1. 关于王家卫电影的最主要的艺术特点是什么
后现代主义风格，采用结构手法，注重对小人物，都市边缘人物内心情感刻弊握帆画，倾注于时间的表达，皮漏喜欢数字，运用租雹MV式的音乐。
2. 中国香港电影在发展的初期有何特点
五六十年代是黄金时期
由于香港特殊的殖民地政治环境、资本主义经济体制以及东西方兼并的文化氛围，使得香港电影走上一条复杂道路。同内地强烈的政治电影观不同的是香港非常明晰的娱乐电影观，在娱乐电影观的促动下，香港的电影工业迅速崛起，很快就成为了中国商业电影的制作中心。
从上世纪五十年代初开始，香港电影界经历了一番“左翼”势力和商业利益的此消彼长，从长城、凤凰等影业公司的历史舞台逐渐被电懋、邵氏占领，从五十年代的自由电影界逐渐转变为六十年代的大公司对垒，香港电影在去国离家的迷惘和安身立命的急切里张皇了许久，才终于在时代的大潮里确立了前行的方向。一直到七十年代许氏兄弟的市民喜剧和由许冠杰兴起的粤语流行歌曲终于成为主流娱乐时，一种属于香港的自我身份才在悄然中正式确立。这也正是香港经济迅速腾飞，港人对生活、对未来都充满了信心的年代。初来香港的那批人在这二十年里
这是香港电影的一个黄金时期，量、质都优。1949年到1959年十年间，香港一共出品了2100部剧情长片，其中包括粤语片1535部、国语片452部、厦语片137部、潮语片6部。此外还摄制了新闻纪录片30部。
八九十年代是鼎盛时期
80年代是香港电影的鼎盛时期，当年在整个亚洲乃至全球电影市场上是何等威风!相信彼时的小青年都会有挤在小黑屋里看录像的经历吧!不管你是否影迷，你都会为港片的基本吸引力打动：比如说故事的方式、影像与音乐的配合、人类普遍情感的煽动与塑造。这些跨文化吸引力，都是艺术技巧制造出来的。那技巧，就是娱乐的艺术!这段时间，香港电影拍摄得既革命化又商业化、既中规中距又大胆尝试。当时的电影没有急于求成，没有装模作样，没有那么多电脑技术，没有那么多知识硬伤，没有西方那种不自然的音乐效果和武打设计。对人物能认真刻画，对历史背景能对得起历史，对背景音乐和台词有考究有底蕴，对外有交流有借鉴。这让当时的香港电影走在亚洲前面，甚至在世界上也不遑多让，其繁荣和成绩有仅次美国电影业的感觉!难怪有“东方好莱坞”之称。这个时期的香港电影圈大体可从以下三个角度阐述：1、好片高产；2、导演高产；3、巨星高产。
3. 李小龙电影与他同一时期的香港传统电影的区别与不同
当年，李小龙的功夫片在全球范围内都掀起了前所未有的中国功夫片热潮，他的功夫片之所以如此轰动，原因在于以下几个方面：
首先，在于其彻底颠覆了香港传统武侠片的主体形象和观念。
旧武侠片中的英雄人物更多地传承了传统儒家倡导的“家”、“国”、“天下”的责任感和历史感，例如“黄飞鸿”系列电影中黄飞鸿的形象，承载更多的是传统“父亲”形象，很多时候人物更显“符号化”。至于张彻的新武侠片，人物远离了“符号化”而更趋近于“个体化”，但其英雄又并非单个人物，而更多的是惺惺相惜的男性“兄弟”群像；另一方面，“他片中的英雄人物视死如归，因为他们执迷于一套源自崇高武学价值观和行侠仗义理想的道德标准。张彻曾指这套标准就是忠、孝、节、义。”这表明张彻影片中的人物仍脱离不了传统侠义精神和道德精神的影子，而并未达到纯粹的“个体”境界。
而银幕上的李小龙，则又有了新的变化，其一李小龙只是单个形象，虽然在《唐山大兄》中的郑潮安和《精武门》中的陈真充满了国仇家恨，但其复仇、决斗等行为基本上是他的个人所为；到了《猛龙过江》里的唐龙和《龙争虎斗》中的幼徒李，更是没有被刻意安排的“家”、“国”负载或深仇大恨，而像一个带有一定的顽皮和喜剧色彩的当代香港青年，独自去漂洋过海、闯荡天下，显示出了更为鲜明的个体特征。
