Ⅰ 动画历史知多少（三）：日本动画史
日本动画的发展历史可追溯到上个世纪二十年代，当时日本电影工作者把西方的动画制作技术带回日本，并开始尝试制作动画。
黄金时期
八十年代, 日本动画开国内开始成为主流电视节目之一，并经历日本动画史上第一个黄金时期。当时高达皇朝和高桥留美子的职业生涯却刚刚开始。而大友克洋的作品阿基拉更于1988年冠以最昂贵动画作品的称号。
九十年代以后，相比中国动画日趋缓慢的发展趋势，日本动画在国际动画市场上却愈来愈受欢迎，赶超中国。动画电影阿基拉和机壳攻战队在1995年开始成为国际有名的动画电影。日本电视动画例如新世纪福音战士和星际牛仔等亦吸引世界各国，尤其是西方的动画迷的注视。2002年宫崎骏凭《千与千寻》于德国柏林影展中得到金熊奖和在第76届奥斯卡电影颁奖典礼中得到"最佳动画长片"一奖项。
Ⅱ 日本动画电影排行榜前十名
日本动画电影排行榜前十名：
1、阿基拉
《龙猫》片中优美的画面充满着农村田园的清新气息，片中却不乏各种惊心动魄的场面，虽然让观众有点紧张但这也是该片牵动人心的魅力所在，天真稚拙的童趣、质朴淳厚的人性都让人感到非常的治愈，无论是大人还是小孩都能在影片中产生心灵共鸣，每一个桥段都透着大自然对人类的呵护之情，捍卫了观众们的童真年代。
Ⅲ 求一部动画片，好像是日本的说的是一个少年研究飞机，后来认识了一个叫雷默船长的人，可雷默死了。
蓝宝石之谜
【原 片 名】不思议の海のナディア
【出品年代】1990年
【出品公司】GAINAX
【首播电台】NHK
【剧集总数】39集
【内容简介】褐色的皮肤，闪耀着的蓝宝石，少女名叫Nadia。西历1889年，巴黎的街角，John与Nadia相遇了，故事由此展开……
舞台是1889 年的巴黎。在万国博览会会场喜欢发明的少年John和马戏团的少女Nadia偶然相遇了。这时，以Nadia胸前所佩的谜之蓝宝石为目标的格兰蒂斯一伙登场了。在格兰蒂斯一伙的追击中John与Nadia出乎意外的冒险旅程开始了。
《蓝宝石之谜》，《海底两万里》，又名《不可思议之海的娜迪娅》。根据儒勒·凡尔纳小说《海底两万里》改编
文原名：《ふしぎの海のナディア》
日文注音：《Fushigi no Umi no Nadia》
英文译名1：《Nadia: The Secret of Blue Water》
英文译名2：《Nadia of the Mysterious Seas》
（香港译作：冒险少女娜汀亚）
TV全39话
日本首次放映时间
每周星期五夜晚7点30分～8点NHK台
1990年4月13日—1991年4月12日
日本第二次放映时间
2002年1月—2002年11月
日本第三次放映时间
2004年4月—2005年1月
在第三次放映期间还推出了原生纪念音乐《ふしぎの海のナディア オリジナル・サウンドトラック （Forever NADIA）》
我国于1992年左右引进，上海是由教育台播放目前约 20岁左右的人多是小学时看的中文配音版本。应该都有印象，当然，很久没看过的话就一定要回顾一下了 （价值观改变了，重看本片会有完全不同的感受，就像各位如果小学时候看的EVA，现在再看的感受是完全不同的^^），如果没看过此片，那更是应该排在各
位动画观看日程的首要位置了。
GAINAX的艺术巅峰时期作品。
初看是基于法国作家儒勒·凡尔纳的科幻小说《海底两万里》的冒险动画，但完全不拘泥于原本的框架，架空式的流畅的剧情发展，加以深远的世界观设定和半架空式的背景，贞本义行的人物设计，鹭巣诗郎绝佳的原创音乐……
本作品内涵不仅深厚，而且丰富，人生观，价值观，世界观，爱情观，战争与和平，科学的价值等等均一一涵盖，动人的BGM，动画界各知名声优和制作人员早期的艺术结晶，由于故事完美的连续性，导致本片在商业上成为GAINAX的失败之作，但是艺术上的成就是不可磨灭的，要真正了解日本动画片，这部为必看作品之一。
声优：
让·洛克·罗狄克：日高のり子
娜蒂亚： 鹰森淑乃
玛丽：水谷优子
小狮王：桜井敏治
格兰蒂斯·格兰巴： 滝沢久美子
山姆：堀内贤雄
汉森：桜井敏治
尼莫船长：大冢明夫
伊莱克特副船长：井上喜久子
卡格依Gargoyle：清川元梦
艾克（信号声纳员）： 松本保典
鹦鹉螺号上的轮机长：岛香裕
鹦鹉螺号上的成员：田原アルノ
鹦鹉螺号上的领航员：中原茂
鹦鹉螺号上的厨师：绪方贤一
鹦鹉螺号上的医生：藤本让
费特（鹦鹉螺号上的技师）：关俊彦
艾通伯爵：山寺宏一
梅维尔舰长（美军战舰舰长）：大宫悌二
哈马哈马：山口胜平
尼欧皇帝：盐泽兼人
鲸鱼 ：高木均
动画TV版目录：
序号 TV版
TV版 01 埃菲尔铁塔的少女
TV版 02 小小逃亡者
TV版 03 迷之大海兽
TV版 04 万能潜水艇 鹦鹉螺号
TV版 05 玛丽之岛
TV版 06 孤岛要塞
TV版 07 巴贝尔塔
TV版 08 娜蒂亚营救作战
TV版 09 尼莫的秘密
TV版 10 格兰特的活跃
TV版 11 鹦鹉螺号的新成员
TV版 12 格兰蒂斯的初恋
TV版 13 快跑！玛丽
TV版 14 海底里夫六四谷
TV版 15 鹦鹉螺号的最大危机
TV版 16 消失的陆地的秘密
TV版 17 让的新发明
TV版 18 鹦鹉螺 对 鹦鹉螺号
TV版 19 尼莫的至友
TV版 20 让的失败
TV版 21 永别了鹦鹉螺号
TV版 22 判逆者伊莱克特
TV版 23 小漂流者
TV版 24 林肯岛
TV版 25 初吻
TV版 26 孤独的小狮王
TV版 27 魔女之岛
TV版 28 漂流的岛
TV版 29 小狮王 对 小狮王
TV版 30 地下迷宫
TV版 31 再见，红诺亚
TV版 32 娜蒂亚的初恋
TV版 33 拯救小狮王的作战
TV版 34 心爱的娜蒂亚
TV版 35 蓝宝石的秘密
TV版 36 万能战舰 新鹦鹉螺号
TV版 37 尼欧皇帝
TV版 38 去太空
TV版 39 星球的继承者
对蓝宝石之谜的评价：
——回味《不可思议海之娜蒂娅》
你是一位冒险家吗？在寻找隐藏在危险瀑布深处的那些传说的真像？如果是，请跟我来……
风轻云淡之间，传来大海的味道，一只飘逸的白鸟翱翔在蔚蓝而宁静的海天之际，轻盈地穿过层层白云，潇洒地滑翔而过，划出优雅的曲线，同时响起的是森川美穗那天籁般的歌声，这歌声与白鸟浑然一体，而让人心驰神往的不仅是鸟儿的自由自在，更有那歌声所绘出的悠远的心灵轨迹……
GAINAX早期的杰作——《不可思议海之娜蒂娅》出品于1990年，一晃眼，已经是19年前的事情了，而引进入我国，大约是在1992年的暑假，记得当时我正靠着墙坐在家里的水泥地板上看漫画，忽然听见东视的广告里说正式引进了一部日本动画，名字叫《蓝宝石之谜》，连签约的画面都播放了出来。此时的我压根不知道庵野秀明、贞本义行、前田真弘、摩砂雪 、鹭巢诗郎是谁，这些人自己也还都没声名鹊起，由于那时引进的日本动画水平基本上都很高，所以不由得关注起这部作品来。
该作在上海应该只播放过两次，第二次是在我的高中时代，那时有线台所用片名已经是《海底两万里》。其实在我看来，最初《蓝宝石之谜》的译名过于直白（因为本作的英文名字是“The Secret Of Blue Water”，而故事的关键就是名为“Blue Water”的蓝宝石），《海底两万里》的话实在有盗版儒勒•凡尔纳同名作品之嫌，而且故事里也有不少情节并非发生在海底，貌似不太合适，《不可思议海之娜蒂娅》过于繁琐，不好记忆，所以我个人还是最喜欢《The Secret Of Blue Water》这个清清爽爽的名字。
