Ⅰ 香港电影的特点
香港的制片模式、专业分工、组织结构虽比中国大陆、台湾完善，但较之好莱坞仍显得随意机动，工业化程度远不够严密有序。首先，按照好莱坞的工业规则，电影一旦开机便
需按部就班，不能随意更改剧本、变动进度。然而香港的电影导演比如徐克、杜琪峰等，他们的拍摄方法却大不相同：在保证按时交片的前提下，现场即兴发挥、随拍随改、有时停工，有时赶拍。这种做法恰恰是香港电影黄金时代最正常的作风习惯。同时，香港尽管也有不少以导演强势创作著称的影片。
1、赶时间：领衔主演的明星通常身兼几个片约，档期有限，所以剧组人员就不眠不休的奋战赶拍。
2、飞纸仔：导演开拍前只有故事大纲，开机后只能等编剧把当天要拍的剧本传过来，当年程小东拍摄《倩女幽魂》、刘伟强拍《古惑仔》都要等徐克和文隽的“飞纸仔”。
3、第二组制度：由于香港武术指导的经验丰富、十分专业，王晶这样的导演经常只专注拍文戏，枪战武打追逐撞车的场面交由动作指导全权负责，这样，一部普通的商业片通常之用十几天就能完成。如果是大制作，则会在武术指导这个组下面继续启用“子组”（第一组武指、第二甚至第三组武指）。说到香港电影的这种工业特征的形成，要追溯到上个世纪70年代末期，那时香港“新浪潮”风起云涌，不少新锐制片公司纷纷冒起，打破了邵氏、嘉禾的垄断地位，而邵氏经营多年的“东方好莱坞”片厂制度及风格亦由此逐渐没落。至20世纪80年代中期，香港电影呈现“三魁报春、百花齐放”的兴旺局面，从筹划到摄制再到公映收成本，电影工业流程更呈现出香港独有的迅速、机动、灵活、即兴的特征。这一特征既为香港电影走向极盛奠定基础，又为香港电影的迅速衰落埋下伏笔。若检讨香港电影衰落根源，创作过于即兴投机当是祸因之一。昔日港片兴盛时，是档期等片的盛况：香港影人多是同时身兼数组戏，只管闷头拍就是，完全不必担心赔本。即兴、灵活、迅速、投机的拍摄优势亦成为了香港电影产量剧增、质量骤降的重要祸因。而如今不少影片即时早已排好也不能上映，需要耐心等待档期、小心拍期，稍有不慎就可能有赔无赚。明星赶档期、编剧飞纸仔的情况只出现在少数有票房号召力的明星影人身上，而香港电影的产量也逐年缩小，由当年的年产两三百部，跌到2006年的年产三四十部。
姓名职业代表作品李小龙导演、编剧、演员唐山大兄、精武门、猛龙过江、龙争虎斗许冠文导演、演员半斤八两、摩登保镖、鬼马双星、卖身契赵雅芝演员傻探出更、英雄无泪、弹指神功、发钱寒 周星驰出品人、制片、导演、编剧、演员大话西游、喜剧之王、功夫、少林足球成龙导演、编剧、演员、歌手醉拳、警察故事、尖峰时刻、红番区周润发演员英雄本色、赌神、卧虎藏龙张国荣演员、歌手阿飞正传、倩女幽魂、霸王别姬刘德华演员、歌手赌侠之大战拉斯维加斯、桃姐、天若有情王家卫导演阿飞正传、重庆森林、一代宗师、春光乍泄许鞍华导演疯劫、书剑恩仇录、女人四十、半生缘徐克导演黄飞鸿、新仙鹤神针、倩女幽魂杜琪峰导演暗战、意外、毒战吴宇森导演发钱寒、英雄本色、喋血双雄、谍中谍陈可辛导演门徒、金鸡、如果爱洪金宝演员、导演、制作人福星高照、A计划、杀破狼许冠杰演员、导演半斤八两、摩登保镖、最佳拍档、鬼马双星楚原导演英雄无泪、流星蝴蝶剑、天涯明月刀刘镇伟导演、演员、制作人大话西游、东成西就、情癫大圣张彻导演大上海1937、独臂刀、上海滩十三太保麦兆辉导演、编剧无间道、头文字D、伤城尔冬升导演新不了情、早熟、窃听风云主要电影公司：电影懋业公司、邵氏、嘉禾、寰亚、银都、东方电影、新艺城、银河映像等。
Ⅱ 论香港电影特点