其二，李小龙出演的银幕形象并未有刻意的侠义精神表现。尽管其形象中一直贯穿的对抗外辱行为非常符合中国的传统侠义观和道德观，也代表了长期受外强欺压的中国人捍卫尊严的民族精神，但他并非为侠而侠，他的侠义完全是一种在紧急时期的个体行为，而不具有表达中国侠义精神的符号性；而影片中对民族精神的表现也并非为了刻意突出这一符号性主题，而是为了赢得更多华人观众的一种商业手段。
因此，李小龙电影中的形象更多是“个人”的书写，是充满了当代香港精神的个体，而非承载历史厚重感和道德责任感的符号。这样影片就被赋予了较强的现代气息，贴近了当下的观众，认同感和娱乐性也随之增强。
这样的美学转变是一个由概念群体形象向鲜活个体形象转变的过程，更是一种由载道向娱乐的创作观念的转变过程。李小龙电影也因此影响了以后香港电影的娱乐性倾向，促使了香港电影的本土化转型。
其次，李小龙的明星气质和打斗动作是其吸引观众的另一个原因。
虽然李小龙的功夫片数量不多，且其中仅有《猛龙过江》一片和《死亡游戏》的局部由他执导，但对于喜爱李小龙的观众来说，这些都不重要，重要的是他的武功和形象。而李小龙神秘而传奇的死，更是把这个永不言败的英雄形象典故化了。
李小龙出生于粤剧世家，其父李海泉为粤剧名伶，他自小便随父亲出入片场，耳濡目染，与电影结下了不解之缘。李小龙成为功夫巨星之前，就参与了23部粤语片的拍摄，与吴楚帆、黄曼梨、白燕等粤语片“大腕”们同台演出，颇受赏识；且“是个极有性格的好演员；无论演正派、反派以至喜剧角色，都能恰到好处，真的是浑身是戏”。他在《细路祥》、《人之初》、《慈母泪》、《危楼春晓》、《人海孤鸿》等经典粤语片中的表演给观众留下了难忘的印象。因此，李小龙的表演经验颇为丰富，在镜头前控制自如，银幕形象独具魅力，这也是他功夫片成功的基础之一。
而李小龙的打斗动作则是另一关键，他为咏春拳传人叶问的弟子，在香港流行的南拳中，咏春拳不重拳道而重散手，有着更强的实战效用，具有较高天资的李小龙很好地掌握了该拳术的精髓，但他又反对传统武术界门户森严、画地为牢的限制，不为咏春拳的传统所局限，在美国开设武馆时开始研习新的拳术。李小龙在注重实战效用的咏春拳基础上。打破了其招式和套路的限制，充分吸收脚法凌厉的韩国跆拳道和注重徒手搏击的日本空手道等拳术的优势，自创截拳道拳术，将中国功夫发扬光大。这种拳术是“最能发挥打斗功效的一种进取型招数，闪避敌人的每个动作本身，也同时爆发强大的攻击力。
截拳道并非别树一帜的门派，而是在基于实战不能拘泥法则的前提下，集各派大成的一种武学”。这种拳术还融合了李小龙强调的“表现身体的艺术”特色，具有较强的表演性能，因此在银幕上也颇具观赏性。为了把打斗场面拍得更好看，李小龙出拳极快，“银幕上，李小龙从出拳到受拳往往只需6格画面，相当于1/4秒”，而且动作灵活准确，总是先发制人、速战速决；同时他还把上路踢腿的“凌空三弹脚”招式塑造为自己明星形象的个人标记，在出手前加进了一声从日本空手道那里借用的叫喊声，不仅有助于他凝聚全身力气，还提高了打斗场面的戏剧性，这在他每部影片中最后的 “大决斗”中都有淋漓尽致的表现。
此外李小龙影片打斗场面的叙事方式也别具一格，每一次打斗，有打前的蓄势，有虚实的试探，有胜负的转折，有死里逃生或败中求胜的惊险，有许多小高潮积累而起的大高潮。他的一举一动都伴随着人物的情绪，塑造出一个生动的性格，善于制造悬念和意外，突出他新奇的创造性，有强烈、鲜明、流畅的节奏感。
第三、因为李小龙功夫片中主题的表现。
他的影片都是表现中国人受到外强的屈辱而奋起抗争的主题，而李小龙饰演的人物总是嫉恶如仇，对无理与强权充满痛恨，在他的血液里流淌着对长期受压迫的汉民族的顽强捍卫。这些都能使分布在世界各地华人看了之后在精神和情感方面得到极大的宣泄，深受华人观众和长期受其他强势欺压的其他民众所喜爱。
如在《唐山大兄》中，男主角郑潮安背井离乡，到泰国投靠亲戚，他受尽屈辱后，身上所佩戴的相当于母亲的玉石又被打碎，于是他奋起反抗，将欺辱他的毒枭及打手们消灭殆尽；在《精武门》中，陈真把“华人与狗不得入内”的牌匾踢碎，使受欺压的华人情绪在刹那间得到了宣泄；在《猛龙过江》中，唐龙以截拳道大败洋人，一方面证明了中国功夫的优越，另一方面展现出了在强势面前，中国人保持民族尊严、决不低头的英雄气概。
