A. 电影《南京南京》编导镜头分析(3)
动、低位移动、组合式移动、多角度移动镜头等，都属于移动镜头的范畴。
五、镜头组合
最后再来说一说镜头组合，镜头本身是没有什么具体意义的，它的意义来自于生活的给予，当我们看到镜头中再现的某物时，就一定会联想到生活中的某些特定含义。那么电影中的镜头有没有意义?电影是通过很多不同属性镜头组合而成的，当我们看到镜头中某人害怕时，就必有令他害怕的对象，这是在电影中必须通过另一个镜头表述出来的，当然也可以不表述，这完全取决于导演这个影片把关人的思想意图，想要表达什么?想要展现什么?恐惧?惊悚?担心?梦幻?还是对前途迷茫的担忧?
所以，单个镜头可以说它没有意义，但连接起来的镜头不可能表达不出应该要表达的意义，甚至是更为准确的含义。拿《南京，南京》为例，当我们看到在日营集中地处，被绑着的刘晔眼睛出现了愤怒的神情，如果镜头到此为止，且前后也只有这么一个镜头，只让你看到这么一个镜头，我们就很难知道他为何而怒?对谁而怒?这时，就会浮想联翩，任我们肆意想象，答案就会有千万种，甚至更多。但是，接下去，我们看到了在被俘军人前拿着枪走动并四处监视的日本兵，我们就知道了，所有联想噶然而止，很明显了，答案只有一个，那就是对日本兵的愤怒，这时也就突显了周围环境的险恶，被抓人数的众多，刘晔也只不过是其中的一个，再经过前后情节的联系，也就知道了他们正在等待着被屠杀的命运。
如果，这时影片断然结束，而且也就只有这两个联系镜头，我们也能从中判断出其中的近乎准确的意义了，尽管还会存有联想，但这时的所有联想也都在往一个方向上集中，不会再进行过多的其他毫无意义的发散了，也就越容易进入导演或符号把关人事先就设定好的意义范畴，至少不会偏离太远。在这里，后一个镜头所起到的作用，其实就是对前一个镜头的情节提示。
因此，单个镜头的存在可能没有什么太大的意义，但两个或两个以上镜头的连接组合，必能产生某些特定的含义，显示出导演或符号把关人的真实意图。当然，也不排除某些例外，例如显示周围环境大变动的长镜头。
镜头空间
电影是二维的平面，但我们可以创造三维甚至四维的空间概念，而我这里所指的镜头空间并不是三维和四维空间。而是封闭和开放形态镜头空间的表达。
一、封闭空间
我们先来看封闭空间，什么是封闭空间?我们先来看《南京，南京》中的镜头实例，我前面提到了南京避难所中的一段，那就属于封闭空间的形态表达，日军和中国百姓相遇，目光对视，两个民族在特定的空间内碰撞，日军步步进逼，咄咄逼人，明显占上风。
那么，到这里，很多人就一定会认为凡是室内空间就都是封闭空间，如果是这么认为的，那么，错，室内空间只属于封闭空间的一种，还有半开放式的空间也属于封闭空间的表达。例如，在镜头中出现了一段场景，某人A在逃避追捕，逃到了森林边缘，无路可逃了，这时想往回逃，但突然追捕者B出现，两人面对面对望，气氛开始紧张。这时，A缓慢向后退，B步步进逼，不管是形势还是正义B都占了上风。这类场景的表述也属于封闭式空间范畴，但前两类都属于明示的封闭空间表达，还有一种是属于暗示的封闭空间表达，多用于展示人物内心的痛苦和挣扎，显示镜头对象的孤独、孤立、无助，如影片中多次出现的慰安妇的遭遇。而镜头外的含义，则是显示和表达了对此类暴行的控诉。
因此，封闭形态空间镜头的含义可以在特定的场地，用以显示出一定环境下的险恶、危机、不安、躁动、对决，内心的痛苦、挣扎，力量的对比，人或物的孤独、孤立、无助、等待、迷茫、放弃、独处及自我的满足、隐私不得侵犯等等。其实，对这个词汇的表述更确切的说，应该是更为强调风格化的设计，具有表面化的现实主义特色。②
二、开放空间
由于开放形态空间更多的是被置于室外，因此在表现形式和视觉设计上更强调非形式的，朴素的构图，使物象看上去出于偶然，毫无精心安排的痕迹。③如影片中角川兄在跟随部队进入南京城中时所看到的一切，就仿佛都很自然，人物进入画面，又出去了，日本兵举枪枪杀南京市民，就好像是真实的纪录一样，丝毫没有刻意安排的成分。而这一段镜头当中，最出彩的应该是一名教父刚进入画面没多久就被枪杀的场景，按理说，教父是可以随意布教的，被放置在开放的空间内，又并非当地的南京市民，应该有更大的自由度，却也被日本兵从身后无情的开枪射杀了，更加突出了日本兵的残酷无情，这一幕连角川兄看到后都有些身心一震。
在影片结尾，小豆和老赵最终也是在完全开放的空间形态内完全获得自由的。
其实，这两种空间形态的含义，本身是没有什么太大讨论必要的，也纯粹是属于理论的范畴，但也不难看出，懂得这两种空间形态含义也有其重要性，可以帮助我们更好的理解每个镜头所要表达的思想内容，进而更好的理解影片，起到一定意义上辅助性的作用。而对于一部影片的整体来说，讨论空间形态的开放与封闭是没有任何实际意义的，只能够当把它放置在一定的场景中讨论才有其基本含义。可以说，无所谓开放式影片、封闭式影片，但有所谓开放式场景、封闭式场景，至于具体的讨论，还是要结合影片的整体来进行，不能完全偏离影片的主题。
镜头符号
每一组连接的镜头内所存在的影像符号都可以用意义去进行解读，意义是附着于符号之上的，如果符号本身不能表达出某种特定意义，那它也就没有存在的价值可言了。意义和符号之间的关系是抽象和具象的关系，前一个是精神的体现，后者则是物质的表现。即使每一个镜头也不例外，如果一个镜头内的影像无法用某种意义去作具体解读的话，那么这个镜头也可以说是失败的，当然，也不完全。事实上，形式主义和现实主义风格的影像构造所表达出的含义就是完全不同的，前者的影像一般都是刻意去安排、组织、表达什么;而后者则是自然的体现，不会做任何太大的修饰。
对于故事片而言，没有什么偏向于哪一个具体风格方面的过多倾向和要求，很难在此类影片中作出明确区分，一切都是跟着剧情走，根据需要而定。现在，我们来看《南京，南京》，避难所这一场戏，要表达什么?中日之间无可避免的发生了冲突，日本兵拿着刺刀逼迫中国百姓，很明显日本兵非常的残酷无情。在这里，避难所是一个场景，是一个室内场景，对避难所这一具象的符号和它的抽象意义解读，可以这么理解：
首先，战争造成了南京百姓的流离失所，为了避难、保存性命，逃进了避难所，很自然的表现，但是是一个伏笔，一条暗线，电影中没有明确的镜头表现;影片开场，是从一小队日本兵在城内扫荡，路途中发现了避难所，于是，这队人马就朝着避难所而去开始的，这段场景发生的很自然，没有什么刻意安排的成分在里面; 紧接着，电影开场的第一个戏剧性冲突就被设定在了这个避难所内，在有限的空间内，更加强化了中日之间的冲突，完成了从偶然到必然之间的过渡转换;避难所内的南京百姓在极其狭小的空间内是无路可退的，面对日本兵也只能束手待毙，更加重了百姓的悲剧性，和日本兵的无人道性。
