⑴ 電影是誰發明的
電影的問世源於一場賭約。1872年，英國幾名賽馬者為馬奔跑時是否始終有一隻蹄子著地而爭論不休，並為此打起賭來。麥布里奇為了解其中緣由，便在馬道一側放置了24台相機，當馬跑到各相機前時，就拍下馬此時的運動狀態。然後，他將照片依次放在一個可旋轉的玻璃盤上，並用一個挖有槽口的圓盤做反向運動，使照片輪流出現在槽口，從而看見馬在奔跑時的一組連續動作圖像。這就是電影的雛形，它為後人研究電影奠定了基礎。
事實上，被人們公認的真正電影出現的時間是1895年12月28日，由法國攝影師路易·盧米埃爾和奧古斯騎·盧米埃爾兄弟發明的「活動放映機」拍攝。他們在一家咖啡館里，架起了他們發明的機器，並在公眾面前放映自己拍攝的幾組活動照片。人們在白色幕布上看到嬰兒喝湯、火車行駛等活動影像時，都震驚不己，於是就把這一天定為電影的發明日。
⑵ 哪些電影一開始被認為是爛片沒人看，後來被翻看成經典的
我覺得是《大話西遊》吧，剛開始以為是爛片，後來真是一部經典之作。
這部影片是不可復制的經典，也是周星馳最具有代表性的作品。第一次看的時候，被周星馳那句話感動到：如果上天給我一個機會，我會告訴那個女孩我愛她，一萬年。雖然這是一部喜劇片，但是這裡面所講到的愛情是悲劇，《大話西遊》的核心就是愛情，這是一部愛情電影。它的經典在於，沒有宏大的喜劇框架，很特別。而且看過之後，深有感觸，也很感動，很經典的電影。大家怎樣認為呢？歡迎點贊留言哦。
⑶ 電影是什麼時候發明的
電影的發明】
早在19世紀初，人們就開始了對電影發明的探索與研究，直到盧米埃爾兄弟在1895年正是將拍攝的膠片公開放映，電影才算是正是誕生。
[電影的發明]
電影究竟發明於何時？有許多說法。有的把形象化的表現也算作是電影的起源，從中國的燈影戲、皮影戲到幻燈。有的甚至追溯到公元前5世紀，把我國哲學家墨子在他的著作《墨經》中提出的「光至景亡」等光學論斷以及光影的生成、關系、物像的反映原理等都看作是電影發明的先導。這些都是有一定道理的。
到了19世紀初，隨著攝影技術、縮短曝光、膠片、連續攝影等一系列技術的發明，電影就越來越來接近誕生。許多人開始進行電影放映的試驗，有英國人、俄國人、美國人，有的在實驗室，有的未作公開放映。但都不能和法國盧米埃爾兄弟發明「活動電影機」的成就所比擬。所以，目前國際電影界根據法國路易·盧米埃爾兄弟在1895年12月28日這天在巴黎卡普辛路14號大咖啡館的「印度沙龍」內用「活動電影機」將自己拍攝的膠片放映至銀幕上這一史實，一致公認將1895年12月28日作為世界電影的發明日。也就是說：活動影像的攝取和放映在技術上最終成為可能。電影算是正式誕生了。
那天放映了《工廠的大門》、《火車進站》、《水澆園丁》、《牆》等幾部短片，引起了人們極大興趣。實際上，從19世紀初開始，電影的發明就進入了探索和實驗階段。1825年，英國人費東和派里斯博士發明了「幻盤」，1832年，比利時的約瑟夫和奧地利的斯丹普弗爾同時發明了「詭盤」，1834年，英國人霍爾納發明了「走馬盤」。這些東西類似我國傳統的「走馬燈」，會轉動。利用人眼的「視覺暫留」原理，使轉動著的單個圖像變成了連續的動態圖像。