第四、因为李小龙功夫片中精湛的电影语言。
李小龙的功夫片催生出了几大经典的香港动作片语言模式，除李小龙本人外，《唐山大兄》和《精武门》两片导演罗维、《龙争虎斗》导演高乐诗以及《猛龙过江》的日籍摄影师贺兰山等人也功不可没。这些经典语言模式虽然较多出现在了李小龙功夫片中，但它们却是这一时期所有香港动作电影中经典语言模式的统一体现，这些语言模式成为香港动作片创作者所依赖的重要模式，并对后来香港电影的本土化叙事产生了深远的影响。当然，张彻、胡金铨、郑昌和、刘家良等过渡转型时期的著名动作片导演也为此付出了努力。
这种经典的语言模式包括以下3种：
第1种为“暴雨如注”的剪辑方式。
这种剪辑方式不光是指快速的剪接节奏，更重要的是靠剪接形成的连续密集的动作感，似“暴雨如注”。“这就是通过尽量缩小镜头与镜头之间的时间距离和空间距离。使本来单个的、间断的电影镜头形成一种完整的、连续的影像语言”。
其中最为经典的段落当属《猛龙过江》片尾在古罗马斗技场中展开的“双雄对决”，在这个高潮段落中，从猫叫的特写开始，一直到唐龙击败对手为止，一共5分45秒，11个回合，86个镜头，平均4秒钟一个镜头。尽管影像剪接的时间节奏并非很快，但靠剪接形成的连续密集的动作亦造成一种快速的剪辑效果，进而造成一种连续不断的视觉影像激流，给观众形成一种“暴雨如注”的心里效果，观众的心里节奏在这个生死交锋中显得非常紧张。新武侠片的重要导演胡金铨亦是这类手法的促进者之一，详见他的《龙门客栈》……
这种在电影视觉影像层面形成的标志性剪辑语法，正是中国武侠动作片的独特美学风格所在，也是香港动作片的经典语法而被广泛应用。
第2种便是被美国电影学者大为.波德威尔称之为“构成剪接”的剪辑技巧。
“构成剪接即仅展现部分，却能让人明白整个完整的动作。用分镜头拍法，通常在显示局部细节之前，先出现一个主景镜头。但构成剪接不会包括任何全景画面，我们是把个别镜头所显示的动作各部分，在脑海拼合而得出完整的印象。导演须细心设计镜头，以便剪辑后可清晰传达动作内容。”
其实这也是典型的蒙太奇组接，但为了达到最后完整而凌厉的动作效果，单个画面需要用近景去表现关键动作，表现的关键打斗动作不但很有力度，而且清脆凌厉、鲜明生动、一目了然，镜头长度一定要控制但又不能不让看清楚画面所展示的各种关键动作，而且还需把握好剪辑点。这样既能让关键动作成为画面的焦点，迅速切换的镜头又增强了节奏，呈现给观众的是不断切换的凌厉动作，极大增强了武打片的审美情趣。
在李小龙的功夫片中，既有用长镜头和远景展示其高超拳脚功夫的打斗段落，也有大量用构成剪接技巧营造出的快节奏打斗段落。如《精武门》中陈真与日本众武师在武馆中打斗的一场戏，开始的一段是远景长镜头，而后来表现几个日本武师试图偷袭，但均被击倒的段落则是“构成剪接”的杰作，这一段落让比武场面更加生动有趣，也增强了节奏感。此外一些如飞身、跃空等高难武功，以及踢飞等危险但很有卖点的打斗场面，也可由此种技巧轻易完成。如在《龙争虎斗》中的高潮打斗段落中，石坚饰演的反角在李小龙狂踢之下飞出画面的镜头就是由“构成剪接”来完成的。“构成剪接”也成为其他武侠片或新武侠片的常用叙事手法，如张彻影片中对肢解等血腥场面的处理均靠这种模式完成叙事……
此后，“构成剪接”成为香港动作片创作中的重要技法，它对香港电影产生了深远的意义，以至于得到了如此评价：“构成剪接可以视为香港动作片全面掌握国际电影技法的其中一个标志，没有这套技法，港片不会这样卖埠, 也不会有这种特殊的感染力。”
第3种是在快速打斗段落中用切换停顿来营造出节奏感。
