⑴ 3D電影是怎麼拍攝的
3D電影在拍攝的時候，就是用兩架攝影機模仿了人的眼睛。行內有『昆蟲眼』、『人眼』、『巨人眼』之說，如果要拍很近的鎮蠢蠢景，兩個攝影機要像蒼蠅的眼睛一樣離得那麼近。一般御陪的話兩個攝像機之間的距離跟人眼差不多。如果要拍遠景，兩個攝像機就要分得像巨人的眼睛那麼開。
根據拍檔斗攝距離的遠近，有一個公式來算出兩個攝像機之間的距離應該擺放得多遠。但是光靠公式也不行，主要還是要靠經驗。有時候兩個攝像機可能會垂直著或是斜著放，然後再用一面鏡子，才可以完成拍攝。
(1)無重力電影怎麼拍擴展閱讀：
3D技術的應用：
3D技術的應用普及，有面向影視動畫、動漫、游戲等視覺表現類的文化藝術類產品的開發和製作，有面向汽車、飛機、家電、傢具等實物物質產品的設計和生產，也有面向人與環境交互的虛擬現實的模擬和摸擬等。具體講包括：3D軟體行業、3D硬體行業、數字娛樂行業、 製造業、 建築業、 虛擬現實、地理信息GIS、3D互聯網等等。
⑵ 好萊塢空間站裡面人失重漂浮是怎麼拍的
在藍景幕布前吊威亞 加鼓風機，吊威亞是為了讓人懸浮起來，鼓風機使用適量的風使服裝漂浮起來，但是風不能太大，用藍景布做背景是為了後期摳像，然後再通過後期合成，加上製作出來的場景和其他的漂浮物就構成了完整的失重場景。
這樣的拍攝，場景布光很重要，需要把被拍攝物體的影子打沒，而且背景上的光線要勻稱。
威亞，英文（wire）即鋼線。
力學原理特點
多年來，影視武戲導演利用威亞技術的力學原理特點，廣泛運用於影視動作特技之中。出神入化的空中飛人、翻騰、打鬥等特技動作，在鏡頭里展現的微妙至極，人物傳奇色彩渲染的栩栩如生，讓廣大電影電視觀眾盡飽眼福。 近年來，影視威亞技術有被巧妙的運用於舞台表演空間，並發揮的相當出色。在大型文藝晚會上起到一種畫龍點睛的藝術效果，深受晚會製作人和導演以及廣大電視觀眾的青睞。 從揚州的「熙春台」上《天涯共此時》一幕，「常娥奔月」那靚麗的月下倩影；到深圳的「世界之窗」《錦綉中華》一幕，「百花仙子」那雍容華貴的空中姿態；乃至桂林山水《灕江花月夜》一幕「七仙女下凡」時，那婀娜多姿的神韻；以及在北京的「彩虹頒獎」，上海的「國際時裝模特大賽」等大型文藝晚會上，那柔美的空中舞蹈造型，無不體現出威亞特技在舞台上的美觀，在當今舞台藝術創新意識與合作上的默契感。
可完成動作
威亞特技的操作技術，在大型人文與自然露天舞台表演空間，可使空中表演者完成下列舞蹈動作： (一) 多變化中的舞蹈藝術造型的空中飛行； (二) 鋼線系表演者的腰部曲體或直體 前、後空翻數周； (三) 鋼線系腰直體旋轉數周； (四) 翻騰動作與舞蹈造型結合動作； (五) 空中打鬥與造型結合動作 (六) 各種空中動作、舞蹈造型與現場布景、煙火、地面動作的默契配合。 影視威亞特技技術自運用以來，之所以採用幕後的專業人員操作手段，是因人為動作靈活多變，應變力強，節奏好，安全系數高。而機器與人力操作相比較，顯得比較死板，應變力差，節奏不好把握，一旦出現機器故障，空中演員的安全難以保障。在此，強大的製作班底、優異的演出團隊為打造優良的演出效果提供了保證，這是一群充滿激情的年輕人，從興趣愛好到擁有一顆事業心，多年來在影視、演出行業，日以繼夜辛勤工作，不斷學習不斷創作，使他們不僅擁有扎實的技術基礎，豐富的製作、操作和空中表演經驗，在歷次的影視拍攝和大型舞台文藝晚會演出中盡顯過人技能，受到影視製作人，導演，舞台製作人、央視導演們的信賴和賞識。
[編輯本段]威亞大揭秘
可能都聽說過
很多觀眾可能都聽說過「威亞」這個詞，英文：wire，在影視劇的拍攝中專指一種設備吊著演員或道具飛來飛去的鋼絲，又稱威亞絲。《電視劇風雲榜》片場探班全方位揭秘電視劇中的吊威亞！ 在多數觀眾都認為硬橋硬馬的拳腳對決有些落伍的時候，由吊威亞、電腦特技而完成的武打動作開始流行起來。較早把威亞技術運用到電視劇拍攝中的，要數83版《西遊記》了。只不過，那個時候的動作單一生硬、合成技術較為落後，只能完成一些騰雲駕霧等簡單動作，畫面上也經常看見摳像沒摳干凈而出現的毛邊。
