㈠ 香港电影为什么没落了
首先就是时代不同了。香港电影的时代是一个百花齐放的时代，不仅仅是周星驰代表的搞笑电影，成龙代表的动作电影，还有周润发代表的英雄电影。这些电影使得香港的电影引领着大陆的发展，大陆电影逐渐向香港电影靠拢，随着香港回归和大陆开放的进一步发展，香港电影开始走向了衰落，因为人们的审美趣味变了，变得更加多元化了。
这个也不能说是香港的电影的没落，只是香港电影的换一个新的模式了，这个模式与大陆的模式是不一样的，更多的是港式电影特有的内容，不知道大陆的导演或者是制作人会不会借鉴香港的这种模式，要是可以的话，会不会是大陆引领着香港的发展呢？
㈡ 第一招任人宰割第二招一枝独秀是什么电影
《那些女人》。国产电影《那些女人》是根据真实故事改编，通过回忆的视角再现了抗战时期腥风血雨的年代，刚开始的她们没有什么办法只能任人宰割，后来开始反抗和他们斗智斗勇，她们的招式被人们称为第一招任人宰割第二招一枝独秀，在家仇国恨面前与敌人巧妙周旋，最后不惜牺牲性命，在血与火的洗礼中涅槃永生。
㈢ 被誉为东方好莱坞的香港电影，为什么有那么多经典
天时、地利、人和皆备
首先说香港电影三十年辉煌的原因，这一小节从外部原因讲。一个国家或者地区电影产业的发达程度与所在地经济、社会环境密切相关，好比现在的大陆电影，绳索太多、限制过死，自然发展困难。
而六十年代的香港是什么景象呢，经济开始起飞，商贸逐渐繁荣，人口迅速增加，文化日益多样，地区影响力迅速崛起，是不是看着像高中历史课本，对，就是这样，在这种环境大背景下，加上以邵氏电影公司为代表的商业资本投资电影产业，香港电影业在获得了充裕资金的滋润后，迅速崛起，不论是产量还是质量在当时的年代都是亚洲领先的。香港一度成为好莱坞之后世界第二大电影产地，并在东亚、东南亚国家建立了自己独有的影响力。
接着，为什么香港电影就在东亚和东南亚就势如破竹呢，这就是当时这些国家的国情决定的，日韩在相当长的一段时间里没有形成有规模的电影产业，而东南亚国家的实力说实话来讲离香港差了点，首先经济起飞时间就晚了十年。
并且东南亚大量的华人也为香港电影的快速及普遍的接受提供了可能。
人和呢，就不用说了，以小龙为代表的几代电影人（包括演员、导演、编剧等等）的实力直到今天来看仍是空前的。
武侠、动作片一统江湖
这里就不多说了，主要就是香港电影在当时以邵氏电影为代表的武侠片、功夫片的娱乐性、观赏性已经能够满足香港及东南亚的大部分观众的观影要求，毕竟以好莱坞为代表的西方大片还没有进来，可以说，大部分的观众的眼光要求还不高。
刀光剑影、鬼哭神嚎的注定不长久
接着第二小节，问题随之就出来了。刀光剑影、鬼哭神嚎的香港电影在纵横了三十年的江湖之后，终于发现观众开始不买账了，电影吸引力不管是在香港本土还是在海外都开始急剧下降了。
为什么？很多人说了很多的外部原因，这些外部原因我会在下一个小节全部列出，但是我想在这里重点说的是是香港电影的内部原因注定会给港影带来这样的后果。
哲学讲内因决定外因，用在这里特别恰当。我在上面已经说了，香港电影在辉煌的三十年里主要还是以刀光剑影、鬼哭神嚎的武侠片、功夫片、鬼片为主的，这一方面是制片公司追求商业效益的直接手段，另一方面也反映出了，作为一个只有600万人口，实体规模只有台湾的四分之一、日本的二十分之一、洛杉矶市的三分之一（更何况好莱坞有三亿人口的广大腹背），充其量也就只能和新加坡一较高下的，近代的一个世纪里才发展起来的海边城市来说，缺乏深厚的文化积淀，进而缺乏电影制造的想象空间与素材空间，从而造成香港电影难出宏伟大作。