《不可思议海之娜蒂娅》的片头由白云和飞鸟引出，既充满了优雅和潇洒，又不失和平、冒险和幻想的味道，再加上那首极为经典的主题曲，让人对它留下了不可磨灭的美好印象。这部作品跟很多科幻故事一样，在对科学颇为赞美和憧憬的同时，也充满着怀疑、忧虑与批判的反科学精神，而这也正是人类永远会反思的话题。
“西元1889年，世界各国的许多船只纷纷在大西洋中神秘遇难，传闻是由古代幸存下来的海怪所为，各国因此互相谴责，一个个剑拔弩张，世界局势动荡不安，而此时也正处于工业革命的进步时代，列强又都埋头于亚非殖民地的争夺，于是军事冲突频繁发生。这是19世纪的末期，在人类文明蓬勃发展的同时，人们也都生活在即将发生的第一次世界大战的阴影之中……”
这就是《不可思议海之娜蒂娅》的故事背景，如果没有记错，当年中文版的旁白是由玛丽的配音演员诉说的，也就是用故事中这位最年幼的主要人物的视角和口气来叙述故事，这样非常有故事感，很容易把人带入剧情，尤其是当故事最后，玛丽以成人姿态登场并诉说最后的故事结局时，她自问自答道：“对了，你问我是谁？我呀……就是当年的玛丽！”这时镜头移向一张张熟悉的照片，让第一次看的观众有如梦初醒、恍然大悟之感，实在是回味无穷，这一点甚至比原作的男声更合适，因为原作直到后期才开始使用玛丽的配音来做旁白，未免有些缺憾。
原作的故事比较复杂，说来话长，看过的朋友不需要我罗嗦，没看过的也需要保持新鲜感，所以复述已经没多大意思，所以本文权且以几位主要人物为主线来回味这部不可多得佳作
Ⅳ 我想知道日本学者对宫崎骏动画电影的研究情况，以此写出日本对宫崎骏动画电影的研究综述。
文献是什么 本参考文献的索引只是对宫崎骏的相关书籍和文献的搜集和筛选,并不做评论和评价。其中，豆瓣读书中，按照关键词进行搜索，有宫崎骏相关书籍222本。另外，文献部分的来源主要是中国知网的学位论文和学术论文。截止到编辑发稿时，将“宫...2452
Ⅳ 研究日本动漫的现实必要性
做研究性学习的课题，熟读资料是必须的，这网址是网络关于日本动漫的资料。
http://ke..com/view/495014.htm?fr=ala0
从资料中可以知道，日本动漫大量涌入香港是在1987年。
国内的发展则相对缓慢，从80年代最早有日本动画的引进开始，十几年来只有少量日本动画片在国内电视台播放，而且迄今为止也没有到部日本的动画电影在国内公映过，世面上极少看到动画的CD、录影带、VCD、及有其它周边产品，仅有的一些产品也种类单一，毫无选择余地，是否动画片对国内观众的吸引力不够大呢？显然不是这样，好的动画片所引起的反应强烈，如近年在国内各电视台播放的《灌篮高手》，在黄金时间播放并创下收视高峰，一时间出现了《灌篮高手》周边产品在市场上大卖的情形！磁带、VCD、海报、拼图、T恤、钥匙扣等等，说明国内不是展的条件，而是缺少思想观念的彻底更新，将动画当成一个全新的文化和市场来看待，让我们摒弃偏见，更新观念，让动画走进我们的生活，给青少年更多的梦想和空间吧！
以上都是可以从资料中得出的。
以下是我对日本动漫对我国的影响性的结论。
1）日本动漫的涌入加快了中国动漫事业的发展，为中国动漫发展带来了美好的展望。但是，因为中国里面各种各样的法律禁止下，中国动漫的发展还是比较慢的。
2）中国的教条比较多，约束了中国青少年的思想和思维的发展，而动漫事业的发达能很好地开阔思维。要知道，发明的前提是你敢想象。就像以前的古人从来没有想过现在的人类能在天空飞一样。
3）日本动漫对个性，性格的影响是很大的。热血的动漫能让人变的热血，有正义感；搞笑的动漫能驱散忧伤，带来欢乐；轻松的动漫能让人的心变得平静。一些特别的动漫还会使人变得奇怪，像看猎奇的动漫会使人对猎奇产生兴趣；看变-态的动漫会变成怪叔叔；看伪娘为变成伪娘控-_-!!
4）日本动漫的H片很多，在日本HGame都是可以正常贩卖的，色情动漫也通过互联网流入中国。在色情动漫的影响下，一批批外表单纯，内里委琐的色狼就诞生了
以上
Ⅵ 求一篇日本动漫论文 800字
本动画从20世纪80年代初进入中国并迅速风靡，可以说伴随着80年代出生的一代一起成长，这期间日本动画对中国青年的心智和意识形态发展成熟产生了一定的影响，但是这种文化影响力却是有限的。由于二战的影响在中国青年关念里构成的刻版成见，使其对日本动画的欣赏一般而言只止于感官审美的层面，而不涉及意识形态层面；同时由于所反应的本不是日本文化的全貌，加之日本文化的矛盾的一面在其中的体现导致的解读困难，日本动画所设置的象征性现实与中国青年头脑中的主观真实是不相吻合的。最终产生的一种结局就是：中国青年喜爱日本动画及日本动画中表现美的象征性元素，但是反感涉及政治和历史的日本的文化特质。
不能否认八十年代成长起来的一代都是伴随着动画成长的。笔者就中国青年收看日本动画的情况作的一项问卷调查显示，98.8%的人看过日本动画，这其中51.3%看过超过10部的日本动画。事实上，长期以来，动漫产业为日本带来了巨大商机，广义的动漫产业实际上已占日本GDP十多个百分点，有力推动了日本经济的发展。为了加强本国在国际文化中的地位，日本政府非常青睐动漫产业，不但将其作为一项重要的出口产业，而且还作为一种独立的文化来培养。作为其邻居的中国，改革开放开展起来以后，就成为日本动画大量出口的重要窗口。有调查显示，在10部最流行的动画中，9部来自日本；在最受欢迎的10个动画作者中，8个来自日本。之所以日本动画能在80年代在中国领土上迅速风靡，与当时中国特殊的政策环境是有着深刻联系的。改革开放政策实施后，这个新兴开放的国家在媒体舆论和意识形态方面的管制还是比较严格的，日本动画被视为对意识形态影响较弱的媒体产品，加之其引进成本相对美国动画而言极低，因而被大量引进，一来用以加强中日邦交正常后的两国友好关系，另一方面也用以改善电视台内容产品匮乏的状况。一定程度上可以这么说，如此富有趣味性的内容产品是中日恢复友好关系的政治副产品。
然而，就在不久前，据《广电总局关于进一步规范电视动画片播出管理的通知》，自2006年9月1日起，全国各级电视台所有频道在每天17时—20时之间，均不得播出境外动画片和介绍境外动画片的资讯节目或展示境外动画片的栏目 [3]。长久以来省级电视台在每天17时-20时之间播出国外动画的历史将就此告终。对这一陪伴八十年出生的一代成长起来的内容产品，风靡中国大地达数十年之久，却少有人注意其研究价值。
理论框架
培养分析是起源于20世纪60年代由George Gerbner主持的一项研究，通过研究，Gerbner等人认为电视变成为了美国社会的核心文化武器，认为“电视机已经变成家庭的关键成员”，长期收看电视严重影响着电视受众的信息资源、意识和观念 [4]。因此我们认为，大众传媒提示的“象征性现实”对人们认识和理解现实世界发挥着巨大影响，由于大众传媒的某些倾向性，人们在心目中描绘的“主观现实”与实际存在的客观现实之间正在出现很大的偏离。同时，这种影响不是短期的，而是一个长期的、潜移默化的、“培养”的过程，它在不知不觉当中制约着人们的现实观。[5] 日本动画从70年代末被引入中国，伴随那个年代出生的一代成长起来，特别是在那个时期，这一代人的学习能力处于最强的时期，心智逐渐成长并发展成熟。尤其是中小学生在学习的业余时间，基本上大量时间都是在接触电视，而收看的最主要节目也通常都是动画。根据培养理论可知，在中国青年的成长过程中，日本动画对其意识形态、文化价值观和审美等都是有着一定程度的影响的。
