A. 音乐剧《巴黎圣母院》的音乐风格浅析
下面是关于电影电视的论文，欢迎借鉴参考，希望对你有帮助。
一、音乐剧《巴黎圣母院》
音乐剧(musical)是以戏剧(尤其是剧本)为基本，以音乐为灵魂，以舞蹈为重要表现手段，通过音乐、舞蹈、戏剧三大元素的整合来讲述故事、刻画人物、传达理念的表演艺术娱乐产品。为了迎合市场需求，音乐剧要融合各类舞蹈和相应的舞台效果。在20世纪，“音乐剧”这种表演方式也就比歌剧或舞剧更具有吸引力。
音乐剧《巴黎圣母院》(Notre DamedeParis又名《钟楼怪人》)1998年9月16日首演于法国巴黎。在其后的几年演出里创造出直接观众四万多人的记录，还在世界许多国家的大城市巡演，如加拿大的蒙特利尔、英国的伦敦、瑞士的日内瓦、黎巴嫩的里本、意大利的米兰、俄罗斯的莫斯科等。
音乐剧《巴黎圣母院》获得的奖项:在法国获得过“最佳演出年度奖”、“最佳曲目年度奖”、“最佳世纪歌曲观众奖”;在加拿大魁北克获得过“最佳年度演出奖”、“最佳唱片奖”、 “最佳导演年度奖”、 “最佳圣堂歌曲奖”;在摩纳哥获得子“世界音乐法语唱片最佳销售奖”。剧中的单曲《美人》(或译《美丽佳人》)更是获得世界音乐奖，被众多著名歌手翻唱。《巴黎圣母院》以其独特的艺术魅力和强烈的感染力立于音乐剧首列。
音乐剧《巴黎圣母院》是维克多?雨果 (VictorHugo， 1802-1885)的小说《巴黎圣母院》改编而来。在法裔加拿大人吕克?普拉蒙顿 (LucPlamondon)与意大利人李查德?科西安蒂(Rich Cocciante)的合作下，忠于原作，联手把它搬上了音乐舞台。这部音乐剧生动地表达出原著中对人道主义仁爱精神的颂扬，对封建制度的揭露和抨击以及对教会人物的恶行在道德精神上的谴责。
与20世纪纽约百老汇和伦敦西区的音乐剧相比，音乐剧《巴黎圣母院》有极大的不同，有人甚至称其为另类音乐剧。评论家则认为，《巴黎圣母院》一剧将引领当代音乐剧从20世纪80年代以来的韦伯式音乐剧的阴影中走出来。在音乐剧中，制作人刻意追求舞台特效，音乐本体似乎沦为配角。《巴黎圣母院》的制作似乎正想把音乐剧引回以音乐和舞蹈为主的传统审美观念之中。《巴黎圣母院》一剧在传统基础上有颇多的创新，如不注重叙事，把表现的重点放在了音乐和舞台表演上，并将歌唱和舞蹈完全分开又巧妙地作了互补，同时还有剧中华丽的服装、少变多动的舞台布景等。
我国观众所熟知的美国纽约百老汇音乐剧名作《西区的故事》、《窈窕淑女》、《音乐之声》，以及英国伦敦的名剧《猫》、《歌剧魅影》、《悲惨世界》、《西贡小姐》等，这些音乐剧多由纽约百老汇和伦敦西区的演艺公司包装而成，因此带有百老汇和西区特有的风格和运作方式。但《巴黎圣母院》几乎没有受到百老汇和伦敦西区的影响，甚至该作品诞生后，从制作、包装到推销也是由法国公司全权包办，而不像《悲惨世界》和《西贡小姐》诞生于法国，包装和运作却由伦敦西区的公司来完成。因此，《巴黎圣母院》中几乎没有纽约百老汇和伦敦西区的印记，为“清白之身”。
二、演唱形式
(一)歌舞分离
