『壹』 香港电影为什么大大减产
九十年代初的香港电影，是走向极盛的过程，更是从极盛一步步的衰落的过程，而这，是内忧外患的共同作用下的结果。
1．最重要原因：商业功利主义
电影首先是一门工业，这句话并没有错，但在香港，因为其在政治上处于内地与英国政府之间的边缘地带，也因为香港的经济在六七十年代后迅速的发展但香港人的生活越来越紧张，追求电影的商业利益成为了香港电影人的最主要的目的，特别是在面临九七回归的历史的大前提下，香港人更希望“博”一把，因为不知道九七以后究竟会变得怎么样。充满着尔冬升(blog)的夫子自道的《色情男女》当中就有这样的一个场景，监制阿虫在导演阿星在犹豫着是否接拍三级片时说，“电影不过是假象，你这次卖座了，下次拍什么没有人管你了，这一行时这样的”——与此形成对比的是导演尔冬升（由刘青云扮演）因为拍摄艺术片《没有车胎的战车》（暗指尔冬升导演的《烈火战车》）遭遇如潮恶评而要跳海自杀……
商业功利主义的最典型表现就是大量的跟拍、翻拍、重拍、续拍的出现，虽然这并非九十年代的香港电影市场特有的事情，如吴宇森在《英雄本色》成功后让“小马哥”死而复生而拍摄了《英雄本色2》，但是到了九十年代的香港，这既成为香港电影的一种重要现象，同时也是香港电影的一个致命伤口。因为在香港，本土的电影市场是非常的狭窄而必须借助外埠市场增加收入而达到盈利的目的。这时期的主要外埠市场是在韩国跟台湾，1991年时韩国以630万美元进口了64部港产片到韩国上映，且其中绝大部分是武侠片（九十年代末以来的韩国武侠电影还不少的有着香港电影的影子），1992年也就更为大量的出现了武侠片的这种类型，即使是在一些喜剧电影当中也要融入武打或动作的成分在内，如1992年的香港票房亚军《家有喜事》，香港版的结局是三弟以闽南语高歌一曲《相逢何必曾相识》而大哥大嫂也破镜重圆皆大欢喜，但韩国版的结局却改为一段七分钟长的动作戏，即大嫂遇到匪徒而三兄弟大展身手（尽管影片的前面并没有任何地方说明这三兄弟是身手不凡的高手）……（这种很“无厘头”的出现动作戏的状况还延续到了现在内地的所谓武打大片当中）1993年的在韩国上映的还仍然是武侠片为主，但后来因为逾期交片等缘故被韩国片商压低价格，后来到了1997年年底的亚洲金融风暴再加上随后韩国本土电影的异军突起，更是基本上切断了港产片的韩国这一外埠市场。
台湾市场则是港产片的另一个外埠地区，一度台湾市场的六条电影院线中有五条是基本上放映港产片而促进了港产片在台湾的大卖，给港产片带来巨大的利润，但同时也使得港产片的危机越来越严重。因为当时台湾片商往往在电影上映前就以买片花的方式基本上付了制作这部港产片的1/3的费用，而港片片商也乐意于提高制作成本增加演员的报酬而提高演员的积极性（但也是当时，刘德华、梁朝伟等人创下一年拍摄十多部电影的记录）。但这种严重依赖别人的方法并非长久之计，因为港产片的长期的拍摄跟风之作而质量上越来越低，台湾片商也更加乐意于购买好莱坞的大制作增加票房的竞争力，港产片也逐渐的失去了台湾市场。到了1997年的席卷亚洲各地的亚洲金融风暴，更是使得原本已经失去韩国、台湾市场的港产片雪上加霜，也失去了伊朗、新加坡等市场。
另外，商业功利主义在这个时期还表现为三级片的泛滥。八十年代末香港实行了电影分级制，而也逐渐的出现了以情色为主的三级片（三级片主要是包括情色、暴力两种类型）。据美国学者，也是香港电影的研究专家大卫·波德威尔的统计，1992年出现了109部三级片，1993年则上涨到123部，1994年减少到59部（但电影院已经改放日本出品的三级片了，当时在香港上映的外语片当中，大约40％是日本的三级片）。三级片当中出现过一些比较精彩的作品，如叶玉卿主演的《卿本佳人》、李丽珍(blog)的《蜜桃成熟时》等，但绝大部分的三级片都是跟风之作，都是粗制滥造的作品——因为三级片常常可以吸引观众的“窥视”的欲望且制作成本很低而被得以大量的出现。
而将每年的三级片、武侠片、喜剧片这三者的数量加起来，几乎就是九十年代初的港产片的年产量的数字——香港电影在八十年代走向黄金时代的一个重要原因是港产片的类型的多元化发展，如市井生活片、爱情文艺片等都大量的出现，但是，在九十年代初的激烈竞争之中，港产片的类型，却也变得非常的狭窄了，这种狭窄又反过来致使观众对于大量的跟风之作的厌烦而逐渐对港产片失去了原有的信心与兴趣，形成了一种恶性循环的过程。
商业功利主义一度成就了香港电影的繁华，但也给予了香港电影致命的打击。
2．电影人才的流失与青黄不接
八九十年代之交再度的出现了香港的移民潮，同样也有不少的电影人才纷纷前往好莱坞发展，如凭借《英雄本色》而崛起的吴宇森和周润发，如因《龙虎风云》使得英雄片再起风云的林岭东，如在《黄飞鸿》中宣扬了其家国情怀的徐克，以及成龙(blog)、洪金宝、李连杰(blog)、袁和平等等香港的优秀的电影人才，而这些人基本上代表了香港电影黄金时期的最优秀的人才。