如果，我们再设想，这场冲突被设置在室外进行，空间大或无任何空间限制，则还有自由可言，还有逃跑的希望。而在避难所，则一切希望全无，因为，唯一的路口，已被日本兵严加把守。空间的限制，是造成群体悲剧的开始。
影片结尾的场景是在开放式的构图中展开的，小豆和老赵被捆绑着前进，后面跟着角川兄和一个日本兵，谁都知道最可能的结局是被射杀，但结果却是被角川兄放生。这一场景在构图中毫无任何限制，是非常自由的空间，日本兵和角川兄处于后景，生杀大劝掌握在他们手中，而其实在这一画面中，真正起作用的是角川兄一人，日本兵只是起陪衬，被安排进入画面的时间有限。
对片尾这一场景中符号意义的解读，具有两层意义，一层为对自由的渴望和获得自由，一个是肉体，一个为精神;另一层则为求生的本能和对生命的怜悯。肉体自由和求生本能就不必做过多的叙述了，在影片中就体现在小豆和老赵两个符号性的人物身上;那么，精神自由和对生命的怜悯该如何作解?大家都应该知道，角川兄在把他们放走之后，看着他们远去的背影，眼望着前方，对身边的日本士兵，说了这样的一句话：“活着比死更艰难吧”。非常具有哲理性的一句话，却让我们看到了角川兄作为人一面的善性，而最后角川兄的自杀则是对精神自由、精神解脱诠释的最具符号象征性意义的举动和行为。
根据对以上两个场景镜头所作的分析，大家应该都明白了镜头物像和意义的表达两者是不能完全分离的，就像我们世界所存在的物质，都是有其特定意义的。当然，这类意义有不少都是人为添加和给予的，但由于看问题的角度不同，因此，意义的表达也就同样是复杂和多样的。那么，除了人为意义之外，是否还存在自然意义?答案是肯定有的，否则，也就不会有我们所懒以生存的宇宙、星球和物质世界了。所以，这个世界不存在没有意义的物质，同样，也就不存在没有意义的镜头了。
B. 如何分析电影镜头
一部电影的镜头分析是很麻烦的，怎么运用的，推拉摇移跟、远全中近特是那种，那一个镜头的用意是什么，表达一个什么东西、色彩的运用，反正是很麻烦的。以前学的时候搞这个搞到头疼。
C. 电影中镜头移动的方法有哪些
我们都知道经过专业培训或者出自影视摄影专业的学生都学过电影镜头拍摄的运镜方式，其实拍摄视频时镜头的运动方式有很多种。其中推、拉、摇、移这四种镜头的运动方式是我们短视频拍摄中最常用的拍摄方式，也是电影摄影师在艺术创作中必不可少的拍摄方法。学会如何拍摄，有利于提高我们短视频的质量，下面就和大家具体分析。
特写镜头镜头的运动方法是在人物不动的前提下，镜头向前匀速运动或者不匀速运动（运动速度也与你想让此镜头表达的意义有关）。 俗话说土办法还是有的。我们深知必须让摄影机往前匀速移动，这时我们使用移动的三脚架拍摄或用货运平板车拍摄就能解决此类问题。但是，大家要注意的是要做好视频防抖和直线运动。
D. 无间道影评21：电影镜头剪辑分析
特地做了语音版，可在喜马拉雅FM或今日头条，搜索无间道影评或浪兄笔记收听。
首先从电影镜头的拍摄和剪辑人员上，是香港当时一流的。视觉效果顾问：杜可风(HKSC) 摄影指导：刘伟强(HKSC)、黎耀辉(HKSC) 剪接：彭发、彭正熙
杜可风，被称为“亚洲第一摄影师”，也被曾为香港文艺片代表人物王家卫的“御用”摄影师，在王家卫的电影中更是强调画面以表现文艺为主。刘伟强，执导拍摄过《古惑仔》等多部出色电影，而且刘伟强本人虽是导演，但他也是摄影出身。黎耀辉，非常有名的在《春光乍现》中被导演引用名字作为电影主角的摄影师，他本人曾参与许多优秀香港电影的拍摄。
彭发更是彭氏兄弟之一，和彭正熙都是香港数一数二的剪辑师进入电影剧情，主角之一琛哥（曾志伟饰）的出现镜头是紧接电影开头关于无间道的佛教片头开始出现的实景佛像开始，全景镜头的转移，赫然出现的是琛哥拜佛的背影，接着是琛哥潇洒地向一众小弟讲话的内容，在开头镜头中，突出了年轻的刘建明（陈冠希饰），在不断地讲话中，在琛哥和陈冠希中间的切换，自然切入刘建明进入警校学习的镜头，而且在切镜头的时候，充分运用了背景音效，使转换更显自然，观众的思维转换也更有节奏感。在接下来的镜头中，陈永仁（余文乐饰）和刘建明的介绍中，更是运用了经典的对比镜头，在陈永仁被警校开除中，略显静止地对比两人的态度，配合台词，更让人对这改变两人人生开始的一刻印象深刻。
到开始正式叙事之前，也就是讲两个主人公年轻事件，完全可以说是用镜头讲故事，把各种陈永仁作为古惑仔打架和刘建明作为警察在警校训练的镜头快速的转换，以表现两人的成长过程，这一段紧凑而流畅，在这紧凑的镜头中还花了时间专门为以后故事作铺垫，对反光镜下刘建明是为之后故事中撞死MARY姐做铺垫，陈永仁的手指点墙特写则是为之后陈永仁卧底用摩斯密码报信作铺垫，镜头转换虽快但没有无用的内容，可谓短而精彩。
进入正题后，故事叙事从音响店的陈刘二人对话到天台见面，故事叙事节奏变慢，镜头稳而准确，主人公始终在镜头核心，而且在陈刘二人的见面，还分别很刻意地对比面对面两人眼中的对方的镜头，很快突出了两位主人公。天台见面，黄警司（黄秋生饰）和陈永仁的见面是逐渐铺开，一开始是蓝色天空，空旷的天台和陈永仁，干净慵懒的镜头和故事正题叙事速度一致，而且使人感觉每一个情节的转换自然而使人有期待。在两人天台争吵的内容提到过去时，每当切换到过去镜头时，背景音效的配合让短暂的黑白记忆镜头显得和叙事很和谐。
在电影交易毒品的逮捕行动一部分，随着情节紧张气氛的展开，镜头在各人之间的转换加快，而且有多处明显地随着叙事在采用运动镜头，也突出了电影开篇手指点墙的特写，动静结合，把整个逮捕行动表现的扣人心弦。在从逮捕行动到后来黄警司和陈永仁天台第二次会面之间的故事叙述，在延续前半部的完美拍摄的基础上，有一点个人觉得值得诟病的。同无间道第二三部相比，这一段没有抓住机会多使用亮的镜头，本来叙事电影情节性很重，电影主题属于警匪犯罪片，在此条件下依然大量使用暗色甚至黑色背景，电影的光线稍显偏暗。
而且出于情节性强的电影的缺点，大部分镜头都是近景聚焦在人物身上，但这也更考验摄影和剪辑对于人物的把握。再一次在天台见面，让人豁然开朗地再次重复第一次天台见面的镜头，使人被电影剧情紧紧抓住。在韩琛人手上来抓黄SIR的一幕中，对电梯层数的特写、黄SIR电梯门被缓缓打开的特写与大部分的急速运动镜头的动静强烈对比更是把故事推向了高潮，越来越紧张的压抑气氛和情节展开使人也跟着激动。