接著，1839年攝影技術發明，1840年又發明了縮短曝光的技術，攝影技術有了突破。到了1877年，法國人雷諾製造了「活動視鏡」，進而在1888年創造了他的「光學影戲機」，類似現代的動畫片技術。1882年，法國生理學家馬萊發明了「攝影槍」後，解決了連續攝影的問題。
幾乎在同一時間，美國的愛迪生創造了每格鑿有四組小孔的35毫米影片，並發明了「白熱燈」，同時，他採用了馬萊連續攝影的方法製成了「電影視鏡」。這是一個可放50英尺影片的大櫃子，影片首尾連接成片環，用馬達驅動後循環放映。裡面裝有放大鏡，人湊在窺視孔上就能看到放大了的影片畫面。中國人稱為「西洋鏡」。愛迪生的「電影視鏡」傳入法國後，立刻被路易·盧米埃爾和奧古斯特·盧米埃爾兄弟倆採用，並進行改造，採用了馬爾蒂的十字輪結構後，解決了影片間歇運動的問題，終於在1894年底研製成了第一台比較完美的電影放映機，並成功地把圖像投射到銀幕上，解決了多人觀看的問題。從而成為真正的世界電影的發明者。
電影的發明 (作者:法-喬治·薩杜爾)
在我們眼前每秒鍾以24格畫面（從前是16格畫面）的速度轉動的影片，所以能給我們以運動的幻覺，是因為反映在我們眼膜上的形象不會立即消失的緣故。我們眼睛的這一特點--或者說這一缺點--即形象在眼膜上的滯留性，可以使一塊燃燒著的木炭在被揮動時變成一條火帶。這種現象曾被古時的人們發現過。在17世紀和18世紀，牛頓和達賽爵士曾進行過這方面的研究。但由此打開通向電影的道路，則還有待於在瑞士出生的英國人彼德·馬克·羅傑特的研究。1830年，一位英國著名的物理學家根據他的研究，製成了物理教科書上所說的"法拉第輪"，同時約翰·赫歇爾在設計一種新的有趣的物理實驗時，也做成了第一個利用畫片製成的視覺玩具。1825年由費東和派里斯博士發明的"幻盤"（ThauCmatrope）是一個兩面畫著圖畫的硬紙盤，當硬紙盤很快地旋轉起來時，我們就看到這兩個畫片彷彿結合在一起了。
比利時年輕的物理學家約瑟夫·普拉托和奧地利大學教授斯丹普弗爾在1832年同時發明的"詭盤"
（Phénakistiscope，在鏡子里觀看的一種鋸齒形的圓盤），即是利用"法拉第輪"的原理和"幻盤"的圖畫製成的。
這兩位研究家的發明是在同一時期出現的，他們之間並沒有相互的影響。這一前進的發展在英國物理學家們以前的研究工作中，已經可見端倪。但普拉托從製造"詭盤"所得出的理論似超過他的競爭者。他確立了這樣一種理論，即他的鋸齒形（或有隙縫的）的硬紙盤，不但能使一系列活動畫片產生運動，而且還能使視覺上所產生的運動分解為各個不動的形象。因此從1833年以後，電影的原理，無論在放映或攝制方面都已產生出來了。
在維也納、巴黎、倫敦等地，這些小機器開始脫離了物理實驗室的范圍而成為兒童們的玩具。波特萊爾在1851年對此曾作過詳細敘述，並認為這種玩具價錢太貴，只有闊人才買得起，而引以為憾。英國人霍爾納在1834年發明的"走馬盤"（Zootrope）給予了上述玩具以新的發展。這種"走馬盤"在硬紙上畫有一連串的形象，預示著未來影片的雛形。
這些小玩意產生了近代動畫片，特別是奧地利的馮·烏卻梯奧斯將軍，他在1853年結合了17世紀以來由耶穌教徒基爾謝所創造的幻燈，在銀幕上放映了動畫。但是，要想創造真正的電影，還必須利用照相。普拉托在1845年曾經這樣說過，可是他卻無法從事這一研究，因為他由於工作過度，當時已經雙目失明了。而事實上，當時人們即使遵循普拉托的建議，在技術方面無疑還是有不能解決的困難的。