中年一代人才的流失，但却缺乏新的人才给予注入新的血液，更何况，因为香港电影的商业功利主义的过于的浓重与港产片的日益减少，新人一方面既缺少锻炼的机会（如吴宇森，在二十来岁时就跟随着张彻担任副导演，如许鞍华，当年也是跟随着胡金铨学习），另一方面制片商也往往不放心让他们担纲主演——这也成为了并片面繁华但整体上还不够成熟的香港电影在面临困境时的两难，于是，观众在电影中所看到的，往往还是刘德华、梁朝伟、黄秋生、刘青云等为数不多的观众非常熟悉的演员。
在导演方面，也是杜琪峰、刘伟强、王晶等中年一代的电影人活跃于影坛，而缺乏新导演的出现。
3．黑社会与盗版的猖狂
黑社会并非是在九十年代才出现，但是在九十年代特别的猖狂于娱乐圈，甚至拍电影也成为黑社会洗钱的一种手段。当红艺人被黑社会持枪要挟拍片的事情不时的发生，甚至出现了李连杰的经纪人被黑社会暗杀等事件。而1992年1月9日凌晨零点左右，多买蒙面匪徒持刀枪闯入观塘的东方冲印公司抢《家有喜事》的底片（《家有喜事》是当年的贺岁片之一，正准备在1月25日上映，后来也成为当年的票房亚军），虽然影片最后还是如期上映，但也引得虚惊一场。而随后的15日全港的演艺界也举行了“全港演艺界抗议影圈暴力大游行”的活动，声讨介入演义圈的黑社会。
比黑社会的猖狂甚至还要严重的是盗版VCD的猖狂（发展到现在则是盗版DVD跟非法下载），如《色情男女》中的一处场景，电影是在当晚的午夜场才开始上映（午夜场是香港电影八十年代的一个优良传统，有不少的影片先在午夜场上映，然后根据观众的现场反响——因为导演往往也会出现于午夜场当中——进行调整甚至是影片的修改，如吴宇森的《喋血街头》，正式上映的版本是在午夜场的基础上根据观众的反响而略作修改的；而且，观看午夜场的大部分都是年轻一代的观众，他们代表着新一代的观众的口味，而也可以借鉴于下一部作品的创作），但在旺角等地已经出现了盗版VCD了；又如著名编剧文隽（前两年还担任金像奖的主席），他跟刘伟强等人一起创作的《古惑仔2猛龙过江》因为第一部的卖座，在首映当天他就在街头看到了盗版VCD的影子，可见当时的盗版的猖狂。而李力持导演的《爱你爱到杀死你》中还出现了这样的场景，当红歌星跟助手们在街头遇到贩卖盗版的，却没有看到她的专辑的盗版CD，却看到大量她的竞争对手的，于是，她很懊恼，因为觉得自己还不够红，以至于街头还没有出现她的盗版专辑。
李力持的《爱你爱到杀死你》对盗版猖獗现象进行了讽刺
此外，电视机这个时期也在香港得到普及，电子游戏也成为香港新一代年轻人的娱乐工具之一，而分流了不少的电影观众。
4．合拍片的低潮
合拍片，这里指的主要是内地与香港之间的合拍片——2006年香港电影市场的华语片前十名当中绝大部分都是合拍片，但其实，合拍片在香港回归前夕也是一种重要的现象。
内地与香港的电影制片的合作，在五六十年代时一度很明显，但从六十年代中期到七十年代末也被一度的中断，八十年代后这种合拍的现象也逐渐的增多，到1992年时香港与内地合拍的影片数量达到44部，徐克导演的《新龙门客栈》也以合拍片的方式进入内地市场，以377个拷贝数创下当年全国拷贝发行量的最高记录。这时期的合拍片，以武侠片为主，但内地的市场并非其合拍的主要因素，而是因为内地有着广阔的外景地，且在内地的电影制作费、劳工费等相对低廉而可以节省支出。而对于内地的电影市场而言，这些合拍片又可以促进观众的人数，如当年的“全国电影市场评述”所说，“1993年影片交易最为看好的都是内地与香港联合制作的合拍片。《黄飞鸿之狮王争霸》、《霸王别姬》、《方世玉》、《英雄本色》（引者注：徐锦江等人主演的那部）、《少林豪侠传》等销售收入都在300万元以上，最高达700多万元，这些影片制作耗资高、场面大，有名演员出演，对观众有强烈吸引力，影片成交很快，拷贝价格也高，发行公司每月排映一部，即可拿到全月50％－70％的收入”。这时期也有部分的内地导演寻求跟香港制片公司合拍电影并送往海外参加电影展的现象，如张艺谋的《活着》、陈凯歌的《霸王别姬》等，而1993年北京电影制片厂全年制片18部，其中有13部是跟香港的制片方合拍的。
内地在1994年7月颁布了《关于中外合作摄制电影的管理规定》，这也是第一部正式出台的合拍片管理规定，在包括审批、审查、管理等方面都做了明确的规定，甚至规定了各类制片厂的合拍片的数量比，这一方面使得合拍片“有法可依”，但也应该承认，这些条条框框的规定制约了合拍片的进一步发展；而在1996年8月的长春电影节期间，电影局召开了全国电影合拍座谈会，提出了今后的合拍片要“以我为主”的原则，后来又进一步的要求主创人员除导演、编剧、摄影师应以我境内居民为主以外，担任主要角色的我境内居民一般不少于50%。如此量化的规定对于近年来寻求合拍的方式突破的港产片而言无疑又是一个沉重的打击，而1996年的合拍片只有29部，1997年下降到25部。再加上港产片进入内地市场要面临好莱坞的分帐大片的竞争，相对于好莱坞的大制作而言显得只是低成本制作的港产片更是缺乏竞争力，而即使是在香港的本土市场，就如前文所说，外语片已经成功的抢滩。