“刻版成见”（Stereotyping）的概念是由Walter Lippmann首次提出的，最初用以描述人们基于自身的种族特性对其他人做出的评价。传播学中的刻版成见指的是人们对特定事物所持有的固定化、简单化的观念和印象，它通常伴随着对该事物的价值评价和好恶的感情 [6]。在跨文化传播中，刻版成见有着不可忽视的作用。主要体现在：刻版成见通常会使我们接受一个被广泛流传的观点，即便事实上这个观点很有可能是错误的；长期地接受和使用某一种刻版成见可能使这种成见得到巩固和加强 [7]。尽管中国青年从小开始接触日本动画，但是由于同时接受更集中和刺激更强烈的爱国主义教育，尤其是关于日本侵华战争的教育，难免会形成一种对于日本文化的固有的排斥心理和刻版成见，而且这种刻版成见并不一定能被日本动画传达的关于日本文化中美好的元素所扭转。
文献综述
国内对日本动画的研究基本上可以归为三类。其中大多数研究都倾向于关注日本的动画产业带来的经济效益，并因此来寻求中国动画产业之所以实力不够雄厚的原因，并探索中国动画产业可能的出路，尤其是在加入WTO之后。比如刘洋《中国与日本动画与动漫产业的比较与思考》，周京《日本动漫产业推动经济发展》等。
第二类是通过对日本动画的内容研究分析其军国主义文化特征，揭露日本作为侵华战争罪魁祸首在新时期的文化帝国主义行为，亦即日本通过动画宣扬其侵略者本性的企图；或者是针对日本动画传达的文化特质的研究，力求寻找日本动画背后隐藏的日本文化，比如李秋波《披着樱花的死魂灵-日本动漫中的军国主义思想》，熊涛《寻找梦幻岛：日本动画电影的文化特质研究》。
第三类是针对日本动画在中国的盛行对中国人的文化影响所做的调查研究，比如中国青年报1996年所做的“中国青年对日本的认识调查”，但是由于问卷本身的严重倾向性，这项调查虽然影响广泛却在研究方法上有着极大的缺陷；也有如香港大学Poon Man Wai的 Cultural Globalization? The Contemporary Influence of Japanese Animation on Hong Kong Teenagers，但是问卷完全撇除了侵华战争对中国青年产生的影响，仅仅从文化生活方面分析日本动画对中国青年的生活方式的影响；也有如Yang Wang的 The Dissemination of Japanese manga in China: The Interplay of Culture and Social Transformation in Post Reform Period，这项研究教系统地分析了日本动画在过去的几十年里对中国动画市场的占领，以及中国青年对日本动画的态度，却少有分析中国青年在刻版成见的作用下对日本动画的接受程度，以及对产生文中所谓“double-fold image”的原因缺乏深层次的分析。
Ⅶ 动画电影赏析 要600文字（动漫方向评析）100分求 回答就给分
2002年，第52届柏林国际电影节金熊奖、第21届香港电影金像奖最佳亚洲电影奖这两个耀眼的奖项全部颁给了一部动画长片，出自日本动画导演宫崎骏之手的《千与千寻》，2005年，宫崎骏本人也被授予了威尼斯电影节终身成就奖。动画片作为一种特殊的电影类型，伴随着其低龄定位的固定印象常常被置于电影学术视角之外。10年前，宫崎骏以其作品动画长片《幽灵公主》打破动画界为儿童观众制作电视动画短片的时代，红遍亚洲电影院线；10年后，《千与千寻》以动画这一类型片形式史无前例地在柏林电影节上获得最高奖项；这足以留给我们许多思考：显然动画片作为电影的特殊类型之一，看似单薄的画面、出自画笔或电脑软件的人物也能超出我们想象地成功承载导演试图传达的思想、成功传递人类特有的感情，动画电影在票房与艺术上都取得了一定成就，并逐渐走出浅薄单纯的刻板印象，在审美与艺术价值上得到了承认。
一、具有分析意义的动画电影及其美日两大风格
根据动画电影的表现风格与文化影响，人们普遍认为全球动画电影中执牛耳的美国与日本动画电影是两种具有明显不同风格的流派。动画电影的生成机制依赖于人在脑海中的想象与笔在白纸上的描绘，由于背离了传统电影的真实本性，历来以幼稚、简单等刻板印象在各种电影学术视角的边缘徘徊，这种印象的形成与沃尔特·迪斯尼及他的迪斯尼王国通过系列改编自世界童话的动画电影在全球大众通俗文化中产生的重要影响紧密相关。从1923年迪斯尼的第一部有真人参与的动画电影《爱丽丝在卡通王国》开始，诸如《美女与野兽》、《狮子王》等经典动画影片屡屡在全球取得票房成就，在皮克斯、梦工厂等动画工作室出现之前，奥斯卡最佳卡通片奖项长期为迪斯尼所独占。以迪斯尼为代表的美国好莱坞动画生产线历来以儿童为主要观众群，考虑到美国复杂的电影分级制度，动画影片往往回避时事主题与性主题等成年人才能理解的内容，以改编、创编经典童话故事为主，并且始终贯穿着好莱坞对电影技术的崇拜。如最新卖座电影《功夫熊猫》中，其导演与叙事力量已经完全为CG动画造型所带来的震撼所取代，制作商也坦言其生产路线就是制造“针对儿童的梦幻”，其终极目的是让家长掏钱购票，领着孩子走入电影院享受一次娱乐。
与美国动画电影具有的“儿童化”、“超级英雄”、“3D”等风格关键词相比，日本动画电影就有着更宽泛的路线。从上世纪50年代起就开始在日本社会普及的动画产业如今拥有非常广泛的观众覆盖面，如2007年日本本土电影票房排行中动画电影就占据半壁江山，这些票房冠楚大多是具有各种不同目标观众与风格的本土动画电影，特别是知名连载电视动画的剧场版：如以儿童为观看对象的《宠物小精灵》、《哆啦A梦》；还有讲述清纯恋爱内容的《秒速5厘米》等以少女为观看对象；以及热血格斗主题的《海贼王》、侦探类《名侦探柯南》等以青少年为观看对象；其次才是《美食总动员》这部皮克斯作品[1]。日本作为全球动漫大国，其总人口中视阅动漫的比率高达87%，居全球之冠，动漫产业成为其第三大产业[1]；从上世纪70年代开始，日本动画电影就开始了“输出”之旅，而日本动画电影在全球范围内赢得广泛关注与赞誉多要归功于目前日本国内公认的动画界三大权威：宫崎骏、押井守和大友克洋。这“三大权威”所制作的动画电影以构思复杂、思想深邃、主题哲意为共同特征，在世界范围内拥有大批拥趸，其中大部分是成年人。宫崎骏自《风之谷》后便在亚洲享有盛誉，2002年更是凭借《千与千寻》一举赢得全世界瞩目，其作品就此迈入全球关注的时代。押井守则是以根据日本科幻漫画教父士郎正宗的漫画原著改编制作的《攻壳机动队》电视动画片与动画电影成名，在全球范围尤其是美国产生了强烈反响，2004年制作的《攻壳机动队》第二部剧场版《Innocent》在戛纳电影节上展播，2008年以《空中杀手》与宫崎骏一齐角逐威尼斯电影节。而大友克洋早在1988年就以由自身创作的连载漫画《阿基拉》改编的同名动画电影惊艳于西方世界，这部承前启后的作品甚至深刻影响了整个西方的科幻电影思想[2]，2004年他制作的《蒸汽男孩》也在当年威尼斯电影节上展映，并成功在国际市场发行。虽然三人的作品风格各异，但目前从影片国际发行数量、所获国际奖项这些标准来看公认宫崎骏是最有影响力与代表性的。
从电影分析的角度来说，电影作为一个独立自主的艺术作品，它可以衍生一个在叙事结构上以及视觉、音响上建立意义，并对观众产生特殊效应的文本[3]。虽然传统电影分析的视角并未将动画电影置于其中，电影艺术的论述著作中也常常仅将动画作为一种影片类型寥寥简介，但是以宫崎骏及其系列作品为代表的日本动画电影具有显著的美学特征与导演风格痕迹，具有与商业电影对应的票房成果；在影片主题构思、创作水准、艺术效果、视听音像、目标人群上都具有了超越迪斯尼经典改编童话动画电影的高度；其进入国际市场的高品质作品以深沉的内容哲思与独特的画面风格获得了观众与影评人的认可。如此2002年《千与千寻》才获得了除柏林电影节大奖与香港金像奖以外，当年第75届奥斯卡金像奖最佳长篇动画电影奖、纽约电影批评家协会最佳动画片奖、波士顿电影批评家协会特别奖、第30届Annie Awards长篇动画片电影奖、导演奖、脚本奖、音乐奖、第9届好莱坞电影节最佳动画片奖、纽约电影批评家协会最佳动画片奖、日本电影大奖导演奖动画片电影奖等几乎所有动画电影评选的奖项[4]。这样一部动画电影能超越国界得到艺术与市场同时好评，为动画电影这一常常被电影学术界忽略的类型具有放入电影思想与文化视域进行解析的价值做出了旁证。