電影實際上意味著"快速攝影"。照相這一概念，在今天已經十分普及，可是當法國政府在1839年為了把這一最珍貴的近代發明貢獻給世界而向芒戴·達蓋爾和尼塞福爾·尼埃普斯的繼承人收買照相專利權時，這個概念還遠未為當時的人們所理解。
1823年，尼埃普斯的第一張照片"餐桌"，拍攝時需要十四小時的曝光時間。初期的銀版照相法只能拍攝靜物和風景，而曝光時間直到1839年還需要三十分鍾以上。但人們對需要這樣長的時間並不感到奇怪，因為照相對當時的人們來說，還是當作一種新的繪畫方法，即一種根據文藝復興開始以來畫家所用的暗室把形象固定下來的化學方法。
1840年以後，曝光時間減到二十分鍾，並且第一次把化妝的模特兒的姿態拍攝下來，這些模特兒一動也不動地站在陽光下面，汗流浹背，眼睛被陽光照射得睜不開來。過了不久，攝影時間只要一兩分鍾就夠了。但要使照片通過玻璃底版印出很多張，還需要用濕珂�琔，而這種濕珂�琔直到1851年才普遍應用。這時，曝光時間縮短到只要幾秒鍾，照相這門新的手工藝很快就成為了幾萬人的職業。
1851年以來，第一次的"活動照片"在攝影師（克羅代、杜波斯克、阿切爾、惠特斯東、凡哈姆和斯甘等人）的工作室里拍攝成功，了。濕珂�琔的復雜性，使得這些攝影師和研究家不能在一秒鍾時，間內把一個動作的十幾種姿勢拍攝下來，結果他們只好採取連續拍攝的方法。例如，在表現一個人放下手臂時，首先拍攝這個人舉起手的姿勢，然後把膠片重新裝進照相機，再來拍攝這個人的手稍微放下一點的姿勢，象這樣逐次地拍攝，一直拍攝到這個人把手完全放下為止。這種方法雖然很不完善，但它卻使杜蒙、科克，特別是杜柯·杜·奧隆等人早在1870年以前已預示了電影的未來用途及一些技術方法（如"慢速攝影"、"快速攝影"、"天文電影攝影"等等）。
1872年以後，英國人幕布里奇在舊金山第一次做了關於攝影的實驗。加利福尼亞州一個靠商業和鐵路起家的富翁--利蘭德·斯坦福曾和人打賭，要按照法國學者馬萊在1868年所描寫的那樣，把馬跑的速度和動作姿態拍攝下來。這個怪人不惜拿出一筆財產讓慕布里奇去設計象下面所說的那種特殊的設備。
沿著馬跑的道路設置了24個小暗室，在這些暗室內有24位攝影師，他們只要聽到一聲笛響，就得趕快把24張濕珂�琔底版立即准備妥當，因為這些底版如果幹了的話，幾分鍾以後就會失去感光作用。在24架攝影機都裝好了底版以後，就讓馬在跑道上賓士，利用馬蹄踢斷跑道上的繩子的一剎那工夫，把馬跑的姿態攝入鏡頭。這一試驗整整費去好幾年工夫（從1872年至1878年），而且中間還因為繩子太牢，馬踢不斷，而發生過連暗室、攝影機、底版、攝影師都被拖倒的可笑事情。
從1878年以後，加利福尼亞拍攝的照片在各地公布。它們引起了科學研究者的熱烈歡迎和守舊的藝術家們的憤怒，後者認為照片是不能正確地反映出事物的真相的。
生理學家馬萊二十年來一直用針尖在黑煙灰上劃線的方法，來研究動物的動作速度。到1882年慕布里奇旅行歐洲以後，馬萊才決定利用照片來進行實驗。他的實驗工作因當時市上已有一種塗膠質溴素的照相底版出售而得到了很多便利。從此以後，可以用配好的葯品很容易地把快攝的底版沖洗出來，並且能夠把底版保存好多年。