此外，再加上香港回归前夕的政治上的风云变幻、经济上的低迷、外语片的成功抢摊等因素，港产片进一步萎缩了。
『贰』 香港电影发展史
香港电影发展史
香港电影史的发展应该从电影传入香港开始，1895年12月28日，法国人路易.卢米埃尔在法国巴黎公映了《卢米埃尔工厂的大门》、《火车到站》、《水浇园丁》等世界上最早的影片。这一天，被世界各国电影界公认为「电影时代的开始」。1896年初，路易.卢米埃尔的助手来了香港放映这些影片，而电影就是这样传入香港。自他离开后，香港电影直至1898年才再有活动。1903年，香港放映过一些很短的纪录片，每次放映十套以上。直至1903年10月5日，香港才有整部故事片公映。有关报导是这样的：「现在中环街市对面，即同记办馆面前，准十五晚开演「成套戏本」(即整部电影)。」这部电影是法国导演下.齐卡当年的一部名片《基督的受难》。
1907年，香港有不少电影院纷纷开办，而且公映的次数和数量都较以往为多，因此被视为香港电影事业的第一个高峰年代。
1909年完成的《偷烧鸭》，是上海「亚细亚影戏公司」在香港拍摄的一部默片谐剧。该片的导演梁少坡同为该片的主角，故事讲述一个小偷(由梁少坡饰演)想偷烧鸭，却被警察捉住了。剧情十分简单，但不乏诙谐动作。
值得注意的是，《偷烧鸭》虽在香港摄制，却并非香港电影公司的作品。该片出品人布拉斯基后来结束了他在上海的电影事业，回美国路经香港时，和黎民伟合作制作了香港出品的第一部故事片《庄子试妻》，并因而催生了香港电影事业，而黎民伟更被誉为「香港电影之父」。这部电影的出现，象徵香港电影史启蒙期的终结，萌芽期正式开始。
黎民伟是广东新会人，他曾拍摄反映孙中山在广东的革命活动、北伐、淞沪抗战等中国近代史重要事件的纪录片《勋业千秋》和《淞沪抗战纪实》，自1913年起，他拍摄了香港第一部故事短片《庄子试妻》、第一部故事长片《胭脂》、第一部新闻纪录片《中国竞技员赴日本第六届远东运动会》、开办香港第一间华资影院“新世界戏院”、创立香港第一间制片机构“民新制造影画片公司”……。
据《中国电影发展史》记载，香港的第一部故事片《庄子试妻》在1913年出产， 编导 是黎民伟、 摄影 师是罗永祥，主要演员是黎民伟和严珊珊。
黎民伟原为剧社的主持人，又怎样开始拍起电影来?原来他对电影一向很有兴趣，于是透过罗永祥的介绍，认识了路经香港的布拉斯基，他们商谈合作拍片成功，便由布拉斯基提供拍片所需的设备和基金，利用剧社的布景和演员，以「华美影片公司」的名义制片和发行，拍成了《庄子试妻》一片。
《庄子试妻》改编自当时的粤剧《庄周蝴蝶梦》，取材于其中「扇坟」一段。剧情大意是：「庄子之妻，夫骨未寒，便有了新情人。为了讨好新欢，她不惜扰及死去不久的丈夫的坟墓。而这个新欢实则是庄子扮的，他只是诈死来考验他的妻子对他是否忠贞。
《庄》片的主角是庄子之妻，由黎民伟反串演出。片中婢女一角由黎民伟的妻子严珊珊饰演。严不仅是香港电影史上第一个电影女演员，还是中国第一个电影女演员。
《庄》片利用阳光露天拍摄，香港实地取景，而片中人物都穿了民初的服装。本片更使用摄影特技，把庄子的鬼魂拍得忽隐忽现，加强戏剧效果。
「联华」香港分厂一向都是拍默片，虽然当时有声电影兴起，创办人却不敢冒险。于是，第一部 粤语 有声片就由上海「天一电影厂」的汤晓丹执导拍成，这就是《白金龙》。
有声电影问世后，香港的电影公司纷纷拍摄有声片。1934年「联华」香港分厂解体，黎北海另创了香港第一家有声电影制片厂「中华」，并导演了一部局部有声片《良心》(1933)及第一部有声片《傻仔洞房》(1934)。%C8lc5^,w
与此同时，不少电影公司还依着传统，拍摄了不少默片，其中有「振业」出品的《呆佬拜寿》(1933)、「国联」出品的《落花飞絮》(1933，是在越南摄制的，字幕亦是越南文)。故此，1933年至1934年间，可说是默片与有声片共存的时期。
进入1935年，香港已没有默片生产，香港电影正式步进有声时代。
从1935年开始，香港的粤语片产量每年递增，从1935年的32部增至1937年的85部，增幅超过一倍。1935年，受到抗日热潮的影响，香港生产了多部爱国电影，其中包括「大观影片公司」出品的《生命线》。该片由关文清执导，吴楚帆、李绮年主演，电影的主题鼓吹抗日救国。当时香港政府为怕开罪日本帝国主义，一切直接抗日的言论一概被禁。因此，《生命线》亦难逃被禁的命运，是香港电影史上第一部被禁映的电影。