歌唱与舞蹈相分离是《巴黎圣母院》的一个独特风格。歌唱演员不跳舞，而跳舞演员不唱歌，即不是边歌边舞或边舞边歌的形式。在这之前的音乐剧中，舞蹈和歌唱演员的角色分配基本上没有绝对分开的情况，即歌唱演员会和舞蹈演员一起舞蹈，而舞蹈演员也会参与歌唱(多数是合唱)，从而体现出歌舞一体的样式。《巴黎圣母院》的整个剧目的歌曲全部由七位主要演员演唱，他们歌唱的时候不参与任何舞蹈，全情投入演唱。舞蹈演员则完全不参与歌曲的演唱。此种表现形式使歌者可以全身心的表达歌曲内容和内心情绪，舞者更专心于肢体表达。所有演员都各尽其职，共同围造出声音与画面、内心与外在的完美融合。
(二)重独唱
此剧偏重独唱，全剧50段音乐中大部分是独唱。七位歌唱演员轮番上场，一首接连一首，恰似独唱音乐会，而较少重唱和合唱。这是否是在迎合观众的审美需要却不从知晓，但歌舞分离的演出形式让独唱大放异彩。过多的偏重独唱难免使音乐陷于单调，适当的独唱和重唱交融于独唱中会更显独唱的地位。
(三)“通俗“为主
流行的通俗唱法是音乐剧《巴黎圣母院》演员们的主要演唱形式，演奏乐器，也全部采用电声乐器，没有管弦乐器。这些都表明《巴黎圣母院》追求的是流行的通俗风格。而在这之前的大多数音乐剧的演唱都会融入美声唱法，在伴奏乐器上也大多以管弦乐器为主，或者加入一些摇滚电声乐器，很少用流行的乐器。
三、音乐素材
音乐是音乐剧的灵魂，音乐剧“的最重要的创作原则便是将旋律之美发挥到极致，唯其如此，才能使音乐剧藉着音乐的翅膀得以致远，得以腾飞”。 与传统音乐剧强调美声唱法不同，作曲者把流行音乐因素载入到《巴黎圣母院》的基本音乐架构中，在强烈的摇滚旋律的包装之下，其乐曲具有震慑人心的魅力。
《巴黎圣母院》的音乐素材来源于：
(一)城市歌谣曲
城市歌谣曲“香颂”(chanson)在法文中其实就是“歌曲“的意思，唯美的曲调、抒情与叙事兼备的表达方式，充分体现了法国文化和语言中特有的细腻和精致。如剧中的名曲《美人》、艾丝梅拉达唱的《菲比斯》、百合唱的《我十四岁的年华全都给你》，以及艾丝梅拉达和百合二人的重唱《他灿烂如太阳》，都属于香颂。
(二)吉普赛音乐
吉普赛音乐在剧中也占有重要地位。吉普赛人源自印度，是一个流浪民族，在欧洲许多国家都有其踪迹。他们每到一处，便于当地音乐交融，形成具有特色的吉卜赛音乐。本剧中的吉普赛人来自西班牙的安达鲁西亚，第一幕中艾丝美拉达诉说身世的《吉普赛人》(有人翻译为《波希米亚人》)，不仅有西班牙佛拉门哥音乐的基调，还有印度的西塔尔琴的音色。再如第一幕中的《艾斯美拉达，你明了》是吉普赛首领克洛潘演唱的，其中的那种较为尖锐的变化音旋律则是来自匈牙利的吉普赛音乐。这种音调在剧中还常用来刻画紧张和不祥的场景，如菲比斯在去“爱之谷”的路上与神甫对唱的《那人是谁》。这些充分体现了吉普赛音乐的表现力。
(三)教堂音乐
教堂音乐元素也在剧中塑造戏剧环境，且常以背景伴唱的方式出现。如艾丝美拉达第一幕中的《圣母颂》、神甫在第二幕中的独白《遇见你之前我是个幸福的人》。教堂音乐在剧中的数量虽然不多，但在其中作用不容忽视。
除以上的基调性音乐元素外，在剧中的对话场面和神甫角色中还使用了少量的宣叙性唱腔，如第一幕中菲比斯于神甫在“爱之谷”。
