A. 《简•爱》影片赏析——用光写作与文学改编
这部电影非常成功的用电影的视听语言创造了一种我们阅读19世纪现实主义、浪漫主义小说时候的阅读感受。就是当我们读19世纪小说的时候，我们不会感到形式的存在，我们好像透过一个透明的形式，直接地去接触到故事、人物和意义。 而20世纪以后的自觉的现代主义小说，它经常有非常清晰的形式感。而在这部电影当中，导演非常成功地创造了一种透明的幻觉。但是我们将看到这种透明的形式的幻觉，其实是通过电影视听语言的精心营造及其大量的电影的科技手段的借重，才得以实现的。
在这部电影当中，它的画面非常的优美，然后它的布光实际上是非常地讲究。当我们在看夜景的时候，夜景要把黑色拍的非常实，本身是一个技术性的挑战，而黑色实际上是通过特定的布光手法勾勒出来的。这些电影画面是在非常明确地用电影的视觉语言、电影的光、电影的画面、电影摄影机对人物的记录和勾勒来成功地复制19世纪中期的油画，同时复制19世纪中期的最早摄影术——即用银板拍摄的肖像画。
在这部电影当中，导演和摄影师他们用了最大的努力，通过光、色、摄影机成功地复制19世纪的主流媒介和视觉媒介，这视觉媒介就是油画和肖像摄影。19世纪油画式的效果，除了大片的黑，在黑上面的暖色调和在黑上面的光所形成的那种富丽感之外，很重要的就是所有的画面都是使用散射光，并没有明确的主光源和光源依据，二是通过充满整个画面的散射光来完成一种画面的视觉感知。
Ex.直到19世纪中后叶，印象派在美术史上出现的时候，西方绘画和西方视觉艺术才第一次正面去处理光，才直接地把光作为自己的表现对象。在此之前，除了宗教绘画，有45度角的圣光之外，其它的画面都没有光，都没有明确的光源。
当你在一个画面当中要使用散射光，这个散射光没有明确光源的时候，在19世纪的空间环境当中，光源主要是地板的反射光。在这部电影当中，导演和摄影师精心地营造地板的散射光。而这也是这部电影冒的一个巨大的风险，因为当光源成为地板的发射光时，也就是人物的造型光成了脚光。但是这部电影中的脚光并不是恐怖片式的脚光，而是通过壁灯和顶灯来平衡主光源来自地面的散射光，电影中人物的造型光是他的下半部脸更亮。这是夜景的拍摄方式。
在日景的拍摄中，导演为了保持整个影片的造型总谱形式的高度一致性，在日景中尽可能地选用了全逆光。当摄影机迎着太阳拍摄，又避免了眩光的时候，整个画面当中充满了光雾。于是画面的扁平感被加强了，画面有了一种水粉式的效果。导演用这种方式，使日景和夜景同样具有一种风格化的媒介特征，而这种媒介特征唤起了我们对历史的艺术媒介的记忆，同样也唤起了1847南夏洛蒂·勃朗特书写《简·爱》时那个年代的历史感。
此前所有的电影、电视改编版本都采用第一人称叙事人，而这部电影却并没有采用这种方式，但是它把视觉人称结构变成了电影的叙事结构。也就是每个场景、每个段落，都以简爱在场为前提。我们见她之所见，感她之所感。
这部电影非常奇妙的地方是，它并没有使用什么非常奇特的电影视觉语言，它使用的都是非常常规性的语言，但是它很具匠心、颇具创意地使用这种语言，使得电影语言不光服务于叙事，而且服务于人物心理。
在电影当中，男主人公与女主人公第一次见面时，他们不拥有任何的共享的空间，所以完全使用画面分立的对切镜头。当男主人公开始向女主人公展露自己的内心，讲述自己的痛苦的时候，在浅焦镜头当中，画面的上缘出现了非常虚的不清晰的男主人公的侧面。专业的说法是，过肩镜头出现了，两个人开始分享画面空间。在这部电影当中，这种使用非常精到和准确。
在这部电影当中，导演使用了在电影摄影、电影技术、电影表达上具有高难度的、普通的电影语言手段，叫做景深镜头的运用。导演系统地把浅焦镜头作为了他重要的叙事手段，重要的展现人物心理的手段。这是一个巨大的挑战。
当剧情出现转折，简爱和众人都以为男主人公爱上了一位贵族小姐时，分立的画面再次出现。这时候不仅仅是情感的、心理的距离，也是社会和阶级的距离。导演用焦点的虚实来表现在场与不在场，来表现心理上的拒斥和认同。在宴会上，当宴会的画面清晰的时候，简爱是一个虚化的形象。镜头切换后，简爱的形象再次变得清晰，后景就一片虚幻。
当表现两人真心相爱后，导演摒弃了对切镜头，完全使用双人中景，来表达他们爱情的炽热和他们相互认同的深刻。
当剧情发展到婚礼的披露时，前景中原本清晰的男主人公突然晕化变得模糊，这个模糊的形象遮住了后景中的作为观察和呈现主体的简爱。这个虚化了的男主人公，是简爱的内心体验，也就是这个人突然在她内心变得含混一片。同样的视觉语言还体现在阁楼的那场戏中。
在这部电影中，导演使用古典的电影语言，通过现代技术迎接挑战式的处理，赋予故事微妙的、细腻的心理表达。
在电影当中，不光对白、人物和表演在讲故事，更多的时候是电影的画面、电影的光、电影的色、电影的构图、电影的景别和电影的景深在讲故事。
在诀别那场戏中，继续使用完全对称的双人中景，而画面构图完全采取了封闭稳定性构图。这是一个别具匠心的表演，虽然这对恋人在生死决别，但是这并不意味着他们的爱在任何意义上褪色。
接着简爱出逃桑菲尔德，沦落荒原，电影当中使用了从未使用过的俯拍。这种孤独的、被放逐的单人中景镜头，呈现了简爱的绝望和内心的伤痛。
在这部电影当中，在简爱的卧室中有三面以上的镜子，但是简爱从来没有对镜自照。这是导演给予简爱这个角色的一种阐释，不自怜、不自恋，她内心的刚强是以这样一种方式表达出来的。只有一次例外，就是结婚的那天的早上，而且使用的非常彻底。不仅简爱出现在镜子当中，镜中的简爱，镜外的简爱，而且走廊的玻璃上也映射出了简爱，这一切都说明了这位新娘是一个幻象，这个幸福的新娘是一个幻象。当真相披露之后，简爱回到房间撕碎自己的婚纱，导演没有给一个镜头是简爱望向镜子。而当她转身背对镜子的时候，她的眼泪流了下来。这体现了导演对人物体认的细腻和深刻以及表达的节制和准确。
出处：网易公开课
链接： 《简·爱》—— 用光写作与文学改编
B. 电影老无所依中女主和杀手之间的对话拍摄,如何体现固定镜头的轴线关系
通常是以我们看到的过肩镜头为主，一般的机位设置。
外拍正反打是较为常见的方法之一，通常是以我们看到的过肩镜头为主，一般的机位设置。左右两台摄像机拍摄人物，中间摄像机交代人物位置、环境，以及丰富镜头元素。外拍正反打，也就是过肩正反打，是我们最常看到的一种对话关系的镜头。往往也是这种镜头，最能体现人物间的强弱势关系。
外拍正反打，也就是过肩正反打，是我们最常看到的一种对话关系的镜头。往往也是这种镜头，最能体现人物间的强弱势关系。
C. 电影2046是讲的什么啊
《2046》影片主要讲述了周慕云为了与过去作更好的告别，将生活的点点滴滴化为文字，写下小说《2046》的过程。
1966年，离开香港的周慕云藏起了一个秘密，直到在新加坡遇到了苏丽珍。谜一般的苏丽珍让他想起了另一个身影，那个也叫苏丽珍的女人在他心里一直是 一个没有人知道的过去。周慕云的眼光跟随着苏丽珍穿梭在赌场里，她拯救周慕云的沉溺，却不愿跟着他离开。