1、赶时间：领衔主演的明星同唱身兼几个片约，档期有限，所以剧组人员就不眠不休的奋战赶拍。
2、飞纸仔：导演开拍前只有故事大纲，开机后只能等编剧把当天要拍的剧本传过来，当年程小东拍摄《倩女幽魂》、刘伟强拍《古惑仔》都要等徐克和文隽的“飞纸仔”。
《倩女幽魂》三部曲
3、第二组制度：由于香港武术指导的经验丰富、十分专业，王晶这样的导演经常只专注拍文戏，枪战武打追逐撞车的场面交由动作指导全权负责，这样，一部普通的商业片同唱之用十几天就能完成。如果是大制作，则会在武术指导这个组下面继续启用“子组”（第一组武指、第二甚至第三组武指）。说到香港电影的这种工业特征的形成，要追溯到上个世纪70年代末期，那时香港“新浪潮”风起云涌，不少新锐制片公司纷纷冒起，打破了邵氏、嘉禾的垄断地位，而邵氏经营多年的“东方好莱坞”片厂制度及风格亦由此逐渐没落。至20世纪80年代中期，香港电影呈现“三魁报春、百花齐放”的兴旺局面，从筹划到摄制再到公映收成本，电影工业流程更呈现出香港独有的迅速、机动、灵活、即兴的特征。这一特征既为香港电影走向极盛奠定基础，又为香港电影的迅速衰落埋下伏笔。若检讨香港电影衰落根源，创作过于即兴投机当是祸因之一。昔日港片兴盛时，是档期等片的盛况：香港影人多是同时身兼数组戏，只管闷头拍就是，完全不必担心赔本。即兴、灵活、迅速、投机的拍摄优势亦成为了香港电影产量剧增、质量骤降的重要祸因。而如今不少影片即时早已排好也不能上映，需要耐心等待档期、小心拍期，稍有不慎就可能有赔无赚。明星赶档期、编剧飞纸仔的情况只出现在少数有票房号召力的明星影人身上，而香港电影的产量也逐年缩小，由当年的年产两三百部，跌到2006年的年产三四时部。
具体案例：《英雄本色》及《英雄好汉》、《江湖情》。1986年《英雄本色》创了票房纪录，于是1987年徐克开始拍摄续集，徐克让吴宇森带领周润发、石天去美国拍摄，自己则指导狄龙、张国荣演出香港的部分，并且更让人难以置信的是吴宇森在美国导的那一部分《英雄本色续集》根本没有剧本，只有故事大纲，然而影片上映时却仍然斩获了2200万票房。《英雄本色》及续集的票房大旺，惹动了向氏兄弟找麦氏兄弟跟风拍摄黑帮英雄片。
Ⅲ 从产业和文化输出两方面看，香港电影在国际上的地位和影响如何
香港电影在国际上的地位算是可以。香港电影的存在，为中国的娱乐产业在国际上提高了很高的档次，但是它在我们普通群众的心中其实也是不可磨灭的记忆。记得小时候，并不是家家都有电视里的时代，于是我们就经常去邻居家或者村里面比较有钱的人家去看电影。甚至于有时候别人家的电视机还是黑白的，但是并不能磨灭我们的激情，也正是从那个时候结识了香港电影。
Ⅳ 你认为内地电影与香港电影有哪些不同点
香港电影圈制造了电影史上“东方好莱坞”的成功神话，这个约600万人居住的“弹丸之地”，一直拥有全球规模数一数二的电影王国，所制作的电影数量，几乎超越所有西方国家，输出电影之多，只仅次于美国，而且拥有自己一套成功、成熟的商业模式。内地华语电影圈就像国足的待遇一样，不少骨灰级影迷甚至直接宣称：“好多年不看内地国产片了，只有欧美片才能给我们要射的快感!”今天咱们先不说这个“坞”那个“坞”的，就从咱们的同胞兄弟——香港电影圈下手，好好学学人家是怎么“玩”电影的。
