① 零基礎，想學影視後期製作，應該先從哪學起
第一就是美術基礎
第二就是軟體操作
第三就是影視藝術
1、不同工作要求不太一樣，偏重藝術的從模型，燈光，材質，後期，較色學起，要求藝術和軟體都要強。偏重技術的就從軟體學起，數學，編程，做一些製作軟體的研發，開發等，不會這些呢，可以做動畫，不要美術基礎，只要感覺好，可以做綁定，只要有耐心，可以做摳像，要有毅力。
2、後期製作是一件苦差事，一般都是有夢想，愛好才能做得長久，賺錢也是要吃苦的，不是那麼好做的。條件好點的可以參加專業培訓，價格較高，出來工作好上手。
(1)科幻電影怎麼剪輯擴展閱讀：
影視後期製作基本上是初剪-正式剪輯-作曲選曲-特效錄入-配音合成這樣一個流程。
初剪：
也稱作粗剪。現在的剪輯工作一般都是在電腦當中完成的，因此拍攝素材在經過轉磁以後，要先輸入到電腦中導演和剪輯師才能開始了初剪。初剪階段，導演會將拍攝素材按照腳本的順序拼接起來，剪輯成一個沒有視覺特效、沒有旁白和音樂的版本。
正式剪輯：
在初剪得到認可以後，就進入了正式剪輯階段，這一階段也被成為精剪。精剪部分，首先是要對初剪不滿意的地方進行修改，然後將特技部分的工作合成到廣告片中去，廣告片、畫面部分的工作到此完成。
作曲或選曲：
廣告片的音樂可以作曲或選曲。這兩者的區別是：如果作曲，廣告片將擁有獨一無二的音樂，而且音樂能和畫面有完美的結合，但會比較貴；如果選曲，在成本方面會比較經濟，但別的廣告片也可能會用到這個音樂。
特效的錄入：
這個階段是比較關鍵的一個階段，將本身拍攝不到或者拍攝效果不好的地方進行特效製作，這里將運用到十分專業的特效製作軟體，我們所看到的很多具有超強視覺效果的電影正是因為特效錄入這個環節做的十分好。
配音合成：
旁白和對白就是在這時候完成的。在旁白和對白完成以後，在音樂完成以後，音效剪輯師會為廣告片配上各種不同的聲音效果，至此，一條廣告片的聲音部分的因素就全部准備完畢了，最後一道工序就是將以上所有元素並的各自音量調整至適合的位置，並合成在一起。
② 一部好的科幻電影需要什麼技術要求
世紀70年代起，喬治·盧卡斯、雷德利·斯科特、斯蒂文·斯皮爾伯格等人用一批高質量的科幻電影開啟了新好萊塢的「技術革命」。詹姆斯·卡梅隆雖然是後來者，但他憑借《阿凡達》《泰坦尼克號》兩部電影，以及在3D電影上的突破成為了好萊塢不可動搖的技術引領者。
從斯坦利·庫布里克時期的前端投影實踐，到被廣泛使用的越來越精細的實體特效，再到「工業光魔」和詹姆斯·卡梅隆引領的CG技術和3D技術，過去四五十年，好萊塢一直用技術改進不斷拓寬著電影想像力所能到達的邊界。《阿凡達》《星球大戰》，甚至是更早的《2001太空漫遊》即便放在今天，很多技術上的創新和視覺呈現都不過時。
和傳統藝術相比，電影向來都不是一門自由的藝術，它依賴設備、技術和團隊協作，但這也正是它的魅力所在，理性與感性，運籌帷幄與直覺，它們有望在電影的世界裡得到完美的結合。
正如苗千在他本期封面文章《如何科學地製造一個「異世界」？》中所說，構建出一個與人類社會不同的異世界，再將這個源於想像的產物通過一兩個小時時長的電影表現出來，絕非只靠靈光一現就能夠做到。構建這樣的世界，需要對人類社會的規則有深刻理解，還要能夠對其進行變換，使之適用於各種不同的虛構環境之中。作為科幻作品，異世界中的運行規則又不能有過於明顯的科學錯誤。
站在詹姆斯·卡梅隆和這些電影技術引領者身後的是維塔工作室、工業光魔特效公司、3D設備支持等眾多專業化的合作和人才供給。這些創意、技術、人才和規范化流程共同構成了今天的好萊塢電影工業。
《流浪地球》的導演郭帆說，好萊塢的考察經驗讓他更切實地理解了電影工業化的意義。與詹姆斯·卡梅隆合作20多年的好萊塢資深製片人喬恩·蘭多說：「當前中國的電影環境與好萊塢幾十年前的大環境很像。」
或許，回望並了解好萊塢這一路走來的技術流變，能幫助我們更好地確立標准，實現更具突破性的電影探索。
③ 影視後期剪輯調色技巧