二、日本动漫产业语境下的宫崎骏电影赏析
日本动漫产业市场除了数量繁杂众多的印刷出版物，还包括动画电影、动画电视片和动画音像（录像带、DVD）与周边产品。在这个巨大的市场内产品内容无所不包，目前全日本有400多家动漫制作公司，科幻、灵异、侦探、恋爱、格斗、人际关系、伦理批判、个人奋斗等各种题材与内容的动画产品每天在这些公司中生产出来，其中也不乏暴力、血腥、尚武、颓废、色情、肉体刺激等充满负面内容的动画作品。在这样一个庞大芜杂的环境内，靠观众以自身脆弱的感知与判断在消费中来辨别动画产品的良莠实在过于勉强，但也正是因为这样，宫崎骏、押井守和大友克洋这“三大权威”所代表的这部分深刻、人性化、富有哲思并激励感悟的动画电影作品才得以以标杆的位置竖起日本动画电影的发展旗帜。“动画电影作品”与立足于短期收益的“动画电影商品”是不同的，并不是说提倡只观看欣赏权威导演的作品，但是对于日本动画电影的消费与赏析，必须首先选择在内容与思想上有品质与品位，其次是能传递出一定的导演通过世界观、价值观设定所欲表达的创作与人生理念的电影。
对于本文欲讨论的日本动画电影主要代表人物宫崎骏，其作品无论是美学视域还是导演的作者角色都具有十分鲜明的特色，尤其是成立个人主创的吉卜力动画工作室后，其个人风格在所有作品中一贯延续，并且在这背后还能看到日本民族文化性格的轮廓。
1、“吉卜力”的作者印章
“电影作者论”的命名者、倡导者、实践者是法国电影新浪潮的主将“三剑客”之一的弗朗索瓦·特吕弗；电影作者角色的倡导与实践意义始终限定在三个层面之上：通过编导合一赋予导演在影片视听构成与总体风格的掌控权利；将文学研究中的作家作品论研究方式实践进入电影评价，以导演作品的视角考察其电影；以导演作为划分并指称电影作品的方式，取代此前的主演明星或大制片厂的标示来勾勒电影现象与电影作品[5]。“电影作者论”与其说是一种理论，不如说是一种态度，导演在坚持艺术理想与平衡大众口味之间取舍，持续培育自身的风格。
原作与编剧、编剧与导演在电影作品内容的理解上产生矛盾与冲突是十分常见的，制作人与投资方提出修改意见也常有发生，编导的冲突与磨合在动画领域中主要表现在原作与脚本间、制片人与导演间。宫崎骏的吉卜力动画工作室创立之初推出的动画电影《魔女宅急便》就是根据小说家角野荣子的原作改编，因为影片加入魔女奇奇失去魔力的情节，曾被原作者认为有违展现魔女奇妙生活的作品精神而遭到强烈反对[2]，虽然最后双方做出了改编的妥协，但无疑原作者的意图是导演意图的干扰因素之一。或许是出于这一原因，宫崎骏创办的吉卜力工作室至今只制作了《魔女宅急便》与2004年《哈尔的移动城堡》两部由原著小说改编的电影，其余作品的原作、脚本、导演、人物设定、分镜全由宫崎骏一人完成，配乐设计也是由合作数十年的老搭档久石让完成。吉卜力工作室的合作制片人德间康快、高田熏等人则是以有名的从不干预导演的任何制作工作而与宫崎骏保持了长时间的合作关系。可以说在宫崎骏吉卜力工作室的作品中，真正实践了“导演作者”的自觉意识。宫崎骏作品的主要题材与重复主题也是十分明显的，以《风之谷》闻名于世的关注自然，批判战争与破坏的“环保教父”头衔在其后的《幽灵公主》、《天空之城》中得到反复印证；每部影片中必然出现的“飞行”场景；每部影片必然出现风格细腻的水彩写实风格自然景观；绝大多数影片主角都是特定年龄段的青少年；绝大部分镜头由细致的手绘画面制作…这些主题与表现上的特点已经形成导演本人的独特烙印，成为宫崎骏的个人风格标志。
可以说，即使没有任何真人明星演员，宫崎骏及其吉卜力动画工作室通过系列动画影片已经建构了一个完整的“宫崎骏世界”，打上了本人鲜明的艺术烙印，在很长的一个时期“吉卜力出品”甚至成为票房的保证，每部影片都是当年日本国内票房冠楚。即便是常被人忽视的动画形态，只要打破“给儿童看”这个藩篱，导演也能实践自己的艺术意图，甚至由于人物、背景、色彩等画面设定上的自由性还能更方便的以一以贯之的方式实践导演个人的主题与风格追求。
2、写意的美学追求
写意本是与“工笔”相对的中国画技法，强调以简练的笔墨写出物象的形神，从而表达作者的意境。简言之，写意是以看似简单的笔触体现出描绘对象的精髓。宫崎骏的动画电影画面线条都十分简单，无论是人物还是背景近景等，都是以手绘原图为基础制作出来的2D画面，画面立体感全部依赖色彩表现，主色调突出，色彩柔和丰富。但所有的宫崎骏电影都以流畅的视觉观感与明亮的色彩成功传达出影片的情绪，令观看者脑海中久久留下那简单却纯净的意境。以任何美术研习者都能具备的技巧绘画制作的电影如何给人们产生观看的愉悦？这就是写意的境界。
动画艺术本身是综合性的，它包括造型、动作、语言、绘画和声音等表现手段。这些手段又以不同的方式在动画形象上集中表现，构成了独特的审美价值[6]。宫崎骏的写意手法就在于动画形象的整体意境描绘上。苏珊·朗格在《艺术问题》中提出，一部绘画作品打动观众的方式在于以画布、色彩等物质事物达到一种平衡的形状，从而组成一个蕴含着画面要素的能动关系、充满着张力与驰力的空间，即所谓的艺术作品的“幻象”[7]。借鉴这种分析画作的观点来分析宫崎骏电影中的画面，即是以色调、角色造型、表情细节、背景设计等合力营造出整体的独特“画风”空间。比如《龙猫》中的大龙猫，以简单的灰色调与毛边椭圆造型，配上尖耳朵大嘴巴与富有变化的眼睛和胡子，并添上与巨大身材不相称的小爪子与尾巴这些细节，寥寥几笔背后是深厚的画风积累，成功塑造出具有毛茸茸质感又富有童趣的造型；龙猫出现的场景设计在临近森林的农田中或者是树上，以浅绿这种生动活泼的色调为主要背景，既有细腻得连经络都画出来的树叶，又有以简单化高光与明亮色彩背景化交代的农田，再加入几束阳光投射的光线细节描绘，便将画面衬托的生机勃勃。宫崎骏式“幻象”的营造在于对画面倾注的充沛情感，以写意的手法描绘角色，但是又利用画面的每个细节同时向观众传递关于角色的情绪，因而成功营造出独特的浪漫主义意境。
宫崎骏本人比较排斥电脑技术，他坚持在其制作的动画电影中不使用任何电脑技术，看似简单实则深厚的写意意蕴才是他真正打动观众的美学理念。
3、民族文化的轮廓
同样是“毛茸茸的巨大生物”，可以将龙猫这一角色与迪斯尼2001年制作的影片《怪兽公司》中的主角毛怪做个对比；皮克斯在设计表现“毛怪”这一主角时所采取的是全球最先进的3D技术，毛怪身上的绒毛多达300万根以上，为了详细表现出每根绒毛，并且在动作上同时表现出重力感与灵巧度，皮克斯花了近两年的时间专门开发了一种用于建模设计的电脑软件[8]。制作方花了巨大的代价试图表现一只“可以乱真”的怪兽，影片中以毛怪的动作为表现重点，解救小女孩阿布的情节安排紧凑令人印象深刻，但其角色性格与心理的刻画反而略显牵强。而轮廓化二维化的龙猫虽然没有一句台词，却以乡间森林中憨胖可爱的精灵形象留在了每个孩子的心中，“龙猫”一词与“巨大柔软憨胖精灵”建立起了意指链，影片播出后龙猫形象的毛绒玩具在整个亚洲大受欢迎，至今仍在生产。也许这两位主角甚至这两部动画电影的审美差异折射出的也是东西方之间的审美差异，以汉文化圈为代表的东方文化中历来贯穿“天人合一”的理念，从观看画面时的视觉习惯到把握概念时的认知习惯，东方文化都倾向于从“整体”上着手，具有追求整体和谐的习惯；尤其是宫崎骏的美学理念向来在于以柔美舒缓的笔触营造整体意境，以欲言又止的含蓄与意境美触摸观众的心灵。而发轫自欧洲的西方文化则以“人物对立”的理念来统摄其世界观，视觉习惯上关注主要部分，概念把握上关心结论，西方观众尤其是美国观众也更习惯接受主角在画面中心不断地行动、打斗。