80年代是香港电影的鼎盛时期，当年在整个亚洲乃至全球电影市场上是何等威风！相信彼时的小青年都会有挤在小黑屋里看录像的经历吧！不管你是否影迷，你都会为港片的基本吸引力打动：比如说故事的方式、影像与音乐的配合、人类普遍情感的煽动与塑造。这些跨文化吸引力，都是艺术技巧制造出来的。那技巧，就是娱乐的艺术！这段时间，香港电影拍摄得既革命化又商业化、既中规中距又大胆尝试。当时的电影没有急于求成，没有装模作样，没有那么多电脑技术，没有那么多知识硬伤，没有西方那种不自然的音乐效果和武打设计。对人物能认真刻画，对历史背景能对得起历史，对背景音乐和台词有考究有底蕴，对外有交流有借鉴。这让当时的香港电影走在亚洲前面，甚至在世界上也不遑多让，其繁荣和成绩有仅次美国电影业的感觉！难怪有“东方好莱坞”之称。这个时期的香港电影圈大体可从以下三个角度阐述：
1、好片高产：
然而到了最近这10年左右，香港电影的没落和内地电影在国际上的斩获无数也告诉了我们一个道理——风水轮流转，这次终于轮到我们内地电影代表中国电影界参加各种国际级别的大赛，但是我们不能骄傲，我们和欧美电影的差距可能要靠一代人来能追超甚至赶上，所以，加油吧，不管是香港的还是内地的，都是中国电影的翘楚！
Ⅳ 即兴评述如何评价香港导演
这得从香港电影的没落说起。
四五年前，整个香港电影界都萦绕着一股悲观的气息——“香港电影何去何从？”。伴随着大量香港电影人舍弃香港本土市场纷纷北上，这一论调在每一部陆港合拍片在内地公映的时候都会提出来，而题主说的新《黄飞鸿》，也没有逃开。
大师们渐渐老去，大量的新人导演开始拍摄爆米花商业片，好莱坞电影持续冲击电影市场……于是，我们发现，如今的日本电影，和过去的日本电影，完全不在一个维度上。
香港电影也是如此，97年的亚洲金融危机让香港经济近乎崩溃，中央政府的强力支援，使得香港回光返照，但是内地经济的强力膨胀让香港的地缘优势逐步丧失。顶着“亚洲四小龙”的光环，香港电影一度霸占了港台东南亚等的华语市场，成熟的商品化运作使得香港电影产量极高，类型繁多。但是内地经济的崛起使得电影市场每年成几何形增长，香港电影自身的竞争力逐步丧失，内地雄厚的资本使得现实的香港电影人也只剩下了一条路可选——北上。
日本电影在“大师时代”是有着自己的美学追求的，并且形成了风格迥异但是脉络清晰的电影流派。但是和日本电影的发展不同，香港电影一直都是在商业化的浪潮中不停学习、借鉴、变化，但缺少系统的美学体系。结果就是，一旦香港电影因为外力停滞不前，那么整个工业包括电影本体的发展就会受到非常大的限制。导演毕国智说过这样一段话：“香港只有700多万人，本来不可能有电影工业的。过去的几十年是一个奇迹。而现在，只不过是老天爷把给我们的东西收回去了而已。”
一个弹丸之地，铸造了过去数十年华语电影的黄金年代，你还能要求什么呢？
所以在整个华语圈资本、题材、乃至观众都在流动甚至不断更新口味的年代，“香港电影”这一概念，或许会逐步的成为历史名词，取而代之的就是“大华语电影圈”的全新思维。
香港影人有着非常完善的工业意识，仅凭这一点就把内地的草台班子甩出好几条大街。但是和内地的电影人相较，内地有着较为突出的美学意识。所以许多香港的技术工种，譬如摄影、剪辑、美术、化妆等，在内地诸多题材背景的烘托下，能够展现出比在香港更多的才华。因为在香港，题材有限，而且在制作方面的条条框框也一定程度上阻碍了香港电影的美学发展。当然，像许鞍华这样热衷文艺片的导演在美学上是有着自己独特的追求的，只是资本未必接受，市场也未必接受。
内地有着广阔的市场和题材选择，香港有着完善的工业意识和极为专业的从业人员，二者如能搭配得当，加上华语电影已经有意识的逐步提升自身的内容质量和技术实力，未来“大华语电影圈”是值得期待能够成为世界电影的一极的。