这一点才是香港电影走向衰落的根本原因。
时代进步了、群雄崛起了
六七十年代的港影在东亚、东南亚颇有一枝独秀的感觉，而进入90年代之后，港影将直接面对着三个劲敌;电视剧、西方大片、土著豪强。因为时代进步了、群雄崛起了。
首先在世界范围内，电视的普及、电视剧的崛起将一大批电影市场活脱脱的剥离了。96年后，韩国电视剧横扫亚洲就是一个典型表现。
另一方面，90年代之后，好莱坞突然意识到进攻全球市场，于是就果断的来了，而且一发不可收，现在香港电影的票房记录依然是泰坦尼克号创造的。可以说是耻辱啊！
就这样，以好莱坞为首的西方大片用了大概十年的时间彻底将港片击倒，进入新世纪的这些年，香港电影前十中本土篇一般都不会超过引进片的。
而香港电影人肯定要追赶啊，但是由于一些个原因，迟迟追不上，反而越发差距越大，其中一条就是盲目追赶，不计实际条件，那为什么会盲目呢？这就又回到了内因上——缺乏深厚内功是很难站直的。
然后说土著豪强，主要是以泰国、越南、马来西亚为主的东南亚小国的电影产业的长足发展，在这些国家国内市场，已经形成了本土片和好莱坞大片双雄争霸的局面，港影面对着双重夹击，多已战败退出。
这样随着外部条件的改变，香港电影的黄金年代一去不复返，但是如果此刻香港电影界奋力搏一搏的话，或许局面要比现在要好，但是，，，看下面，，，
内功耗尽，精气西流
终于说到了香港电影耗尽内功的一刻，随着港的回归，香港电影面临着两个变化，第一是人才流走了，成龙、李连杰、周润发为首的几张大牌全部去了好莱坞，而近十年几乎没有有份量的新人出现，青黄不接已是不争的事实；第二是审核制度强化了，这对追求自由的港影来说打击是直接的。
其实在87年的时候，邵氏电影已经停产。这预示着，随着市场的变化，资金问题开始出现。
而香港则面临着十年发展的几乎停滞：相比周边的韩国、台湾、东南亚、甚至深圳来说是在走下坡路的，这样一来，本来在文化积淀方面就有所欠缺的香港在资金和地区影响力方面都失去了优势，整个港区包括电影行业在内的衰落自然不可避免。
所以，香港本身实体过小、精气西流，发展停滞是电影业衰落的根本原因，而好莱坞的扩张，韩剧、日剧、东南亚电影的崛起则又加剧了这一局面的到来。
㈣ 香港电影为什么会没落
1、剧本少见精品
2、新出道演员演技太差，演员素质青黄不接
3、名导演都已经过了创作高峰，年轻导演还没有抓住当代青年一代的看点。
4、欧美电影年年出新高，竞争过于激烈。
5、内地电影业蓬勃发展，市场占有率不断提高，形成对香港电影票房的冲击。
㈤ 有什么好看的盗墓电影
盗墓探险类型，是国产商业大片中一个主流类型。其中改编拍摄的电影，主要集中的还是天下霸唱和南派三叔。但好看的国产盗墓探险电影，数量就很少了。
因为大家都非常的清楚，2012年后国内拍摄盗墓电影，除了一部《寻龙诀》，其它几部大片都拍得太烂，比如《鬼吹灯》两部如《云南虫谷》和《九层妖塔》，再到《盗墓笔记》电影版。
下面，大致推荐几部国内好看的盗墓电影。
2015年的《寻龙诀》一枝独秀
这部电影是与香港合作的，有大量香港电影的风格。那首主题曲《焚心以火》，演唱是叶倩文，作词是黄沾，作曲是顾嘉辉。