艺术无时无处不与主体、社会及其文化等深刻地联系在一起，它总是某种社会文化类型的模型。文化在赋予一个民族以表达方式时，也赋予了该民族观察这些艺术的眼光。在宫崎骏的所有作品中都深深浸润着日本社会文化的审美特性与个性轮廓。
（1）日本社会与平民主角
在《菊与刀—日本文化的诸模式》中，本尼迪克特认为日本是一个强调团体与一致，以“耻感”为道德标准的社会，各自拥有固定的角色与责任、倾向合群低调的人群就像同质的汪洋。低调与寡言的日本人面临着职业与家庭的角色责任，背负着社会既定的压力。“中庸”作为儒家思想的核心要素之一被完整移植到了日本社会，并在此之上置入“国家神道”的信仰核心，个人主义在这个社会是不被提倡的。在这种提倡团队精神与社会规则的社会精神下，我们在以宫崎骏为代表的日本动画电影中看不到天赋异禀的美国式超级英雄，片中的主角都是凡人，普通的中小学生少女少年，连魔女都是穿着灰袍自食其力（《魔女宅急便》），即便有位见义勇为的飞行员也是一头猪（《红猪》）；严格来说他们根本不算英雄，他们只是通过战胜生活与心灵的挫折重新找到自信，帮助了身边的人也帮助了自己。
也正是因为如此导演在每部影片中并不仅是讲一个故事，而是将故事中每个角色的性格、心理细细铺陈开来，让观众目睹着身边的平凡人与普通孩子如何在成长的荆棘路中发生变化，找到自己的方向。“平民主角”源于社会文化性格对个人英雄的摒弃，给观众带来的是心灵的贴近与更多的自我感触。毫无疑问在观感撼动性冲击与心理抚慰式感触间，宫崎骏所选择的是后者。
（2）自然神灵与和而不同
日本社会的主要特点是多种宗教并存[9]，与此对应的便是多神的观念。多神观念的源头是日本原始宗教神道教，神道教认为万物有灵，崇拜自然界诸神，日本各地可见的神道神社就多出于山岳信仰而修建。敬畏山岳、河流、森林等自然神灵虽然看起来与现代社会的开发背道而驰，但多神与自然神灵的观念伴随着人类学传承而渗入了日本的民族文化。《龙猫》的创作就直接源于宫崎骏本人幼年听过的传说；而《千与千寻》的原片名为《千与千寻的神隐》，“神隐”就是日本文化中用来表示孩子突然不见或失踪的说法，意为被神灵藏起来了；在宫崎骏的作品中，自然神灵的存在理所当然。
在对自然神灵的崇拜中目睹的是摧残自然的现状，被称为“环保教父”的宫崎骏常常在影片中展现人类对信仰的漠视与大自然沉默的报复，也许不只是对于环境恶化现状的危机感使然，导演更想从自然神灵与现代社会和谐存在的理想图景中召唤那逝去的尊敬自然的崇敬之心。不论是《幽灵公主》中人类与森林生灵血淋淋的战争，还是《千与千寻》中各路神灵悠然自得的异世界，“和而不同”是导演在其所有作品中设定的一以贯之的世界观，在这种世界中徜徉的观众也能回味起日本民族敬畏自然的时代。
（3）含蓄深远的淡雅之美
“含蓄”可以说是概括以儒文化为代表的东方文化美术、文学理念的关键词之一。表现在影片的审美领域，即是“其中深意，欲说又止”的叙事方式，以及传承自“物哀”情结的婉转淡雅气氛的营造。
宫崎骏动画电影常常在120分钟以上的时间里陈述一个完整的世界观架构，并安排一段极其复杂的剧情，在人物关系与背景架构交代清楚后，影片便围绕一个核心情节展开，但高潮的铺陈舒缓，主题立意深远，导演有意无意不交代彻底的一些细节为观众留下了无尽的回味与想象空间。如《幽灵公主》中著名的结尾台词“一起，活下去”，又如《千与千寻》中带着些许怅然的千寻离开异世界的脚步，再如《天空之城》中载着生机缓缓升空的大树之城等等，没有“从此幸福快乐”的结论让人安下心来，这种欲说还休的叙事方式以及一些刻意的细节悬念交代，类似于绘画中的“留白”技法，于空白处留出想象的空间，迈入这处空白的观众以自己的方式参与导演的世界，这与好莱坞动画电影的直白单调相比是一种别样的体验。
“物哀”则是由《源氏物语》在日本社会所开启的一种审美意识，淡淡的哀伤，婉转的情意自公元1世纪以来就随着一代又一代的诗人、散文家、物语作者流传了下来[3]，就连日本的国花樱花也是充满着繁茂枝头转瞬即逝的哀婉与悲伤，而日本作家川端康成也是以小说《古都》、《雪国》中物哀、风雅、幽玄这一独特美感与日本文化的内在精神而获得了诺贝尔文学奖。可以说浸润在日本文化中的艺术家无不受到“物哀”情结的影响，宫崎骏的作品当然也不例外，即便具有充满异域文化的场景设计，影片的情节内容等仍是十足的东方味。如《天空之城》中孤独的机器人伴随着大树上的都市飞向太空，《幽灵公主》中为了各自生存注定要斗争下去的双方，《红猪》中宁愿变猪、常常留给吉娜期望与等待的波鲁克等等情节的安排，充满着无奈与感伤。而体现在人物关系上，导演则常常描绘一种少年少女间的朦胧倾慕或向往之情，人物细腻的表情、目光移动与面红向观众诉说着心中情愫，婉转淡雅，甚至根本不曾言说过的情感以无声胜有声的方式有力感染观众，以意蕴取胜。
三、结语
作为人类想象的产生物，动画电影这一类型与传统电影源起同步，目前不少优秀动画电影都能以深刻的思想与意蕴在艺术与市场上取得巨大成功，同时不少动画电影导演还能以独特的作者意识使动画这一形式在更大范围内产生影响，因此我们有必要从客观的立场与审美角度出发，在与传统电影平等的视角下对动画电影给予应有的关注与解析。有趣的是，随着全球电影广泛使用进而依赖CG技术，流行商业电影的画面开始有了追求“以假乱真”境界的倾向，也许押井守曾预言过的“所有电影都将成为动画”的时代真的并不遥远
Ⅷ 日本的3D动画电影怎么拍的
日本3D动画用的是CG动画和真人捕捉的方式进行拍摄的。
cg通常指的是数码化的作品，内容是纯艺术创作到广告设计，可以是二维三维、静止或动画。广义的还包括DIP和CAD，CG的概念正在扩大，由CG和虚拟真实技术制作的媒体文化，都可以归于CG范畴，它们已经形成一个可观的经济产业。
所以提到CG时一般可以分成四个主要领域：包括二维、三维的，静止画、动画（movie），从自由创作、服装设计、工业设计、电视广告（CM）到网页设计，可谓包罗万象。
从手冢治虫的‘铁臂阿童木’起，日本的动画就广为世界所熟悉，在电脑普及之前，靠手工绘制的动画已经成了日本的朝阳产业。但在人工费等成本不断上涨中，如果没有导入电脑就很难想象动画产业今天的规模。动画大师宫崎骏的新作品一再创造了票房的新记录。
日本虽有东映那样的制作‘影院动画’的大公司，但大部分的作品还是出自小公司，小公司在很多制作方面又要委托零细的加工专业和个人制作者。
日本动漫很少用3D：
日本是动漫的高产大国，有许多的人从事着与动漫有关的职业。比如说动漫培训基地、研究院和声优养成所等等，在日本数不胜数。仅仅是在东京就有青二塾、代代木动画学院这些著名的院校，2D动画的发展明显比3D要早得多而且也优秀得多。
Ⅸ 日本动漫电影和美国动漫电影的异同道客巴巴
美国与日本动画电影风格比较
不可否认,日本与美国,是全世界少有的可以称作动画电影“大国”的国家——不仅因为它们生产动画电影数量之多,而且因为动画电影在其各自电影产业中的地位.在开始比较两国异同时,有必要先解释一下本文的比较对象——动画电影(Animation
Film).在以下的文本中,“动画电影”特指那些以上电影院线发行为目的、且与电视动画没有直接关联的动画片.这样一来,本文中的动画电影就不包括电视动画系列剧、OVA(直接面对录像带或DVD市场)以及电视动画系列的剧场版.