如今的技術
經過二十幾年的發展，如今的威亞技術已十分的出神入化了。無論是飛檐走壁的武打招式，還是上天入地的精彩打鬥，都能藉助威亞而為演員的俠客身份增光添彩。通過吊威亞拍出的畫面令人嘆為觀止，可是演員在實拍過程中擔驚受怕、吃苦受累，甚至反復重拍也就成了家常便飯。
揭秘吊威亞之 《神鵰俠侶》
《神鵰俠侶》中小龍女的「玉女素心劍法」，李莫愁手中的「拂塵」等厲害功夫都是怎樣拍出來的呢？在該劇位於浙江靈山的外景地，探班記者就恰巧碰上了小龍女與李莫愁的一場對手戲，雖然沒有期待中的精彩打鬥，可是劉亦菲、孟廣美兩位演員吊上威亞，一前一後在半空中飛來飛去的場面，也只有在外景地才能一見了。飛天的鏡頭看上去是十分的空靈飄逸，拍起來就不那麼容易了。演員動作不到位、工作人員力度沒掌握好，都會導致不斷的NG重來。劉亦菲和孟廣美就都未能逃過此劫。 揭秘吊威亞之《雪山飛狐》 如果說劉亦菲與孟廣美的空中飛行，在吊威亞中算是入門級的話，《雪山飛狐》片場里，聶遠(blog)不僅要穿上厚厚的戲服，還要完成側飛的打鬥動作就有些難度了。 當天拍攝的是少年刀客胡斐初入江湖，在觀音殿前路見不平，教訓惡霸鳳天藍的一場重頭戲。為了達到逼真的視覺效果，聶遠沒用替身親自上陣。如此高難度又十分危險的動作，聶遠還是第一次嘗試^ 揭秘吊威亞之 《殷商傳奇》 神話劇中天馬行空的功夫、虛幻飄渺的場景，一直都深受觀眾的青睞。可是拍攝起來，導演、演員還有工作人員就要充分發揮想像力了。對於這么一部大型「魔幻武俠神話劇」來說，演員吊威亞自然不在話下，為此劇組特地調用了一輛高達四五米的巨型吊車，我們除了目睹到一人起飛外，還見識了雙人齊飛，多人齊飛的壯觀場面。只見導演一聲令下，一群工作人員賣力拉威亞繩，一群演員騰空撲來的壯觀一幕重復上演。 揭秘吊威亞之 《少林寺傳奇》 作為一部弘揚少林功夫的長篇電視劇，《少林寺傳奇》中逼真的武打場面最受矚目。與普通的「飛行」所不同的是，眼前這位女俠，腳踩木樁身懸半空，還要做出一個向後180度彎腰的動作，絕對是功夫與膽量的雙重考驗。 既然是高難度動作，身上綁這么多鋼絲也就不足為奇了。接下來要拍攝的是兩人在空中大打出手的戲份。不僅工作人員要齊心協力掌握好拉鋼絲的力度，演員也要配合鏡頭做出你打我躲的漂亮招式。烈日炎炎下，一個鏡頭拍上八九次也就不足為奇。 2008年。北京29屆奧運會開幕式上，著名運動員李寧作為主火炬手採用威亞技術，以「飛天」的方式成功進行了北京奧運會聖火的點燃。
⑶ 電影是怎麼拍出來的
問題一：電影都是怎麼樣拍出來的啊 [轉]
首先當然是要有劇本，然後可能某家公司看上了這個劇本，然後買下來，交給某位�演，進行拍攝。當然也會有導演自己去選的。
前期的工作，你首先改劇本，小說是不可以直接當劇本的！劇本有特殊的格式，內容上也要修改刪減。必須找專業的編劇來改。當然原作者會改劇本也可以承擔這份工作，這期間導演、製片都會參與。同時，導演，製片就一邊要找演員了。
演員到位，資金就緒，劇本改完，選定拍攝地址，你就可以開機了。但其中的交涉，協調，籌備，那是相當恐怖的，其中的黑暗心酸估計拍一部韓劇都富裕。
片場的話，導演主要負責拍攝，製片管理劇組的生活，當然兩人的工作偶爾也有交集和重復的地方。
片場的工種多的要死，主要的有攝像，場景服裝道具，化妝，燈光，機械，安保，生活。多到讓你認不過來呀！
拍的時候，一般就是按進度走的，因為在改劇本的時候已經把故事分成一個個的獨立個體，所以其實拍攝的時候，時間順序是打亂的。極有可能你的第一場戲就是結局時候的劇情，然後你接著演中間部分的內容，因為結局是在天黑，中間的劇情也有在天黑的內容。節省時間，節省精力，如果一塊布景要多次用到，那就再一次把用到該布景的戲全拍完。
演員的檔期也會影響拍攝。