在陈永仁到了大厦楼下，黄SIR坠楼这一幕，之前越来越快的镜头和故事发展，突然在观众没有料到的黄SIR堕楼静止了，配上悲伤的《再见》背景乐，虽然只有1分钟左右，但是突出了在场目睹人员的表情，切入了黄SIR生前和陈永仁友情一幕，缓慢地音乐，缓慢地镜头加上演员投入地表演，所有的观众的心都被震撼了，。而这一幕也无疑成为香港电影乃至华人电影史上最经典镜头之一，似乎整部电影的前半部分的叙事都是为了这催泪的一幕而来，这便是整部无间道一的高潮和精华所在。
这样的镜头，1分钟，马上又有傻强（杜汶泽）慌忙拉扯中回到之前的紧张快速镜头，可正是整个天台杀黄SIR情节的整体紧凑，突出了这一分钟的珍贵。之后傻强的死，没有使用黄SIR死亡的强烈慢镜头对比，这也是傻强这个角色重要性稍微弱而使然。之后的部分，可以说情节虽然变化，但是拍摄手法不变，从黄SIR死后的调查，越来越紧张的情节发展，重复了前面交易毒品逮捕过程的手法，而片尾的陈刘天台对峙也是对黄SIR堕楼情节的再次使用。在这一部分中，陈刘天台见面，陈跑到刘背后的巧妙快速视角切换，镜头速度的放慢，突出了两人的矛盾。
而在电梯口陈被刘同事一枪击毙，镜头是以枪声和屏幕的突然黑幕，避免的血腥场面，黑白是整部电影的主旋律，以黑幕枪声代替血腥出现，不仅使人惊讶，而且在那一秒中之内，观众对于是刘还是陈的死亡的猜测使电影再次进入高潮，黑幕结束后，陈永仁缓缓倒下和再次《再见》背景乐，这相当于重复之前黄SIR堕楼的震撼，但是正是黑幕的使用和情节设计的巧妙，使再一次的慢镜头背景乐的煽情不显矫情更将电影推向二次高潮。
在电影完结时，有稍显啰嗦的叙述，其实叙事电影不一定把每个故事从头到尾讲的很清楚，单从单个电影分析，是不够好的，但是考虑到《无间道》是三部系列片，这一高潮后的叙事就有其存在价值。而且电影最后，刘建明个人特写，回到电影正篇叙事，也就是陈刘人生转换点，陈永仁被赶出学校的镜头，配上“我想和他换”，与电影前半部的呼应，使整部电影一气呵成。整部电影，虽然逃不脱叙事电影突出人物剧情的弱点，但是强大的摄制人员和与情节完美结合的拍摄和剪辑，使该片成为进入21世纪香港电影的代表作，也打破了香港电影走下坡路的说法，可以说是里程碑式的作品。
文章2：
这8个镜头，是值得回味的经典！
《无间道》豆瓣评分9.1，有人说这部电影比肩美国经典电影《教父》，《教父》的豆瓣评分是9.2，《教父》虽然比《无间道》的评分高出了0.1，但是作为影迷，我个人更加偏爱《无间道》。
因为《无间道》讲的不仅是真男人的故事，而且要比《教父》多了一些耐人寻味的含义，以下这8个经典镜头，每一个都值得人回味！
这8个镜头都是按照电影的时间顺序放置和进行解释评价的，这样做是为了方便大家边回味电影，边从电影中得到一些有用的东西。
路怎么走，你们自己决定
1、这个镜头是大毒枭韩琛对手下说的话“路怎么走，你们自己决定”。当时刘建明喝了韩琛的酒，听从了安排，成为了贩毒团伙安插在警方的卧底，刘建明的命运也从此发生改变。
刘建明的这个选择，让十年后的他从一个小混混，摇身一变成为了一名高级督察，然而刘建明当时有的选吗？没有！韩琛那张开的五指，就像命运的黑手，牢牢抓住了刘建明的命运。
刘建明：我想跟他换
2、这个镜头是陈永仁被开除警校的时候，教官训斥学员，你们有没有人想跟他换？身为贩毒团伙卧底的刘建明说“我想跟他换”为什么刘建明会说出这句话，难道刘建明不想当警察吗？答案当然是否定的！
如果是一个光明正大的警察，刘建明会牢牢抓住机会的，但是他知道，韩琛安排他进警校，那么他在这条路上，无论走到多高的位置，他都是一个受人牵制的工具，因为他的身份是虚的！
贩毒集团卧底这个身份，就像一颗定时炸弹，爆炸是迟早的事，那时候他失去的不仅是荣誉，而且还会令喜欢他的人失望透顶！
陈永仁向警校长官灵车敬礼
3、这个镜头是陈永仁向逝世的警校长官灵车敬礼，背景音乐是一段悠鸣低沉的声音，镜头采取的由远及近推向陈永仁的过程。
此镜头有两个作用，一是交代了此时知道陈永仁身份的只剩下了黄警司，二是表明陈永仁时刻谨记自己是警方派遣到黑社会的卧底。
梁朝伟不愧是影帝，不但这个敬礼的姿势相当标准，而且他的眼神也足够认真，此刻他的眼底暗藏着悲伤，但眼神透露出的更多是坚定，常常说眼睛是心灵的窗户，梁朝伟的眼睛特别有戏！
韩琛在警察局吃盒饭
4、这个镜头是韩琛在警察局吃盒饭。比较喜欢看这些港片中，主角吃盒饭的镜头。韩琛吃盒饭这个片段霸气侧漏，不仅身后站着七八个抱膀的小弟，而且还因为黄警司的激怒，韩琛大手一挥，把七八份饭菜都扫到了桌子下面。
5、陈永仁在李心儿的心里诊所问她“你觉得为人怎么样？”陈永仁问出了这句话以后，电影背景乐适时的插入进来，这段音乐又轻又浪漫，衬托了陈永仁与李心儿交流的浪漫氛围。但是这个镜头还有两个作用
一是表现了陈永仁内心的矛盾，身为警方卧底的他，却被周围人都视为一个混混，所以他在面对李心儿的时候，开玩笑的对她说“告诉你一个秘密，不要告诉别人，其实我是警察”。
将近十年的卧底生涯，让陈永仁的心里也产生了渴望，渴望有人能够了解真正的他，而李心儿就是很好的倾诉对象。
二是电影背后的含义，“你觉得我为人怎么样”这句台词在电影里出现过两次，一次是黄警司面对陈永仁时候问的，另一次就是这次。
也许好人和坏人的区别，就是好人不怕别人了解自己，而且还渴望别人了解自己，但是坏人害怕别人了解自己，他们只能戴着面具做人，就像刘建明一样。
黄警司坠楼的闪回镜头
6、这个镜头是黄警司坠楼的镜头，其中运用了闪回、背景音乐、特写等电影呈现手段，坠楼的特写镜头可能会让人看起来不舒服，所以把回忆黄警司的闪回黑白镜头放置在这里。
尤其需要赞扬的是，背景音乐《再见警察》运用的堪称完美，这段音乐音质纯粹，又带有很多伤感，听起来不仅令人为黄警司的逝世感到惋惜，也能够从内心产生对他高尚职业操守的尊敬！
你挑的
7、这个镜头给韩琛和刘建明之间的命运纠葛划上了一个句号，这段镜头采用了闪回、远近镜头变换与背景音乐结合等多种电影呈现手段，刘建明开完枪以后，还对倒下的韩琛说了一句，你挑的。
韩琛已死，控制刘建明命运的黑手已经不见了，然而刘建明犯下的过错，能够因为韩琛的死而完全消失么？不能！还有人不会放过他，例如陈永仁！
对不起，我是警察
8、陈永仁与刘建明在天台上的这场对峙片段，也是相当经典的。刘建明走上贩毒集团卧底这条路，虽然是身不由己，但是他毕竟是犯下了许多不可饶恕的错误，黄警司的牺牲，刘建明就起到了巨大作用。陈永仁当然不会放过他。