而整部电影的美术风格，也有大量同时代香港奇幻片的飘逸风格。最明显的就是秦朝时期女主角冬儿的服装，在奔入火中殉情的一幕，简直美到了极处。
更多关于盗墓电影的问题，欢迎大家关注和讨论！
㈥ 周星驰作品中得奖最多的《少林足球》，再现豆瓣评分逆袭上涨
“初闻不知曲中意，再听已是曲终人。曲中思念今犹在，不见当年梦中人。”
当年的星爷和他的电影，大概经历的过程便是上面的这两句话，如果我们再把这个范围缩小，更精准的定位应为：星爷和他的电影，得到了多半粉丝和观众的追捧，却无法讨好那些专业的评选机构和影评人，直到多年以后，这一切才有所改变。
1996年《大内密探零零发》中有这样一段台词，它发生在零零发与法印之间。
零零发：刚刚那场戏我从头带到尾，看上去是水准之作，有目共睹，你怎么会把奖给那个人？
法印：你也不错，但是流于表面，表情做足，略显浮夸
零零发：那些是世俗人对我的看法，你该不会也不识货吧？
法印：你不懂演戏呀！
说完最后这一句话以后，法印把手掌搭在了零零发肩上，面部露出了淡淡的微笑，其实在整段表演中，零零发与法印二人的表情一直都是轻松和略带微笑，给人的感觉便是“意有所指”。
原因就在于这段的设计，更多的是星爷在向“金像奖”那些所谓的权威人士做出的调侃，而法印最后的那句话和那个搭肩膀的动作像极了那些大佬们总会笑眯眯，客客气气的说：“你也很好，只是表情做作，流于表面”，然后转身把奖项颁给了其他人。
在1996年《大内密探零零发》上映之前，周星驰六次入围金像奖，却每一次都铩羽而归，那些年周星驰是整个香港影坛的票房保障，人气与口碑皆是顶流，但奈何就无法打动那些评委们，再加上评委们又总喜欢在无大赛评选时就会说：周星驰是百年一遇的天才演员，却又总在最后颁奖时另一种说法：“你不懂表演”，就如同《大话西游》里的那句台词，“以前看月亮时叫人家小甜甜，现在叫人家牛夫人”，所以周星驰便极为隐晦的设计了那段所有人都明白的意有所指。
再一转眼又是五年，这五年时间周星驰在金像奖上的建树甚至要更加不堪，除了96年因为《大话西游》提名最佳男主以外，连入围金像奖的作品都无。
改变直到2001年的这部《少林足球》，这部电影是星爷整个电影生涯中为他带来荣誉最多的作品，金像奖入围14项，最终获奖7项，整个金像奖评委似乎想要把过往“亏欠”给周星驰的荣誉一把给齐。
同样除了金像奖以外，在香港的其他电影奖项评选中，《少林足球》同样是一枝独秀，再其后，从日本到美国，横扫一大片，更是被美国《时代杂志》评为“世界最佳25部 体育 电影之一”……
《少林足球》之后周星驰的第二部电影《功夫》在某些程度上，又再次复刻了《少林足球》的荣光，金像奖16项提名，6项获奖，成为了周星驰生涯中又一部大丰收作品。
连续两部，周星驰仿佛“开窍了”或者说金像奖评委们“开窍了”一样。
《功夫》之后《长江七号》，便成绝响，进入21世纪以后周星驰主演的作品只有这三部。
而这三部作品在主流影评平台“豆瓣”上都在经历一段相似的过程，但有一部已经上岸，成了经典，还有两部还处于慢慢爬升阶段，上岸的是《功夫》。
《功夫》从登录“豆瓣”的第一刻评分便在不断上升，2009年的时候记得豆瓣得分还只在7.9，而如今它已经来到8.4，更是入围“豆瓣250部电影排行榜单”，位列183位。