独自回到香港的周慕云，在平安夜巧遇旧识LuLu，然而LuLu却对以前的往事毫无记忆。LuLu想不起和周慕云的那段过去，周慕云却在LuLu居住的酒店里发现了一组似曾相识的数字：2046。2046号房曾经充满了周慕云和苏丽珍的回忆，如今只剩下LuLu与男友CC爱恨交织的痕迹。
周慕云于是搬进了2047号房间，知道了酒店老板的两个女儿王洁雯与王静雯各有心事，洁雯情窦初开，静雯与日籍男友的感情不被允许。此时新房客白玲住了进来，白玲一身风尘，撩拨起周慕云不费吹灰之力，然而当她动了真情，才发现周慕云早已封锁了内心。
于是周慕云开始动笔撰写一部名为《2046》的小说，小说中只要搭上了前往2046的列车，人们就可以找回失去的记忆。没有人想离开2046，除了一个名叫Tak的男子。热恋中的静雯不会知道，故事里她化生的冰冷机器人，曾经带给Tak最渴求的温暖，她的存在是Tak记忆里最大的秘密。一直到公元2046年，那班神秘列车依旧定期开往2046 。
(3)经典过肩镜头电影扩展阅读
《2046》是由香港导演王家卫执导，梁朝伟、巩俐、王菲、木村拓哉、章子怡、刘嘉玲、张震、董洁主演，张曼玉特别出演的剧情片。
《2046》里的每个人物个性都极其鲜明，但内心又是极度的复杂。加之剧中的台词都很内敛，镜头所表达的就直接深入到人物内心。影片在刻画人物上大量运用面部特写、局部特写，即使在正反打镜头里前景中那个人的肩也是刻意虚掉，转而直接突出肩膀后的那张脸。
如周慕云和苏丽珍分手前的那场戏，一个虚化了的梁朝伟的过肩镜头下是一张强调了眼眶湿润的的巩俐的脸。而对于人物的活动又用了长镜头跟拍表现人物动作的完整性。
《2046》就在这种不紧不慢的局促里传递着暧昧的感觉，而王家卫熟练老道地运用画面中的光影、构图、场景调度等出色地表现着这份含蓄的情感。
在画面的构图上，镜头中表现的人物与环境大都采用了封闭式的构图，在周慕云所住的旅店，前景是旅店的招牌，而招牌后站在天台上的人却被压制到了画面的三分之一处，造成的是压抑克制的氛围。即使是周慕云走在纵深的街道里，导演也回避运用全景景深镜头，转而用大光圈虚化人物身后的街景，加深画面的局促感，从而重点突出失去爱情的人物内心深处的孤独落寞。哪怕是在相对空旷的场景，前景也都会刻意虚掉。
王家卫通过其电影丰富的画面语言传递出的是阴郁压抑的基调。影像采用低调，运用的画面色彩也是暗色调，虽然是灯红酒绿的歌舞升平，色彩艳丽却明显可见导演克制的痕迹，因此，传递给观众的是一种压抑感。
《2046》在光线与影调的运用上是非常出色的。灯红酒绿下的鲜明色彩与暗淡的街角墙上斑驳深色的对比，塑造人物时用的深邃色调都刻化了主人公在当时环境下的生存状态：迷失自我下的内心孤寂。光线与影调的出色处理都为《2046》的画面增添了唯美的色彩。
D. 《半截蜡烛》剧本主要讲了什么
一集40分钟左右的标准电视剧大概有40场左右的戏
每场开始前写清楚场次，时，景，人
有场景的大体描写，人物对话，要强调的语气和动作需要标出
电视剧本基本格式就是这些东西
剧本写作基础：剧本的格式
首先明确一点，剧本区别于任何一种文体形式，我经常看到有的朋友把剧本写成了小说或人物传记，这是不对的，至少是不专业的。剧本有自己专署的格式，写剧本从某种程度上说是个技术活。
写剧本也不是什么很崇高的艺术创作，这只是一个普通的工种，剧作家和清洁工人没什么区别，都是很普通的工作而已，所以每个人都可以写剧本，每个人都可以当导演。当然，既然是一个工种，就有自己的规范。这些规范也许不会让你迅速变成一个专家，但至少能使你看上去像一个专家。或者，不至于让你糟糕的格式成为审稿人枪毙你稿子的理由。因为一个审稿人每天要看三到四篇稿子，如果你的剧本格式看上去不怎么专业的话，他完全有理由翻上几页就把你的剧本扔在角落里凉快。
先来看看剧本写作常犯的错误：
1：把剧本写成了小说
刚刚上面提到有的朋友把剧本写成了小说，不是不可以，但那个是文学剧本，根本不能用来指导拍摄和制作。举个例子，你可以在小说里花几页的笔墨来写一个人的身世，背景，家庭组成，或是用几页的笔墨来描写主角的心理斗争过程，但这些东西是无法表现在电影屏幕上的。你的剧本就是一个屏幕，你所要表现的是电影屏幕上能被观众直接看到感受到的东西。像心理活动这类东西是无法很好的表现出来的。加旁白？当然可以，除非你能忍受主角的画外音在一动不动的镜头里读几页小说。电影*画面表达情绪，你的剧本就是电影画面，要通过摄像机的角度来写，这可能引起第二个问题。
2：不必要的摄象机标注
如果你这样写剧本：在5号升降台，用盘纳为升70型相机，60mm镜头，由8.5m摇至2m对焦…………如果你这样写，就算过了审稿人这一关，你的剧本也会被导演扔掉。你不需要教他怎么拍，这不是你的事。你在写剧本的时候完全不用担心相机的事。但是不是剧本就不要考虑相机了呢？也不是，你需要考虑相机的关系而不是位置。剧本里有自己的专用相机术语，多多使用这些术语，能让你的剧本很专业，至少看上去很专业。
1.Angle on 角度对准：比如BILL走出便利店，相机对准BILL。
2.Favoring 主要表现：BILL在一个大广场，人很多，但主要表现BILL。
3.Another angle 另一个角度：换个角度的相机表现BILL在大广场玩的很开心。
4.Wilder angle 更宽的角度：先表现BILL在广场的一角喝可乐，然后镜头拉远，表现BILL所在的广场。
5.New angle 新角度：换个角度表现BILL喝可乐，使镜头丰富。
6.POV 视点：从BILL的视点看东西。就是第一人称视角。
7.Reverse angle 反拍角度：BILL和SALLY在一起跳舞，先拍BILL看到的SALLY，再拍SALLY看到的BILL，通常是两人的POV互反。
8.Over shoulder angle 过肩镜头：相机越过BILL的肩头看到SALLY，BILL的肩头能把画面自然的分割，很常用的类型。
9.Moving shot 运动镜头：包括跟拍，摇移，追随等等，反正镜头是运动的，至于具体怎么动，还不是现在考虑的问题。
10.Two shot 双人镜头：BILL和SALLY在边喝可乐边交谈，这种镜头的相机不要随意移动，防止“越轴”。把BILL和SALLY两人连起来有一条轴线，相机只能在轴线一侧运动，如果越过这条轴线，在画面上BILL和SALLY的位置就会左右互换，引起观众视觉上的逻辑混淆。
11.Close shot 近景：强调SALLY美丽的眼睛，但一般少用为妙。
12.Insert 插入镜头：某物的近景，比如天色已晚，SALLY问BILL几点了，BILL抬起手来，接下来可以接一个BILL手表的特写，当然你还可以用此种镜头来换景，比如BILL移开手表时摄象机里看到的已经是夜晚的舞会了。
以上就是剧本里的镜头描写格式，看个例子就明白了。这是具体的写作格式：
场景说明要黑体，时间地点要黑体，居左
场景中出现的音效要黑体标出
第一次出现的人物名要黑体居中
人物的对话要居中，两边留空，不同人物的对话要另起一行
标明摄象机的关系
标明场景的切换，“切至”就是硬切，“化至”就是加转场的效果，全部居右