1936年，社会教育片成了香港电影的主流。这是由于政府当时正提倡「新生活运动」，及香港社会提倡的「反蓄婢运动」。邵醉翁执导的《广州-妇人》、《博爱》即属此类作品。
除了「社教片」之外，「爱国片」在同年增多了产量，包括关文清的《抵抗》、姜百合的《女间谍》等等。当然，故事片在香港电影史上从来也并未受过忽略。1936年的代表作之一就是由南海十三郎编导的《儿女债》一片，由林坤山、吴楚帆主演，影片以亲情为主题。
1937年，由于「七七事变」的发生，香港抗日气氛高昂，因此电影工作者也纷纷开拍抗日爱国片，顿时间，「爱国片」成了主流，在1937年出产的85部故事片之中，就有25部为「爱国片」，产量可谓惊人。
芸芸「爱国片」之中，由香港电影工作者集体编导、演出的《最后关头》绝对可以称得上是经典之作。影片描述中国一班大学生对「国难当头」的觉醒。当时参与影片制作的全是义拍，可见电影工作者对国家的热爱，以及团体合作的精神。
1938年，「爱国片」继续盛行，得奖的《血溅宝山城》是其中一个例子。同年香港第一部彩色的电影《广州一妇人续集》、第一部功夫片《方世玉打擂台》及第一部国语片《貂蝉》亦相继出现了。随着《貂蝉》的出现，香港进入了粤语片与国语片并存的时期，国语片的产量渐多。
同年亦有九部粤剧电影出品，《女儿香》是南海十三郎自编自导之作，而马师曾的首本戏《贼王子》亦是当时重要的粤剧电影之一。
1939年秋，受到欧洲国家的战争所影响，1940年的港产片产量下降到不足90部。1941年12月日本入侵香港，使香港电影业陷入低潮。「大观电影厂」及其他电影设施被炸，大量的香港电影拷贝和底片也被烧毁或遗失，以致1945年前出品的近600部影片，只有百分之一残留至今。到1946年初，香港电影业处于完全停顿状态，在这期间，只有一部反英的故事片和几部由日本电影公司拍摄的纪录片问世。由于战争期间造成的交通困难，当时大多数戏院放映的都是战前制作的粤语片。
战后初期，电影制片厂的数目较战前为少，「大中华」是其中一个较有规模的，因为它拥有李丽华、周璇等上海明星，以及名导演朱石麟和吴祖光。1946年至1949年，「大中华」生产了34部国语片和8部粤语片，可惜到了1949年，产量却愈来愈少，被迫关门。
总括来说，日本入侵对香港电影业造成了很严重的破坏。香港电影经历了四年的停产，才在1946年上映了战后首部港产片《情陷》。而到了1940年末，上海电影界很多左派人士为了逃避反动派的政治压力，或中国大陆通货膨胀的影响，纷纷定居香港。故此，香港的国语电影业便愈来愈蓬勃，到了七十代初更达至高峰。
起飞岁月
香港电影在二次大战后迅速复兴，而在1949年以后渐趋蓬勃，不无原因。1949年后大批中国大陆的电影工作者因政治及经济理由纷纷南下，在香港设电影厂，跟本地影人合作拍摄国、粤语片，使香港成为南中国唯一的也是最大的电影中心。再加上五十年代中期，星、马电影势力过渡到香港，以及香港原有被美、日、欧电影文化所带来的冲击，遂令香港电影迈向成熟的雏型。
五、六十年代是国、粤语片起飞的时期，其中由四十年代末到六十年代中更是粤语片的盛产期。这段黄金时期粤语片有以下几个主流：
粤剧戏曲片
据估计，在五十年代每年就有200部粤剧戏曲片问世，差不多每三部粤语片之中就有一部是粤剧片，而在1958年更达到了高峰，这一年的160部电影中，粤剧占了一半。
「舞台式」的粤剧片基本上制作费不高，电影技巧也不特别考究，因为大多数都沿用粤剧舞台上的大老倌演出，只唱主要情节，其馀的排场做手都不严格。因此，这类戏曲大多被揶揄为「五日鲜」、「七日鲜」。当然其中也不乏制作认真，至今仍为人津津乐道的不朽经典，如《帝女花》(1959)、《紫钗记》(1959)、《李后主》(1968)等。而戏曲片的演员亦有不少为人熟悉的名字，包括：任剑辉、白雪仙、新马师曾、薛觉先和林家声等等。
至于粤剧戏曲片为何会在五十年代大受欢迎呢?这是因为战后粤剧发展蓬勃，进棚看戏成为上流社会的消费享受。至于一般市民只好听电台话剧或听粤曲，有见及此，电影公司便把大量经典粤剧拍成电影，让戏迷可以以低廉的戏票欣赏传统的粤剧戏曲。
文艺片
这时期的文艺片背景多为民国或当代，讲求戏剧结构，又或改编自中外文学、流行小说，或袭取荷里活通俗剧的故事模式。而提到这类环绕家庭伦理、男女之爱的文艺片，就不得不提粤语片电影公司中的佼佼者:联合电影有限公司「中联」。
「中联」创建于1952年，共生产了44部电影，出品了不少粤语片中的经典，如李铁的《危楼春晓》(1953)、《天长地久》(1955)、楚原的《可怜天下父母心》(1960)等等，都是家传户晓的作品。