《长江七号》如今6.7分，是星爷众多电影中评分较为靠后的一部，但也要比当时的6.2分增长了不少，我们通过“豆瓣短评”中的最新评论便可以看出端倪，内容如下：
新进给《长江七号》打分的人，基本都是四星居多，对照分数约在7.5朝上，我相信在不久的将来，《长江七号》也会稳步攀升。
而《少林足球》则已经从年初1月份的7.6，来到了如今的7.8，十个月时间增长了0.2分。
周星驰的电影，像极了一坛老酒，时间越久，味道越香，而最终都会如金子般闪闪发光。
（文/二娃）
㈦ 为什么香港电影会衰落
小时候看的经典电影基本上都是来自香港，感觉一个时代都过去了。
刀光剑影、鬼哭神嚎的注定不长久
香港电影在光荣的30年里主要用剑、艾米提维尔武侠片、功夫片、鬼片为主, 这是生产公司追求商业效率的直接手段, 现代的世纪只发达的海滨城市, 缺乏在深厚的文化积淀下, 电影制作的空间和素材空间的缺乏, 使香港电影难以成为一部宏伟的杰作。这是香港电影衰落的根本原因。
以前的电影真的经典！
㈧ 杜琪峰的银河映象过埠踩过界事件怎么回事
哇，这事儿现在还有人提？陈年往事了，事情是这样的：
在杜琪峰创立银河映像之初（1996年左右），香港电影界几乎是一枝独秀（银河映像1996年创立时，邵氏已不拍片转至做幕后，新艺城与嘉禾在此时也大幅减产），香港电影界当时几乎全由香港第一大黑社会组织新义安所控制的永盛电影公司和中国星娱乐有限公司所控制，而当时杜琪峰为了发展，已经将自己刚刚创立不久的银河映像搞的很大，搞的大自然要有人才，只靠罗守耀，韦家辉 肯定不够，人才现培养肯定也来不及了，于是杜琪峰开始选择挖永盛公司的墙角。这让新义安的向华强向华胜两兄弟大为不满，这就是银河映象过埠踩过界。
而当时新义安已经发话要找杜琪峰麻烦。这时任达华出来帮了杜琪峰的忙，任达华之所以有这么大的本事是因为他的哥哥是香港警署行动处的处长任达荣，级别仅仅低于香港警务处长和副处长。一般行动处的处长最有可能成为全香港警署“一哥”警务处长的候选接班人。
杜琪峰请任达华出面后，新义安的话事人才表明不再追究。但是现如今，杜琪峰早与新义安和好，大家可以看到杜琪峰近年的电影的片头处，出品公司几乎都是中国星娱乐有限公司，而出品人大多是新义安话事人向华强， 而行政监制大多情况下由陈明英担任，陈明英就是原中国星投资(HK)执行董事，陈明英老公正是新义安话事人向华强。
同时，杜导也是个知恩图报的人，现如今他的大部分影片中都为任达华安排了一些较为有排场的角色，以报达当年他的帮忙。
㈨ 刘伟强 拍摄的一些经典电影
我也是他的 超级粉丝
如果喜欢、刘伟强 就请耐心读完下面的内容
刘伟强：由商业到文艺
刘伟强在八九十年代为香港著名电影摄影师，曾以《五亿探长雷洛传Ⅰ之雷老虎》（1991）、《重庆森林》（1994）等影片多次获得香港电影金像奖最佳摄影奖或提名。他亦于90年代初开始执导影片，并在90年代后半期以一枝独秀的“古惑仔”系列影片挑起救市重任。90年代末，刘伟强首次将电脑特技与动漫效果相结合，拍摄了《风云雄霸天下》（1998）、《华英雄》（1999）等动漫古装武侠片，这些影片均早于徐克的数码特技武侠片《蜀山》（2001），开创了香港武侠数码特技电影的新纪元。新世纪之初，刘伟强又推出了在香港和内地都反响强烈的《无间道》系列片（3集，2002—2004）, 为疲软的香港影市注入了强心剂，对日趋滑坡的香港电影业起到了积极的推动作用，同时也由商业路线逐步向文艺路线转变。他后来的跨国制作《雏菊》（2006）、《伤城》（2006）更是有着浓郁的文艺气息。