“香港功夫演员的打斗动作，通常都不是连续不断的。他们先来一轮急攻闪避，或连串拳打脚踢，或一阵刀光剑影；随之稍息，时间通常选在一拳被挡，或双方皆静观其变之际，那也许只半秒光景，之后再展开另一轮恶战。结果，整体在银幕上便出现有如打击乐的节奏，短暂的停顿起着把动作分段的作用，带来如同断音的效果。静止时刻是对比衬托，使动作看似打得更快。而每一停、打、停的布局，皆可配合不同的打斗节奏。”
香港电影人创立的这种停、打、停的经典叙事模式使打斗效果化、打斗场面极致化，本来难以表现的混乱打斗场面经过这种方法处理后变得如打击乐般明快、清晰，观众尽可享受其中的招式和乐趣。
在《猛龙过江》里，这种方法被多次使用，如在男主角唐龙及同伴与当地黑恶势力的打手们打斗的一场戏中，唐龙为同伴解了围，然后一拳打在对手的关键部位，对方痛苦至极慢慢弯下身子，这时突然停顿片刻，然后唐龙将对方推倒在地。这一停顿不但使混乱的打斗场面变得有序而清晰，而且观众对恶势力的仇恨得到了淋漓尽致的宣泄。在本片另一场小巷里的打斗场面中，在表现唐龙用木棍制伏黑手党时多次出现片刻的停顿，唐龙的动作，就让观众感受到击鼓那种停、打、停的细微节奏。而他的每个姿势都非常简洁，前后都有静止时刻分隔，令整个场面产生了轻微舒缓的节奏，观众欣赏到的这一打斗场面就像听一首打击乐那样轻松、明快。
这种追求清晰与节奏感的叙事方式，带来了丰富的表现力，亦成为后来的香港影片争相使用的叙事手段，而且在80年代香港电影的繁荣时期，动作片以外的文艺片也大量使用这种技法，足见其对香港电影的叙事产生的深远影响。
摘自《香港电影史》
4. 剪辑电影怎么剪辑
1.点击【分割】，当轨道上出现
剪刀形状时按下左键实现分割。像使用剪刀一样，在视频播放的过程中间，按下空格键能够定格在某一帧，点击左键这时候整段视频则被且分为两部分，重复操作即可将视频分为三部分、四部分等
2.当使用【分割】工具以后，一段视频已经成功切分为几部分。对于自己不需要的部分，首选选中，然后点击鼠标右键选择【删除】，就能够将不需要的部分删除。
3.当删除以后轨道上就出现空白，这时候一定要拖动视频将所有的无缝衔接起来，轨道不留白导出才没有黑屏，导出之前按住【ctrl+enter】从头播放一遍无误再导出。
首先电影剪辑在早期是通过负片冲洗出来的正片进行剪辑的，被冲洗出来的正片上每一格画面都会有编号和负片相对应，这个被拿来剪辑的正片叫工作拷贝。剪辑师将工作拷贝挂载到剪辑台的胶片转轴上可以控制正向、反向和逐格的查看，而定位光孔会直接把当前定位的胶片画面投影到小型的监视屏幕或者毛玻璃上。声音以磁带录制，以等比例的速度被平行放在和画面同步的另一卷转轴上，定位是感应磁头，保证声画同步即画面转动24格（常速播放1秒）磁带也转动常速播放1秒的走带长度。
剪辑操作就是在分别在两段胶片和磁带上找到需要剪辑的位置先用记号笔作出标记，然后剪断胶片和磁带，最后将需要连接的两段胶片和磁带用透明胶带粘合起来。这个操作每次被剪断的余片都要非常认真详细做好标记。因为如果剪多绝祥游了那么很有可能要在余片里重新找回一些画面和声音添加回来，所以需要在剪辑前对剪辑的不同画面非常熟悉并且有构造剪辑节奏非常强的时空想象能力，否则来回地尝试改变实际上会浪费大量的时间。每一刀的剪辑不是在机器上而是在脑海中，但现在已经很少有学校会学习胶片剪辑了。遇到像淡入淡出、叠化、多重曝光特效等镜头需要在剪辑台上决定特效时长和特效出入点后算出对应的画面格数然后用特殊记号笔标记出来。
剪辑好的工作拷贝会被送去整理出所有剪辑出入点的编号然后去查找出对应的负片，其中也包含覆盖特效画面格数的负片，冲好的负片被按照剪辑和特效的每一个出入点连接起来，不同的是连接时不再使用会破坏画面的透明胶带，而是齿孔卡扣，同时连接时不会直接用手而是质地非常细腻的真丝手套在柔软的绒布上进行。因为电影拍摄后冲出来的负片仅此宴洞一条，它的质量好坏直接影响到洗出的所有拷贝，所以一定是被顶级保护的。其中淡入淡出、叠化、多重曝光等特效镜头会在冲洗时采用配光技术完成，然后这个负片会被洗成成百上千个拷贝发往大大小小的电影院进行放映。