影視後期剪輯調色技巧
剪輯無定式，任性成方圓。本文不教剪輯理論，什麼空切近、遠推中，要把主要知識梳理下來恐怕十篇文章都不夠。而且學院派的剪輯理論更多適用於電影以及電視劇的剪輯，對於MV而言就不成立了。下面是我為大家帶來的影視後期剪輯調色技巧，歡迎閱讀。
技法1：互動式剪輯，多個鏡頭鋪墊一件事
視頻剪輯其實就分為兩種：第一種是按照時間順序剪；第二種是不按順序剪。按照順序剪適用於電影以及電視劇，極端案例就是一鏡到底，一個鏡頭從頭拍到尾。一鏡到底是最原始的剪輯的手法，好幾十前年就被大師們擯棄了。不過最近一鏡到底的視頻又火了起來，我想原因之一是對古典的致敬，更主要的原因還是絕大部分人沒有見到這種「古老」的手法。而不按照順序剪輯，可以稱之為互動式剪輯，而交互剪輯的實質就是胡剪：把看似不相關的鏡頭組合在一起，在表達一件事的同時給人一種主觀態度。
看上面的視頻，這四個素材分別拍攝於不同的季節、地點，可以說是完全不搭邊的四段。一段是車載記錄儀拍攝的畫面，一段是模特外拍時筆者採的景，另外一段是音樂節時拍攝的觀眾以及一段馬路上隨拍的車流。當我們把他們按照一定的順序組接起來，並把最後一段素材的持續時間變長，看上去就像是不同的人從四面八方去看音樂節。
還是這四段素材，我們把最後一段換成女孩讀書的，那整個視頻就變成描述一段女孩去讀書了。
本頁大家記住一個要領：不要死心眼只用今天拍的素材描述今天的事，昨天拍的視頻也可以用來充數。像我就留了很多風光素材，比如日出什麼的，啥視頻都能用，哪裡的太陽不是太陽啊。
我們常常聽藝術家口中的蒙太奇，並不是什麼神秘東西，其實就是互動式剪輯的延伸，很多朋友在剪輯視頻中不經意就可以達到蒙太奇的效果。如果非要追溯一位創始人，那要算是愛森斯坦以及他的《戰艦波將金號》，詳細的理論我們少說，先看一段樣片示意。
技巧2：蒙太奇的運用
回顧一下互動式剪輯，用不同的鏡頭鋪墊一件事，而蒙太奇的定義更加寬泛，用不同場景、不同景別、不同人物等等各色鏡頭描述同一種情感。上面這個視頻筆者均拍攝的小景，充其量也就有個別介於中景和近景之間的鏡頭，串在一起就可以表達出靜謐的感覺，再來看下一段。
我想和大家說的是：雖然蒙太奇的手法豐富多彩，但新手使用時盡量選用同景別的素材描述情感，要麼都是特寫，要麼都是全景。
上面這段視頻又有特寫，又有遠景，有風光也有人物，串在一起表達運動的時尚與刺激感。這段視頻更加符合蒙太奇的廣義理論，更加適合老手使用。我有很多例子可以拿出來分享，為啥專門選中這段運動題材的視頻？
就是因為：無論蒙太奇的定義多麼寬泛，咱們幾段素材的節奏起碼要一致，要慢都慢，要快都快，別是幾個快速的鏡頭後面跟了一個老人散步的，那就奇怪了。
學院派的剪輯教材中會告訴您相鄰的兩個鏡頭一定要有明顯變化，比如前一個鏡頭是全景，那麼下一個鏡頭就一定要接個特寫；又比如前一個鏡頭拍攝了人物的正面，後面的鏡頭就一定要是人物的背面或者乾脆換一個人，如果兩個鏡頭之間的差異不明顯看上去就會很別扭，真的很別扭嗎？
技巧3：跳切，音符一般的節奏
上面這段視頻前半部分就是女孩喂自己的男朋友吃冰激凌，雖然是美妙的事情但外人看上去就很平淡。後面跟了一段視頻，視頻採用了跳切的手法，這么處理看上去就有意思一些，如果在MV中配上音樂就會顯得很俏皮。
跳切的處理相當簡單，比如上圖中長方形是整段素材，剪輯時只要去一段，留一段就行，唯一需要注意的是留下素材的畫面最好有明顯區分。跳切算是一種投機取巧的剪輯方法，但是請注意一點，您的作品要麼只採用一次跳切，要麼就全是跳切，2、3個跳切加在視頻中會起到適得其反的`效果。
跳切需要特別注意：選擇的素材盡量是「主體不變，細節變化很大」的，怎麼理解這句話，比如一個女孩轉頭甩長發，主體是女孩沒有變化，細節是轉頭變化很大，這種視頻就適合採用跳切處理。
上面這段，整個視頻就是幾個人並肩往上走，也沒有回頭等多餘動作，採用跳切處理後效果就不好，各位在剪輯視頻時需要特別注意。