可能A演員今天有檔期，但兩天就得走。B座今天也有檔期，但明天就得走。雖然A和B在結局時才爭鋒相對。導演就把A和B的對手戲提前到拍攝的第一天全部拍完，順便還把A其他的戲份趕起來，可能A在電影里有50分鍾的戲，他進組第一天就全部拍完（當然這是不可能的）。可以說，就是誰有空有誰先來，拍完你的那部分就走人。
其中用到那些鏡頭語言，拍攝手法。甚至於光暗效果這一些，你就自己查書吧。
全部拍完了，就把一堆膠片拿去剪輯，除了故事外，鏡頭語言和剪輯語言其實一般較能體現一個導演的風格。剪輯就是把雜亂的故事理順，事件按一條清晰的時間軸排列。導演會在眾多片段中挑挑揀揀，找到自己要的，扔掉不要的。最後就有了個毛樣，這個的時長一般是不定，可能90分鍾的電影，拍攝了300分鍾，初步剪完還有180多分鍾這個時候你可以選擇去做後期，也可以選擇繼續縮短。
後期一般就是加特效，音樂，除雜，配音，修改某些瑕疵，弄掉點一些穿幫的東西。
之後就可以報備審批了，審批下來，該刪刪該改改，之後再做個片頭片尾，就可以賣了。接下來就是發行商的問題了，也就是包裝推銷，分配利益的事。
其中真正具體的步驟，復雜到足以讓你淚不成聲，你要真有這么執著你可以去查一些電影拍攝的書，網上有沒有，我不知道，書店裡是一定有的！
版權費這個真不好說，至少在國內是很低的。一般還是看名氣，有名的作家肯定多一點。沒什麼名氣的話，還是吃虧得多。編劇的工資也很低，有的分紅也不給的。那個文字校對，其實很原始，人工是必須的。
問題二：一部電影是怎樣拍成的？ 電影製作從大的來說，需要投資方，製片方，攝制方，編輯方，發行方。投資方出錢；製片方負責組織建組，解決場地、人員等具體後勤基礎問題；攝制方即攝制組，是電影製作的核心環節，後面會專門介紹；編輯方和攝制方一般是一體的，即前期拍攝與後期拍攝不能脫節，一般都是一個導演，有的是導演拍攝完成，會有專門的牛人負責剪輯，剪輯很有說道的；發行方一般就負責電影的包裝、宣傳、推廣、銷售等。
攝制方：影視製作技術類工種簡單的說就是 導、編、播、攝、錄、美，六個技術工種，配合演員就成攝制組了。導演負責攝制組的統籌，包括劇本解讀展現、現場控制、藝術把握、演員調度等等；編指的是編輯，編導，他們負責策劃，創意，一般在電影中，就是編劇人員，會根據文學原形等形成劇本化語言腳本，撰寫分鏡頭腳本等，把故事電影化，語言台詞化，糅合核心主題意義，一般他們定的劇本對後期剪輯意義不小，藝術獨立電影除外；播即電視製作中的播音主持人員，和導播人員，電影不存在這個工種，對應的是演員，演員要貫徹導演意圖，領會劇本核心並展現給觀眾；攝即攝象組，由攝像師和燈光師組成，配合環境特徵和影片需要設計燈光方案並完成拍攝，這是很講技術的工種，隨便一個小動作就可以導致你看到的影片感覺大不相同，也就是視覺語言的威力；錄指錄音，也很重要，錄音的好壞直接決定觀影感受，他們和攝構成技術核心，即完成了視聽語言的貫徹和展現；美指美工，美工負責置景，包括環境搭建、道具製作等，也包括化妝、服裝、環境定位等等。
以上的6大工種，包括後勤人員等，共同協力完成電影攝制。攝制好後還要進行後期製作，後期製作一般都是導演自己進行後期剪輯，有時候為了參展需要或者其他因素，會有專門的剪輯師，他們會根據拍攝的素材再編輯組織一遍，有時候故事就完全變了，感覺也不同，不同的剪輯風格作的片子也不同的，能拿獎的都很重視這個過程，所以你看奧斯卡的獎項設置，最佳導演外還有最佳剪輯獎。
之後剪輯完成就可以送去洗印加工廠沖印加工復制拷貝准備發行了。好像洗膠卷一個道理。
對了，你看看奧斯卡一般的獎項設置，就可以看到都有哪些主要工種過程了，有一些獎比如最佳視覺效果，說明在後期中，後期特效等也是有的電影不可少的環節，但這類就不是電影製作的必須環節了。