这样的限制主要是针对日本动画而言的,相对于美国动画,他们有着多得多的电视系列、OVA和剧场版.如果将所有这些都拿来和美国动画比较,那简直是一项“不可能完成的任务”.反之,如果按本文设定的“动画电影”类别,两国作品之间无论在量还是质上都比较对等,从而更易于比较风格方面的异同.首先,就动画电影的制作过程而言,两国的做法还是比较类似的.由于动画电影比其他动画产品要求更精细,因而花费的制作时间、制作经费都远非一般动画产品可比；因此,两国的动画电影从制作角度而言基本上都是本国的顶级水准.日本就不用说了,其真人电影的平均制作费本来就不高,而像宫崎骏、大友克洋、押井守等动画大师制作的动画电影,投入动辄以数十亿日圆计,耗时经年.即使在上亿美圆大制作风行的好莱坞,一部动画电影的投入也是要让各大制片厂老板肉紧的.不过还算幸运的是,高投入的动画电影一般也带来高回报,迪斯尼每年的作品肯定会进入年度票房的前十位,好几次还占据了第一位；而在日本,宫崎骏的作品更是屡破影史票房记录.
对普通观众而言,动画电影是如何制作的并不重要,关键是最后的“成品”看起来怎么样.相信只要看过美国和日本动画电影的人,都会或多或少感觉到二者不同的风格.仅就视觉效果而言,好莱坞制作的动画电影近来有逐渐向立体动画倾斜的趋势,虽说传统的二维动画并没有退出市场,但从票房收入来看,不论是看动画片的整体市场,还是看所在单个制作发行公司所有类型动画片票房分布,3D动画都要比二维动画更受欢迎.而在日本,二维动画仍是市场的主流.这并非说日本动画制作过程中不用电脑动画(CG)进行修饰,像宫崎骏后期几部作品,都采用了电脑动画来辅助作画,到了《千与千寻》时已经用CG来做一些泪水的3D效果了.至于大友克洋和押井守在CG应用方面就走得更远,他们作品中的背景基本上都用电脑特效进行了润色,从而使得背景看来分外真实.这一点观众能从《AKIRA》、《大都会》、《攻壳机动队》、《最后一个吸血鬼》等作品中强烈地感受得到.在他们的有些画面中,如果光看背景,会有强烈的以假乱真的感觉,如《攻壳机动队》中的香港街道和《最后一个吸血鬼》当中的美军基地.
然而,日本动画电影似乎有一条不成文的“规矩”,那就是人物和其他角色都采用传统的二维构图——不管背景是否采用3D技术.与好莱坞各3D动画中着力刻画主角的立体真实性相反,日本动画电影仍然坚持用相对简单的笔划勾勒角色形象.在角色塑造形象程度上,两者各有千秋.日本动画电影中角色形象虽然和真实世界相差甚远,但创作人员一般通过出色的观察力赋予角色以鲜明的活力,使得那些平面的人物看起来是那么的有生命力,以至于观众根本不会在乎其视觉上“立体”与否；好莱坞的3D动画电影在追求“外观”真实性的同时,也并没有丧失角色塑造的趣味性：那些3D角色在细节无限追求“逼真”的同时,整体形象设计上又具有传神的夸张性,往往能将角色最突出的特点表现得淋漓尽致.至少就笔者而言,从观看的整体效果来说,优秀的日本二维动画和美国3D动画在角色的传神性上是旗鼓相当的.举个有趣的例子：宫崎骏作品《龙猫》中有个叫“小米”的4岁小女孩,迪斯尼作品《怪物公司》中也有一位1岁多的小女孩.这两个女孩的性格都是超级顽皮+初生牛犊不怕虎型,在视觉呈现上一个是简单的二维图像,另一个是精细的3D模型,可观众却能从她们的表演中感受到同样无限快乐的童趣,并且在心里留下同样深刻的美好回忆.
日、美动画电影对于不同视觉风格的追求,一定程度上反映了两国国民迥异的性格.日本人更多地保留了东方民族隐忍、含蓄的特征,某种程度上甚至比我们中国人还更讲究简练与写意的风采.他们对动画角色的二维处理,多少反映了对于国画技巧的承袭：要的就是那样的意境!那些角色的设计看似简单,但是和整个画面相配合,寥寥几笔就能让观众感受到剧情想要传达的感受.而美国人向来比较直接,最喜欢“开门见山”,在表达意图的时候,他们总是选择最简便迅捷的方式.同时,美国人又是推崇并善于幽默的,这就难怪他们喜爱创造造型怪趣而细腻的3D动画了.
相应的,日、美动画电影创作群、对象观众的不同,也影响了二者对于动画故事及其叙事方式的选择.虽然不论年龄大小,观众一般都能从日、美动画中感受到自己喜欢的情感与意义.但相对而言,好莱坞制作的电影具有更纯粹地“为小朋友服务”的目的.欧美的小孩都有“夜读”的习惯,即在睡觉前由父母念一段故事书,其中念得最多的,无疑是那些传了一代又一代的童话、传说和经典历史故事.综观美国的动画电影,直接以小朋友耳熟能详的故事为蓝本进行动画故事创作的一直是占大多数,其中尤以迪斯尼作品为甚.从其第一部动画电影《白雪公主》起,它就开始了“经典故事动画化”的历程,直到2002年的《星银岛》都还是这个模式.这倒不是说好莱坞的动画编剧们就是图省事,实际上,把一个家喻户晓的故事讲得那么富与趣味性与童真,做到真正的寓教于乐,还真是值得东方同行们好好学习.
日本是漫画之国,动漫在日本出版业、娱乐业所占的份额要远大于美国的情形.与美国不同的是,日本动漫历史上就有强大的成人读者和观众群,并非只是为小朋友提供娱乐.因此,作为动漫文化一部分的动画电影,不可避免地带上了很多成人的视角和思考.总的看来,日本动画电影一般都有个比较成人化的主题,甚至可以说他们的动画电影创作的初衷便是承载那个先行的主题.即使是“成人味”最轻微的宫崎骏作品,其中对于人与自然关系思考的程度,仍然是大大超出普通小朋友的认识范围.至于宫氏之外的其他动画电影大家就更不用说了,充满暴力、末世情节的硬派科幻、忍者、吸血鬼题材一直是他们的最爱,其中有许多内容简直可以说是“严重儿童不宜”的.也许是由于岛国地理因素的限制,使得日本人的想象力反而特别容易走极端.在动画电影的创作方面,日本人比美国人更侧重于关于人类的终极关系和关于世界的终极命题的探讨,而且他们思考的结果还往往是悲观的.从这个意义上说,与宣扬温情脉脉的人伦、家庭观念的美国动画电影相比,日本的动画作品在意识上是不那么积极乐观的；但另一方面,日本动画电影又显得比美国动画“深刻”,日本人在动画中触及了一些非常严肃而深奥的问题,并且对于这些问题的阐释和解决方式,恐怕是“贪玩”的美国小朋友们所不爱看的.据说,与同龄人相比,日本儿童是世界上最“少年老成”的,不知他们的动画电影推动这一现象的原因,还是对这一现象的真实反映?
选择不同的题材以及对故事不同的演绎方法,使得日、美动画电影具有不同的功能.好莱坞的作品更侧重于娱乐性,而日本动画电影似乎更看中叙事性.与其功能相适应,美国动画电影看起来更加鬼马跳脱,而日本作品看起来更加厚重深沉.其实二者并无绝对的高下之分,只不过是分别代表了东、西方民族的品位与性格；更进一步地说,是代表了人的不同欣赏需求.美国动画的怪趣新奇与寓教于乐,非常适合全家人一起观看,小朋友们在被逗得哈哈大笑的同时也学到
了亲情、友情的可贵.不过,那些童真消失殆尽以及心肠坚硬的家伙不适合看好莱坞的动画作品,对他们而言,一味逗乐和鼓吹家庭价值观看多了就挺腻歪的.日本动画电影的清新写意和终极思考,很是适合那部分对世界充满好奇而且喜欢没事瞎琢磨的哥们,有助于进一步丰富他们那已经是刁钻古怪的想象力.但是,心理意志比较薄弱人士还是少看日本动画电影——特别是由硬核派的大友克洋、押井守等制作的作品为妙,因为那通常会让你质疑存在的意义与真实性,并对未来产生悲观的预期.