「中联」的21位精英，有见于影艺界充斥着粗制滥造之歪风，遂以认真的拍摄态度、主题健康的电影信念为大前提，创办「中联」以抗衡媚俗投机而质素低劣的「七日鲜」货色。这批电影界精英包括导演李铁、吴回和十三位着名演员:吴楚帆、张瑛、张活游、白燕、黄曼梨、紫罗莲等等。
「中联」电影每每针对香港社会种种问题，批判上流大亨的伪善丑恶，带有浓厚的教化意味，更大大提升了中国电影的美学层次。大概是因为过份执着于传统道德使命，「中联」渐渐跟时代脱节。到1967年，它也随着粤语片的息微而关闭，但其对香港电影的影响是绝不容忽视的。
古装武侠片
五十年代的古装武侠片大多以民间熟悉的侠义神怪故事为骨干，但武打场面并不讲求真实感，发展至后期(六十年代初、中期)日渐注重动作场面设计，大量加进了特技花款(如怪兽、怪人装扮和模型特技)、曹达华和于素秋就演了不少这类古装武侠片，如《如来神掌》系列。
喜闹剧
这类电影大多以诙谐搞笑的喜剧演员挂帅，桥段不外乎「大乡里出城」、「癞蛤蟆想食天鹅肉」之类的故事，如新马师曾、邓寄尘主演的「两傻」系列。
以上各类型的粤语片虽然在电影美学角度上来说，艺术感略嫌粗糙，但论到能否带给观众共鸣，则可谓绰绰有馀，难怪这段时期，粤语片的产量可观，令粤剧片达至高峰期。
事实上，从1967至1969年，粤语片的产量仍高于国语片，只是到了69至70年，情况才开始扭转。
国语片由低沉转盛的转捩点，是五十年代中期「国际发行公司」与邵氏父子改组，分别成为「电影懋业公司」和「邵氏(兄弟)公司」。「邵氏」和「电懋」资本雄厚，野心勃勃，改组后锐意在香港电影业大展拳脚。它们不但全力推动国语片，还建立完善的发行网来开拓海市场。
1957年邵逸夫掌舵「邵氏」，制作大量高质电影，首部成功的作品是李翰祥执导的《江山美人》、《不了情》，达到前所未有的以「十万」为单位的票房成绩。「邵氏」电影制作豪华瑰丽，粤语片中的「烂衫戏」可谓相形见绌，加上制作重质不重量，鲜有「七日鲜」的电影出现。
国语片的热潮不独使国内兴起的.黄梅调电影带到香港并使之流行起来，更创作了新派武侠片，包括改编自金庸及梁羽生的武侠作品：胡鹏导演的《射雕英雄传》(1959)。单在1963年，武侠片的产量已高达61部，而武侠片之中的代表作则是胡金铨的《龙门客栈》(1966)及张彻的《独臂刀》(1967)。狄龙和王羽这些武打明星的出现，亦可视为七十年代李小龙冒起的前奏。
事实上，从五十年代起，国、粤语片的确并存，虽然两者存在竞争，但本质上是相容的。可是，随着国语片从1970年迅速发展，加上粤语片青黄不接，于70-71年间，国语片的产量多达116部，而粤语片只有22部;于71-72年间，国语片数量依然上升，反观粤语片却只剩一部，那是由邓丽君主演的《歌迷小姐》。之后的数年，国语片一直领导着香港电影市场。
最后值得一提的是，虽然在六十年代末期，粤语片面对着国语片雄霸市场的威胁，但仍力求在戏种上有所突破，青春歌舞片顺势兴起，并造就了两位当时得令的年青人偶像-萧芳芳和陈宝珠，电影界追捧偶像的热潮可说是由她们而起。
七十年代是香港普及文化的重要转捩点，而香港电影也随着电视的普及化，社会和经济的发展，以至香港人心态的转变而受到种种冲击，以致七十年代的香港电影是趋向多元化及地道化。
承接六十年代中期的凌厉气势，「邵氏」在七十年代初期依然在香港电影业占着领导的地位，拥有「东南亚电影王国」的美誉，出品了大量国语武打片，大导演包括李翰祥、张彻及刘家良等等。他们都以熟悉的刀剑拳脚功夫片作依归，电影世界里都是强烈的阳刚味，其中张彻的电影更造就了偶像级武打明星，如王羽、狄龙、傅声等。1970年的《龙虎门》就是当年「邵氏」最卖座的功夫片之一。
踏入71年，此类古装刀剑片的锋芒其实以较在六十年代逊色，原因大抵是一代武打明星李小龙的出现。
李小龙配合着邹文怀的「嘉禾电影公司」的崛起，在七十年代初叱吒一时。从首部作品《唐山大兄》(1971)到之后两年间拍摄的《精武门》及《猛龙过江》令李小龙进运国际影坛，创造出香港电影事业的神话。
1973年李小龙骤然暴瘁，令功夫片热潮未能延续。而随着本地文化的普及，香港观众对远离现实的功夫片渐渐失去兴趣，反而对反映当时社会状况，讽刺现实的电影加以青睐，这就解释了楚原的《七十二家房客》在1973年成为最卖座电影的原因。
《七十二家房客》里的演员，如郑少秋、沈殿霞都是当时的电视艺员，而由于电视已成为当时的重要媒体，因此他们对观众来说有一定的吸引力。而这部电影的成功，不但为以后的新电影类型作了开端，更令粤语片得到重新。
自此，很多电影都走地道市井的风格，演员的演绎亦带有嘻笑怒骂的味道。从电视跳到电影的许氏兄弟也因此而冒起，成为七十年代、以至八十年代香港电影的中硫底柱。