徐克和陈可辛是最早一批北上的导演，后来这个名单加入了吴宇森、陈嘉上和杜琪峰，这几位早在香港电影的黄金年代，就是大拿，来到内地，经历短暂的适应期后，都推出了质量。和票房都不错的作品——《如果·爱》、《投名状》、《龙门飞甲》、《毒战》等。尤其是《毒战》，杜琪峰最大的贡献是在内地让警匪片这一类型的审查尺度更加开放了一些。
有一种论调，《无间道》后，香港再无拿得住的本土电影。而《无间道》的三位主创，刘伟强、麦兆辉、庄文强也开始北上，“窃听风云”系列是麦庄北上的新作，虽然讲的是香港的故事，片方打出的也是“最纯粹的香港电影”的口号，但是整体的风格和叙事已经开始偏向于内地观众的口味了。
再往后，无论是陈木胜、林超贤、冯德伦，以及梁乐民和陆剑青，这些中生代导演都在试图找到内地观众和香港电影工业的契合点，像《激战》、《寒战》都为陆港合拍片的翘楚之作。逐步的，他们会成为“大华语电影圈”框架下的主力力量。
只是，内地观众不会满足于日常消遣的“爆米花”电影，早先徐克、陈可辛都在寻找内地观众熟知，而且能够表达出新意的电影题材。无论是“狄仁杰”系列、《中国合伙人》，还是即将上映的《智取威虎山》，都使得香港导演在内容层面上愈发向内地靠拢。虽然不排除还会有水土不服的情况，但是总体的趋势是，内地越来越接受香港电影人的北上，而香港电影人也在和内地靠拢。
既然提到了周显扬的新《黄飞鸿》，那就再多说几句。在世界电影范畴内，除了007，从来没有一个形象能像“黄飞鸿”这个图腾一样历久弥新。新《黄飞鸿》是该系列的第101部作品，也是时隔近20年重启的又一系列。在一众香港中生代导演中，周显扬是非常大胆的。其实无论是《画皮》、《听风者》还是冯德伦的《太极》，虽然都是选取的内地接受度非常大的题材，但最后出现的的问题并非在制作上不过关，而是思维文化上的差异。所以我们经常会觉得情节上出戏，对白有槽点。新《黄飞鸿》也存在类似的问题，其实我们能够看到在当下的技术条件下，制作一部精良的武侠电影并不是难事，难的是对于整个华语文化圈的理解。作为进入内地市场的处女作，周显扬的新《黄飞鸿》不可避免的还是会存在对白上的问题，但是从整体上看，无论是对历史细节上的考究、故事的合理性，还是对于人物的刻画，都属陆港合拍片中的上乘，而且还保证了商业性，因此，新《黄飞鸿》在市场层面上可以算是过关之作。只不过，面向未来，“大华语电影圈”不仅需要的是工业水平，更需要的，是香港电影人在文化上、思维上与整个华语文化的合流。
在之前《痞子英雄》在大陆公映的时候，台湾导演蔡岳勋也提到了“大华语电影圈”，未来台湾电影也会在保证自己独特性的基础上，会逐步整个华语电影合流。其实作为世界文化的一极，东方文化有着自己独特的魅力和符号，而华语又是世界上使用人口最多的语言，未来再说重振“香港电影”可能真的有些不合时宜了，因为“香港电影”终归是“大华语电影圈”的一部分，我们完全有理由相信像周显扬、林超贤、梁乐民和陆剑青这样一众的香港中生代导演未来能够接过华语电影的大旗，毕竟，作为观众，谁都想看到好电影。
Ⅵ 香港电影和好莱坞到底是谁借鉴谁了
从电影内容，比如说剧本、片断、处理方法等等，双方都有借鉴。好像港片借鉴的更多一些。从商业推广、运作方式商来说，西片制片商是很成熟的。一部电影出来，往往能赚四五遍的钱:本地市场、海外市场、音像制品、电视台播映权、相关产品版权等等。比港产片要成熟的多！
Ⅶ 香港电影新浪潮对中国电影有什么影响
香港电影怀旧篇之－－1979-1983年的香港电影新浪潮：短暂的激情
1979-1983年徐克、许鞍华、方育平、严浩等人掀起香港电影新浪潮