说了这么多,必须承认的是,日、美两国的动画电影各自包含多样化的风格,值得另外撰文详述；但同样不容置疑的是,作为一个整体来看,两国的动画电影还是有各自鲜明的特色.总的来说,如果以饮料来比喻,日本动画电影就像茶,而美国动画电影就是咖啡：茶清香隽永,咖啡浓香醉人.
不可否认,日本与美国,是全世界少有的可以称作动画电影“大国”的国家——不仅因为它们生产动画电影数量之多,而且因为动画电影在其各自电影产业中的地位.在开始比较两国异同时,有必要先解释一下本文的比较对象——动画电影(Animation
Film).在以下的文本中,“动画电影”特指那些以上电影院线发行为目的、且与电视动画没有直接关联的动画片.这样一来,本文中的动画电影就不包括电视动画系列剧、OVA(直接面对录像带或DVD市场)以及电视动画系列的剧场版.
这样的限制主要是针对日本动画而言的,相对于美国动画,他们有着多得多的电视系列、OVA和剧场版.如果将所有这些都拿来和美国动画比较,那简直是一项“不可能完成的任务”.反之,如果按本文设定的“动画电影”类别,两国作品之间无论在量还是质上都比较对等,从而更易于比较风格方面的异同.
首先,就动画电影的制作过程而言,两国的做法还是比较类似的.由于动画电影比其他动画产品要求更精细,因而花费的制作时间、制作经费都远非一般动画产品可比；因此,两国的动画电影从制作角度而言基本上都是本国的顶级水准.日本就不用说了,其真人电影的平均制作费本来就不高,而像宫崎骏、大友克洋、押井守等动画大师制作的动画电影,投入动辄以数十亿日圆计,耗时经年.即使在上亿美圆大制作风行的好莱坞,一部动画电影的投入也是要让各大制片厂老板肉紧的.不过还算幸运的是,高投入的动画电影一般也带来高回报,迪斯尼每年的作品肯定会进入年度票房的前十位,好几次还占据了第一位；而在日本,宫崎骏的作品更是屡破影史票房记录.
对普通观众而言,动画电影是如何制作的并不重要,关键是最后的“成品”看起来怎么样.相信只要看过美国和日本动画电影的人,都会或多或少感觉到二者不同的风格.仅就视觉效果而言,好莱坞制作的动画电影近来有逐渐向立体动画倾斜的趋势,虽说传统的二维动画并没有退出市场,但从票房收入来看,不论是看动画片的整体市场,还是看所在单个制作发行公司所有类型动画片票房分布,3D动画都要比二维动画更受欢迎.而在日本,二维动画仍是市场的主流.这并非说日本动画制作过程中不用电脑动画(CG)进行修饰,像宫崎骏后期几部作品,都采用了电脑动画来辅助作画,到了《千与千寻》时已经用CG来做一些泪水的3D效果了.至于大友克洋和押井守在CG应用方面就走得更远,他们作品中的背景基本上都用电脑特效进行了润色,从而使得背景看来分外真实.这一点观众能从《AKIRA》、《大都会》、《攻壳机动队》、《最后一个吸血鬼》等作品中强烈地感受得到.在他们的有些画面中,如果光看背景,会有强烈的以假乱真的感觉,如《攻壳机动队》中的香港街道和《最后一个吸血鬼》当中的美军基地.
然而,日本动画电影似乎有一条不成文的“规矩”,那就是人物和其他角色都采用传统的二维构图——不管背景是否采用3D技术.与好莱坞各3D动画中着力刻画主角的立体真实性相反,日本动画电影仍然坚持用相对简单的笔划勾勒角色形象.在角色塑造形象程度上,两者各有千秋.日本动画电影中角色形象虽然和真实世界相差甚远,但创作人员一般通过出色的观察力赋予角色以鲜明的活力,使得那些平面的人物看起来是那么的有生命力,以至于观众根本不会在乎其视觉上“立体”与否；好莱坞的3D动画电影在追求“外观”真实性的同时,也并没有丧失角色塑造的趣味性：那些3D角色在细节无限追求“逼真”的同时,整体形象设计上又具有传神的夸张性,往往能将角色最突出的特点表现得淋漓尽致.至少就笔者而言,从观看的整体效果来说,优秀的日本二维动画和美国3D动画在角色的传神性上是旗鼓相当的.举个有趣的例子：宫崎骏作品《龙猫》中有个叫“小米”的4岁小女孩,迪斯尼作品《怪物公司》中也有一位1岁多的小女孩.这两个女孩的性格都是超级顽皮+初生牛犊不怕虎型,在视觉呈现上一个是简单的二维图像,另一个是精细的3D模型,可观众却能从她们的表演中感受到同样无限快乐的童趣,并且在心里留下同样深刻的美好回忆.
日、美动画电影对于不同视觉风格的追求,一定程度上反映了两国国民迥异的性格.日本人更多地保留了东方民族隐忍、含蓄的特征,某种程度上甚至比我们中国人还更讲究简练与写意的风采.他们对动画角色的二维处理,多少反映了对于国画技巧的承袭：要的就是那样的意境!那些角色的设计看似简单,但是和整个画面相配合,寥寥几笔就能让观众感受到剧情想要传达的感受.而美国人向来比较直接,最喜欢“开门见山”,在表达意图的时候,他们总是选择最简便迅捷的方式.同时,美国人又是推崇并善于幽默的,这就难怪他们喜爱创造造型怪趣而细腻的3D动画了.
相应的,日、美动画电影创作群、对象观众的不同,也影响了二者对于动画故事及其叙事方式的选择.虽然不论年龄大小,观众一般都能从日、美动画中感受到自己喜欢的情感与意义.但相对而言,好莱坞制作的电影具有更纯粹地“为小朋友服务”的目的.欧美的小孩都有“夜读”的习惯,即在睡觉前由父母念一段故事书,其中念得最多的,无疑是那些传了一代又一代的童话、传说和经典历史故事.综观美国的动画电影,直接以小朋友耳熟能详的故事为蓝本进行动画故事创作的一直是占大多数,其中尤以迪斯尼作品为甚.从其第一部动画电影《白雪公主》起,它就开始了“经典故事动画化”的历程,直到2002年的《星银岛》都还是这个模式.这倒不是说好莱坞的动画编剧们就是图省事,实际上,把一个家喻户晓的故事讲得那么富与趣味性与童真,做到真正的寓教于乐,还真是值得东方同行们好好学习.
日本是漫画之国,动漫在日本出版业、娱乐业所占的份额要远大于美国的情形.与美国不同的是,日本动漫历史上就有强大的成人读者和观众群,并非只是为小朋友提供娱乐.因此,作为动漫文化一部分的动画电影,不可避免地带上了很多成人的视角和思考.总的看来,日本动画电影一般都有个比较成人化的主题,甚至可以说他们的动画电影创作的初衷便是承载那个先行的主题.即使是“成人味”最轻微的宫崎骏作品,其中对于人与自然关系思考的程度,仍然是大大超出普通小朋友的认识范围.至于宫氏之外的其他动画电影大家就更不用说了,充满暴力、末世情节的硬派科幻、忍者、吸血鬼题材一直是他们的最爱,其中有许多内容简直可以说是“严重儿童不宜”的.也许是由于岛国地理因素的限制,使得日本人的想象力反而特别容易走极端.在动画电影的创作方面,日本人比美国人更侧重于关于人类的终极关系和关于世界的终极命题的探讨,而且他们思考的结果还往往是悲观的.从这个意义上说,与宣扬温情脉脉的人伦、家庭观念的美国动画电影相比,日本的动画作品在意识上是不那么积极乐观的；但另一方面,日本动画电影又显得比美国动画“深刻”,日本人在动画中触及了一些非常严肃而深奥的问题,并且对于这些问题的阐释和解决方式,恐怕是“贪玩”的美国小朋友们所不爱看的.据说,与同龄人相比,日本儿童是世界上最“少年老成”的,不知他们的动画电影推动这一现象的原因,还是对这一现象的真实反映?