由于从七十年代中期开始，大家的主导阅读方式是电视模式，很多粤语片的题材或灵感都是来自电视内容，如《阿福正传》(1974)、《大乡里》(1974)、《新啼笑姻缘》(1975)。许冠文、许冠杰两兄弟也跳出了电视趣剧的框框，走上大银幕，以其独有的「笑话公式」拍摄了一系列非常卖座的喜剧:《鬼马双星》(1974)、《半斤八两》(1976)、《卖身契》(1978)等等。这些电影不但令喜剧在香港电影史上得到前所未有的重视，更促使了后来功夫喜剧的诞生。
1978年袁和平执导《蛇形刁手》和《醉拳》奠定了功夫喜剧的地位，使其成为七十年代末最具代表性的电影类型。功夫喜剧离开电视感性，以密集的功夫设计及谐趣的杂耍风格吸引观众;可以说是揉合了传统功夫片及许氏兄弟式的喜剧精粹。演员方面，成龙，洪金宝等也摆脱了以往武打明星的英雄模式，改而以反叛贪玩的形象来亲近观众。
除了以上提及的片种，提到七十年代的香港电影，不可不提的是大导演李翰祥从台湾返回香港东山再起，大拍风月绰头及骗术奇观电影。好像他在1971年拍下的《骗术奇谭》，不但开始了他的电影生涯新的一页，也象徵着七十年代香港电影意识的转变-金钱至上、绰头化的风格抬头，这个影响一直延续到八十年代。不过，1979年香港电影新浪潮的出现却为香港电影带来了富神采而短暂的变奏。
1979年是香港电影的重要里程碑，那是香港电影新浪潮的开始。大批电视幕後工作者转投电影圈，他们包括徐克、许鞍华、章国明、谭家明、严浩、余允抗等等，他们本著对电影的热诚，及年青人特有的创意和社会触觉，拍出不少充满个人色彩的电影作品，为香港电影打开崭新的一页。
最先掀起「新浪潮」的是1979年的三部作品：《疯劫》(许鞍华执导)、《蝶变》(徐克执导)、《点指兵兵》(章国明执导)。其後这批或在外国学习电影，或在电视台「少林寺」出身的年青导演继续拍摄了一部又一部风格化的电影，包括方育平的《父子情》(1981)、《半边人》(1982)、徐克的《第一类型危险》(1980)、谭家明的《烈火青春》(1982)等数十部作品，都很能表达这些导演对当时社会气象的感觉及情怀。
虽然这些新导演全被以「新浪潮导演」之名，但事实上，他们每一位的作品都极富个人色彩，并没有陷入香港电影类型化的传统模式。许鞍华的作品流露出深刻的人文性、高度的女性敏锐;徐克有一股神经质的张力;方育平作风朴实，真实感浓厚;严浩浪荡於青春暴烈及淡然含蓄之间;谭家明走中产美学;章国明擅拍片等等，这些特质都体验到新浪潮电影的「作者论」美学。
「新浪潮」标志著香港电影与上一代中国本位粤语片的决裂。五、六十年代的粤语片往往背负著沉重的民族包袱，未能突破创新;而「新浪潮」电影则带有浓厚的都市色彩，流露强烈的本地感性;这跟导演们於香港成长、受西方教育很有关系。
此外，这时期的电影都弃用大明星，制作成本亦减至最低，跟後来的港产片标榜卡士明星，动辄千万制作的营运模式可谓截然不同。
香港的电影界从来都是以商业挂帅，新浪潮电影叫好不叫座，自然难免被淘汰的厄运。八十年代初，「新艺城影业公司」异军突起，吸纳大批当时崭露头角的导演：吴宇森、徐克、林岭东、高志森等，炮制一部一部商业挂帅的电影，其中以喜剧为主。这些电影的共通点是以电视台集体创作的模式来度桥创作，充满密集的笑料及动作，一切以迎合观众口味为依归，代表作品有许氏兄弟的《最佳拍档》系列及周润发担纲的《英雄本色》、《龙虎风云》等。
除「新艺城」之外，八十年代叱吒一时的电影公司还有「德宝电影公司」。「德宝」成立於1984年，一方面拍喜剧(《双龙》系列、《富贵逼人》、一方面也拍动作片《皇家师姐》系列、或者都市优皮小品路线(《三人世界》、《单身贵族》)，务求达到片种多元化的要求。
至於「嘉禾电影公司」则继续以成龙作头牌，让他从《师弟出马》、《龙少爷》的功夫小子形像，渐渐成为《A计划》中稳打稳扎的真正「打星」，而到了《警察故事》及《奇迹》，更是成龙的颠峰之作。
同样是武师出身的「德宝」明星洪金宝却凭《鬼打鬼》(1987)开创了灵幻片的潮流，之後的《僵尸先生》系列也是走相近的风格。而他的另一系列片《奇谋妙计五福星》以至《运财五福星》也取得很好的票房成绩。
据统计，八十年代的十大卖座香港电影之中，「新艺城」占了四部，「嘉禾」占了五部，再加上多产量的「德宝」整个八十年代可称为「三雄各据」的时期。
跟七十年代末兴起的「新浪潮」相比，我们会发现到八十年代的香港电影由於太过侧重剧情堆砌，明星包装，因此电影类型单向化，更遑论什么「作者论」了。有人认为这时期的电影造就明星、扼杀导演、编剧的创作，使香港电影走上穷途末落，加上其风波影响经济、影带市道发达等种种因素下，令八十年代末期的香港电影市道滑落。尽管如此，若不以电影质素或创意来衡量，单看票房成绩及投资者的态度，说八十年代的香港电影属飞黄腾达的时期实在不为过。
艰难岁月!