刘建明对陈永仁说“那就是要我死？”陈永仁回答他“对不起，我是警察”有些事情是要恩怨分明的，不管有什么不得已的苦衷，罪恶终将尝到恶果，正义是一定要有人维持的！
这8个镜头是《无间道》中值得回味的经典镜头，这其中既有正义与邪恶的较量，也有对人性的考量，对命运的思考。虽然电影里黄警司和陈永仁都牺牲了，这不符合人们对正义者终将幸福的美好期盼，但这也是电影打动人心之处。
就像是电影里的那句话，正义的人在面对别人的时候，能够问一句“你觉得我为人怎么样”，这是因为他们问心无愧，他们的内心是光明，不必担心别人看到自己的本质。
文章3：
分析无间道中的拍摄技巧以及手法
《无间道》坚守香港电影的传统，尊重市场竞争规律，摒弃以往港片中媚俗的习气，影片在悬念设置、场面调度、剪辑技巧、色彩氛围、音响效果等方面都大胆创新，这些探索值得内地影视圈借鉴。
刘伟强和杜琪峰代表了新生代香港电影黑帮片的两座高峰，如果说杜琪峰拍《枪火》、《PTU机动部队》，是在发扬香港黑帮片“狠、酷、黑”的特色并努力营造好莱坞式大场面的话，那么刘伟强在《无间道》系列中，则更多的是对人物复杂关系及悬疑情节的着力营造，影片显示出了制作班底的融合化、拍摄技巧的精细化、编剧手法的欧洲化、商业运作的美国化等新趋势。《无间道I》故事超常精彩，《无间道II》在发掘人物内心上下足功夫，到了《无间道Ⅲ》，编导用“旁生枝节”加入人物来刺激观众的新鲜感。
三部《无间道》让很多香港电影人重拾往日的记忆，他们发现，即使手中的风筝放飞到了至高点，那根线原来还在自己的手中。《无间道I》和《无间道Ⅱ》，吹响港片复苏的号角《无间道I》和《无间道Ⅱ》带来的强劲势头，为港片的全面复苏吹响了号角。《无间道》的作用显而易见，它成为一种象征性的标志，为曾经低迷的港片市场注入新的希望与动力，更在亚洲影坛刮起一股飓风。
我们首先得肯定导演刘伟强和麦兆辉的作用，这对组合在2003年成熟得令人惊讶。如果说2002年他们冀望凭借《无间道I》为自己获得更为自由的创作环境和更为广阔的发挥空间的话，在2003年，他们又凭着《无间道II》真正找到了风格和商业之间的最佳协调点。《无间道II》不再满足于《无间道I》的机智和精巧，而是靠气势宏大、凝重感十足翻开了电影新的篇章，演员和导演已不是重点，电影内容表达了一切。
《无间道I》和《无间道II》的情节一波三折、扣人心弦，若以单场戏论，其精彩之处比比皆是。比如《无间道I》中黄志诚监视韩琛毒品交易一场戏，强调突出的是双方通过各自卧底在暗中的斗智斗勇，着力造势，仿佛箭在弦上，但引而不发，整场戏张力十足。
整部《无间道II》的繁复网状结构和庞大纠葛的家族体系与人物关系，都并非一般的亚洲电影所能相提并论。影片不再满足于普通港片以暴力血腥作为主要刺激手段的做法，而转以剧情的张力、人物关系以及整部影片被赋予的厚重的气质来取胜，达到了一个新的高度。这样的电影风格转变是令人欣喜的，这创造了香港电影发展的一种新方向，也预示着香港电影复苏的脚步将会越来越快。
看过《无间道Ⅰ》和《无间道Ⅱ》后，观众会等待《无间道Ⅲ》的答案：到底谁是好人、谁是坏人。《无间道Ⅲ：终极无间》，瑕不掩瑜《无间道III》在编剧上对于刘建明精神崩溃的细腻独到的刻画，其人物性格的转化交代得比较清晰，大量刘建明想做好人的心理幻觉，突出了刘建明想做好人但永远无法返回的悲剧；部分蒙太奇镜头的应用取得了意想不到的效果，而在人物关系的处理上则进一步表现出导演的调度能力；六大影帝的表演，尤其是梁朝伟、刘德华、陈道明等人的表演均有可圈可点之处。值得一提的是在结尾处，《无间道Ⅲ》极力摆脱了《教父》的阴影，以一种中国电影所特有的光明式结尾，拍出了香港电影的一种新的极致。
与前两集相比，《无间道Ⅲ》重在渲染变幻莫测的人物关系和人物心理状态，不像以往的商业片靠情节制胜。这种新的叙事手法，表现在错综复杂的时间和人物线索上，镜头在刘德华出门的背影上一闪，切换过来却是梁朝伟推开另一时空某扇门的正面，意识流一般跳跃的风格，依稀可见昆汀和王家卫等人的影子，是黑帮片最前卫的拍摄手法。
至于有人看完影片后所感到的“晦涩”，可能主要是因为影片所采用的两段式结构。尽管《无间道Ⅲ》是一部无论从导演技巧、演员表演和拍摄手法都属上乘的影片，并这不是说它已经臻于完美。比如在编剧上对于刘建明精神崩溃的刻画还稍嫌粗糙，人物性格的转化交代得不够细致，很多人觉得影片结尾处刘建明对于自己所窃取的录音带的混淆情节略显突兀。
《无间道》系列基本的逻辑和事实错误也有很多，比如刘德华居然穿着一身工作服戴个帽子就满警局乱窜，那么帅的身影，谁不认识？怎么也得整成“大块头”再套个面具才显得办案过程中有自我保护的大智慧。这不,被沈澄和杨锦荣玩个半死。台词上也由经典并富有哲学意味的“出来跑，迟早要还”降格为古惑仔嘴里才有的“出来混，不是你爆我，就是我爆你”。《无间道Ⅲ》在语言上自贬身价。
《无间道》总体繁冗拖沓，太多情节经不起推敲。刘建明那么有前途的一个警察为什么要死心塌地为韩琛做事？始终没有富于说服力的交代。《无间道III》在镜头语言的应用上也让人费解，一系列不断闪回与插叙的镜头，让人如隔雾看花，在叙事和镜头方面也比不上前两部片子。
E. 摇镜头和移镜头表现横向或纵向物体视觉效果的联系与区别
咨询记录 · 回答于2021-10-15
F. 在电影中怎样做镜头分析啊
在电影中根据镜头的景距、视角的不同，一般分为：
一、极远景：极端遥远的镜头景观，人物小如蚂蚁。
二、远景：深远的镜头景观，人物在画面中只占有很小位置。广义的远景基于景距的不同，又可分为大远景、远景、小远景三个层次。
三、大全景：包含整个拍摄主体及周围大环境的画面，通常用来作影视作品的环境介绍，因此被叫做最广的镜头。
四、全景：摄取人物全身或较小场景全貌的影视画面，相当于话剧、歌舞剧场“舞台框”内的景观。在全景中可以看清人物动作和所处的环境。
五、小全景：演员“顶天立地”，处于比全景小得多，又保持相对完整的规格。
六、中景：俗称“七分像”，指摄取人物小腿以上部分的镜头，或用来拍摄与此相当的场景的镜头，是表演性场面的常用景别。
七、半身景：俗称“半身像”，指从腰部到头的景致，也称为“中近景”。
八、近景：指摄取胸部以上的影视画面，有时也用于表现景物的某一局部。
九、特写：指摄像机在很近距离内摄取对象。通常以人体肩部以上的头像为取景参照，突出强调人体的某个局部，或相应的物件细节、景物细节等。