香港新浪潮电影的源起是一班在电视台出身的年轻导演各自开始拍摄风格新颖的电影。1979年是很重要的一年，涌现出章国明的《点指兵兵》、徐克的《蝶变》、许鞍华的《疯劫》和翁维铨的《行规》。而在1978年，严浩拍摄了《茄喱啡》。1980年，谭家明拍摄了《名剑》。
到如今一直坚持拍片并且占据主流电影位置的可能只剩下徐克和许鞍华了。那些曾经心怀电影梦的年轻导演的离开或淡出，多少勾勒出香港电影这些年从蓬勃走向低谷的一个走势。
徐克：新浪潮这个帽子太大
新浪潮代表作：《蝶变》、《第一类型危险》
我们当时在电视台分了几批，许鞍华、严浩、谭家明属于另一组，我们很少会碰上面。那时有一群人是新浪潮的，我们每个月都要一起吃顿饭，谈谈彼此的经历。
“新浪潮”这个名字对我们来说帽子太大了，我们戴不上，因为我们都知道新浪潮是法国的电影运动。香港的新浪潮具体的定义是怎么样的我们也没有一个理论，只是当时有一群从电视台出来的导演，共同的朝一个方向走，这群人就叫做新浪潮了吧。新浪潮的导演来源也很多，有本地的，有国外的，拍各种片子的也都有。当时有记者问我们怎么定义，我们也不知道，后来就是指这一段时间出来的导演，在电视台里面做过后来从事电影导演的一批人。
严浩：人逃不出命运的安排
新浪潮代表作：《茄喱啡》、《夜车》、《公子娇》
当时我苦于无机会当导演，在替许鞍华等人执导的《奇趣录》写剧本，一天许鞍华忽然叫我替她拍摄一个单元，原来是拍摄生产十字牌牛奶的修道院，因为那里是女子禁地。我当然答应了，所以可以说是许鞍华升我为无线的导演的。
对我来说，我头三出电影都是习作，因为当时还未很了解商业因素，艺术的修养亦未到家。直至我刚完成《太阳有耳》的剧本时，我才惊觉之前几出电影都是讲我对命运的看法，反映了我的思想状况。由最初三部《茄喱啡》、《夜车》和《公子娇》的“人是逃不出命运的安排”到《天国逆子》讲人是要对自己的命运负责任的，及至《太阳有耳》更进一步提出人是可以掌握命运的，我发现原来我已经解放了自己。
方育平：电视台是我们的少林寺
新浪潮代表作：《半边人》、《父子情》
若说新浪潮电影的导演与当时大片厂的导演有任何不同的话，那也只是各人的喜爱、修养、关怀有所不同。我们那班导演最大的共通处，是大家曾在电视台工作过几年，可以说电视台是我们的少林寺，要打出木人巷才能正式“下山”投身电影圈。刚巧那时候邵氏等大片厂正处于低潮，这样就给了我们一个机会趁势而起。
我认为“新浪潮”的定义是一群年轻人参与制作电影，并且由于他们的参与而为电影界带来一番新的气象，与前一辈的作品有所不同，这就是新浪潮。在这样的定义下，新浪潮电影并不只局限于我们那一辈，而是不断在出现的，所以我认为这浪潮并未结束，而且永远也不会结束。
余允抗：香港电影要走国际化
新浪潮代表作：《山狗》、《凶榜》、《师爸》
进入大学时，我报读了UCLA电影系。进去后认识一些朋友，遇到南加州大学的刘成汉、刘国昌、方育平，那时候便感觉到念电影系不再孤独。毕业后遇到了胡金铨，参与他创作《华工血泪史》的剧本。
在新浪潮导演群中，我觉得自己算是比较幸运的一个，因为这么多次拍电影，我都有很强的自主性，没有人干涉我。现在回想起来，我当时缺乏一个强势的人帮我分析问题，时常陷于死胡同中，在牛角尖里钻。觉得自己在电影界再无可为的时候，便离开电影圈。现在我看电影圈，觉得自己已很难回去，因为自己已失去热情，而大家也失去了热情。香港电影的出路，是要走国际化，拍可以让全世界观众看得明白的电影。
刘成汉：推动香港电影发展
新浪潮代表作：《欲火焚琴》