“古惑仔”电影时期为刘伟强的第一个创作阶段。1996-1998年间，刘伟强和其最佳拍档公司的编剧文隽相继推出了《古惑仔之人在江湖》（1996）、《古惑仔之猛龙过江》（1996）、《古惑仔之龙争虎斗》（1998）等5部“古惑仔”影片，这些影片全都根据漫画家牛佬的流行漫画改变，更具流行性和动慢性。“古惑仔”影片延续了香港电影繁荣时期的“黑帮片”的某些主题，表现了街头边缘青少年们对抗社会、天马行空、为所欲为的生活态度和生存方式。因此这类影片又不同于面对一般观众的“黑帮片”，它的目标观众很明确，是拍给时下年轻观众的青春化的“黑帮片”。“古惑仔”影片也始终保留着以往“黑帮片”、“英雄片”中的 “忠义”主题，“古惑仔”们靠义气和群策群力打出江湖。影片专捧的主角陈浩南对兄弟讲义气，对女友不弃不离，而且尊敬老人，被塑造成为后传统社会中理想的英雄人物，进而引起多数青少年观众的“追捧”。作为摄影师出身的导演，刘伟强深谙商业电影的语言规则。他的“古惑仔”影片摄影多为肩抗、摇、移等运动镜头，除了暗合古惑仔们青春、狂躁的心理，也对整部影片的节奏有了很好地控制。另一方面，刘伟强巧妙地利用了漫画产生的影响，他的人物出场时，都是由漫画的草图开始，黑色人物的勾勒制造出了神秘的引子，观众在观影的过程中看到了以往漫画的投射，产生了进一步的认同感。
“古惑仔”电影构筑起的个性化、时尚化、青春化的影像风格和人物群像，在香港掀起了一股热潮，不仅以“古惑仔”为名的跟风式漫画充斥全港，而且此类电影也一再延续，之后除“古惑仔”电影外又出现了如《湾仔十二妹》（1999）之类的“古惑女”电影。这些影片并非刘伟强执导，主题、风格也有较大差异，如钟继昌编剧、查传谊导演的《旺角揸Fit人[1]》（1996）、《去吧，揸Fit人兵团》（1996）等对黑社会极尽嘲讽，表现“古惑仔”不过都是叶公好龙之徒，遇事时个个胆怯心虚，挖苦江湖中人的滑稽、浮躁与浅薄，深刻批判黑社会的暴力崇拜。
动漫特效动作片的创作，为刘伟强电影的第二个阶段。这一阶段的影片如《风云之雄霸天下》、《华英雄》以及《决战紫金之巅》（2000）等同样改编自漫画。香港赫赫有名的漫画家马荣成的漫画原著，为这些影片赋予了流行和动慢的底蕴，如其流行漫画《风云》利用通俗的媒体形式，配合连环画的连载特性与视觉要求，再现一个没有时代背景、却与香港文化潮流息息相关的故事。刘伟强的电影《风云之雄霸天下》在这个通俗基础上进行修剪，删除了许多支线，把一些复杂的情节进行简化，使之更适合电影表达，剧情和人物性格也更符合大众所需。这些影片在影像上将传统古装刀剑片与现代科幻类型相结合，企图利用现代数码科技柔和东方武侠想像，更新以刀剑拳掌及轻功为格斗形式的动作画面。其中数码科技带来的科幻感和动漫感，把传统武侠奇情带入充满现代意识及未来想像的空间，同时，传统武侠片中飘逸的轻功、具有舞蹈感的剑招以及力拔山河的掌风等，亦通过数码科技而更加活灵活现。这些影片大量使用数码合成技术，如《风云之雄霸天下》数码镜头多达550个。影片的这些特技画面，大部分根据原著漫画设计而成，既具有漫画的神韵，又充满科幻和超现实的色彩。