傳統的剪輯堅持認為應該讓觀眾看不出剪輯的痕跡，而跳切則完全顛覆了這種理念。這種剪輯手法源於法國新浪潮時期的電影，最早出現在電影《筋疲力竭》中，一個乘客坐車的鏡頭被生生切成了數段，而電影《窒息》甚至在長達數分鍾中的鏡頭中採用了跳切手法。
為何說跳切是一種討巧的剪輯手法，因為它可以把原本枯燥的一段鏡頭進行再加工，在不添加其他元素的情況讓視頻變得有意思，而變速手法也有異曲同工之妙。變速處理比較好理解，就是一段素材的前半部分用正常速度播放，後半部分進行加速或者慢速處理。
技巧4：慢速處理抒發思想感情
運用這種手法最多的視頻非畢業MV莫屬，我們回憶這樣一個畫面，若干意氣風發的青年站在鏡頭前，3、2、1之後集體跳起來，把手中的學士帽拋向天空，保守一點說，基本上99%的製作者會在這里採用慢速處理。
文章中能教給大家的剪輯技巧實在有限，無論是互動式剪輯、跳切還是慢速處理，都是想告訴大家要把自己的情緒帶入到視頻中。我們經常能看到鋼琴演奏者，時而低頭靜靜敲打琴鍵，時而手指如飛仰頭甩發，目的就是把音樂中的情緒傳達給觀眾。對視頻速度的處理和彈琴一樣，通過不同的速度傳達不同的情緒。
做變速處理：一般慢速比加速的情況多，我們可以把慢速的效果等同於「強調」，比如一個女孩和男孩見面，我們要強調見面時的感覺，就可以在他們擦肩而過的瞬間做慢速。
技巧5：將相同的鏡頭組接在一起
「今天老師帶我們一起去春遊，小夥伴們都高興壞了，大家出門時都帶了很多吃的，有的帶香腸、有的帶麵包、有的帶巧克力....」這是咱小學時寫作文常用的手法，還記得叫什麼嗎，沒錯就是排比，其實視頻中我們也有相似的手法，俗稱並列剪輯，學名平行剪輯，先看下面一段視頻。
舉個例子，一般我們拍攝的視頻素材都可以按照時間、地點以及人物進行分類。比如四五個好友一起去演唱會，那麼去的過程包括做地鐵、坐公交等視頻都可以分在時間類別里，演唱會門口拍個合影、鏡頭掃個會場全景都可以分在地點類別里，剪輯時連續拼接一個類別的不同素材，就可以稱之為平行剪輯，也就是我們說的並列剪輯。上面這段視頻，我把魔術師受挫的鏡頭拼接在一起，就是把人物類別的素材並列組接在一起。
其實：平行剪輯涵蓋的內容非常廣，很多科幻電影，比如《盜夢空間》，就是把不同時空的素材並列在一起，這算是平行剪輯最特殊的例子了。咱們在剪輯時，只要是同時間發生的事情，都可以並列剪輯在一起，會起到意想不到的效果。而同時間內素材不夠的話，參考互動式剪輯。
;④ 美國的科幻片都是怎麼拍的，
演員們站在綠色背景前表演（稱為摳像技術），屏幕上只有·演員的圖像而沒有背景，背景另外拍攝或製作，到後期製作的時候合到一起就完了。
科幻電影採用科幻元素作為題材，以建立在科學上的幻想性情景為背景，在此基礎上展開敘事的影視作品。
科幻片所採用的科學理論並不一定被主流科學界接受，例如外星生命、外星球、超能力或時間旅行等等。科幻電影常常使用可能的未來世界作為故事背景，用宇宙飛船、機器人或其他超越時代的科技等元素彰顯與現實之間的差異。
(4)科幻電影怎麼剪輯擴展閱讀
美國著名科幻片介紹
1、《地心引力》由阿方索·卡隆執導，桑德拉·布洛克和喬治·克魯尼主演。
劇本由導演阿方索·卡隆與兒子喬納斯·卡隆共同撰寫。影片於2014年3月3日獲得第86屆奧斯卡最佳導演、最佳剪輯、最佳攝影、最佳視覺效果、最佳音響效果、最佳音效剪輯以及最佳配樂獎七項大獎。
影片講述了一個在探索者號太空梭上的兩名男宇航員和一個女宇航員出艙進行哈勃望遠鏡維修時，遭遇太空碎片襲擊導致飛船發生嚴重事故後在太空中發生的故事。
2、《星球大戰》（Star Wars），又名《星球大戰4：新希望》（Star Wars: Episode IV - A New Hope），是科幻電影《星球大戰》系列的第四集，也是正傳系列的第一部。
本片由喬治·盧卡斯執導，哈里森·福特、馬克·哈米爾、凱麗·費雪等主演，於1977年5月25日上映。影片講述了主角盧克·天行者走上絕地武士之路的冒險歷程。