新浪潮电影的其中一个特点，是绝大部分的导演都是在本土成长的，他们的少年时代都是在香港度过，不像老一辈的导演如李翰祥、胡金铨、张彻等是来自内地。由于新浪潮导演是属于本土成长的一代，所以他们的关怀是本土的、城市的。这不能说是革新，但却绝对是一种转变。
上世纪70年代中、末期，香港的电影工业正处于低潮，李小龙死后，香港影坛已再没有人能吸引观众入场看电影。新浪潮的出现令电影工业迈向专业化，因此在70年代末80年代初应付了一次危机。至于在艺术成就上，香港的新浪潮并不能与欧美的相比，其中一个重要的原因，是新浪潮导演从未走出商业类型片的框框，他们是对商业电影作出改良，而非革命。
许鞍华：没有一股团结的力量
新浪潮代表作：《疯劫》、《投奔怒海》
如果我们当时能有一个共识，或者大家一起合作，将这件事变成一种在经济上与艺术上可行的东西，即团结性的东西的话，我相信会好很多。因为搞电影并不只是拍东西，搞电影是一个文化形态，需要将这件事系统化及企业化，将经济结构与制作结构的系统弄清楚。我们没有将它变成一套制作的方式，亦没有团结的力量，最多是大家不会互相斗争，但肯定就没有合作。我觉得这是比较可惜的。
Ⅷ 求一篇 对香港电影见解 的作文。。。
香港电影是电影史上的一个成功故事。20多年来，这个约600万人居住的城市，一直拥有全球规模数一数二的电影王国，所制作的电影数量，几乎超越所有西方国家，输出电影之多，只仅次于美国。
只需稍为留意任何一种流行媒介，几乎都可发现影响西方文化最深的亚洲电影，就是香港电影。……好莱坞的习惯打法也因功夫片面目一新。李小龙象征了反叛青少年与民族自豪，成为超越时空的符号。 你知道吗？我已厌倦了别人老是问：“阁下是否要挑战好莱坞？”我真的觉得，我们有自己的一套，跟好莱坞的不一样，但却不比好莱坞差。 ——邵逸夫 如假包换的本土电影，但资源忽地极快流失；称雄本区数十年，却遇好莱坞霸权东渐节节败退；海外移民的精神食粮，却只存在于录影天地里。眼下也许要问：究竟香港算不算缔造了一种“全球性”电影？ 单凭本土市场支持电影制作，能撑下去的国家没几个。电影要生存，要么像美国电影般搞出口，要么像欧洲般领取政府大笔资助。但不是拿下海外市场的，就可称做全球性电影；有了影带，任何影片其实都可轻易跨越国界。真正的全球性电影，不管在发达国家或发展中国家，都会在其影院银幕上占有举足轻重的位置。用这个定义看，80～90年代的香港电影还未能称作全球性电影，欧洲任何一国的电影也不可以，因为五部欧洲片中，只一部可在国外曝光。惟一的全球性电影，来自美国。巨制如《天煞：地球反击战》(Independence Day，1996)及《泰坦尼克号》(Titanic，1997)，都成为国际影坛及媒体的盛事。中型制作的美国电视电影的配音版，皆充塞全球各地的电视荧光幕。廉价的美国动作片及恐怖片，填补从东欧到拉丁美洲，以至非洲等地在这方面的空隙。任何一家影带店都清楚显示，不管是《星球大战》(Star Wars)或是粗糙的低成本电影，只要是美国片，便人人都愿意掏腰包。 诚然，90年代香港影业出现危机以前，香港仅次于好莱坞，影片卖埠量一直居全球第二，惟两者相去仍远，港片几乎只输往东南亚市场，其1995年收益约1.3亿美元，美国片现时的环球总收益则超过50亿美元。而且，香港电影机构的规模，很难与北美、欧洲及日本等地的跨国企业相提并论。区内实力最雄厚的嘉禾，亦从未打入全球50大传媒机构之列。时代华纳、MCA环球、新力、Bertelsmann及迪斯尼等公司全部有国际融资，特别是银行投资，故可确保影片打进全球市场。香港电影制片则由小公司推动，影片都是部头制作居多。