综观九十年代的香港电影，基本上仍可称之为百花齐放，我们不但有从八十年代顺利跨向九十年代的新一代导演：张婉婷(《秋天的童话》)、王家卫(《旺角卡门》)、陈嘉上(《小男人周记》)等等，还有九十年代的奇迹周星驰、刘德华以及几个国际知名的名字：张曼玉、周润发、李连杰、成龙等等。
然而，我们不得不承认的是相对于八十年代电影公司大洒金钱，演员一天九组戏的「好景」日子来说，九十年代的香港电影的确危机重重，阴霾满布。
首先是九十年代初盛行武侠动作片，《黄飞鸿》和《东方不败》相继掀起打风热潮，一时间李连杰、林青霞成为卖埠保证。可是，依照香港电影的传统，卖座的片种总有跟风者，而当跟风者众、水准参差的时候，亦即该电影类型走向死亡之路。武侠动作片热潮如是，赌片热潮及后期的古惑仔系列也没有例外。
到了九十年代中期，港产片票房连续下挫，西片逐步抬头。《侏罗纪公园》(JurassicPark))先在93年创下六千万元票房佳绩，98年的《铁达尼号》(Titanic))更以一亿一千万元攀上顶峰，这部映了195天的荷里活A级大制作还占了「本世纪百部卖座片」中的榜首位置，完全压倒了在八十年代威风一时的「新艺城」作品《最佳拍挡》系列。
另一个令九十年代香港电影褪色的原因是「盗版」问题。八十年代录影带市场兴起已经令电影收入大打折扣，到了1997年后，盗版VCD更为香港电影市道带来了重击。不少电影在午夜场或首映过后便出现盗版，海关和警方又互相推卸责任，直至近一、两年，香港政府才开始正视这个问题，海关逐渐加强扫荡，才使盗版VCD活动略为收敛。
香港人挥之不去的「九七问题」，也为香港电影业带来负面影响。港人对「一国两制」缺乏信心，电影界曾多次组团访京，与港澳办及电影局商讨创成自由、版权问题等，亦促请大陆政府开放市场。九七回归后，香港特别行政区首长董建华先生首次在《施政报告》中提到香港电影，并拨出一亿港元开发电影科技及接受资助申请，令香港电影人略为安慰，更把2000年的香港电影金像奖搞得有声有色。
值得可喜的是，香港电影人扬威国际，张曼玉、萧芳芳、王家卫先后在柏林、康城等国际影展中获奖，香港电影渐受国际影坛重视。可惜的是，这也导致影圈人才外流，吴宇森、唐季礼、袁和平、林岭东等着名导演纷纷往荷里活发展，周润发、成龙、李连杰及杨紫琼等巨星级演员亦被荷里活罗致。
有外流亦有「外援」加入，香港电影人在亚洲区寻找了不少新面孔，成绩最突出的是在台湾一脱成名的舒淇，在香港成功转型，由脱星变性格演技派，成绩斐然。还有九十年代中期之后，香港掀起日本电视剧热潮，连带电影界亦多找了日本演员参与港产片，其中又以女星为主，包括《星月童话》、《东京攻略》和《阿虎》，当然亦少不得成龙电影里插科打诨的一众日本美女。
九十年代的卖座保证是「双周一成一刘」(周润发、周星驰及成龙刘德华)，周星驰独有的「无厘头」喜剧深得民心，成为后现代文化的代表，他的作品如《逃学威龙》、《唐伯虎点秋香》、《食神》等等都是九十年代的喜剧经典。近年，周星驰明显减产，一边休养生息，一边走上幕后之路。
周润发在八十年代中后期凭《英雄本色》肯定他在香港影坛至尊无上的地位，之后拍了一连串英雄片、动作片，虽偶有票房失利，但基本上依然甚有观众缘。近年进军荷里活，除拍一贯的动作片(如《血仍未冷》)，还尝试拍如《安娜与国王》这类文艺片，似乎仍未有打算回归拍港产片之意。
至于成龙则大致维持一年一部大制作，票房上依然不俗(但相对于八十年代的成绩，近年成龙作品已不算大卖)，惜在电影风格上难求突破。刘德华的江湖浪子形象也成香港商业电影早期的票房保证之一,在发哥和成龙离开之后,华仔对香港电影的票房贡献作用更加明显.
导演方面，「双王」王晶和王家卫可谓双映成趣，一个擅拍商业味道极重的电影，更被揶揄为「屎尿屁」导演;一个专挑大明星合并，产量少、艺术味浓，往往得到国际影展的垂青，两人电影风格回异，但在九十年代的香港电影占着举足轻重的地位。
另外，新浪潮创将之一杜琪峰近年颇受瞩目，作品叫好又叫座，愈来愈有个人风格。还有凭《香港制造》打出名堂的陈果亦成功地从独立电影导演变为香港主流电影导演之一。
科幻特技也顺着世界性的大趋势融入香港电影之中，《风云之雄霸天下》与《中华英雄》是其中成功的例子，而动作片《特警新人类》及《紫雨风暴》、《蓝血人》更特别邀请外国特技效果专家设计爆炸场面，令观众叹为观止。
总括来说，九十年代的香港电影虽然较诸于八十年代有所失色，但似乎在创作意念及电影制作方面则有过之而无不及。一些小本制作的独立电影如《过海隧道》、《天上人间》等亦有公映的机会，加上数码电影的冒起，而剧本创作亦得到应有的重视。相信踏入新纪元，香港电影将会追求更高的质素，并带领整个亚洲区的电影业迈向国际影坛。 ;
『叁』 大陆和香港拍摄的小成本电影有哪些
宁浩《疯狂的石头》
《夜店》
都是近几年来反响不错的小成本电影
『肆』 上世纪香港电影在年产数百的情况下，能否做到保质保量
上个世纪的香港电影可谓是非常的火热，在那个时候正是香港电影处于最为顶峰的状态，不仅在一时之间的产出非常的高，而且每一部电影基本上都是保质保量的，这其实和当时的制作人导演以及演员有着密不可分的关系。