十、大特写：又称“细部特写”，指突出头像的局部，或身体、物体的某一细部，如眉毛、眼睛、枪栓、扳机等。
(6)电影移镜头片段分析扩展阅读：
形态景别拍摄解释
一个镜头，可以由全景推出中景；近景乃至特写，也可以由特写拉成近景；中景；全景乃至远景景别是由视距来确定和划分的，所谓视距，是指摄影机与被摄对象之间的距离。
在一个镜头内，或者说一个电影句子内，就应包括经过严格选择的各种不同的景。因此，便有了各种景别
任何一部影片都要使用各种景别，概括的说，可分五大类即远景；全景；中景；近景；特写。其中还分为大全景；大特写。
G. 远山的呼唤，开头片段，从景别的角度分析远景的作用，活着用镜头的角度分析推拉摇移的运用效果。
指拍摄远距离事物的镜头，人物在画面中只占有很小位置。常用来表现环境的全貌。远景中包含大远景，常用来展示广阔空间环境，表现规模浩大的人物活动和气势宏大的场面。不过，远景也完全可以用来表现人物的心境和表达寓意。影片《林则徐》中，在林则徐奔上城垣，极目远眺乘船离去的邓廷桢这一场景中，连用三个大远景，使惜别之意、惆伥之情充溢画面。远景的运用，还可以使影片保持一种格调的一致性。日本影片《远山的呼唤》中，以一个儿童远眺的视点，将一场打架置于远景表现，保持了影片恬淡风格的统一。 【近景】指摄取人物上半身活动的镜头，或拍摄与此相当的景物局部的镜头。近景中，环境已居于很次要的地位。近景多用于强调人物表情和重要的细微动作，或表现物体局部，能鲜明而强烈地表现人物关系和人物思想感情，使观众仿佛置身于人物活动的事件之中。近景是集中观众注意力于人物的主要景别之一，在电影中出现的频率相当高。推镜头】 指被摄对象位置不动，摄影镜头由远而近向对象推进拍摄的方式。这种手法使画面视点由远而近，取景范围由大变小，主要部分逐渐占满银幕，逐渐增强观众的视觉感受。推镜头拍摄有快慢之分。慢推使观众注意力逐渐集中，快推可产生紧张急促感。采用变焦距镜头拍摄时，从短焦距调至长焦距拍摄，也可产生各种推镜头效果。但变焦距推拍与推镜头还是不一样的。变焦距推拍只改变镜头视角大小，造成画面内部景别远近的变化，它和推镜头的透视关系、景深范围不同，和人在运动中的真实感受也不同。 【拉镜头】 指被摄对象位置不动，摄影镜头逐渐由近及远拍摄的方式。取景范围由小变大，视点就有由前向后移动的感觉，画面便产生逐渐远离被摄主体或从一个对象到更多对象的变化。拉镜头也有快慢之分，也可以应用变焦距镜头。拉镜头的功用很多，可以使观众在同一个镜头内，渐次了解到局部与整体的关系；可以在一定的影像构成中预示某种结局，也可以表示人物的心境和处境及其他各种艺术效果。 【摇镜头】 也称“摇拍”，简称“摇”。指摄影机位置不动，机身依托于三角架上的底盘作上下、左右、旋转等运动，如同我们站在原地环顾周围的人或事物。摇镜头的基本作用是不必经过剪接而使画面的内容发生变化。摇镜头分左右摇、上下摇、闪摇。闪摇，又称甩镜头，是速度极快的摇摄镜头。它们均呈现为生动的动态构图、不同的艺术表现效果和多种表现力，如渐次展示广阔环境，舒缓或急速地表现动态中人物的精神面貌，烘托情绪与氛围等等。摇镜头的使用与观众的视觉感受和观赏情绪密切相连。摇摄的不同速度会引起观众视觉感受的各种变化，观众对画面内事物的辨认速度和接受情绪也制约着摇摄的速度。 【移动镜头】 即“移动拍摄”、“移动摄影”，简称“移”。广义说，运动摄影的各种方式都为移动摄影。这里的移动摄影专指把摄影机安放在轨道移动车或其他运输工具上（火车、汽车、飞机等），在沿水平面作各种方向移动中拍摄对象。按移动方向可大致分为左右移动、横向移动和纵深移动。被摄对象为静态时，摄影机移动，使景物从画面中依次划过；被摄对象为动态时，摄影机跟随移动，即跟移。移拍与摇拍结合可以形成摇移拍摄方式。移动镜头把运动着的人和不断变换的景物交织起来，可连续展示宽阔的空间环境，可在较强的动态中表现人物的活动、揭示心理、渲染氛围等，可以形成强大的造型冲击</SPAN></p>
H. 从镜头运用和声音形式分析电影节奏——浅评电影《放牛班的春天》
摘要：在2004年法国上映的影片《放牛班的春天》，原名为《Les choristes》,又名《歌声伴我心》（港）、《唱诗班男孩》和《The Chorus》。该电影由克里斯托夫·巴拉蒂执导，由热拉尔·朱尼奥领衔主演，曾提名第五十八届英国电影学院奖、第62届金球奖和第77届奥斯卡金像奖。该影片中的镜头运用手法的合理运用和别出心裁的声音形式让作品在视觉和听觉方面呈现出的整体风格十分和谐，对其叙事结构的总体安排和构造起了重要的推动作用，因此强有力的烘托感和渲染力成为该影片节奏感的出彩之处。本文将主要从镜头切换和声音形式两方面来分析该影片的节奏中所蕴含的魅力。
关键词：《放牛班的春天》；镜头运用；声音形式；电影节奏感
《放牛班的春天》这部电影讲述了一位在音乐梦想上不得志的老师克莱蒙·马修，在窘迫的境遇下来到塘底寄宿学校当学监，同那里的校长、老师和孩子们等人相处，并最终用音乐温暖了孩子们的心，改变了他们人生轨迹的故事。
影片中采用的是过去式插叙的叙事结构，通过已经成为著名音乐家的皮埃尔·莫朗杰来翻开由佩皮诺带来的马修的日记本来引起这一段往事的回忆和感概。
在影片中，运用了多种镜头运用方式来构建起人物在情境中表现出来的个性和品质，也使得故事的叙述和情节的演进不再单调乏味。给人以舒缓为总基调的节奏感，便于情绪层次的抒发和推进，巧妙地引起观众的情感带入。
除此之外，马修组建的孩子合唱团的歌声直接作为电影音乐的主要内容，既能保持当前情节的进展，又恰好可以让其成为一种具有象征意义的阶段性总结的情感符号。音乐在该影片中具有陪衬性质和烘托作用，同时也成为影片中的重要内容和素材。无论是作为桥梁还是作为基干，声音在该电影中的运用时机和呈现形式等方面都值得去探究和思考。
一、丰富的镜头运用方式和生动的画面效果
(一)多种类镜头运用
《放牛班的春天》中运用了多种运动镜头来顺应叙事人称的切换以及故事情节的开展和过渡。
摇镜头和移镜头在整部作品中应用的次数较多，主要出现在影片的开头和中间的转场，如莫朗杰得知母亲噩耗后转入参加葬礼，由白天活动转入夜晚马修伏案写日记和乐谱等等镜头，传达出拉长时空的效果，使情节上能够进行自然而灵活的过渡，也保留有记叙手法原有的风格和基调。