由于你的题目不甚明确，不知道说的是作为职业剪辑师的电影剪辑还是个人想电影混剪。这里我两个都说一下。
作为电影剪辑师，剪辑电影就具有高度的专业性，需要一定的剪辑技巧，电影剪辑通常被称为“隐形艺术”，大多数剪辑师的目标是创建无缝的成品。一旦工作完成，并且做得很好，就很难注意到单独的部分。以下说几个电影剪辑的剪辑技巧：
1.长镜头
在过渡到下一个镜头之前持续一段很长时间的镜头。每个镜头的平均长度在不同的时间和地点差别很大，但大多数当代电影的剪辑速度往往更快。一般来说，任何一分钟以上的镜头都被认为是长镜头。
2.节奏
声音的频率和规律性，一连串的镜头和镜头内的动作。节奏因素包括节拍（或动感）、腔调（或重音）和节奏（或速度）。节奏是电影的基本特征之一，它决定了电影的情绪和观众的整体印象。这也是最复杂的分析之一，因为它是通过场景、摄影、声音和剪辑的组合来实现的。的确，节奏可以理解为电影中所有元素的最终平衡。
3.重叠剪辑
重复部分或全并销部动作的剪辑，从而扩展了它的观看时间和情节持续时间。最常见的是实验性电影制作，由于其短暂的令人不安和纯粹的图形性质，它也出现在动作和动作优先于情节和对话的电影中:体育纪录片、音乐剧、武术等。重叠剪辑是80年代和90年代香港动作电影的共同特点。当导演吴宇森移居好莱坞后，他试图将这种风格融入主流动作片，比如《碟中谍2》。
4.转场
镜头是由剪辑定义的，但剪辑也可以将镜头连接在一起。在传统中，剪辑是为了建立空间，引导观众看到场景中最突出的部分。
1.借位
借位在连贯性剪辑中，是一种从一个镜头到另一个镜头显示连续时间和空间的方法，但实际上它与场景中人物或物体的位置不匹配。在文森特·明奈利的《火树银花》中，牺牲了真实的物理空间来换取戏剧性的空间。正如在第一个画面中看到的，电话后面是有一堵墙的。然而，在第三个镜头中，这堵墙神奇地消失了，为了显示电话和围坐在餐桌旁的家人（电影中的一个重要元素），从一个角度看，这在真实的房间里是不可能的。
2.交叉
交替拍摄在不同地方发生的动作镜头，通常同时进行。因此，这两个操作被衔接起来，将来自不同空间的角色关联起来。为了进一步强调他们的相似之处，这位父亲实际上是在重温他和第一个女朋友的第一次约会，而他的女儿实际上是在第一次约会。杨使用跨越时空的交叉，暗示历史会一代又一代地重复。
3.切入镜头、切离镜头
在同一空间中，从远处取景到近景的瞬间转换，反之亦然。
4.叠化
两个镜头之间的过渡，第一个画面逐渐消失，而第二个画面逐渐出现。有那么一会儿，这两个画面混合在一起了。叠化可以作为一个相当直接的手法连接任何两个场景，或以更有创意的方式，例如暗示幻觉的状态。
5.圈入/圈出
一种圆形的、可移动的蒙版，它可以结束一个场景（圈出）或强调一个细节，也可以打开一个场景（圈入）或显示一个细节周围的更多空间。
跳跃式剪辑是用来表达的，暗示一个角色或他/她的日常生活的沉思或矛盾，但这也是与主流电影叙事方式决裂的明确标志。与其把一部电影呈现成一个完美的、在我们面前无缝展开的独立故事，不如说，跳跃式剪辑就像是一句话，既证明了讲述这样一个故事的人为性，也证明了讲述这样一个故事的困难性。
6.定位镜头/再定位镜头
一种镜头，通常包括远距取景，显示场景中重要人物、物体和背景之间的空间关系。通常情况下，场景的前几个镜头通常是定位镜头，因为这介绍了其中的位置关系和空间关系。
7.正反打镜头
两个或两个以上的镜头对角色进行相互切换，通常在对话的情况下。
8.叠画
在同一胶片上曝光多个图像。与叠化不同，叠画并不意味着从一个场景到另一个场景的转换。通常是用于相同的演员在屏幕上同时出现两个角色、表达主观或醉酒的视觉效果，或者简单地将叙事元素从另一部分的迷幻世界引入场景。
9.划像
