神坛，既是简化故事的有力手段，也是本片最大的贡献之一。至少从个人的感觉来看，完全从人性化的角度来描写阿喀琉斯与赫克托尔更有感染力。他们不再是众神争风吃醋、争强斗胜的棋子，而是成为陷入各自悲剧命运无法自拔的人物。这种悲剧命运是由他们自身的性格和所处的历史条件决定的，影片对他们性格上的描绘很具有说服力。这样即使观众代入角色的话，也会觉得很真实，最后的悲壮意味也更浓厚。当人物命运由性格驱使时，他们也就成为自己的棋子，有什么比自己将自己逼上绝路却又无可奈何更具有悲剧性的呢？因此，当演员们将自己和这些悲剧性人物结合得很好的时候，他们的角色就能格外打动人。
然而，光靠明星的魅力显然是不行的，再出色的表演也只能让你记住角色，而无法感受到整部电影的“独特”魅力。导演沃夫冈彼得森（Wofgang Peterson）显然是位成功的商业片导演，可也正因为他太熟悉商业片的拍摄套路了，以至于他”又”拍摄了一部可作为商业片教材的作品。一切都是那么恰到好处，观众头脑中“大片”应该有的东西它全都有了，但唯独缺少作为优秀电影导演最重要的一种品质：个性。当《特洛伊》的每一个镜头都让观众舒服的同时，它也就放弃了一项更伟大的目标：让观众惊喜。
的确，《特洛伊》就是一部角色精彩、整体让人满意却无法大声叫好的作品。
参考资料：http://www.mtime.com/movie/13135/
⑥ 德国人拍的战争片非常客观，真实，你心目中认为最好看的是哪一部
我认为最好看的德国战争片是《希望与反抗》，第一次看到这个电影名字的时候就吸引住了我，我觉得这个题目表现出一种在绝望中和努力中。这是一部比较老的片子的，2005年出来的。之前我就看过，觉得很好看。
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