問題三：三D電影是怎麼拍的 3D立體電影的製作有多種形式，其中較為廣泛採用的是偏光眼鏡法。它以人眼觀察景物的方法，利用兩台並列安置的電影攝影機，分別代表人的左、右眼，同步拍攝出兩條略帶水平視差的電影畫面。放映時，將兩條電影影片分別裝入左、右電影放映機，並在放映鏡頭前分別裝置兩個偏振軸互成90度的偏振鏡。兩台放映機需同步運轉，同時將畫面投放在金屬銀幕上，形成左像右像雙影。當觀眾戴上特製的偏光眼鏡時，由於左、右兩片偏光鏡的偏振軸互相垂直，並與放映鏡頭前的偏振軸相一致；致使觀眾的左眼只能看到左像、右眼只能看到右像，通過雙眼匯聚功能將左、右像疊和在視網膜上，由大腦神經產生三維立體的視覺效果。展現出一幅幅連貫的立體畫面，使觀眾感到景物撲面而來、或進入銀幕深凹處，能產生強烈的「身臨其境」感。
問題四：電影里的那些 *** 場景，是怎麼拍出來的 有些演員願意為排 *** 場景獻身，有相當多的場景就是真接進行的。
問題五：在地球上製作出來的電影中的失重場景是如何被拍攝拍攝出來的？ 失重效果：以被動實現自由
如何表現失重效果，是任何太空題材電影最重要的，也是難點。一般電影人有兩種常規方法來實現。一種是真的失重環境下拍攝――顯然，這個很難實現，到目前為止，尚未有任何一部劇情片進入太空拍攝;而地球中失重的效果轉瞬即逝，短到根本無法支持演員完成一個失重表演。不過，如果有專門設計的飛機，能以向上隆起的拋物線拱(parabolic arcs)的方式高速飛行，理論上是可以在拋物線頂端前後形成一段時間的完全失重狀態，作為太空無重力情形的完美模擬。事實上，影片《阿波羅13號》中的失重場景就是如此拍攝的：劇組及演員乘坐美國航空航天局(NASA)提供的KC-135運輸機在高空以拋物線軌跡飛行，每次大概能經歷約23秒的失重狀態，足夠攝影機捕捉演員的某些動作。
可是，這種拍攝方式無法適用於《地心引力》，單是導演卡隆要求的動輒幾分鍾的長鏡頭失重效果，就是這種飛行方法在技術上無法實現的;何況片中要求的失重效果總時長更是借用飛機拍攝無法承擔的。
另一種退而求其次的方法，是模擬動作。在地球常規重力條件下實現這種「看起來像」的失重效果，最廉價的方式是水下拍攝，水的阻力效應使動作變得遲緩，可以實現太空中的懸浮與類似飛行的移動動作。《地心引力》也用到了水下拍攝，主要用於太空艙內的部分演員滑行鏡頭的特效參考，但其他絕大部分失重場景，都不是用這種方式拍攝的。首先，水下拍攝無法真實表現演員的表情――憋氣與努力睜眼的神情顯然和太空環境下的表演完全不一樣;其次，水下復雜的光影反射折射效應，也讓穿宇航服水下模擬太空作業變得不可能。
《地心引力》最終實現失重效果的手法，是最古老的娛樂手藝與最先進的電腦技術的結合：劇組找來舞台劇版《戰馬》的幕後高手，以大型牽線木偶操控方式，控制演員的肢體來模擬失重狀態下的動作。這套裝置有12根線連到演員身上四個系點，線的另一端則或者由三位專業木偶師操縱，或者由電腦程序控制的機械繫統控制，或者是兩者的結合。
卡隆和主演桑德拉・布洛克(Sa.n.dra Bullock)都在采訪中提到影片中最難拍攝的一幕：女主角好不容易回到太空艙、脫去宇航服像嬰兒一樣蜷曲著飄在空中的長鏡頭段落。實際拍攝時，布洛克坐在一個很小的自行車底座上支撐身體，一條腿則綁在裝置上幫助固定，而緩慢的四肢移動以及整個身體的翻騰漂浮動作就是由木偶師與程式控制線纜裝置協助完成的。這過程中，還得用電腦特效做出虛擬肢體來替代演員被綁住的腿，並做出與線控的身體其他部分匹配的動作。
這種線控方式，在本片中也主要用來拍攝太空艙內場景。那些穿上宇航服的太空行走場景，演員甚至都不用做任何肢體動作了――因為包括整個太空背景和宇航服本身，都是電腦生成畫面：演員只負責提供臉部表情，其餘的肢體動作，絕大部分由電腦動畫師完成。
無論是線控還是電腦生成動作，都是本片在處理失重效果的一個理念突破：既然無法以「原生」的途徑實現太空漂浮，那就以「絕對控制」外表表現形式的方式來體現無重力動作。
這種完全突破傳統思維框架的技術實現手段，也貫穿《地心引力》的製作過程。