影片中甚至还出现了甩镜头，即哈杉校长审讯蒙丹是否偷钱时激怒蒙丹，后沙贝尔抓住蒙丹，哈杉校长气急说要报警要蒙丹入狱那一幕，沙贝尔给马修递眼神时运用到了整部影片中唯一一次甩镜头，强有力地凸显出蒙丹偷钱事件已经发展到了无法挽回的糟糕地步，紧急的情节下留给人更多无奈的惋惜和无措，与之后蒙丹被警察带走出门时回头顽劣一笑的慢镜头形成一种鲜明的反差和讽刺，这种带给观众视觉上和感情上的突兀会激发起观众的深入探究和思考，对于寻找和理解影片旨意也是一种合适的契机。
而主观镜头在影片中也成为一个亮点。莫朗杰母亲维奥莉特的美好容貌通过主观镜头表现出马修内心对她的青睐和欣赏，自然生动，富有现场感和真实感。在特写镜头中，更是将维奥莉特向着阳光扬脸微笑时候的每一道眼角皱纹都拍摄出了柔和的气质和韵味，并且因为镜头给的时间较长，观众很容易就能明白镜头中所展现的其实正是马修深情地看着维奥莉特而不自觉地被她的美丽所吸引时的“眼神”，从而顾及了电影中的审美价值的同时，也巧妙的将人物心理的代入感直接传达到观众那一方。
把控和聚集一个镜头各方面的可利用的信息，就是使电影在稳定有序的进程安排上具有灵活机动的发展空间，在固定的时间段内尽可能多地做到细节饱满。这便是在电影节奏中镜头运动方面所要着重考虑的。
而《放牛班的春天》这样一部影片，在主体内容上就规定了它必须要把镜头着重地放在马修指挥孩子们唱歌的段落上。其中的许多推镜头成功地把合唱团这一整体形象立了起来，并将马修和孩子们相处过程中情感的交流与培养穿插在合唱当中，避免了表现内容上的枯燥乏味，也借此加强了呈现效果上的感染力和表现力，让师生彼此心意相通、心情互晓的微妙默契通过推镜头发挥到淋漓尽致，努力放大想要分享给观众的感动。孩子们为伯爵夫人表演合唱的片段就是一个典型段落场景。
(二)画面景别、画面角度和色彩基调的选择
约瑟夫·冯·斯登堡导演曾说：“电影是一件艺术品：当视觉画面的流动遵循着可感知的节奏（有着特定的停顿和步调），且这些连续的画面在各个方面都关乎整体。”画面是构成电影的流动零件，而分析和理解画面就是解读好电影节奏的不可或缺的一部分。
首先是画面景别。中景是叙事功能最强的一种景别，适合表现人物之间、人物与周围环境之间关系。该影片主要以人物对话为主要内容，交代各人物之间的关系，在主题思想上也注重“交流”“表达”“倾听”“理解”等双向或多向互动的概念，所以中景是该影片主要采用的景别。近景也是电影镜头中运用得比较多的一个景别，利用其着重表现人物的面部表情和有力刻画人物性格的优势，可以便于观众和人物进行情绪上的交流，由此产生的接近感也使细致画面给人以深刻印象。
例如“抵抗运动”中的寝室合唱的片段。莫朗杰自学学会新乐谱中的独唱部分并骄傲向马修展示的神态和歪头动作，马修预想不到莫朗杰进步之大的惊喜眼神，以及对于莫朗杰身上自满情绪的些许无奈的撇嘴微笑，都是由于近景在两人之间的来回切换才得以呈现出师生之间细微而生动的感情流露。
其次是画面角度。实际上画面角度和镜头的拍摄角度密切相关。在影片中较为经典的画面是孩子们在教室窗户边放飞写着送别字条的纸飞机来送别被哈杉校长开除的马修。当马修感动之余决定转身离开的时候，通过俯拍出来的画面传达出的，其实是孩子们眼睁睁看着尊敬而喜爱的老师带着的孤独、卑微却又倔强的背影离去时内心的不舍和心疼。由此看出，贴切的画面角度能够非常自然地引导观众思考的层次，使得影片的格局得到开拓和延展。
最后是色彩基调。色彩的主观性运用可在剧作内容和叙事完整上起到有效的表现和强调作用。根据剧情的发展和人物心理性格的变化，设计不同的段落场景色彩，能推动叙事发展变化，明确剧作结构，增加画面形式感。【1】该影片在总体的叙事基调上呈现出的是偏暖的前进色，无论是故事的讲述方式，还是故事内容本身，都是给人以明朗的情绪和积极的想法的。
影片中的许多画面视野还包含着关于自然元素的巧妙融合与设计。林荫路是其中一个重要的场景设置，而阳光穿过树叶缝隙形成的碎影营造出有温和质感的打光效果，间接地舒缓了人物之间的谈话节奏，有利于观众捕捉到“故事情节走向明朗”的暗示信息。这样的处理方式既属于影片在内容上的简省化说明，同时也有效地激发观众在欣赏过程中对审美艺术的感应能力。
二、声音在影片中的多样化呈现类型及其相应的意义
日本知名导演黑泽明曾表达过他所认为的声音在电影中应占有的态度和位置：“真正的电影的声音不仅仅是简单的、说明性的伴奏音，或在同步录音时捕捉到的自然的声音。换句话说，影片的声音并非简单地增加图像的效果，而是将效果放大两倍，甚至三倍。”声音在电影中的价值并不符号化，而在《放牛班的春天》这部影片中则更加明确地证实了这一点。
（一）旁白
旁白叙述贯穿了该影片始终，在营造马修这个人物的第一人称的视点上取得成功效果。特别是旁白的内容以日记体的形式出现，更让观众有度日记的身临其境的感觉。此外，旁白对于故事情节的补充和镜头的跟进也做到了准确简洁，实现了影视中画面和声音的有效沟通。在组织影片的内容的作用上，旁白叙述增强了多幅画面的拼接与过渡时的视觉震撼力。
比如，当马修看到孩子们的合唱有了明显的进步时，决心要继续编写出新的乐谱。孩子们的歌声作为配乐，而马修的画外音为“五月，我又有了新的战果”。与此同时，画面接连出现孩子们日常生活和学习中的近景镜头，并对伯尼法斯梳头和佩皮诺作弊做了特写，让影片的氛围瞬时变得欢畅和愉悦起来。随后的孩子们在空地上滚轮胎和在走廊上放飞纸飞机的种种活泼生动的画面，被悠扬的歌声和旁白语调渲染得尤为纯净而烂漫。
（二）歌声
在这部影片中，歌声无疑是最打动人的一个声音元素。声音是表现质感、时间和温度的重要手段，而孩子们合唱的声音因为真实、丰厚、环绕而具有兴发感动的力量，而在场景中和其他声音形式的互相叠加使得受到触动的感觉更加丰盈和独特，由此大大增强了故事内容的可信度。与旁白相同，歌声在电影结构上也具备组织情节和转场的两个功能，作为一种剧情手段和转场元素而存在。
另外值得关注的一个方面是在影片中孩子们唱出的歌词。主题曲中有这样一段歌词：“希望之光，生命中的热忱，荣耀之巷，海上的清风，海面上的清风，托起轻盈的飞鹭，从白雪皑皑的大地上飞来。冬日转瞬即逝的气息，远方你的回声飘离了，西班牙的城堡。在回旋的风中转向展开你的翅膀，在灰色的晨曦中，寻找通向彩虹的路，揭开春之序幕”。马修写出的歌词中到处洋溢着孩子们对于自由的向往和对于美好的渴望，再经由孩子们唱出自己的心声，传达到听众耳里的便是师生情谊交融在一起的天籁之音了。
参考文献：
【1】郭曼.浅析电影创作中的主观色彩的运用及其作用[J].企业家天地：理论版，2009（12）.