如有特效运用，也要用黑体标出
二剧本写作入门
这是我在大学修读剧本写作课程时所得到的体会。记得当年导师和我们说：「要想写好剧本，就必须懂得剧本的基本知识和理论，搞明白电影的规律！」
今天，身为其中的一员，有幸和大家分享一下我所懂得的剧本理论知识，如有错漏，还望大家多多包容。
简单来说，要写好一个故事，首先要构思好你的故事走向，人物关系，情节高潮，主题思想等…… 美国好莱坞有一套编剧规律：即开端、设置矛盾、解决矛盾、再设置矛盾，直至结局。中国也有自己的编剧规律：起、承、转、合。
在下面的文字，本人会分类将写作剧本的基本和重要的元素详加论述，并会举出实例加以说明。
< 第 一 节 >
剧本基本理论 ：态度、主题
<<态度 (Attitude)>>
写故事最重要的是对故事的态度，不同的态度会产生不同的效果。举一个简单的例子，同样是写一个青楼女子的故事，如果作者是以一个淫秽、色情的态度去写，故事自然集中于男女之间欢爱的部份。相反，如果作者是以一个同情、尊重的态度去写，故事便会集中于描写青楼女子被迫卖身，身不由己的可怜、无奈……
<<主题 (Theme)>>
在下笔写故事之前，你必须要问自己：你要讲一个怎样的故事？是朋友之间的友情(如电影午夜牛郎—midnight cow boy)，男女之间的爱情(铁达尼号—Titanic)，外星人入侵地球的故事(天煞地球反击战)，还是一个控诉战争的故事(杀戮战场—platon)等。这就是主题。
主题必须十分明确、贯彻、毫不怀疑。你不能写一套战争片段，一时就怀疑战争，一时就歌颂战争。主题有如一支指南针，它会引导你创作故事，和贯穿故事中的枝节。而最重要的是它能避免你在写作中偏离主道。试举一例，清朝皇帝雍正在野史是一个杀弟、杀父夺位，强奸弟弟妻子的禽兽。但在雍正皇朝(早期亚视播出的电视剧)作者笔下的雍正，却是一个好皇帝。因为作者的主题是要写一个好皇帝，所以在故事中只会见到雍正彻夜不眠批奏章、视察农民、减税、推行德政等场面，并没有杀弟、杀父等场面。
所以，一套成功的剧本是要让观众看完后，清楚明白作者想表达的思想和主题。
< 第 二 节 >
创造角色冲突 (create character conflict)
角色冲突是吸引观众的不二法门。这包括故事角色和角色之间的冲突，角色和他自身价值观的冲突等。
<<方法一： Potogonist Vs Antogonist>>
故事里的人物想做一些事，但有一股力量抗衡他，这就是Potogonist /Antogonist
例如电影怒火风暴(Falling Down)故事中，主角刚刚经历完痛苦的劳狱生涯，当他出狱时，他一心想见回自己的妻子，重过正常人的生活(Potogonist，他想追求的事)。但他的妻子逃避他，不认他，而四周的人也因他的犯罪纪录而歧视他(Antogonist，阻止他达到目的的力量)。
<<方法二： 不能分解的关系 (unbreakable bonding)>>
当角色和角色之间存在冲突，而且有一个不能分开的结把他们拉在一起，好戏便来了。举一个简单的例子，男主角的妻子是个三姑六婆、八卦的女人，而男主角的母亲则是个守礼节的传统妇女。因为环境的因素，主角和他的妻子必须搬进家里和妈妈一起住。试想两个完全冲突的人：媳妇和奶奶被一个 unbreakable bond 拉在一起时，会是怎样。
< 第 三 节 >
创造表面张力 (create dramatic tension)
<<方法一： 让你的观众知道一些事而故事中的角色是不知道的>>
例如故事中的主角闯进了敌人的基地，有支枪在黑暗处伸出来瞄准着他(观众知道但主角不知道)，敌人就快要开枪了，观众也为主角担心。
<<方法二： 让你的观众感到故事中的角色是走在一条错误的路上>>
主角的母亲病了，他全身家只有一百元，于是他便去睹场碰碰运气。很好运地，主角不停地赢钱，已有几千元，有足够的医药费了。但他竟然贪胜不知输，继续赌下去，结果输了一局又一局(观众已知他已走在一条错误的路上)。最后连手上的一百元也输了，竟然还去问大耳窿借钱(他用错误的方法企图达到目的)。
<<方法三： 时间限制 (deadline)>>
故事中某些事件若存着时间的限制，或计时炸弹，能够给观众一股紧张的情绪，并且这股紧张情绪能维持一段长时间。
还有十二个小时，陨石便会撞击地球，地球上超过一半的生物会死亡。(电影--陨石撞地球)
这辆巴士必须维持在时速一百二十公理，否则车上的炸弹便会爆炸。(电影--生死时速)
<<方法四：转折点 (Turning Point)>>
使用转折点能制造意外的效果，引起观众的预期心理，加强情节张力，从而持续观众对故事的兴趣。转折点最常出现于故事的前段和后段。剧本前段的转折点一般用于开启故事和陈列出主角即将面临的各项选择。至于后段的转折点则指向主角解决危机，收拢故事。
例如著名电影「生于七月四日」(Born on the fourth of July)，主角在故事开始面临第一个转折点：是否要参加越战。主角最后选择参战，走上战场。但好景不常，在战争中主角被打破了双脚，要终生坐轮椅。原本爱国主战的他经历了多件事件后，改变了他的想法。导致故事结局出现了很出人意表的转折点，他由主战派变成反战派，从而带出反战的主题。
< 第 四 节 >
其它技巧
<< 伏笔 (Planting)>>
相信有作文的人都会知道什么叫做伏笔吧！埋下伏线可以吸引观众追看剧情。例如在电影心计中，主角汤美一早便表露了他有模仿人签名和行为的能力(伏线)，到故事发展到他杀了有钱人迪奇后，观众凭借伏线已经估到主角会假冒迪奇。
<< 关键匙 (Payoff)>>
所谓 Payoff，就是最能象征整个故事的对象。例如在电影”Apartment”中，那条门匙就是Payoff。又如著名电影「舒特拉的名单」中，那张犹太人的名单也是Payoff。
<<蒙太奇 (montage)>>
有两个画面，梅花间竹地播出，这就是蒙太奇。例如在电影教父中，画面一边播出教会里正在举行的神圣仪式，如神父替孩子洗礼，向天主祈祷等。但另一边画面却转接地播出教会中邪恶的一面，例如教会中的领袖为求夺权，去反对他的人的住所，不停地大开杀戒。
蒙太奇亦可以指一些不同而没有关系的画面,当他们剪接在一起的时候,会产生另一种意义,简单来说,如第一画面中有一只手正在投球,而另一画面是另外一只手接到一个球,然而球不见得是同一个,但当两个画面前在一起的时候,就是一个人把球投给另外一个人,注意/若中间再加入另外的画面,这意思就完全不一样了!! (注：这一段蒙太奇的文字解释由网友「贝戈」提供)
< 第 五 节 >
剧本三大忌
<<写剧本变写小说>>
剧本写作和小说写作是两样完全不同的事，要知道写剧本的目的是要用文字去表达一连串的画面，所以你要让看剧本的人见到文字而又能够实时联想到一幅图画，将他们带到动画的世界里。小说就不同，他除了写出画面外，更包括抒情句子，修辞手法和角色内心世界的描述。这些在剧本里是不应有的。举一个简单的例子，在小说里有这样的句子：