四、思想性
音乐剧之所以取代了“轻歌剧”，是因为音乐剧更直接、更新颖的表现现实生活。音乐通俗流畅但不乏高度思想性，脚本也富有高度艺术性和戏剧性。《巴黎圣母院》改编于大文豪雨果的同名小说，具有高度的社会思想性，剧情深刻反映了封建主义制度的腐朽和人道主义精神的崇高。多元的音乐素材具有浓厚的民间韵味，法国的“香颂”、“吉普赛音乐”、“教堂音乐”等凝结了高度的音乐思想，运用于剧中，充分的表现出戏剧魅力。音乐的思想性与戏剧思维达到完美的契合。
五、结语
B. 西塔尔琴是哪个国家的代表乐器
西塔尔琴是印度的代表乐器
C. 拉维·香卡的个人作品
著作：《我的音乐，我的生活》(MyLifeMyMusic)，1968年在美国洛杉矶出版。主要是为西方普通读者而写的一本英文版书籍，以拉维-香卡音乐经历为线索，同时将印度音乐知识贯穿其中。《拉格与情感》(RagaAnurag)，1978年由音乐表演艺术研究院(RIMPA)出版，是一本用孟加拉语撰写的书籍。书中序言部分是记者桑卡尔拉勒录音采访香卡的记录。针对音乐专业的读者，香卡讲述了西塔尔琴以及印度传统音乐的发展，在较深层次上探讨了印度音乐和音乐家。《学习印度音乐》(LearnIndiaMusic)，1979年美国出版。这是一本配有三盘磁带的书籍，作者以一种系统的方法讲授如何学习印度音乐，改变了印度音乐史以口头传授的这一古老方式，用书面文字和演奏实例的音响取而代之，这是印度艺术教育领域中的新发展。
拉维·香卡
自传性电影：《拉格》(Rage)，1968年美国拍摄。
《拉维·香卡肖像》(RaviShankarInPor-trait)，2000年英国BBC拍摄。
《拉维·香卡在两个世界之间》(RaviShankar：betweenTwoWorld)，2000年美国和法国拍摄。
从20世纪50年代到2007年间他出版的具代表性的CD包括：《MenuhinMeetsShankar》(东西方相遇之一，1966)《WestMeetsEast》(东西方相遇之二，1967)《WestMeetsEast》(东西方相遇之三，1976)《.1》(西塔尔第一协奏曲，1971)
《.2》(西塔尔第二协奏曲，1982)
《RaviShankarinKremlin》(1988)
《sitar》[Oriental](1989)
《Passages》(1991)
《Bridges》(2001)
D. 印度西塔尔音乐鉴赏论文
文章的结尾有时比开头还重要。由于阅卷者看完结尾后即开始打分，因此，它的好坏还直接影响到阅卷者的评分心理。李渔曾说：“篇际之终当以媚语摄魂，使之执卷流连，若难遽别。”结尾如有此种效果，整篇文章将增色不少。议论文结尾的写作，要收束全文，突出中心论点；要体现全文结构的紧凑、完整，不能草率收兵，也不能画蛇添足；语言要干脆有力、清音留响，富有启发性和鼓舞性。
E. 西塔尔的介绍