問題六：電影中 突然把人像魔術那樣變出來是怎麼拍攝的？ 你好。你所說的伴隨著一陣煙後某人突然跳出來的特效多見於神話劇當中（《西遊記》和《新白娘子傳奇》中常有），這是一種比較老套的轉場特效，因為受技術所限，我們會發現有這種特效的劇目一般拍攝年代較久，其製作方法包括前期拍攝和後期剪輯，實際效果是合成的，並不是簡單拍攝，用非線性編輯軟體的後期剪輯製作比拍攝本身更重要。
如果你所說的畢業設計是拍攝一部短片，其中需要遇到該特效，拍攝方面需要煙霧發射道具。首先將攝像機固定，拍一段煙霧爆炸式出現的鏡頭，然後不要移動攝像機，在煙霧出現的地方拍一次某人從後往前跳一下的瞬間視頻。拍攝完成後用非線編軟體剪輯，（非線編軟體可以用Adobe Premiere、會聲會影等，這是比較常見的）。製作過程中，在第一段煙霧視頻的基礎上插入第二段視頻，在合適的位置覆蓋，再加入部分軟體原代的修飾效果就會做出來。
個人建議，煙霧效果不好拍的話可以去網上搜素材，或者去相關的影片中找，然後用非線編軟體截取。
都是畢業過來人，希望可以幫到你，祝好！~
問題七：電影里的全系技術是真的嗎？他們是怎麼拍攝的? 全息吧，應該是假的，目前還不能實現，拍攝過程中和平時一樣就是沒有了全息投影，全靠演員的演技表現出操縱系統或者是與人工智慧的互動。最後都是靠後期合成的。
問題八：電影中的長鏡頭是怎麼拍出來的 長鏡頭是一種拍攝手法，指的不是實體鏡頭外觀的長短或是焦距，也不是攝影鏡頭距離拍攝物的遠近，而是拍攝之開機點與關機點的時間距，也就是影片的片段的長短。用比較長的時間（有的長達10分鍾），對一個場景、一場戲進行連續地拍攝，形成一個比較完整的鏡頭段落。顧名思義，就是在一段持續時間內連續攝取的、佔用膠片較長的鏡頭。這樣命名主要是相對短鏡頭來對稱的。
⑷ 電影盜夢空間中無重力，像是在太空中的場景是怎麼拍攝的。
就是找個可以旋轉地大房子做的，剪輯的時候在把吊著的鋼絲繩給去掉。 它可以讓裡面的人是垂直吊著，但是攝像頭是從不同的角度拍的，感覺起來就像太空了
⑸ 電影阿波羅13拍攝失重環境時是如何拍攝的
分類: 娛樂休閑 >> 電影
解析:
1995年是阿波羅13號發射25周年紀念。它是航空史上的一次災難，幾乎導致三名宇航員命喪太空。但同時它又是一次奇跡，三名太空人終於憑著自己堅韌的毅力與不懈的斗爭在地面人員的幫助下成功了返回了地球，活了下來，創造了航天史上「雖敗猶榮」的光輝時刻。
影片《阿波羅13》就是以這一次空難為題材拍攝的記實性巨型影片。
該片可以說是一部驚險片，自始至終，觀眾時刻關注著遠離地球二十五萬英里的三名太空英雄的命運。懸念層出不窮，飛船上的事故一個接一個出現，而人們卻不知道到底出了什麼事。當地面指揮站中的電腦屏幕上那些閃爍的光點和變化的數據告訴人們阿波羅13號處於危機時，觀眾的心情立刻被緊緊抓住了。沒有槍戰，沒有謀殺，犧牲發生在不可測驗的太空，人們只能看著而無能為力。驚險性來自於對命運的抗爭，只有所有人都努力，才能脫離危險，打敗死神。影片重現了1970年的壯舉，高度贊揚了宇航員們勇於挑戰厄運的英雄主義精神，具有非常實在的教育意義。
** 為了追求影片的真實感，攝制組完全在休斯敦航空中心拍攝實景，並且將一部波音707改裝成航空飛船，用於演員們飾演宇航員時體驗失重狀態。拍攝時是採用了零度重力的狀態，演員們在阿羅波13號的模型中上上下下地來回體驗失重與正常的情況，嘔吐是必不可少的。
但影片的真實性卻得到了客觀實現。主角吉姆·弗洛爾由兩屆影帝湯姆漢可斯扮演，他進行了長期的閱讀與實驗准備工作。正如他願，他的演出讓真正的太空英雄弗洛爾也大為贊賞。漢克斯又再次成為美國人民心目中的英雄偶像。
⑹ 電影中的失重場景是如何拍攝的