选择不同的题材以及对故事不同的演绎方法,使得日、美动画电影具有不同的功能.好莱坞的作品更侧重于娱乐性,而日本动画电影似乎更看中叙事性.与其功能相适应,美国动画电影看起来更加鬼马跳脱,而日本作品看起来更加厚重深沉.其实二者并无绝对的高下之分,只不过是分别代表了东、西方民族的品位与性格；更进一步地说,是代表了人的不同欣赏需求.美国动画的怪趣新奇与寓教于乐,非常适合全家人一起观看,小朋友们在被逗得哈哈大笑的同时也学到
了亲情、友情的可贵.不过,那些童真消失殆尽以及心肠坚硬的家伙不适合看好莱坞的动画作品,对他们而言,一味逗乐和鼓吹家庭价值观看多了就挺腻歪的.日本动画电影的清新写意和终极思考,很是适合那部分对世界充满好奇而且喜欢没事瞎琢磨的哥们,有助于进一步丰富他们那已经是刁钻古怪的想象力.但是,心理意志比较薄弱人士还是少看日本动画电影——特别是由硬核派的大友克洋、押井守等制作的作品为妙,因为那通常会让你质疑存在的意义与真实性,并对未来产生悲观的预期.
说了这么多,必须承认的是,日、美两国的动画电影各自包含多样化的风格,值得另外撰文详述；但同样不容置疑的是,作为一个整体来看,两国的动画电影还是有各自鲜明的特色.总的来说,如果以饮料来比喻,日本动画电影就像茶,而美国动画电影就是咖啡：茶清香隽永,咖啡浓香醉人.
Ⅹ 课题研究：日本动漫的影响
日本动漫的影响
日本动漫与日本历史的联系:日本自古以来因为国家土地,资源匮乏一直在历史扮演着不够强大的国家,最重要的是日本是一个地震带最严重的国家,这里不难看出日本人最生命,对强大的理解与我们不同.......
在日本明治维新之后,日本拼命的追赶欧美国家,因为他们太需要强大,想从而在整体上脱亚入欧.所以说日本的动漫是因为有了日本这种文化才能得以迅速发展,就像唐朝学习我们的汉字一样,快速的吸收了当时欧美流行的讽刺漫画.然后在漫画的原则上做出创新,这就有了手冢治虫,有了他的铁臂阿童木,LZ你必须知道这段历史,尤其是手冢治虫,因为在2战之后能真正把日本动漫带领到今天这种地步的人就是因为他,他对日本动漫产业的领导,他对日本动漫人才的培养,他当时还带动了日本漫画家石森章太郎，赤冢不二夫，藤子不二雄等优秀漫画家,为日本的动漫发展做出了极大的贡献,包括铁臂阿童木的动画完全激活了日本动漫产业链.所以他被称之为日本的 <漫画之神>!!!!
正是因为日本出现了领导日本产业的漫画家,所以日本的漫画领域突飞猛进,然后就是动画,在这里我想说的是一个人的影响能改变一个民族~
漫画形式上最明显的是手冢治虫的<新宝岛>.他借用电影拍摄手法，如变焦、广角、俯视等配合故事发展来表现漫画画面，从而让凝固的漫画“活了”，日本漫画新世代也随之诞生。直到现在LZ你所看到的日本漫画依然是由他创作的模式,利用分镜故事效果来做漫画.
日本人因为手冢治虫的漫画精神深受感动,手冢是个伟大的梦想家，是他赋予日本漫画以坚强的个性和强烈的地域文化色彩，并引领日本漫画界逐渐走向深层次思考，从此和欧美“高大全”的超人式漫画划清界限.
了解了上面日本近代动漫历史后所以现在我才需要给你说说日本对其他国家和其他年龄层的人不同的影响.
利:日本动漫无疑是给现代社会的人们提供了更好的精神娱乐,因为现代人的生活压力越来越大,他们需要精神上安慰,动漫提供了平台,动漫可以做出任何人都喜欢的各式各样的,每一个人根据自己的欣赏和世界观确立了自己需要看到作品.因为那是想象的世界,不真实但很深入人心.
日本动漫的优点在于他与欧美动漫的单一性比较确实丰富的多,日本动漫在里面更多展现了人类各种各样的思考与想象.所以我们看的时候也是享受其中哲理的时候.这对于中国的孩子来说是一件好事,你可以想想中国人的传统思维可以给我们带来多大的损失,我们需要优秀的思维加以利用而不是吃老本.中国的观念直接导致孩子在儿童及青少年时期的想象力变得低下,这一点希望大家理解,在日本大力发展它们的动漫产业的时候,中国的孩子却明天拿着书本,没有思想的读着死书.这是对一个国家来说的悲哀,我们需要我们孩子能够吸收到来自日本动漫中那种具有想象力的元素,这是日本动漫带给我们最大的感受吧,他帮助那些只知道死读书的孩子认识了世界也可以去想象的.
然后就说说我们成年人看日本动漫的心情,我是很喜欢看动漫的,我觉得日本的动漫具有高度的想象力和思考力,能给我带来很多启发,而且动漫的整个过程是相当有趣的.所以说日本动漫的影响对世界来说是受欢迎的,这点很重要,因为其他国家也很喜欢日本动漫,因为人们需要那想象力的世界.而日本动漫无疑给日本带来了良好的声誉,巨大的经济效益,带来了文化交流.
弊:说实话日本的动漫因为太过庞杂引起的弊端也相当多,比如日本动漫中那些3流作品,充斥着扭曲的世界观,如果我们不能谨慎判断的话难免会陷入日本本身的文化缺陷中,这一点我可以拿出一部作品做比较.那就是<死亡笔记>,说实话,这部动漫本身来说真的很不错,但为什么我需要特别说一下,因为这部动漫存在弊端,存在误导青少年的嫌疑,如果是我们成年人来看这部动漫的话那是没问题,我们知道怎么样判断这部动漫所想要表达的思想与哲理,而作为未成年人这就不好说了.的确<死亡笔记>是受欢迎的,但其中重要的是死亡笔记所提倡的世界观,如果说人生是因为我看了死亡笔记而接受了他的世界观,你说这可能吗?
人的善与恶是因为什么样情况下才能展现,这一点死亡笔记并没有做出解释,对于那些未成年的青少年来说很难理解人类目前所处的世界.
我现在说详细一点吧,来分析下为什么我国在有段时间全面封杀死亡笔记的真正原因.
人类世界从远古到文明时期做为生物的本能就是 生存 .为了生存产生了众多的民族与国家,而作为国家你应该知道这个世界并不公平,每一个国家的资源,土地面积都不一样这些都能足以造成战争吗?这还不够,还有最重要的是人类的文化,语言,社会制度的差异.因为大家都喜欢区分开来看,在不一个民族对另外民族发动战争之时,假如我们就在这些民族中我们就能做的什么?是的,我们只有杀戮,或者被杀戮,或者成为活着的牺牲品.人性在某种时刻就是因为不理解,不尊重,不平等而爆发真正黑暗一面,LZ如果有兴趣的话,你可以去看看 <卢旺达饭店>< 辛德勒名单>这些电影,或者去研究下人类的战争和犯罪历史,了解人性,这些都有助于你用自己的思维来判断世界而非一部动漫.
死亡笔记中描写夜神月为了惩罚坏人来让人类和平的方式无疑是不可能的, 希望LZ能理解下,这是一部动漫,民间作者的思维难免有与自己的个人观念深入其中.
世界的和平是需要社会制度的进步,而不是单纯的坏人死光光,我们可以想想每一个人的家庭环境,经济实力,受教育情况.这些你出生以来的背景下你能说世界是平等的吗?那些下层受剥削的人,他们受到什么样的罪使得他们走投无路,他们的错我们应该怎么样解决?难道用死亡笔记中男主角的杀光政策就能实现吗?所以说我想说的是<死亡笔记>是一部有争议的作品,作者太过强调他所希望的世界,对于不成熟的青少年如果不能自己独立思考来看待死亡笔记的话,很容易产生错误世界观.世界应该是用什么样的眼光去看待,我们应该对某些事件用什么样心理,这些都需要思考,最终夜神月还是死了,作者也是在表达他那种想象的乌托邦世界是不可能出现的.世界的和平,需要每一个人的理解.
事实证明当年国内确实有很多中学生在学校周边购买死亡笔记,学生看到了人性的黑暗面,同时自己却身险其中.这是我们作为成年人所不想看到的.这也是因为日本动漫的弊端吧,在经济上这部作品上是成功的,但在不成熟的人上是失败的.
日本动漫的弊端还存在于过度幻想方面,每年的后宫动漫都有一大批人追,看可以.但如果在网络上传播到青少年那就不好说了,跟死亡笔记同理.这需要判断,这些日本的争议的动漫,不良的动漫最终给人带来的是缺陷.
还有另外一种弊端,中国青少年受日本动漫的影响太过,导致现在国内漫画趋势只能依靠日式画风,这没办法,创造一种全新的画风的难度是相当大.再加上国内大多数只对日漫崇拜,导致现在的校园的动漫社什么的,全部是日式风格,限制了我国动漫创作的想象力,因为日本动漫的影响中国原动漫创之路......可以说是一个不小的弊端吧