「 今天会考放榜，同学们都很紧张地等待结果，小明别过父母后，便去学校领取成绩通知书。老师派发成绩单，小明心里想：如果这次不合格就不好了。
他十分担心，害怕考试失败后不知如何面对家人……』
试想，如果将上面的句子写在剧本里，你叫演员看了怎样用动作去表达。
如果要用剧本去表达同样的意思，就只有写成如下：
「 在课室里面，学生都坐在座位上，脸上带着紧张的表情，看着站在外面的老师。老师手上拿着一叠成绩通知书，她看了看面头的一张，叫道：「陈大雄！」大雄立刻走出去领取成绩单。小明在课室的一角，两只手不停地搓来搓去。他看出课室外面，画面渐渐返回当日早上时的情景。小明的父母一早就坐在大厅上，小明穿好校服，准备出门，看了看父亲，又看了看母亲，见到他们严肃的脸孔，不知该说些什么。小明的父亲说：「会合格吗？」小明说：「会……会的。」
「陈小明！」老师宏亮的声音把小明从回忆中带回现实。老师手上拿着小明的成绩单看着他，小明呆了一会，才快步走出去领取……』
<<用说话去交待剧情>>
剧本里不宜有太多的对话(除非是剧情的需要)，否则整个故事会变得不连贯，缺乏动作，观众看起来就似听读剧本一样，好闷。要知道你现在要写的是电影语言，而不是文学语言。只适合于读而不适合于看的便不是好剧本。所以，一部优秀的电影剧本，对白越少，画面感就越强，冲?力就越大。
举一个简单的例子，比如你写一个人打电话，你最好不要让他坐在电话旁不动，只顾说话。如果剧情需要，可让他站起来，或拿着电话走几步，尽量避免画面的呆板和单调。
<<故事太多枝节>>
很多人写剧本都写得太多枝节，在枝节中有很多的角色，穿插了很多的场口，使故事变得复杂化，观众可能会看得不明白，不清楚作者想表达什么主题。试想如果在一幕电影中同时有十几个重要的角色，角色之间又有很多故事，你叫观众在短短时间里那能把每一个角色记得这么清楚。
其实，写剧本有一句格言：「 Simple is the best! 」愈简单的故事就愈好。大家想想你们所看过的好电影中，它们的剧情是不是都很简单。例如电影铁达尼号(Titanic)只是讲一艘大船下沉，而下沉当中男女主角产生了爱情。其它电影也一样，简单到报纸短评用短短几十个字就能讲出故事大纲。
但是，简单永远是最困难的：「
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E. 电影拍摄技巧分享
技巧运动因其具有极强的艺术欣赏性，更适合表演。中国技巧运动员的精湛表演在海内外享有盛誉。以下是我为大家收集的电影拍摄技巧分享，欢迎大家分享。
电影拍摄技巧分享 篇1
①推镜头
推镜头是电影拍摄中的常用手法，摄像机镜头与画面逐渐靠近，画面外框逐渐缩小，画面内的景物逐渐放大，使观众的视线从整体看到某一布局。推镜头可以引导观众更深刻地感受角色的内心活动，加强情绪气氛的烘托。
影片使用了85mm或100mm中焦距镜头来拍摄人像。当前景中的物体形状越来越大，镜头焦越拉越长;当镜头框架中的物体移动越来越快，镜头焦距越拉越长。
②跟镜头
跟镜头是电影拍摄中的经典手法之一，但是在斯皮尔伯格在实际应用中赋予了这一手法更多诠释，形成了极具辨识性的斯式跟镜头风格。一般，斯皮尔伯格会使用长时间的跟镜头，记录行走并交谈的两名角色。为了追求出色的视觉质感，斯皮尔伯格会在角色和摄像机之间以多样方式排列道具和零时演员，提升画面框架和角色活动的视觉丰富性。
另外，当边走边谈的两名角色的场景进行到最后，其中一名角色将要说服另一名角色时，斯皮尔伯格会要求两位演员靠近摄像机，记录他们相互对视的画面。
③过肩镜头
过肩镜头是普通的不能再普通的拍摄手法，然而在斯皮尔伯格却能将平凡化作神奇。斯皮尔伯格通常会隔着主角的肩膀使用宽镜头拍摄，这样可以使得主角的形象在画面上比其他角色更高大，从而突出主角的作用和地位，达到强烈的戏剧效果。
另外，有时候在过肩镜头中，会让肩膀占据大部分的画面，从而把想要突出的画面主体挤到镜头框架的边缘。虽然不是标准的过肩巨头，这样做通常都有特别意义。斯皮尔伯格这样用是为了强调某一场景的特俗含义，不过他在一部影片中绝对不会用超过第二次。
④特写镜头
很多导演都会使用特写镜头，但是迄今为止特写镜头应用的最好的当属斯皮尔伯格。
⑤宽镜头
斯皮尔伯格极其偏好宽镜头，无论是过肩，跟镜头或者其它各式各样的拍摄手法中，只要他想突出画面背景中的前景，他一定会使用宽镜头。许多人指责斯皮尔伯格 认为他的宽镜头用的非常保守，不过事实上，斯皮尔伯格对宽镜头的处理比不少导演要大胆得多，他应该是电影史上最有冒险精神和雄心壮志的导演之一。
⑥通过大量前景构造镜头画面
斯皮尔伯格特别喜欢在镜头中用各种背景来构造镜头画面。在《少数派报告》的开头，有一个隔着椅子拍摄小男孩的场景。这使得观众能够感觉到一种紧张刺激的感觉，好像你是从哪个隐藏角落进行偷窥。这样的手法比起直接把镜头对准小男孩要高明多了。
⑦镜像拍摄手法
在电影中，经常看以看到通过镜像来表现故事场景的拍摄手法。镜像拍摄一般通过宽镜头来处理，慢慢过渡到对角色的特写镜头，通过这种手法，镜头上的过渡得顺理成章，不漏痕迹。
镜像拍摄另外还可以在镜头中用来突出角色。
⑧匹配剪辑
所谓的`匹配剪辑是指将不同时间不同空间但图像轨迹相似的两个场景连接起来。斯皮尔伯格的匹配剪辑让人印象深刻。
⑨用背光灯来制造阴影轮廓
斯皮尔伯格早在21岁拍摄他的第一部短片《安培林》时就学会了如何用背光灯来构造阴影轮廓，不得不感叹他的少年英才。
⑩多种镜头不间断拍摄
斯皮尔伯格最大的天才在于他对于各种镜头的融会贯通。通过不断的变换拍摄位置，斯皮尔伯格可以不间断的使用宽镜头，特写镜头，过肩镜头，最后再到特写镜头的进行连续拍摄，一气呵成，没有停顿。
电影拍摄技巧分享 篇2
第一大类：镜头角度
1.镜头角度之平视
平视镜头是最基础的镜头角度，手持稳定器向前水平拍摄，即可拍摄出平视镜头。在电影中，通常用平视镜头来保持（第三方的）客观性，而不是改变被摄人物之间的关系。
2.镜头角度之斜角
斜角拍摄在电影中又称‘德国式镜头’，顾名思义是稳定器倾斜拍摄，目的是让观看电影的观众注意到失调以及不平衡的画面。斜角镜头可以利用智云稳定器中的POV或者三维梦境功能轻松实现。
3.镜头角度之仰角
仰角拍摄是一个手持稳定器从低角度仰视拍摄，可以使得被摄对象更加高大或者占据主导地位的镜头角度。
4.镜头角度之俯角
与仰角拍摄相对的是俯角拍摄，利用稳定器的图传功能可以轻松实现从高往下处拍摄，让被摄人物显得弱小。想要展示鸟瞰拍摄角度的可以用独脚架或者延长杆搭配稳定器实现，一般用于展示大局和全景。
5.镜头角度之过肩
过肩镜头也可以说是特写镜头，过肩镜头中一个人会正对着另一个人，在电影对话镜头中会常用到，画面带有冲突感。
第二大类：景别
1.景别之特写
特写镜头是五个景别镜头中最重要的镜头，一般着重拍摄演员的表情或者面部特征，也会放大五官的局部进行拍摄，用意是想通过特写镜头来推动剧情的发展。特写镜头最适合搭配稳定器的变焦功能拍摄使用。
2.景别之中景
中景镜头介于特写与远景之间，可以露出一般的人物形象，一般角色中，手里拿着东西或者正在使用工具的时候会拍摄中景镜头。