失重效果：以被動實現自由，如何表現失重效果，是任何太空題材電影最重要的，也是難點。一般電影人有兩種常規方法來實現。一種是真的失重環境下拍攝——顯然，這個很難實現，到目前為止，尚未有任何一部劇情片進入太空拍攝;而地球中失重的效果轉瞬即逝，短到根本無法支持演員完成一個失重表演。不過，如果有專門設計的飛機，能以向上隆起的拋物線拱(parabolic arcs)的方式高速飛行，理論上是可以在拋物線頂端前後形成一段時間的完全失重狀態，作為太空無重力情形的完美模擬。事實上，影片《阿波羅13號》中的失重場景就是如此拍攝的：劇組及演員乘坐美國航空航天局(NASA)提供的KC-135運輸機在高空以拋物線軌跡飛行，每次大概能經歷約23秒的失重狀態，足夠攝影機捕捉演員的某些動作。可是，這種拍攝方式無法適用於《地心引力》，單是導演卡隆要求的動輒幾分鍾的長鏡頭失重效果，就是這種飛行方法在技術上無法實現的;何況片中要求的失重效果總時長更是借用飛機拍攝無法承擔的。另一種退而求其次的方法，是模擬動作。在地球常規重力條件下實現這種「看起來像」的失重效果，最廉價的方式是水下拍攝，水的阻力效應使動作變得遲緩，可以實現太空中的懸浮與類似飛行的移動動作。《地心引力》也用到了水下拍攝，主要用於太空艙內的部分演員滑行鏡頭的特效參考，但其他絕大部分失重場景，都不是用這種方式拍攝的。首先，水下拍攝無法真實表現演員的表情——憋氣與努力睜眼的神情顯然和太空環境下的表演完全不一樣;其次，水下復雜的光影反射折射效應，也讓穿宇航服水下模擬太空作業變得不可能。《地心引力》最終實現失重效果的手法，是最古老的娛樂手藝與最先進的電腦技術的結合：劇組找來舞台劇版《戰馬》的幕後高手，以大型牽線木偶操控方式，控制演員的肢體來模擬失重狀態下的動作。這套裝置有12根線連到演員身上四個系點，線的另一端則或者由三位專業木偶師操縱，或者由電腦程序控制的機械繫統控制，或者是兩者的結合。卡隆和主演桑德拉·布洛克(Sa.n.dra Bullock)都在采訪中提到影片中最難拍攝的一幕：女主角好不容易回到太空艙、脫去宇航服像嬰兒一樣蜷曲著飄在空中的長鏡頭段落。實際拍攝時，布洛克坐在一個很小的自行車底座上支撐身體，一條腿則綁在裝置上幫助固定，而緩慢的四肢移動以及整個身體的翻騰漂浮動作就是由木偶師與程式控制線纜裝置協助完成的。這過程中，還得用電腦特效做出虛擬肢體來替代演員被綁住的腿，並做出與線控的身體其他部分匹配的動作。這種線控方式，在本片中也主要用來拍攝太空艙內場景。那些穿上宇航服的太空行走場景，演員甚至都不用做任何肢體動作了——因為包括整個太空背景和宇航服本身，都是電腦生成畫面：演員只負責提供臉部表情，其餘的肢體動作，絕大部分由電腦動畫師完成。無論是線控還是電腦生成動作，都是本片在處理失重效果的一個理念突破：既然無法以「原生」的途徑實現太空漂浮，那就以「絕對控制」外表表現形式的方式來體現無重力動作。這種完全突破傳統思維框架的技術實現手段，也貫穿《地心引力》的製作過程。
⑺ 科幻片里的失重場景一般怎麼模擬出來的
拍失重的話大類上可以分成兩部分，一類是實拍，一類是虛擬。
實拍的話有幾種方式，有吊威亞、機械臂，還有一種方式是利用載具，比如飛機，還有風洞，這幾種方式都可以模擬失重的狀態。舉幾個例子，大家感興趣可以自己去看一下。有一個著名的MV就是用失重飛機拍的，OK Go 樂隊的 《Upside Down & Inside Out》，大家感興趣可以看一下；成龍大哥的《十二生肖》就是用風洞拍的；電影《地心引力》是機械臂拍的；但《流浪地球》基本都是用吊威亞和轉輪來拍的。
虛擬的部分就是說CG動畫，我們的片子也用了一部分這個，幾乎所有這類的片子都會有虛擬輔助。會實拍一部分中近景別的鏡頭，來力保演員表演的生動性，以及服裝道具的細節質感。以目前的特效技術來說，要把畫面在這個級別上，做到接近實拍的效果是很難很難的（當然也是很貴很貴的）。
然後當中近景拍攝完成之後，特效部門會根據這些鏡頭來做全景。思路和常規拍攝特中全的順序是有些相反的。匹配了實拍鏡頭中的動勢，材質，光線之後，特效就可以製作全景的鏡頭了。
另外，在實拍完成的中近景里，除了把威亞擦掉，綠布或藍布補上，還會用CG輔以一些失重狀態的懸浮物，來增加真實感。例如《流浪地球》中，宇航員在艙外太空中，身邊環繞飄動的安全繩。
⑻ 地心引力怎麼拍的