1995年港片总投资额为1.5亿美元，单是成龙一部电影已占去其中1200万。1998年夏天港片处于淡季时，一部好莱坞大片的经费，已与港片全年总投资额相抵。而且，港片在海外发行的规模，亦从来比不上日本动画此一最受欢迎的亚洲片种。东方的好莱坞不是香港，而依然是好莱坞。 山寨式作业的港片，确实一直欲打进西方市场。邵逸夫在60年代，一心想影片入选国际影展；不少香港电影公司，现在仍欲卖片到西方最赚钱的市场。然而，当地监制却要面对长期存在的种种困难。首先，欧洲及北美观众对亚洲电影兴趣不大，只偶然几部异国情调色彩浓烈之作，或主角没日本味的日本动画是例外。其次，好莱坞大公司在全球各地都设有发行部门，送交当地院商的影片供应源源不绝。其他国家的公司从来没有这类地方代理人，香港监制只能逐个国家卖埠，每回只可与当地发行商达成一次交易，且利润微薄。他们除东南亚及几处唐人街外，便没有自己的影院，因此无法让其制作在西方真正曝光。 香港在西方仅有过一次重大突破，而经济回报尽管可观，也只是昙花一现。邵氏也好，嘉禾也好，显然都没料到为本土与亚洲区观众度身订造的功夫片，可卖埠到全球各地。邵氏的《龙虎斗》(1970)开创功夫类型先河，但一直到1972年邹文怀挟着两出李小龙影片在戛纳电影市场曝光后，举世方大开眼界。两片卖埠成绩极佳，甚至打入中东市场。1972与1973年之交的冬季，邵氏制作《天下第一拳》(1972)在伦敦空前卖座。1973年上半年，7部功夫片在巴黎上映，26部在意大利曝光。1973年春，李小龙第二部作品《精武门》(1972)在伦敦打破票房纪录。及1973年年底，不少欧洲影院每周皆放映功夫片。 更重要的，是功夫片也打入利润最可观的庞大美国市场。与英国一样，美国最先引起哄动的功夫片是《天下第一拳》，该片于1973年3月公映，李小龙的作品很快随后推出。同年年终，在美发行的港片已多至38部，《综艺》杂志于1974年年底报道，港片在美总票房超过1100万美元。其实那时候，美国人对中国菜、中国宗教及武术的兴趣愈来愈大，电影观众对功夫片入侵，早有心理准备。李小龙当不成主角的电视连续剧《功夫》(Kung Fu)于1972年秋首播，一般美国人因此更熟悉这种异色的打斗风格。功夫片不像那电视连续剧，没带出以和为贵的信息，反而在《雌雄大盗》(Bonnie and Clyde，1967)、《流寇志》(The Wild Bunch，1969)及意大利式西部片出现后，银幕暴力升级，功夫片亦因而受惠。 然而，观众容易贪新忘旧，对功夫片亦会失去兴趣。好莱坞大公司最初也发行过几部入口功夫片，但数年过去，功夫片只能以贱价卖给边缘发行商，仅在白人都跑光的社区放映，靠亚裔、非裔及西班牙裔观众撑下去，直至80年代初影院生意给影带抢走为止。但无论如何，亚洲电影的确曾破天荒在美国众多影院放映，此情况并持续了差不多10年。
Ⅸ 港片对你影响有多深
70后到90后观众对于香港的认识，大多是因为港剧与港片，从《霍元甲》到《神雕侠侣》，从《英雄本色》到《花样年华》，与此同时，周润发、梁朝伟、周星驰、张曼玉、张国荣、成龙、李连杰、刘德华、梅艳芳、张学友、王祖贤……一众港星也被内地观众所熟知。
“做人呢，最重要的是开心”这句港剧里的台词打动了非常多的内地观众——香港文化影响了几代少年，而这也间接影响着我们的未来。与其说港片、港剧作为一种文化潮流曾占据着华语文化的绝对主导权，不如说这些文化无形之中已陪伴了几代人的成长，填充他们的少年时代，改变了他们的观念，让他们通过香港这枚世界之眼看到更广阔的世界。