sitar 中文名：西塔尔琴（西塔琴）印度拨奏弦鸣乐器。为木制长颈的琉特琴，是印度最重要及最流行的传统乐器，西塔尔音色柔美、珠圆玉润，表现印度音乐中如怨如诉、婉转曲折的旋律，最具神韵魔力，主要流行于印度北方和巴基斯坦等地。西塔尔可以说是印度最具代表性的印度古典乐器，印度西塔尔大师 Ravi Shaker（拉维香卡）无疑的是印度西塔尔的推上西方听众，甚至于全世界最重要的功臣。
F. 印度最流行的拨弦乐器
印度最流行的拨弦乐器是西塔尔琴。
为木制长颈的琉特琴，是印度最重要及最流行的传统乐器，西塔尔音色柔美、珠圆玉润，表现印度音乐中如怨如诉、婉转曲折的旋律，最具神韵魔力，主要流行于印度北方和巴基斯坦等地。西塔尔的琴身呈梨形，由掏空的木头或葫芦和木制的音板组成。
有的上方还有一个葫芦，主要是用来装饰，但也用于将乐器放倒时使其不接近地面。西塔尔可以说是印度最具代表性的印度古典乐器，印度西塔尔大师Ravi Shaker无疑是把印度西塔尔推向西方，甚至推向全世界最重要的功臣。
常见的拨弦乐器
古筝、柳琴、阮（大阮、中阮、小阮）、琵琶、三弦、古琴、热瓦普、喀什热瓦普、刀郎热瓦普、库木日依、巴朗孜库木、阿肯冬不拉、乐队冬不拉、月琴、竖箜篌、凤首箜篌、双排弦箜篌、雁柱箜篌、转调箜篌、卡龙。
弓琴、达比亚、傣玎、托甫秀尔、东布尔、菲特克呐、三线琴、扬琴、竹筒琴、竹琴、锵等、竖琴、吉他、班卓、巴拉莱卡、鲁特琴、曼陀林等。
G. 西塔尔的历史简介
西塔尔（印地语：सितार；孟加拉语：সেতার；乌尔都语：ستار；波斯语：سی تار）又称锡塔琴，是印度一种长颈琉特，用作印度古典音乐乐器，1950年代起也开始作为流行音乐中乐器使用。西塔尔是印度最具代表性的印度古典乐器。[1]
西塔尔（Sitar）的源流众说纷纭，一般印象是从南印度的维那改良，但据考据应该是改自波斯的塞塔尔（Setar）。西塔尔是北印度最重要拨弦乐器。至于是何时被改成今天我们看到的西塔尔原形，精确的日期已无可考，传说14世纪已有西塔尔的出现，但在1700年，莫卧儿帝国末期，西塔尔已开始逐渐广为流传，是毫无疑问的。
H. 《拉贾斯坦民间音乐》的资料
西塔尔是印度种类繁多的民族器乐中最有代表性的一种。西塔尔是一种弦乐器，演奏时左手按弦，右手食指套上金属的拨子弹拨，或者手持弓子擦弦。西塔尔有多种类型，主要分北印度西塔尔和南印度西塔尔。北印度西塔尔琴体为木制，长约1米，共鸣体成半球状，由一个镶薄木板的葫芦构成。琴颈扁长而宽，指板上有20个可移动的环形金属制成的品。琴弦一般为7根。南印度西塔尔与北西塔尔相近，但琴柄稍短而细，有14个金属制成的品。西塔尔适于演奏装饰音，音域有三个八度。拉维·香卡是印度最著名的西塔尔演奏大师，1983年他曾来我国进行访问演出。《拉贾斯坦民间音乐》是印度北方的拉贾斯坦邦(相当于省)的著名民间音乐。拉贾斯坦境内有印度境内唯一的沙漠地区，那里常年干旱缺水，拉贾斯坦的男人多外出从事经商和参加军队。军人在战斗中表现英勇顽强，因此这里的民歌和音乐多表现思念家乡亲人的情绪和英勇顽强的精神。这首乐曲就表现了这样的情感。
I. 《深情》的演奏形式
乐器演奏，西塔尔和小提琴演奏。
拨奏弦鸣乐器。为木制长颈的琉特琴，是印度最重要的乐器，主要流行于印度北方。西塔尔琴的琴身呈梨形，由掏空的木头或葫芦和木制的音板组成。