《地心引力》製作流程概覽：
在《地心引力》的外太空戲份里，只有頭盔下演員的臉是實拍的，這使得本片在技術和美學更加令人難忘。外太空場景的其他東西，包括宇航服，空間站，地球，都是CG製作的。同樣，有一場戲中，沒穿宇航服的Stone飄過一艘飛船上空，Bullock在片場是被鋼絲吊著的，而她的周邊環境則是數字製作的。（空間站內部的大部分戲份都是在搭建的布景中拍攝的）。
《地心引力》是一個很復雜的項目，以極具創意的方式整合了虛擬和實拍的影像。以下是這部影片製作流程的一個粗略概要，Framestore的CG光照總監Paul Beilby和Technicolor高級製片Michael Dillon以及團隊的其他一些成員提供了這些細節。
1. 軌跡設計 - Framestore
Cuarón與Framestore團隊一起制定影片中地球之上的運動軌跡，這將會決定影片中地球的樣子。
2. Previs - Framestore
Cuarón和Lubezki與一組動畫師一起製作低解析度的影片動畫預覽版本。包含虛擬攝影機運動。
3. 前期光照設計 — Framestore
Lubezki與一組技術指導一起設計影片中每個虛擬場景的光照效果，CG資產都得到優化，以便快速渲染和反饋。
4. 前期DI
使用兩個分離的、精確校準過的DI放映廳，一個在洛杉磯，一個在倫敦，Cuarón、Lubezki、數字調色總監J.Scott和視效總監Tim Webber細化影片中四個片段的調色方案，並在實時環境下工作。調色結果被輸出出來（有時候只是一幀畫面），發送給Framestore作為最終鏡頭視覺效果的參考畫面。
5. Techvis - Framestore
Previs和前期光照設計數據將用於設定攝影機運動軌跡和光照參數，以便在影片中模擬每個角色的主觀視角。
6. LED燈箱中的實拍 - Shepperton
Techvis數據在現場進行處理，以控制Motion Controll和LED燈箱中的動態燈光。Lubezki調整LED圖像照明，使用人工控制的硬光來模擬太陽。調整攝影機的運動速度使其匹配演員的表演。
7.使用機械臂進行實拍 - Shepperton
Techvis數據在現場進行處理，以便機械臂圍繞Bullock運動，以模擬太空艙內的零重力環境。這部分的光照跟傳統拍攝一樣。
8.傳統的實景拍攝 - Shepperton
絕大多數太空艙內部的鏡頭和地球上的一個65mm的場景對都是以傳統方式打光並拍攝的。
9.套對和渲染 - Framestore
A.動畫師和綁定師參考實拍數據製作出身穿太空服的角色動畫以及飛行器的動畫。
B.模型師根據Previs資產製作高質量版本的模型。
C.視覺開發技術指導和紋理藝術家根據NASA的照片和材料樣品制定材質的樣式。
10. 整合實拍和CG元素 - Framestore
A. 合成師拿到實拍的素材，並根據previs進行套對。許多動畫師、動畫總監、生物特效總監和技術指導一起協作，根據演員的表演製作了最終的CG動畫和攝影機運動。
B. 燈光技術指導與公司內部視效總監和燈光總監一起為CG場景打光，確保與實拍素材相匹配。
C.合成師與視效總監和合成總監一起把實拍素材和CG畫面合成到一起，做成最終畫面，然後交給Cuarón和Lubezki審查並進行微調。
11. 調色遮罩提取 - Technicolor
獲取Framestore製作完的2D文件，並加上外部遮罩，以便為畫面中每個重要的元素獨立地進行調色。
12. DI調色 - Technicolor
Scott與Lubezki和Cuarón一起指定2D圖像色彩，使用了許多層動態遮罩。最終輸出版本將用於2D DCP、Kodak Vision 2383拷貝片和HD母版。
13. 立體轉制 - Prime Focus Film及Framestore
Prime Focus把實拍素材和一些視效元素轉製成3D的，Framestore轉制影片的其他部分。