其中乐山大佛的比武、郭富城的麒麟臂、郑伊健劈起的雪饮狂刀等还具有电子游戏的模式，使影片更具时尚性。这种以电子游戏作为视听效应的特技画面，使影片风格在结合动漫的天马行空之际，也呈现出了东方武侠世界中独有的虚幻意境。《风云之雄霸天下》还很好地掌握了特技与叙事之间的分寸，把重点仍放在人物性格和情感表现上，较好地把握了商业价值和艺术品味的统一。而其他两部影片虽也大量使用数码镜头，但终因其结构的支离破碎和人物的单薄无力而票房失败。
刘伟强的另一部根据日本漫画家重野秀一的同名漫画改编的影片《头文字D》虽拍摄于2005年，但它亦属于动漫特效动作片。与漫画原著相比，影片更突出了主角藤原拓海那种不屈不挠的精神，同时也细致展示了亲情、友情、爱情等情感层面的东西。在特效应用上，该片更体现出一种不露痕迹的味道，而且强化了音乐和音效的应用，再结合赛车专业人员的帮助，用充满视觉动感和心理刺激的电影语言营造出风驰电掣、疾风劲草般的赛车世界。
以《无间道》系列片为代表的警匪片创作，为刘伟强电影的第三阶段。其中最先引起轰动的《无间道》（2002）在内容与形式方面都与着力于创新，与传统警匪片有很大不同。如影片不再以暴力动作和江湖义气为推动力的传统叙事模式，不再从黑社会与警察对立的表面意义去诠释，而是以细腻的内心解剖和人性化的故事情节另辟蹊径。影片采用全知的视点，开篇便交待了人物的真实身份和被赋予的使命，这就决定了影片不以“到底谁是卧底？”来制造悬念，而是以“他们遇到危机时会发生什么？他们会怎么办？”来提醒观众时刻关注着人物的命运，关注着两个人物危机四伏的生活，探知他们未知的命运，同时也时刻关切他们恐惧、矛盾又充满压力的内心。影片以此获得了关注人物的生存状态的人文深度和文化含义。刘伟强本人对此有如下阐释：“这部电影就要体现出人与人之间的冲突和好与坏在现代社会的定义，借此启发大家对金钱、地位和真理的价值观。也就是说，做坏事而成功，并非表示他将来或离开人间之后的道路也如此地如愿”。[2]在《无间道》系列的后两部影片《无间道Ⅱ》（2003）和《无间道Ⅲ之终极无间》（2003）中，这种人文主题逐渐向深度延续,表明刘伟强逐渐完成了从商业到文艺类型的转变。
与韩国影人合作的跨国制作《雏菊》，更是完美体现出了刘伟强电影的风格转变，也以此为分界，标志着刘伟强第四个创作阶段的开始。影片极力渲染了一个浪漫爱情故事，异国的邂逅与爱情、缓慢的节奏、较多回忆性的抒情画面、迷人的阿姆斯特丹景色等为其赋予了典型的文艺片风格。同时，影片又以香港类型片中的诸多商业元素进行包装，如警匪动作场景、营造悬念氛围等进一步增强了剧情的感染力；此外还使用三条线索并进的方法，分别以画家惠英，警察郑宇，杀手朴义三个人的角度，对故事同时叙述了一番，用三个人各自的角度来增强了“错爱”的悲情色彩和主题。刘伟强最新完成的影片《伤城》依然遵循着商业包装的文艺片路线，影片试图以“落难公子风尘女、同是天涯沦落人”的经典传奇模式，来疗救都市深处的黯然情伤。片中有《无间道》警匪身份认同的迷失和阴谋的戏剧张力，只是前者没有了后者那份警匪对峙、黑白混淆的凌厉之感和悲壮气势。影片注重的是人物内心的阴霾和城市背景的暧昧驳杂，并把溯源人性残缺的惊心动魄打造成电影的最大卖点。男女的情爱刻画较之《无间道》更为细腻深入，文艺片路线亦显得更为坚定。