3.景别之远景
远景是与特写相对的景别镜头，远景可以拍摄对象的全身，观众也可以看到场面的大镜头。远景镜头一般用于电影中的打斗场景拍摄，能看到完整的拍摄打斗动作以及场景。
4.景别之单人双人
当镜头里面只有一个画面角色的时候，可以把这类镜头归类为单人镜头；双人镜头则是镜头里面有两个画面角色。
5.景别之POV视点
POV也称视点镜头，视点镜头拍摄的画面就是角色所看到的内容，在电影中使用POV镜头，是想让观众更加感同身受的融入画面镜头中。而在日常拍摄中，也可以利用稳定器的POV模式直接实现这一镜头的拍摄。
第三大类：镜头运动
1.镜头运动之横摇直摇
水平横摇和上下直摇是最简单的一组镜头运动镜头，拍摄过程中保持稳定器和相机位置不变，利用稳定器摇杆控制镜头上下左右移动。这种镜头运动的优势在于使观众一直处于旁观者的角色，镜头画面和剧情发展不带偏向性。
2.镜头运动之变焦
变焦是我们最熟悉的一个镜头了，利用稳定器实现变焦和拍摄运动方向的反方向操作，即可拍摄出希区柯克变焦镜头。
3.镜头运动之跟随
跟随镜头是指手持稳定器跟随主体移动拍摄的镜头，运动轨迹可以是直线跟随也可以随着主体的运动幅度有弧度地跟随拍摄；跟随镜头可以让观众尽可能多的感知画面中的空间和场景。
4.镜头运动之不规则运动
稳定器围绕一个点不定向的摇动，随心所欲的控制镜头拍摄，叫做不规则运动。不规则的运动镜头可以为画面增添运动感，使画面更具张力。
5.镜头运动之360度环拍
360环拍是镜头运动中难度最大的运动镜头，指在展现人物的同时，手持稳定器围绕主体进行360度的环绕拍摄，让画面看起来像是在三维空间中运动。360度环拍十分考验画面的稳定性，所以拍摄时一定要使用我们的稳定器拍摄。
当你精通镜头手法的拍摄和组合时，你可以将视角，景别和镜头运动以不同的方式组合在一起，成为一镜到底，一镜到底一直都是难度最高的长镜头拍摄手法，需要极高的拍摄经验以及一气呵成的剧本安排，再配合演员以及拍摄设备的配合。
F. 影视制作的30大镜头
影视制作的30大镜头
电视媒体已经成为当前最为大众化，最具影响力的媒体型式。下面是影视制作的30大镜头简介，为大家提供参考。
1、航拍镜头
航拍镜头（Aerial Shot），是指从空中拍摄地表地貌，获得俯视图，最大优势在于能够清晰的表现地理形态，因为技术原因是镜头中的“贵族”，近年来随着无人飞机的发展，虽然成本有所下降，但高质量的航拍镜头仍然价格不菲，在电影电视中也是最常见的镜头手法之一，尤其是多用于开头部分。
2、弧型运动镜头
弧型运动镜头（Arc Shot），顾名思义，摄影机以按照某个圆周以弧形运动所拍摄的镜头，可以为一个场面提供多变化的视觉层次，在电影电视中属于被滥用的镜头之一，对技巧和手法的要求不高，但精通难度大。《变形金刚》导演迈克尔·贝对弧形运动镜头情有独钟。
3、衔接镜头
衔接镜头（Bridging Shot），一般用来表示时间或者空间上的跳跃和其它与剧情不连续的镜头，就好像一条在地图上穿梭的线条。衔接镜头对于电影电视的情节推动有着不可替代的作用，不过使用的手法因人而异，高明的衔接镜头总能让观众感觉顺其自然。
4、特写镜头
特写镜头（Close Up），最早由导演格里菲斯等人创造，用来拍摄人像的面部，人体的某一局部，物品的某一细节。它的出现和应用丰富和增强了电影的表现力，也是镜头美学最重要的一环，同时，也是观众最喜欢也最容易记住的镜头手法。
5、七分身镜头
七分身镜头（Cowboy Shot)，又称牛仔，来源于全盛时期的好莱坞西部片，镜头的画面一般涵盖从人的头顶直到膝盖的位置，也就是七分身，像极了西部片中对牛仔形象刻画，从头到配枪的腰身，虽然西部片行将就木，不过七分身镜头却在现在的电影电视中脱胎换骨。
6、中景镜头
中景镜头（Medium Shoot），画框下边卡在膝盖左右部位或场景局部的画面称为中景画面，中景镜头所包容的景物比全景少，比特写多，环境处于次要地位，重点在于表现人物的上身动作，在影视作品中中景镜头的比重较大，因为镜头的叙事性较强。
7、远景镜头
远景镜头（Long Shoot），具有广阔的视野，常用来展示事件发生的时间、环境、规模和气氛，比如表现开阔的自然风景、群众场面、战争场面等等，重在渲染气氛，抒发情感。在远景画面中，不注重人物的细微动作，但却可以通过承上启下的组接含蓄地表达人物的内心情绪。
8、深焦镜头
深焦镜头（Deep Focus），利用焦距将前景，中景，近景等全部景深融入到镜头到中，在电影构图中，往往寻求最大景深，把所有细节都在镜头里毕露无遗。影史上最早也是最著名的深焦镜头摄影大师当属格雷格·托兰德，他和大导演奥逊·威尔斯是深焦镜头的鼻祖。
9、滑动变焦
滑动变焦（Dolly Zoom），是一种非常有名的镜头拍摄手法，相机一方面向前推进一方面同步使用变焦摄影，对移动目标对象产生缩放的视觉效果，从而有效地突出画面中的目标对象，将主体作为场景中位移大小位置不变化的构成。
10、定场镜头
定场镜头（Establishing Shot），影片一开始或一场戏的开头，用来明确交待地点的镜头，通常是一种视野宽阔的远景。定场镜头通常会和航拍镜头结合在一起，在航拍镜头后出现。
11、仰拍镜头
仰拍镜头（Low Angle Shot），摄影机从垂直位置上低于多数被摄对象位置拍摄的镜头，往往可以使得画面中主体人物显得更加高大，当然，仰拍镜头的应用不止于此，关键在于这种低角度的拍摄和电影画面的具体情节相结合，比如拍摄小孩等等。
12、俯拍镜头
俯拍镜头（High Angle Shot），相对于仰拍镜头而言，任何摄影机从一个垂直位置上高于多数被拍摄对象的位置来拍摄画面的镜头，俯拍镜头也是换了角度来观察世界，将观众从一般的平行视角中解放出来。
13、锁画镜头
锁画镜头（Locked-Down Shot)，指的是镜头画面被固定在某一范围内，但是角色的动作状态在画面之外，常常用来表达“此处不适宜观看”或者认为掩饰比起给观众直观展现更有戏剧效果，在电影电视中常用，但在同一部作品中使用的次数有限制，一般不会多于3次。
14、手持摄影镜头
手持摄影镜头（Handheld Shot），摄影师用手持的方式操纵摄影机来拍摄画面的手法，代表着一种随心所欲充满自由的风格，通常会用来记录一个连贯的动作，在纪录片和剧情片中被大量应用，镜头的纪实感异常强烈。
15、荷兰式上下直摇
荷兰式上下直摇（Dutch Tilt），虽然叫荷兰式，其实这个镜头手法跟荷兰一点关系都没有，而是来自德语中的Deutsch Angles，指的是剧烈晃动的纵摇移动镜头，这种镜头手法通常用来表示迷失、迷惑的氛围，注意，画面的角度一般都是倾斜的。
16、图书馆镜头
图书馆镜头（Library Shot），又可称为老镜头，顾名思义，指的是那种在图书馆和电影博物馆里早就存在的老电影的镜头，在影视剧中经常会被引用，用作怀旧或其它用途，比较熟知的`老镜头电影当推马丁·西科塞斯的《雨果的秘密》，以一个孩童的视角回顾电影诞生初期的大导演乔治·梅里埃。