14. 3D調色 - Technicolor
製作組決定輸出兩個亮度的版本，分別用於3D白幕和IMAX 3D巨幕放映，確保亮度能達到4.5fL和7fL。作為這一流程的一部分，他們選擇性地進行了反暗角處理，以彌補RealD金屬幕放映所帶來的「熱點」問題。
神創新：
NO.1：巨大的燈箱
電影的第一個鏡頭，就是長達7分鍾的浩渺太空的長鏡頭――很多時候我們很容易忘記這些鏡頭根本是不可能真實拍攝。除非，攝制組真的是在茫茫太空中拍攝。那麼，它到底是怎麼拍出來的呢？真相是：整部《地心引力》的拍攝過程都是前所未有的創新。
很多時候，拍攝是在一個高6米、寬3米的燈箱里完成的。這個「太空燈箱」中有多達180萬個LED燈，看上去跟那種演唱會常用的大屏幕沒什麼兩樣，但每一盞都能單獨控制。不管演員們是在什麼位置，也不管他們運動得有多快，燈箱都能將其周圍環境表現出來。這樣做的好處是除了讓觀眾覺得真實，演員也不會再有那種靠想像在綠幕前表演的虛假感。
NO.2：木偶的繩索
為了更好的體現宇航員的失重狀態，這次跟過去拍攝太空電影不同，這次沒有用到任何模擬太空艙的大件道具，不用把桑德拉・布洛克關進「無重力室」，只需要12根鋼索――它們把演員像牽線木偶一樣掛起來，讓她做出翻滾、倒吊甚至在空中「平躺」這樣違反地心引力的動作。簡單說來，就是「在有重力的地方，拍出無重力的感覺」。當然，這背後必須有一群掌握著高精尖科技的技術人員。
NO.3：亂飛的機器
有不少鏡頭，演員失控「掉向」甚至「砸向」鏡頭，實際上，演員基本上沒動，動的是為電影量身打造的動態攝像機――將攝影機「砸向」演員，便可以達到這樣的效果。當然，無論是人砸機器，還是機器砸人，傷害性都太大了，因此很多時候，鏡頭里只有演員的臉是真的，而身體其他部分都是用電腦做出來的。
⑼ 為什麼科幻片里的飛船都自模擬地球重力
因為拍攝本身就是在地球拍攝的，所以在拍攝中模擬無重力是一種嚴重的透支行為。
2013年法國某航空公司曾推出無重力體驗活動，全程22秒花費約4.7萬人民幣。
無重力拍攝難度較高，所以這段時間無法完成多組鏡頭的拍攝.
成片十秒的內容意味著幕後可能有一千秒的拍攝。
反復拍攝需要飛機做V形穿插，對機體傷害較大，對乘員的風險也因次數而提升。
場景改造因上述內容而產生問題，大量無重力拍攝在機艙內是無法有效完成的。
舉例如《地心引力》，在該片中出現的太空外景，使得機艙的改造成本令人無法承受，這意味著劇組可能需要買下一家大型客機。而像太空中的光影效果，更到位的入畫方向等等，也使得在有限狹小的機艙無重力拍攝中無法被很好的掌握。
乘員風險面對的有很多，畢竟目前對於宇航員的選擇還十分嚴苛。而在拍攝中，一名未經受過大量專業訓練的演員會怎樣呢？假設將其進行瞬間旋轉時，他會因為位置的不熟悉而開始緊張，繼而大量出汗、局部充血、肌肉僵直、體內激素飆升等等，甚至可能出現嚴重的眩暈或嘔吐。雖然某種程度上這符合宇航員的表現，但如果出現某些意外，在無重力拍攝中是無法被搶救的。
視覺問題也因上述問題而出現。
舉例如鏡頭被固定，那麼有些鏡頭如同在地面拍攝中的鏡頭翻轉，那麼用無重力拍攝的意義並不大。大量的全景遠景拍攝才是無重力拍攝的特點，但對於普通特近中全遠的影視拍攝需求而言，單一景別的過多運用甚至是有害的。
無重力拍攝中，所有人都是在翻滾的，如何能確定彼此之間的方位需求是一件很難判斷的事情，最終拍攝效果也會顯得如設想般出彩。
一個全程都在轉換出入畫方向的影片也很難起到較好的收視效果，畢竟觀眾並非宇航員，他們不需要或抬頭或側首的去追尋演員。而在畫面中不停變換方位（上下左右）的演員也使得畫面疊漸的難度系數增大。如圖，這涉及電影畫面構圖。
人類常見視覺焦點如圖中所見的線條交接處，但最終越外圍的就可能更易被忽略，簡而言之就是無重力拍攝不符合常見影片拍攝中的焦點需求。
其他問題還有很多，但容易被觀眾感受到的和常見涉及影片製作的問題大致就只有這些了。