在当时香港电影正处于最为顶峰的状态，因此很多的演员都期望能够通过香港电影让自己走进观众的视线里面，因此在拍摄的时候是非常尽心尽力的，所以拍摄出来的效果也是非常好的，这和参与拍摄的人有着密不可分的关系。
『伍』 早期香港电影成本是多少啊80年到90年的时候，那时候票房才2000多万。
那时 几百万就能搞定啦。。
『陆』 香港电影曾经是东南亚票房支撑点，如今为什么拍不出
原因如下：
1、没有市场。
香港人口也不过700万。而大陆观影人数每年都是以10亿来计算的。靠这么小的市场，支持电影业根本不可能！纵观现在的电影市场，其实英国、法国电影也没落了。就是因为人口不足以支撑市场。
2、时代变了。
当年中国没有什么好电影，美国大片也过不来，自然香港电影就高大上。现在每年网络剧这么多，中国大片也不少，美国大片都可以通过网络看到，香港电影自然也就不算什么了。
3、市场变了
当时的香港电影可以走国际化道路，因为当年韩国电影没有起来，日本市场也比较开放，东南亚市场也可以进入，所以香港电影可以形成良性循环。但是随着韩国文化崛起，泰国电影崛起，这样所有国家都开始保护国内市场，所以香港电影颓势就来了。而且香港也没有强大本地市场可以依托。
4、香港没落了。
香港电影的崛起是站在香港崛起的潮流上的。香港现在已经没落了，所以电影业没落是可想而知的。
5、电影成本提升了。
香港电影有一个口号，叫做千万票房俱乐部，意思是一部电影，获得千万票房，就是很成功了。而按照行业规律，千万票房，拍片和宣传成本不能超过300万港币。现在用300万港币，连二流演员都请不来。所以，90年代后拍片成本剧增，导致香港小成本电影无法维持，而香港没落，又使电影从业人员北上，使香港电影人员断档。
香港电影作为一个概念逐渐在中国崛起的大潮中消亡了，而标志着大陆、香港、台湾乃至东南亚华人作者更大程度上融合的“华语电影”概念在这几年逐渐形成。
『柒』 鬼片 香港电影
《妖魔道》《黑心鬼》《一咬OK》《一眉道人》《一统僵山》
《茅山学堂》《赶尸先生》《僵尸医生》《僵尸小子》《僵尸怕怕》
《尸家重地》《音乐僵尸》《幻灵先生》《僵尸先生》《僵尸家族》
《血衣招魂》《非洲和尚》《僵尸至尊》《僵尸叔叔》《漫画奇侠》
《猛鬼差馆》《一屋哨牙鬼》《捉鬼专门店》《捉鬼合家欢》《霸王花遇鬼》
《新僵尸先生》《哗鬼旅行团》
林正英的也不错《音乐僵尸》，还有比较恐怖点的，一眉道长周星驰的《回魂夜》，天黑请闭眼，降头，好像是《山村老尸》1和2
早期香港电影中有很多较为成功恐怖片，例如《山村老尸》、《阴阳路》以及更为早期的林正英的僵尸片系列。这些恐怖片往往都拍摄了很多集，既是因为这些鬼片成本低廉，另一方面的确很好看。《山村老尸》共拍摄了6集，《阴阳路》拍摄了19集，从当下的恐怖片市场来说，这称得上是一种奇迹。毕竟轰动一时的《午夜凶铃》才拍摄了4集，近期的《咒怨》也才3集。所以称《阴阳路》是一部经典不为过。
『捌』 香港电影衰落的根本原因是什么
香港电影衰落有很多原因，既有内部原因也有外部原因。内部原因就是香港的地区狭小，市场有限，所以电影的投资不大，小成本制作比较粗糙很难吸引观众。还有香港的演员出现青黄不接的现象，没有具有代表性的新演员接替老一辈的演员。相反的大陆的投资较大可以邀请香港的具有号召力的演员，这也给香港的电影发展带来了巨大的危机。论起外部原因就是随着网络的发展，看电影越来越方便，整个电影市场都不如以前了，现在的外国大片越来越多，人们的选择越来越多，欣赏水平越来越高，所有的这一切都是香港电影发展的阻力。
『玖』 周星驰的《济公》是港片衰败的导火索吗一些内幕被曝光，港片真的死了吗
周星驰电影《济公》票房惨败，是为香港电影的一个转折点，就目前全球大片趋势和整个观众的喜好来看，港片暂时没有发现空间了。
一、香港电影早期成本低，题材好！
当有大片和港片同时上映时候，多数人渐渐不会为情怀买单，反而去追求时尚新颖的好莱坞大片，没票房没观众，自然产量越来越少，甚至是衰败！
『拾』 80年代至90年代香港电影的制作成本是多少钱
这个时候投资基本上在200-300万，高一点500-600，不过当时这个价位已经很高了，所以有的影片为了提高知名度说投资过千万，现在贵的主要原因是后期制作，和胶片质量多比以前贵，例如有的后期制作一个特技要花掉100万（我也不知道为何如此昂贵），3D技术胶片等。那个时候票房高的业绩两三千万，连续好多年稳居票房第一位的基本上就是王晶和周星驰的组合，前十位有几个都是周星驰的喜剧片，后来他那种无厘头就不行了，香港电影也很低迷，后来刘伟强的无间道问世，香港电影慢慢有了深度，我们观众的欣赏水平也跟着提高了，90年代初的艺人一般收入都不高（按照现在的水平），每年第一的基本上是张学友，前十位每年都有成龙，刘德华周润发等，而第一的张学友最高也不过一个亿多，主要还是唱片的利润，后来成龙周润发等到了好莱坞就不一样了，据说当年的尖峰时刻2，管分红成龙就得了3000万美元，所以其他的港星这个时候没有可比性了，综上当时一般投资较低，还算了演员的片酬。