17、遮摄镜头
遮摄镜头（Matte Shot），是一种合成摄影的方法，指的是将两个不同的镜头拍在同一张底片上，过去由于技术落后的原因一般会在前进动作的后面放上一块用玻璃画好的背景物，现在随着科技的发展，遮摄的方法主要通过电脑实现，这也使得电影的镜头变现内容和形式更加丰富。
18、金钱镜头
金钱镜头（Money Shot），只有更贵，没有最贵，金钱镜头专门指的是那种花费了极其高昂的价格拍摄出来的镜头，尤其是在现在CG特效高速发展和使用的好莱坞大片中，不管是各种绚烂的爆炸场面，还是恐龙的万兽狂奔，这些让影迷大饱眼福的镜头背后是巨大的人力物力花费。
19、过肩镜头
过肩镜头（Over-The-Shoulder Shot），隔着一个或数个人物的肩膀，朝另一个或数个人物拍取的镜头。过肩镜头的作用在于给观众一个旁观者的角度，同时又通过肩膀和画面主体在镜头画框内的具体空间关系，分清楚主次。过肩镜头也是电影电视中最常见的镜头之一，简约而不简单。
20、横摇镜头
横摇镜头（Pan Shot），作为镜头四大经典手法推拉摇移中摇镜头的一种，横摇镜头侧重的是镜头的水平移动，从左到右，或者从右到左，就好像这个镜头的英文名字中出现的“平底锅（PAN)”，镜头移动方式就好像是沿着平底锅的锅延。横摇镜头通常用来拍摄移动中的汽车镜头，比如《速度与激情》系列电影。
21、主观视角镜头
主观视角镜头（Point-of-View Shot），指的是摄影机通过角色的主观意识来展示角色所看到的事物，让观众看到或听到的事物和角色本身所看到或听到的保持一致，让观众进入角色的内心世界，主观视角镜头严格意义上来说不输于常用的镜头手法，但在心理片和恐怖片上中所占比重较大。
22、序列长镜头
序列长镜头（The Sequence Shot)，是长镜头拍摄手法的一种，强调地是在不剪辑的前提下连续不断地将一个完整的镜头片段记录下来，再现了事件发展的真实过程和真实的现场氛围，由于没有剪辑的支持，序列长镜头对于摄影的技巧要求非常高，因为全部镜头片段的记录全靠摄影师对摄影机的灵活调度和操作。
23、斯坦尼康镜头
斯坦尼康镜头（Steadicam Shot），其中，斯坦尼康指的是摄影机稳定器，指的是通过斯坦尼康代替滑轨使得摄影机可以自由流畅地移动，在上个世纪70年代由奇才加里特·布朗发明，一经问世就给整个电影界带来摄影革命，在最近的几十年里，斯坦尼康镜头肩负起了拍摄大部分大场面长镜头的使命。
24、纵摇镜头
纵摇镜头（Tilt Shot），指的是摄影机在垂直方向上移动所拍摄的镜头，和横摇镜头相对应，又称俯仰拍摄，最好的纵摇镜头例子莫过于跟踪向上升起的物体，比如气球，当镜头要记录气球从地面向天空飞行的过程，镜头可以从指向地面开始，以指向天空的仰角度结束来追踪气球运动的轨迹。
25、顶摄镜头
顶摄镜头（Top Shot），和俯拍镜头的区别在于它不是从某个人的角度出发去拍摄，而是从鸟瞰的高度直接拍摄，因而通常从人们根本无法达到的角度，把一些富有表现力的造型和场面拍成构图精巧的画面，把人与环境的空间位置，变成线条清晰的平面图案，从而使画面具有特殊的情趣和美感。
26、推轨镜头
推轨镜头（Tracking Shot），将摄影机架在小推车上前后移动或者在被摄对象的侧面移动，镜头的运动轨迹是线型，这是它和横摇镜头的差别，推轨镜头往往强调镜头画面的整个过程，因而在推动电影电视的叙事性方面，突出了角色或者画面逐渐变化的过程，有层次感和立体感。
27、双人镜头
双人镜头（Two-Shot），只要镜头画面中的有两个主体人物就可以被看做是双人镜头，电影电视中常见的镜头之一，尤其见于一些以情侣、兄弟为主题的类型影片中。双人镜头入门不难，但是想要精通就得考虑两个主体在镜头中的画幅构造，以及电影电视故事情节的叙事要求。
28、急摇镜头
急摇镜头（Whip Pan），横摇镜头的一种，只是由于镜头摇摆的幅度太剧烈，使得镜头画面看起来因为剧烈的晃动而难以辨识。急摇镜头在镜头语言和电影电视的叙事性上有着特殊而鲜明的寓意，比如突发自然灾害在内的意外情况对角色所在位置的冲击，以及角色本身的心理活动的挣扎和迷惘。
29、变焦镜头
变焦镜头（Zoom Shot），变焦镜头是在一定范围内可以变换焦距、从而得到不同宽窄的视场角，不同大小的影象和不同景物范围的镜头。变焦镜头在不改变拍摄距离的情况下，可以通过变动焦距来改变拍摄范围，因此非常有利于画面构图。变焦镜头是属于高难度的电影电视拍摄技巧，是拍摄技术中区别平庸和大师水准的分水岭之一。
30、升降镜头
升降镜头（The Crane Shot），摄影机被放置在升降机或者起重机机械臂上所拍摄的镜头，摄影机和摄影师可以在这种升降装置上自由移动，从而从多个试点来表现场景，利用表现从高处所展现的各个局部，展示事件或场面的规模的宏达气势，通过升降速度和节奏的运用，还可以表现不同的场面情调。
;G. 《X圣治》—（1）
《X圣治》是我看的第一部黑泽清的电影。看这部电影的契机很简单：豆瓣的一位影评人认为一切尝试用jump scare等手段的恐怖片都会让观众感觉自己是被迫使感到恐惧，而只有像黑泽清这样的片子才是高级的恐怖（使人从内心感到恐惧）。
（1） 引入
影片开头是一个远景，男主高部的妻子坐在画面偏右方的椅子上读一本书，心理医生从画面右边入画，然后又坐在了妻子对面的椅子上，紧接着是一个拍妻子读书的近景。妻子读完书之后是一个心理医生的过肩拍，然后心理医生拿着童话书出画（纵深运动，从前方出画），留下一个妻子的远景。导演紧接着切到了一个心理医生的近景和妻子的主观镜头。
分析这一整段的设计，我们发现黑泽清通过画面上强烈的对比以及细节设计来营造一种诡异的气氛。首先是景别上的对比。黑泽清在开头直接把一个人物近景的镜头接在一个远景后面。我们都知道远景的作用一般是交代人物所处的一个大环境，或者是展现人物之间大幅度的身体互动。但这一镜头带给观众的只有“妻子在读书”这一信息，所以我们可以确定这个远景镜头的作用更偏向于前者，也就是说这个镜头的重点更偏重于“环境”而不是“人物”。相反，近景聚焦于妻子的面部表情，让观众走进人物的内心。从远景直接切换到近景的设计显得有些突兀，但黑泽清这么做的意图也很明显：迅速交代人物的所处环境-心理诊所，然后又迅速将人物这个元素抽离出来，给观众一种生硬，机械，冰冷的观感，而现代生活中的这些特质也是导演所想展示的。
动与静的对比以及画面中元素之间的对比也很显著，而这在某种程度上也交代了人物的心理状态以及人物之间的关系，地位。在这场戏中，妻子在椅子上处于静止状态，而心理医生在开场镜头中有一个横移的运动，过肩镜头中又有一个纵深的运动。妻子一直是坐着的，而医生大部分时间是站立的（比妻子高出很多）。妻子很瘦弱，而心理医生身型肥胖，因此他们在画面中的占比也不同（这个在过肩镜头中显得很明显）。我们不妨这样解读：在心理治疗中，心理医生占有更高的地位，因为他引导患者打开自己的内心，让患者展现出自己最隐秘的想法，而心理医生在患者面前却是神秘的，因此心理医生是那个可以在房间里随意走动的心灵窥探者，而患者更像是一个没有抵抗能力只能乖乖坐在椅子上的被分析者，这样的关系在某种程度上也可以投射到催眠的过程中，所以这也是一种铺垫。