I. 视听语言镜头分析
视听语言镜头分析 篇1
(一)淡出、淡入：
又称渐隐渐显。淡出是画面由明晰渐渐隐去，变为全黑，相当于舞台上的“幕落”;淡入是影片从全黑中渐渐显出画面来的一个镜头的开端，它的作用是分隔时间空间，表达戏剧段落，相当于“幕启”。
(二)化出、化入：
即在前一个镜头渐隐的同时，后一个镜头又重叠出现，直到前一个镜头消失。这种方法常用于影片开始时的字幕介绍，或表示剧中人的回忆、想象以及时间的省略。比如从一个雪景转换为桃花盛开所表示的冬春季节，最适用于吐较缓慢或柔和的节奏。
(三)划出、划入：
是以一条直线或一个圆周线，从镜头画面的一边或一部分运动到另一边或另一部分。第二个画面就跟着这条直线或圆周线出现，直到前后两个镜头交替完毕。这种方法好象翻阅画册的动作，常用于科教影片中，也可在故事片中表现字幕或人，景等物。另外，“划”的技巧中还有帘子卷起或放下那样的帘出、帘入形式和以缩小或扩大圆圈来展现画面的圈出、圈入等形式。
(四)切出、切入：
它是从前一个场景的画面立即转为后一个场景的画面，中间不需要任何技巧，而采用镜头直接转换，连接紧凑，往往用在环境描绘、人物对话、行动的衔接上，在艺术表观上具有干净利落，进展迅速的特点，在艺术表现上具有干净利落、进展迅速的特点。
(五)反转、倒转：
是一个画面经过180度的前后翻转换为另一个画面。这种反转画面特别适用于表现对比内容的镜头。在影片结构上，还可以用它来连接两段各不相同的.“戏”。倒转画面，是将一个倒置的画面上下旋转180度变为正置的活动画面，这种方法，能够改变剧情发生的时间、地点。
电影镜头
这里所讲的电影镜头，主要是指镜头运动的方式，拍摄的不同角度和不同内容而言。
电影镜头是多种多样的，根据电影内容和表现人物性格的需要而使用不同的镜头。电影摄影机从开拍起到停止拍摄，这—段电影胶片叫做一个镜头。从第二次开拍到再停止就算第二个镜头。一般地来说，电影镜头有下列几种：
(一)拉镜头：
它的作用是为了让观众在看清楚某一重点的基础上，由点到面，认识人物和环境，局部和整体的关系。拉镜头使人产生宽广舒展的感觉。例如，故事片《苦菜花》中的第一个镜头，首先出现的是一朵盛开的苦菜花的特写镜头，然后又出现一只小手伸入画面采摘，但观众却看不到人物，也不知道是准的手，这是镜头拉开了，观众才看到是曼子在欣喜地挖出苦菜花。这种拍摄方法，就叫做拉镜头。
(二)眼镜头：
顾名思义，就是镜头始终是跟随一个在行动中的表现对象进行拍摄，以便连续而详细地表现他的活动情形，或在进行中的动作和衷情。
(三)摇镜头：
这是指摄影机放在固定位置，向左右环顾，摇摄全景，或者跟着拍摄对象的移动进行摇摄。它常用于介绍环境或突出人物行动的意义和目的。
(四)推镜头：
是指被摄人位置不动，只移动摄影机推成近景或特写镜头。同一个镜头内容，缓慢地推近，给人以从容，舒展和细微的感受。快推则产生紧张，急促、慌乱的效果。推拍，可以引导观众更深刻地感受人物的内心活动，加强气氛的烘托。
(五)主观镜头：
是将电影的镜头当做剧中人物的眼睛来观察和表达客观事物的，它可以模拟感觉、渲染气氛。主观镜头比较普遍的是用来表现人物在特殊情况下的精神状态，也常用来反映人物的幻觉，想象，这在电影中是经常出现的。同时，对于刻划人物性格也有突出的作用。例如，故事片〈〈小花》的开头，有一段小花寻找哥哥的回忆镜头，它先用奔跑的镜头，引出当年的小花，又用喊哥哥的声音回到了现实，处理得自然流畅，产生较强的艺术效果。
(六)空镜头：
这种镜头，以具体的视觉形象(即画面)表明一定的时间、地点、没有人物，没有语言，只丧现具有一定寓意的自然景物和气氛的场面。如山、水、海、青松、花草、白云、月亮、飞鸟等。它是使电影富有诗情画意的重要手段，从而造成宽广，深邃的意境。
(七)俯仰镜头：
俯仰镜头可分为俯镜头和仰镜头。俯镜头除鸟瞰全景之外，还可以表现阴郁、压抑的感情，一般起贬意的作用。仰镜头为瞻仰景，在感情上起着褒意的作用。
(八)升降镜头：
升降镜头一般用于大场面的拍摄，它能够改变镜头视角和画面空间，有助于戏剧气氛和效果的渲染。例如，故事片《天山的红花》中，当奥依古丽下了吉普车，走进群众欢迎她的场面，就是摄影师在直升飞机上高俯拍摄的。这种拍摄方法渲染了气氛，展示了广阔的空间。
(九)综合性镜头：
综合性镜头，指镜头的运动方式是多种多样的。有时为了使电影更充分、更突出地表现某一情节，往往在一个电影镜头里，将推、拉、升、降、摇、移等镜头结合在一起使用。它为画面造成正、侧、仰、俯、平等各种不同的镜头角度，既能表现环境的全貌，又能表现某个特定人物的近景，以及人物与人物之间的关系，使电影更加富有表现力。所以，电影镜头既可以单独使用，又可以结合、交织在一起使用。这种镜头也称为长镜头。
(十)变焦距镜头：
它是指摄影机的位置不变，通过安装在影机内的变焦距镜头的焦距变化，使拍摄对象在不改变与摄影机的距离的条例下，加速或匀速的拉远或推近，造成一定的节奏。
视听语言镜头分析 篇2
一、升镜头
指摄影机从平摄慢慢升起，形成俯视拍摄，以显示广阔的空间。它可局部展示整体。如在影片《青春之歌》的结尾中，学生用水龙头把军警神得抱头鼠窜，江华、林道静跑入画面，号召同学前进。这时一个上升镜头从全景变成广阔的远景，学生队伍的革命洪流滚滚向前，势不可当。它既有连续性，又富于生命的动感加强了戏剧效果，形象地告诉观众，党领导的学生运动必然战胜国民党反动派而得到最后的胜利电视剧《水浒传》(总导演：张绍林)第1集中“高俅发迹”那场戏，高俅投到端王府后，昔日的小流氓们以“苟富贵，莫相忘”前去纠缠，高俅约他们第二天翠仙楼聚餐。翌日，(升)翠仙楼，高俅派军士前来，把往日的狗腿子们打得身残腿断。这个“升拍”既描写了环境，又刻画了高俅的阴险毒辣。
上升镜头有时还具有讽刺意味。
二、降镜头
指摄影机下降拍摄，则引起相反的效果，有时也用在介绍环境。如在影片《平原游击队》中，描写李向阳他们下地道，就是用的下降镜头。升降拍摄，大多用于大场面的拍摄。它能够改变镜头和画面的空间，并有助于加强戏剧效果，渲染气氛。
电视剧《水浒传》第2集《拳打镇关西》中，鲁达与史纹龙在店中喝酒，听隔壁有女人哭泣，烦心而难饮，鲁提辖决心为那父女出气，摄影机降下，拍出前景的一桌酒菜，突出中景中欲铲除恶人的鲁提辖。
三、俯镜头俯镜头一般称为鸟瞰镜头
除鸟瞰全貌外，在感情色彩上还可以表现出阴郁、压抑等情绪。有时它起着贬低的作用。如在影片《平原游击队中，俯拍汉奸地主的家，就是贬斥。
电视剧《水浒传》第1集“高俅发迹”中，远景，东京汴梁，(俯摇)繁华的港口、城楼，(跟拍)一乘轿子，进入热闹的大街，将东京的兴盛、富庶像《清明上河图》一般展开。
四、仰镜头
一般称的仰瞻景。它在感情色彩上，往往有舒展、开阔、崇高、景仰的感觉。如在影片《南昌起义》中，所拍孙中山的铜像便是如此电视剧《水浒传·高像发迹》中，有段戏写王进抱打不平，把高俅的同伙打得落花流水，(仰拍)王进冲过去，直抓高俅。这个仰拍，突出刻画了王进的英勇无畏、除邪扶正的英雄气概。
俯、仰镜头，褒贬鲜明，感情色彩强烈，使用时必须符合剧中规定的情景。俯、仰镜头，在特定情况下，感情色彩也会发生颠倒，即用俯镜头显示崇高，用仰镜头反而表现贬抑等等。这是俯、仰镜头的特殊用法。
五、水下镜头
潜镜头指摄影机、摄像机在水底下进行拍摄，以表现丰富多彩的水下世界。如影片《大白鲨》、《泰坦尼克号》、《猎字U-571)等，都有大量的水下镜头。
J. 电影导演分镜头方法解析
电影导演分镜头方法解析