一种镜头之间的过渡，其中一条线穿过画面，在第一个镜头移动时将其删除，代之以下一个镜头。这是一个动态的、引人注目的转变，通常用在动作或冒险电影中。
就像其它的转场方式，比如横摇，划像在特定的历史时期（20世纪50年代和60年代）变得流行起来，以至于成为那个时期电影的风格标记。
5.匹配剪辑
匹配剪辑指的是通过在两个镜头之间建立某种形式的联系来连接和分割两个镜头的技术。这种联系可以从场景描述的情况中推断出来（例如，图形匹配）。
1.视线匹配剪辑
一种遵循动作原理的剪辑，第一个镜头是一个人朝一个方向离开，第二个镜头是一个附近的空间，里面有他或她看到的东西。如果这个人向左看，下面的镜头应该暗示这个人在屏幕外是向右看的。
2.图形匹配剪辑
两个连续的镜头连在一起，以创造出构图元素的强烈相似性（如颜色、形状）。用于传输连续性样式，以平滑的方式在两个镜头之间进行过渡，图形匹配剪辑也可以用来做隐喻性的联想，就像苏联连贯性风格。
6.剪辑风格
1.连贯性剪辑
一种保持叙述动作连贯的剪辑方式。连贯性剪辑依赖于从一个镜头到另一个镜头的方向、位置和时间关系，即连续镜头之间的时间和空间是连贯的。此外，当屏幕上的方向与电影世界的方向相匹配时，叙述也更容易被理解了。如下图所示，“180度规则”规定了摄影机应该停留在动作轴两边的一个区域内（场景中有一条主要元素A和B之间的假想线，通常是两个角色）。
通过遵循这一规则，导演要确保每个角色在画面中占据一个一致的区域，帮助观众理解场景的布局。这种一致的空间感通过例如动作匹配等技术手段得到了加强。
2.蒙太奇
包括镜头内的蒙太奇、声音和图像之间的蒙太奇，多层次的含蓄，以及在两个镜头之间的冲突。通过持续时间、屏幕方向和镜头比例的模式联系在一起，从而产生了使不相关联的镜头产生了意义。
3.省略式剪辑
省略事件中部分的镜头过渡，导致情节和故事持续时间的省略。
讲完这些，再来说说电影的混剪。
第一步，确定好要剪辑的中心思想
在开始混剪之前，我们首先要确定好要剪一个什么类型的片子，而不是一上来就开始动手剪辑，所谓的谋定而后动说的就是这个道理。
第二步，挑选影片素材
主题确定好了之后，开始围绕着主题挑选素材，你不能定下要剪辑温馨拥抱合集，却挑选出打斗血腥的场面。例如剪辑漫威反派，就挑选漫威系列的电影，剪辑钢铁侠，就挑选涉及到钢铁侠的电影，剪辑机器人系列，就挑选科幻类的电影，剪辑中国功夫，就挑选武侠功夫片等等。
第三步，确定框架
浏览影片确定好架构并找出适合片段电影准备好之后，要根据自己的中心思想定下大体的框架，比如开端--发展--高潮--结局等，然后浏览影片挑选出合适的片段。
第四步，音乐很重要
挑选合适的音乐音效素材不夸张的说音乐挑的好，混剪就成功一半了，要根据中心主题和架构来挑选音乐，剪辑温馨的就挑选舒缓的音乐，剪辑激烈打斗的就挑选激昂燃系的音乐等等。
第五步，粗剪
根据音乐和架构进行粗剪首先根据架构把挑选出来的片段整理好，其次把同类动作拼起来，比如跳跃、拥抱、跑步、碰撞、攻击、摔倒、爆炸等等。最后根据台词旁白等铺陈好画面，整体连贯起来。
第六步，精剪
根据音乐的节奏，开始一帧帧的调整，在高潮部分卡准音乐节奏节拍。删掉多余的镜头。
第七步，检查
反复修改好的片子都要反复的修改，自己多看几遍，修改好了，再请别人观看提出修改意见，反复雕琢，直至能打动自己，才能打动观众。
第八步，成片输出
渲染输出在修改好之后无误就可以渲染输出成片啦！
5. 香港武侠电影的特点
主要就是两个流派
一个是以刘家良为代表的硬桥硬马的真功夫派别，在上世纪60-90年代是功夫片的主流
到了90年代，以徐克 程小东为代表的新武侠流派开始出现
这个时期的武侠片多以特技和天马行空的想象为主 也是港片的巅峰时期
香港武侠电影包含的是香港电影人对中华传统文化的尊重以及对中国特有的侠义文化的敬仰
因为香港毕竟被侵占了多年 在外来文化的入侵下 港片通过这种方式来坚持自己的立场