在这场戏中，演员的表演也具有很强的层次感。在侧面近景中，由于妻子在读手上端着的书，她的视线往下。通常向上的视线说明角色在思考，水平的视线说明角色在与对方进行正常的交流，而向下的视线给人一种角色有些不耐烦的感觉。接着她又有些粗鲁地把书丢在了桌上，这也让我们可以这样推测：这本书的内容可能使她联想到了一些不好的经历或者勾起了另她不适的情感。在心理医生询问她“丢书”的原因并且踱步到她面前时，她的眼神飘忽不定，并且她不敢与心理医生对视，只是勉强地挤出了一个微笑，敷衍地回答说自己没事，这也说明了一个适用于所有角色的一个道理（也是主题）：所有人的潜意识中都隐藏着一些我们极力否认的不被世俗所接受的可怕想法，这些想法由于压抑作用而存在于潜意识中，但只要有一个契机（催眠），这些想法就可能会进入到人的意识之中并且驱使人们去付诸实践。因此，可以说《X圣治》 第一场戏就展现了催眠的过程。
女主讲述的《蓝胡子》可以被看作是一个隐喻。一个有着蓝胡子的男人有过七任妻子，但他的每一人妻子最后都下落不明。有一天蓝胡子想追求一个貌美的女子，但女子的父亲不同意，经过劝说后，父亲最终答应把小女儿嫁给他。一天小女儿出于好奇打开了一个蓝胡子不让她看的暗门，发现了蓝胡子前妻的尸体。蓝胡子想要杀害女子，但女子佯装要做最后的祷告，趁机把蓝胡子杀害了，并且得到了蓝胡子的所有遗产。妻子，也是被催眠者，对着观众（主观镜头）道出了故事的真相：女子从一开始就想要杀害蓝胡子。故事中的蓝胡子对应的就是刑警高部，女子对应的就是妻子，而这也整个故事也印证了本片的主题。
纵观整段戏的设计，黑泽清用一种客观冷静的试听语言和现代极简的布景来奠定一种疏离，诡异的情感基调。
H. 《消失的爱人》有什么特点
如果说影评人有什么固执的话，那就是，看到《消失的爱人》（Gone Girl）这样的电影，一定会写点什么，包括我这个业余的不能再业余的影评人，好，今天就和大家聊聊大卫·芬奇的这部神奇电影。聊聊他的镜头语言。
大卫·芬奇大家应该都不陌生，其实不认识也不丢人，每天生活家长里短柴米油盐，需要我们关心的东西太多了，一个和自己生活完全不相干的老外导演，本就没有义务记住，只是闲暇之余，买些酱鸭脖，开瓶啤酒，才想起来，电脑里还有尘封了好久都快忘记的大片，扫一眼，《龙纹身女孩》，《返老还童》，《七宗罪》，《搏击俱乐部》，稍微长点记性，才知道，都是这个老小子的作品，看来也是与张艺谋姜文起名的人物。
《消失的爱人》于2014年10月3日在北美，在台湾，韩国，香港上映，票房都连续数周夺冠，然后点燃了各种电影奖项提名的热捧，获得好莱坞电影大奖，电影有这么好吗？我先说说自己看完的感受，电影好看吸引人但不够惊艳，虽仍然是芬奇式的悬疑破案故事，情节预设稍微做作，电影前半部分情节稍微拖沓，节奏过缓，而后半部分又情节过于集中，后期的信息量又稍大，剪辑的节奏明显加快，让人有点难以适应。
电影女主人公艾米的大脑过于算计，尤其是最后杀死自己的备胎回到丈夫身边这段情节，貌似悬疑但失去了现实生活正常的演化，也就是说，电影人物过于小说化戏剧化，对女主人公的性格反转解释缺乏，逻辑游离于现实之外，还有，电影幽默和设定是纯美国化的，对中国的观众触动也没有在老外影院笑场那般明显，就犹如我们看《绝望的主妇》，几个女人说老公在过山车上做爱的笑场和说老公在床上做完爱哭了的冷场，中国主妇观众的感受绝对和美国观众不一样，所以网上说，在美国，观看此电影，没几分钟就要一个笑料包袱的剧院的笑声，但我只是看到的是后背发凉，一句也没笑出来。
所以中国观众对电影里面女主播，律师，“好邻居”的心里切入绝对没有那么强，但面对自己一天朝夕相对爱恨交加的爱人，感觉随时会崩塌却一直奇迹支撑的婚姻，面对爱是神奇却又伤害，得之不觉失之剧痛的情感，这种情绪是共同的，看看这部电影在亚洲的票房就能说明一部美国婚姻片在亚洲的喜爱，说明了人类共同的部分，对婚姻的探讨和绝望各占对半，芬奇导演，你这把黑色心里鸡汤的胡椒面也是洒的足足的。
还是说说这部电影神奇的地方，大卫·芬奇导演的认真，拍了500多小时的素材，粗剪得到3个多小时，“我们听了不少意见，然后在音乐上下了不少功夫”，而电影的灵魂的剪辑是在电脑上完成的，也就是说，电影是用Adobe剪辑完成的（也不能再说仔细了，因为我也不懂），虽然中国观众悲催的只能看看蓝光或者下载而无缘到影院去认真感受电影胶片的质感，但还是可以看出电影每一个画面在数字效果上都得到了精心地修饰。
（度娘的正确答案：普通电影的剪辑软件如Avid的Media Composer以及苹果的Final Cut。影片每天的拍摄都会产生几TB的数据，这些数据需要先进行整理和选择，才能加以创造性地剪辑处理。剪辑师需要比对每个场景的镜头素材，再大致将它们编剪以及组接。随后调色师和特效师再进行粗略处理，这样就产生了样片。导演观看样片后，提出意见，再把样片交还给剪辑师、调色师和特效师作进一步的优化处理。整个过程就是如此循环往复。）
其实这部电影痛失金球，估计也难在奥斯卡上有所斩获，但导演在镜头上处理，堪称经典。
镜头是摄像机一次扑捉一个特定动作或事件的视觉信息的最小单位。作为一部描写家庭生活的《消失的爱人》。大卫芬奇导演在镜头的处理上，干净、冷峻、爽利、紧凑而又松弛有度，一如他以前的作品，今天，我们就边介绍情节，边看看《消失的爱人》电影里面，导演通过镜头的调度，画面特写的处理，构图的技巧，看看，电影给我们传递了一种什么样的情绪。
这是《消失的爱人》真正的主角，艾米。开头结尾，电影的镜头都是这样一个面部特写，“我真可怜你，因为每天早上醒来你都要努力扮演跟自己梦中完全不一样的人。”电影的结尾也截止到早上两人初醒的状态，艾米在枕边翻个身，一双纯洁无暇的神情，看着观众，却传递着让人恐惧的情愫。
这种简洁，精确，冷峻的摄影在大银幕上有着独特的光芒，是在任何电脑屏幕无法体会的，所以这也是我们要去影院看电影最重要的原因。
尼克·邓恩和艾米在一次派对上相遇，一见钟情，拿啤酒的女孩就是传说中的神奇的艾米，她人生中的每个阶段都是如此成功，相识两年后，他们步入婚姻的殿堂。她从来不想有一个平淡的，世俗的婚姻生活。她总是刻意去制造一些浪漫，包括每年结婚纪念日的寻宝活动。但渐渐的，他们的生活也不能像童话般美满。
演Amy的Rosamund也为本片献出了不能忽视的表演。艾米在婚后幸福的和尼克生活在一起。
这是一个经典的过肩双人镜头，让取景更紧凑，是为了照顾镜头美丽的面容，衬托艾米的美丽。这是艾米最好的状态，其他演员全部虚化，摄像机通过肩部平齐拍摄，艾米的阳光和灿烂，传递给观众，而对她心生喜爱。
父母和出版商还专门设计了婚礼酒会，而真实的并未嫁人的艾米却要尴尬地去参加自己的婚礼酒会。父母将她伪装成神奇艾米，而真实的艾米始终活在生活的谎言中。当她无法控制自己成为神奇艾米时，她便要控制自己的生活以及自己的男人。
隐隐中的艾米透露着强势和复杂。