分镜是在文字脚本的基础上，导演按照自己的总体构思，将故事情节内容以镜头为基本单位，划分出不同的景别、角度、声画形式、镜头关系等，等于是未来影片视觉形象的文字工作本。后期的拍摄和制作，基本都会以分镜头剧本为直接依据，所以也称为导演剧本或工作台本。下面是我为大家带来的电影导演分镜头方法解析，欢迎阅读。
什么是分镜头
分镜是在文字脚本的基础上，导演按照自己的总体构思，将故事情节内容以镜头为基本单位，划分出不同的景别、角度、声画形式、镜头关系等，等于是未来影片视觉形象的文字工作本。后期的拍摄和制作，基本都会以分镜头剧本为直接依据，所以也称为导演剧本或工作台本。
分镜头剧本是导演对由文学形象到视觉形象的转变中的具体化的总体把握和设计，可以体现导演创作的风格特点。
分镜头剧本的内容一般包括镜号、景别、摄法、长度、内容(指一个镜头中的动作、台词、场面调度、环境造型)、音响、音乐等，按统一表格列出。
可以说它是影片的拍摄计划和蓝图。
分镜头草图(故事板)的使用可能开始于华特·迪斯尼的第一部卡通片，韦布·史密斯是迪斯尼20世纪30年代早期发明故事板的动画师。不过即使没有迪斯尼的影响，故事板最近的血亲——漫画书，已经扎根于30年代大多数美国人之中。而电影可以用单一的画板加以影像化的观念，成了不可避免的发展结果。
希区柯克也许是最擅长故事板的导演，他使用细致的图卡来修饰他的视像和控制拍摄流程，以保证他的原始意念可以完整的被转化成影片。他手绘的《西北偏北》分镜图，如今已经成为众多电影人观摩学习的必读手册。对美工师出身的希区柯克而言，这也是一种借以确认他就是影片创作人的途径。他经常会说他的电影还在没拍之前就已经完成了。我们能够从他在现场很少看取景器的事实得到证明，因为现场所拍的仅仅是故事板中的等同物，而故事板则老早就已完成。
在好莱坞，几乎每部电影都会有专门的故事板制作团队。从早期的默片到现在的大片，故事板的制作是电影筹备前期的必要一环。分镜师根据剧本和导演的意见画出来的故事板，将画面的基本构图和运镜时间等都详细地准备好后，电影开拍，导演几乎能按照每个画面进行调度拍摄。但是在国内，因为资金不够，这些年才开始慢慢有了分镜师这个行业。一般也就是大导演的片子才会花钱请分镜师，一些投资小的片子，导演会画就导演画，导演不会画就让摄影画，也有干脆不画的。
而国内也有十分重视故事板的导演，徐克就是其一。例如前段时间网上流传的徐克的手绘故事板就是电影《狄仁杰之通天帝国》的手绘图。 这么多年来，他始终保留手绘镜头的习惯，灵感来了就会画上几笔，《通天帝国》、《七剑下天山》、《蜀山传》等电影的手绘镜头都是无一例外地华丽漂亮。
分镜的作用主要有这么几个目的：
第一，他让影片创作者得以预先将他的意念显现出来，并且可以像作家一样，通过连续的修稿来发展意念;
第二，它可作为与整体制作组成员沟通意念的最佳语言。
分镜的沟通价值会因为制作的复杂程度而增加，但它并不局限于动作场面和高成本的制作，即使是小规模的、戏剧性的影片也能受益于分镜头剧本。
然而故事板最明显的限制就是它不能表现运动，不只是画面之内的运动，更重要的是摄影机的运动。另外还有叠化、淡入淡出等光学效果，也超出故事板的表现范畴，景深和焦点的操纵也是如此。最直接的方法就是用文字注明和概要图，去形容画不出来的东西。
这个表格的最左边是场景号和镜头号。许多初学者会误以为一格就是一个镜头号，其实并不是这样，有的连续画面镜头会占用好几个格子，是为了详细的表现镜头的运动方式，或镜头中角色的行为等。
然后是“画面”，也就是要把向表现的画面画在这些格子里。
“内容”、“台词”部分则是要写清楚无法用画面表达的和需要加强说明的一些内容和拍摄手法，比如摄影机的运动方式、角色的台词、表情动作等。
“秒”就是秒数，有的视频制作可以不必特别精确，不过对于动画创作而言，很多时候是要精确到秒的，所以这里主要是标注镜头时间的。
最右边就是音效和特效的说明。
接下来介绍一些分镜相关的基本理论知识。
☆分镜头剧本(故事板story board)绘制要求
1、体现导演的创作意图，创作思想，和创作风格。
2、分镜头运用必须流畅自然。
3、画面形象须简捷易懂。
4、分镜头间的连接须明确。(一般不表明分镜头的连接，只有分镜头序号变化的，其连接都为切换，如需溶入溶出。分镜头剧本上都要标识清楚。)
5、对话，音效等标识需明确。(对话和音效必须明确标识，而且应该标识在恰当的分故事板画面的旁边。)
关于镜头方面的问题
景别：是摄影机在距被摄对象的不同距离或用变焦镜头摄成的不同范围的画面。电影为了适应人们在观察某种事物或现象时心理上、视觉上的需要，可以随时改变镜头的不同景别，犹如我们在实际生活中，常常根据当时心理需要或趋身近看，或翘首远望，或浏览整个场面，或凝视事物主体乃至某个局部。这样，映现于银幕的画面形象，就会发生或大或小的变化;在镜头拍摄上，也就产生了远景、全景、中景、近景、特写等。
在一般的视频拍摄中，景别的划分通常有两个方式，一种就是以被拍摄人物角色在画面中被截取部分的`多少来进行划分，另一种就是以被拍摄景物在镜头画面中被截取部分的多少来进行划分。按照造型风格和表现风格来分，景别可分为全景系列和近景系列。其中全景系列包含了大远景、远景、大全景、全景，近景系列包含了中近景、近景、特写、大特写。
大远景：一般用来确定当前事件发生的大场景，同时也为后面的镜头确定故事的情节关系。大远景典型的拍摄用法都是用于表现地域的广阔、大城市的天际线、一片街区或者一片大海等等。一般都是采用静止镜头或在不改变镜头画面结构的情况下缓慢移动拍摄，努力营造一种宁静、深远、空旷、广阔的意境。一般情况下我们在一部电影的一段情节开场或结尾经常看到此类镜头。
远景：相对于大远景来说，远景中的被摄人物或景物通常占镜头画面的1/2甚至1/3左右。它的目的是展示当前的地点、被摄主体和行为。这也是一般视频拍摄中最为重要的镜头，它包含了一段视频片段的几乎所有要素，远景可以描绘一个足球场、度假中心或者一片海水浴场。此类镜头为视频片段定下了基调，并且展示了主人公的活动空间。
全景：字面意义上来说就可以了解，把一个人头顶画面顶端，脚踩画面底端，就算全景景别了(人物的全身都可见)。 不过“顶天立地”的拍摄感觉出来的人很“傻”，所以我们要注意在拍摄全景时要在头顶和脚底留出来一定的距离，除非及特殊的情况下，不建议主体人物紧贴视频边框。
中景：中景的镜头画面范围一般是指从人物的头顶到膝关节或者腰部的画面。不过千万不要把画面卡在膝盖和腰部，这是拍摄视频的大忌。同时也不要截取到手腕、脚腕等部位。中景和全景的区别在于包容景物的范围有所缩小，环境处于次要地位，重点在于表现人物的上身运动。中景画面是叙事性的景别，所以在平时的视频拍摄中占的比例较大。中景在两人或三人的对话场景中使用最频繁。脸部的表情和身体语言都能在此景别中得到很好的体现。而镜头中还包含了足够的背景，可以让观赏视频的人获得更丰富的信息。
近景：近景拍摄主要截取的范围是在胸部以上。通常此类拍摄主要用于体现主人公的表情和部分肢体动作。近景和特写的表现手法类似，即视觉效果比较鲜明，有利于对人物的容貌、神态、衣着细节、动作进行描写。可以表现人物的感情交流，揭示人物内心活动。
特写：特写镜头是拍摄人像的面部，或被摄物的局部所采用的镜头。特写镜头有很多变种，但是总体上拍摄人物是从肩旁上方截取画面。特写镜头是电影画面中视距最近的镜头，因为其取景范围小，画面单一。表现的对象在整个环境中突显了出来，造成强调效果。特写镜头能表现人物面部表情的情绪变化，使欣赏者在视觉上和心理上受到感染。