讲中华文化的内涵与现代电影结合，重新焕发生机
6. 讲一讲8-90年代香港电影有哪些优秀之处
大话西游：颠覆了魔幻片，喜剧片，动作片的叙事套路，启发了后世对西游记这一文本的再探索。精武英雄：动作片翘楚，极具观赏性的武指和剪辑，至今都是教科书的级别。
7. 香港电影的特点
香港的制片模式、专业分工、组织结构虽比中国大陆、台湾完善，但较之好莱坞仍显得随意机动，工业化程度远不够严密有序。首先，按照好莱坞的工业规则，电影一旦开机便
需按部就班，不能随意更改剧本、变动进度。然而香港的电影导演比如徐克、杜琪峰等，他们的拍摄方法却大不相同：在保证按时交片的前提下，现场即兴发挥、随拍随改、有时停工，有时赶拍。这种做法恰恰是香港电影黄金时代最正常的作风习惯。同时，香港尽管也有不少以导演强势创作著称的影片。
1、赶时间：领衔主演的明星通常身兼几个片约，档期有限，所以剧组人员就不眠不休的奋战赶拍。
2、飞纸仔：导演开拍前只有故事大纲，开机后只能等编剧把当天要拍的剧本传过来，当年程小东拍摄《倩女幽魂》、刘伟强拍《古惑仔》都要等徐克和文隽的“飞纸仔”。
3、第二组制度：由于香港武术指导的经验丰富、十分专业，王晶这样的导演经常只专注拍文戏，枪战武打追逐撞车的场面交由动作指导全权负责，这样，一部普通的商业片通常之用十几天就能完成。如果是大制作，则会在武术指导这个组下面继续启用“子组”（第一组武指、第二甚至第三组武指）。说到香港电影的这种工业特征的形成，要追溯到上个世纪70年代末期，那时香港“新浪潮”风起云涌，不少新锐制片公司纷纷冒起，打破了邵氏、嘉禾的垄断地位，而邵氏经营多年的“东方好莱坞”片厂制度及风格亦由此逐渐没落。至20世纪80年代中期，香港电影呈现“三魁报春、百花齐放”的兴旺局面，从筹划到摄制再到公映收成本，电影工业流程更呈现出香港独有的迅速、机动、灵活、即兴的特征。这一特征既为香港电影走向极盛奠定基础，又为香港电影的迅速衰落埋下伏笔。若检讨香港电影衰落根源，创作过于即兴投机当是祸因之一。昔日港片兴盛时，是档期等片的盛况：香港影人多是同时身兼数组戏，只管闷头拍就是，完全不必担心赔本。即兴、灵活、迅速、投机的拍摄优势亦成为了香港电影产量剧增、质量骤降的重要祸因。而如今不少影片即时早已排好也不能上映，需要耐心等待档期、小心拍期，稍有不慎就可能有赔无赚。明星赶档期、编剧飞纸仔的情况只出现在少数有票房号召力的明星影人身上，而香港电影的产量也逐年缩小，由当年的年产两三百部，跌到2006年的年产三四十部。
姓名职业代表作品李小龙导演、编剧、演员唐山大兄、精武门、猛龙过江、龙争虎斗许冠文导演、演员半斤八两、摩登保镖、鬼马双星、卖身契赵雅芝演员傻探出更、英雄无泪、弹指神功、发钱寒 周星驰出品人、制片、导演、编剧、演员大话西游、喜剧之王、功夫、少林足球成龙导演、编剧、演员、歌手醉拳、警察故事、尖峰时刻、红番区周润发演员英雄本色、赌神、卧虎藏龙张国荣演员、歌手阿飞正传、倩女幽魂、霸王别姬刘德华演员、歌手赌侠之大战拉斯维加斯、桃姐、天若有情王家卫导演阿飞正传、重庆森林、一代宗师、春光乍泄许鞍华导演疯劫、书剑恩仇录、女人四十、半生缘徐克导演黄飞鸿、新仙鹤神针、倩女幽魂杜琪峰导演暗战、意外、毒战吴宇森导演发钱寒、英雄本色、喋血双雄、谍中谍陈可辛导演门徒、金鸡、如果爱洪金宝演员、导演、制作人福星高照、A计划、杀破狼许冠杰演员、导演半斤八两、摩登保镖、最佳拍档、鬼马双星楚原导演英雄无泪、流星蝴蝶剑、天涯明月刀刘镇伟导演、演员、制作人大话西游、东成西就、情癫大圣张彻导演大上海1937、独臂刀、上海滩十三太保麦兆辉导演、编剧无间道、头文字D、伤城尔冬升导演新不了情、早熟、窃听风云主要电影公司：电影懋业公司、邵氏、嘉禾、寰亚、银都、东方电影、新艺城、银河映像等。
8. 香港七八十年代电影特点