艾米是一个典型的浪漫型女人，对婚姻的期望过于期待，当一个男人跟她玩浪漫时她基本没有什么抵抗力
本·阿弗莱克扮演的尼克实际是个渣男，追求艾米的温暖和自信在婚后慢慢都消失了。
尼克占中暗示尼克在这次追求中的主动地位。光线是暖色的，柔焦镜头和温暖的自然背光，制造处特别浪漫抒情的味道。
Nick求婚那场戏，一亮出钻戒，俩人刚亲上就瞬间切回现实，一点也不让你留恋他们的甜蜜，因为现实里面正在发生的悬疑才是最重要的。很好的在交代情节的基础上营造影片氛围
和所有幸福的婚姻一样，婚后，两人矛盾重重，形同陌路。
尼克在这里显然是作为弱者出现的，事业上，经济上都不如妻子，也许找情人正是想在外面寻得一点男人的刚性和自尊吧。结果他还是个弱者，整个事件一直到最后都表现的毫无建树和阳刚之气。艾米起初是受害者，饱受丈夫的冷战和出轨的折磨，所以才苦心积虑的玩起了消失。消失的最终目的是要致尼克于死地的，这里的恨可想而知。她设置的一个又一个陷阱真是让人刮目相看，构思精巧，步步为营，真正毒辣的时候毫不手软，面对媒体又表现得柔弱之极。
心灵的交战，艾米占在正中间，尼克被挤到画面的右侧，这是画面“调度”表意最好的例子。
注意女主人公头顶的留白和图像的构架，这是经典的一幅人物表情图，注意艾米强烈的不满情绪，其他人物就会失焦，用镜头景深控制图像，是摄影者最基本的素质。
结婚五周年纪念日的早上，尼克·邓恩来到妹妹玛戈的酒吧，和妹妹一起吐槽他们的婚姻生活。“我想像着打破妻子那可爱的头颅，梳理她的大脑，试图找到答案。任何婚姻中首要问题的答案：你在想什么，你感觉怎样，我们对彼此做了什么”。
光线阴暗，尼克的双胞胎姐姐一点都不美丽，为最后电影情节反转做铺垫。
当他返回家中时，却发现客厅留下了暴行的痕迹，而妻子竟不见了踪影。女探员朗达·邦妮接到报案后赶来调查。女探员朗达·邦妮（金·迪肯斯Kim Dickens饰），（这个女警察也于是成为全部电影中唯一正常的人物）。接到报案后赶来调查，而现场留下的种种蛛丝马迹似乎昭示着这并非是一件寻常的失踪案，其背后或许隐藏着裂变于夫妻之情的谋杀罪行……
尼克在媒体里悬赏寻找自己爱人的线索。
某种意义上尼克面无表情的面瘫也成就了这个角色，因为这让他“默哀”妻子的失踪显得很假，他说真话的时候亦是如此，更强调了婚姻里每个人的虚伪性。图片里更醒目还是艾米天真无邪的笑容，让人们一直疑惑着这个悬念。
尼克是一个善于表演的人，他一直扮演一个艾米所期望的好丈夫，甚至在妻子失踪他在警局报案时，都说自己正在扮演，但她从没有真正关心自己的妻子，
尼克和艾米的父母在记者招待会上。
导演让尼克占中但虚化了正面，反而艾米的父母在亮光处，按时艾米父母在他们两个婚姻的强势地位。
导演用远镜拍摄，房屋人员拥挤，男主人公公尼克的受困感增加。
暖色处理人们纷纷寻找艾米的忙碌，人物繁琐，背景很乱，让人心生烦躁，总觉得那里不对劲。
艾米的失踪通过媒体大肆渲染和妄加揣测很快闻名全国，品行不端的尼克被推上风口浪尖，至今不见踪影的爱人对他进行无情审判，你侬我侬的甜言蜜语早已化作以血洗血的复仇与折磨。
摄影机机位稍高，强化尼克受困之惑。
困境中的尼克，让人心生同情后，又无比厌恶。
由于艾米身份的特殊，失踪事件被大肆报道，猜测。失踪延续，一个个事件出现。被丈夫说成没有朋友的艾米竟然在小区内有一个孕妇闺蜜，并且说艾米还有怀孕经历。妻子失踪后的几天，尼克竟在妹妹家与情人偷情。这一切似乎指示出尼克的谋杀罪行。
看主光在尼克脸上的阴影，就知道尼克在婚姻中困境，暗示尼克并不是杀害艾米的凶手，更像是一个受害者。
Amy自导自演这个事实，她伪造罪案现场。在丈夫不在意的情况下让他签署提高了保额的保险单。用丈夫的名字大量网购各种奢侈品。她精心伪造一本日记，记录婚后的点点滴滴，开始的美满，后来家暴，对丈夫的惧怕，担心他会杀了她。并将日记部分烧毁后藏在棕色小屋，并修改了棕色小屋的报警密码，以引起警方的注意。接下来的步骤，染头发，隐姓埋名，上网发匿名信讨伐尼克，让所有人认可尼克的谋杀行为，然后自杀，之后尼克将被控谋杀。
独自行驶在高速公路上的艾米忿忿不平的抱怨着对丈夫的不满，丈夫的平庸和出轨打破了她对美满婚姻的幻想，这一切都出于她的策划。
强光下，其他细节就被忽视了，产生强烈的光线对比，来隐射艾米激动复杂的心绪。
尼克坐飞机去寻找律师摆脱困境，这时候全国的舆论都是对他的声讨。他在候机楼看他的专题节目。
这是一个仰拍，和人的视线比例平齐，电视居中，暗示媒体对人们情绪的误导。
随着事态的发展，尼克逐渐被媒体妖魔化，也找到了艾米以他的名义购买的物品，他意识问题的严重，意识到这可能是个圈套，他找到专门处理这类案子的律师应对。
并按照专业律师的提醒，慢慢反转剧情，让大家从讨厌他变成同情他，他从一个施害者变成一个受害者，这是他参加电视节目，他接受了某电视栏目的采访，坦诚认错，呼唤妻子原谅，扭转了自己的不利，博得大众的同情。艾米也在电视上看到这一幕。
同时传导的压力让艾米发现自己的报复计划正面临失败的危险，她这么聪明，她会怎么办？
以上两幅图都是侧面双人镜头，这是电影叙述里最经典常用的镜头，第一幅图，黑人律师占主导，尼克被动，而第二幅图，双方平齐站位暗示各个心怀鬼胎，这场对局刚好是棋逢对手。
身无分文的艾米，联系到他的高中时的男友，编造了一个被虐待的谎言，男友欣然同意保护艾米，将其带到自己的公寓。
构图短暂的诠释了影像的心里空间，人物在图中拥挤，背景繁杂，连洗手间都可以看得清楚，能传递出人物的焦虑和急躁。
保护人的控制欲也让艾米无法忍受，房间里的监控又一次成为艾米制造骗局的工具，一切就绪，艾米在床上杀死了对方。带着满身的血迹回到丈夫的身边，讲述自己被绑架的故事。虽然故事有很多漏洞，但媒体更加关注艾米的神奇回归，更喜欢这样的完美结局，似乎也没人关注案情的漏洞。
背面朝观众表示心里的复杂和不确定性，也制造出一种做爱前恐惧的气氛。暖色和性相联系，为后面情节的反转做铺垫。
这是电影的高潮，如此血腥如此恐怖，但艾米却很享受，可见这个女人的可怕。（这也是这部电影永远不可能在中国影院上映的一个镜头。）
这是非常经典的俯拍，传递恐惧和震惊，电影高潮一幕的配乐甚为精彩，视觉冲击力十足。情节编排上出人意料，这个经典俯拍镜头我们在国外的电影中比比皆是。
两个人又幸福的在一起了。
到了结尾，动了杀机的妻子最终决定用阴谋套牢丈夫，而动了恨意的丈夫又不得不因血脉的延续而留在妻子身边。蓝色滤镜，冷光处理，色彩压抑，两人人貌合神离的躺在一起，看来只有死亡才能让他们分离。
其实婚姻还有一种折磨比离婚和杀人更厉害，就是永远和他（她）在一起。
I. 电影最top09星爷把一个抽烟的女的过肩耍 这是什么电影
喜剧之王 喜剧之王(1999)
导演:周星驰/李力持
编剧:曾瑾昌/周星驰/李敏/郑文辉/冯勉恒/梁嘉杰
主演:周星驰/张柏芝/莫文蔚/吴孟达/林子善/更多...
类型:剧情/喜剧/爱情
制片国家/地区:香港
语言:粤语
上映日期:1999-02-13(香港)
片长:85分钟
又名:King of Comedy
IMDb链接:tt0188766