1、赶时间：领衔主演的明星同唱身兼几个片约，档期有限，所以剧组人员就不眠不休的奋战赶拍。
2、飞纸仔：导演开拍前只有故事大纲，开机后只能等编剧把当天要拍的剧本传过来，当年程小东拍摄《倩女幽魂》、刘伟强拍《古惑仔》都要等徐克和文隽的“飞纸仔”。
3、第二组制度：由于香港武术指导的经验丰富、十分专业，王晶这样的导演经常只专注拍文戏，枪战武打追逐撞车的场面交由动作指导全权负责，这样，一部普通的商业片同唱之用十几天就能完成。如果是大制作，则会在武术指导这个组下面继续启用“子组”（第一组武指、第二甚至第三组武指）。说到香港电影的这种工业特征的形成，要追溯到上个世纪70年代末期，那时香港“新浪潮”风起云涌，不少新锐制片公司纷纷冒起，打破了邵氏、嘉禾的垄断地位，而邵氏经营多年的“东方好莱坞”片厂制度及风格亦由此逐渐没落。至20世纪80年代中期，香港电影呈现“三魁报春、百花齐放”的兴旺局面，从筹划到摄制再到公映收成本，电影工业流程更呈现出香港独有的迅速、机动、灵活、即兴的特征。这一特征既为香港电影走向极盛奠定基础，又为香港电影的迅速衰落埋下伏笔。若检讨香港电影衰落根源，创作过于即兴投机当是祸因之一。昔日港片兴盛时，是档期等片的盛况：香港影人多是同时身兼数组戏，只管闷头拍就是，完全不必担心赔本。即兴、灵活、迅速、投机的拍摄优势亦成为了香港电影产量剧增、质量骤降的重要祸因。而如今不少影片即时早已排好也不能上映，需要耐心等待档期、小心拍期，稍有不慎就可能有赔无赚。明星赶档期、编剧飞纸仔的情况只出现在少数有票房号召力的明星影人身上，而香港电影的产量也逐年缩小，由当年的年产两三百部，跌到2006年的年产三四时部。
具体案例：《英雄本色》及《英雄好汉》、《江湖情》。1986年《英雄本色》创了票房纪录，于是1987年徐克开始拍摄续集，徐克让吴宇森带领周润发、石天去美国拍摄，自己则指导狄龙、张国荣演出香港的部分，并且更让人难以置信的是吴宇森在美国导的那一部分《英雄本色续集》根本没有剧本，只有故事大纲，然而影片上映时却仍然斩获了2200万票房。《英雄本色》及续集的票房大旺，惹动了向氏兄弟找麦氏兄弟跟风拍摄黑帮英雄片。
9. 香港电影有哪三部曲，有什么特点
第三部分《射雕英雄传》
豆瓣：9.2
主演：黄日华、翁美玲
剧情：tvb永恒的武侠经典。80年代拍这样的片子很少见。这应该是大咖最多的港剧了吧？在当时的无线五虎里主演黄日华、苗侨伟，配角是吴孟达、秦沛、曾江、谢贤，连走狗都是周星驰、吴镇宇、欧阳振华。导演是杜琪峰，制片人是王晶的父亲王天林，武术指导程小东，助理导演鞠觉亮，甚至三部电影的主题曲作词人都是黄沾。这是香港电影黄金时代的一半。我可以问哪部电影？我最喜欢翁美玲扮演的黄蓉。它几乎是活的。感觉像是小说里走出来的黄蓉。难怪也是金庸最满意的黄蓉。
第二部分《上海滩》
豆瓣：9.1
主演：周润发/赵雅芝/吕良伟
剧情：1983年看了两部剪辑过的电影版，然后回来看了1980年的原集版。果不其然，如果你有足够的时间，看剧版是更好的打开方式《上海滩》。没有高超的特效技术和化妆师的时代，一部剧的成就完全取决于演员的精湛演技和剧情的紧凑性。每一个表情的细节都是那么到位，整部电影哪怕只有一个配乐，也足够了。经典中的经典，让人年年翻拍形式，却无法超越。最后，我不得不承认，发哥的哥哥许文强很难超越，还有冯敬尧。他们是现实中人物的真实状态，也是正邪不分，非黑即白。
第《大时代》
豆瓣：9.3
主演：郑少秋/刘青云/蓝洁瑛
剧情：经典，不愧是经典。港剧心中的No.1。最后断断续续看了，一部戏剧冲突性很强的剧，一部能带动观众情绪的剧。这部剧最厉害的是丁蟹这个神奇人物的塑造。高潮和最精彩的部分是指控丁蟹的审判和方氏三姐妹相继被害。后期剧情开始有点自我放纵，各种不合理。经过39集的羞辱，最后的复仇只有十分钟。但总是值得高分的。对得起这出戏的名字，一场浩荡的悲剧。总之可以称得上是不可复制的经典，到现在还在欣赏。