馬萊創造了"攝影槍"--一種根據1876年天文學家強森製造的"輪轉攝影機"（revolverphotographique）加以改進的器械，其後他又對"固定底片連續攝影機"（chronophoCtographeàplaquefixe，1882年發明）繼續進行研究，這種攝影機以後由於採用了市上新近出售的柯達膠卷而成為"活動底片連續攝影機"（chronophotographeàplaquemobile）。1888年10月，馬萊第一次把利用這種膠卷拍攝出來的照片獻給法國科學院。事實上，就在那時他已發明現代的攝影機和攝影術了。
馬萊的成功推動了法國的隆德和德國的安許茲等人的努力。在這位生理學家將他最初的照片獻給法國科學院以後不久，英國的勒普朗斯和弗里斯·格林也獲得了同樣的成果（1888-1890年）。他們將攝成的膠卷在實驗室（有時在公開場合）成功地在銀幕上映出，一如以後馬萊本人和他的合作者第米尼所作的那樣。勒普朗斯和弗里斯·格林的膠卷都鑽有孔眼，這是一種使放映時形象固定而不跳動的不可缺少的裝置。在同一時期，動畫片的創始人雷諾也採取了這種鑿孔的辦法。
雷諾是一個天才的自學技術家，他的父親是雕刻徽章的專家，母親是教員。他在1877年改進了霍爾納的"走馬盤"。製造了一架用幾面鏡子拼成圓鼓形的"活動視鏡"（PraxCinoscope）。當這種很簡陋的機器逐漸變得完善以後，雷諾就在1888年創造了他的"光學影戲機"（ThéaAtreoptique，使用鑿孔的畫片帶），從1892年起，在將近十年的時間里，他常在巴黎葛萊凡蠟人館放映世界上最早的動畫片。放映的節目是由每卷能繼續放映約十分鍾到十五分鍾的一些畫片構成。在製作這些影片時，雷諾已利用了近代動畫片的主要技術（例如，活動形象與布景的分離、畫在透明紙上的連環圖畫、特技攝影、循環運動等等）。
在同一時期，愛迪生創造了一格鑿有4組小孔的35毫米的近代影片，使電影達到了近於完成的階段。這位著名的發明家在從事"白熾燈"的工業製造成功以後，開始實現了第一次的大規模的送電。由此，他終於使一個世界電氣托拉斯在摩根銀行的支持下，通過"通用電氣公司"這一機構而建立起來了。
1887年，完成了上項工作的愛迪生又想把活動照片聯系在一起來改進他的留聲機（這種留聲機是過去在他研究電話時附帶製造過的）。經過兩三次無結果的試驗以後，他轉而採用了馬萊的"連續攝影機"的方法。在愛迪生指導下進行研究的英國人狄克遜，在這方面作了一些改進，主要是在影片上鑿孔和使用了柯達公司特製的長達50英尺的膠質軟片。
愛迪生拒絕公開在銀幕上放映他的影片，他認為這樣做無異於"殺死一隻會生金蛋的母雞"，因為照他的意見，人們對無聲片決不會產生興趣的。由於他在研究有聲電影上遭到了失敗，不能把和真人一樣大小的人物放映出來，所以在1894年，他決心把他的"電影視鏡"公諸於世。這種"電影視鏡"形狀象一隻大錢櫃，上面裝有放大鏡，可以容納50英尺的鑿孔影片。
不久以後，世界各國即有幾十位發明家想在銀幕上放映電影了。為此，他們不得不去解決一個在理論上非常簡單的問題，即使用舊式的機件（如麥穗形十字輪、偏心盤、傳動輪等等）使影片在幻燈中轉動起來。在放映上，他們或者使用市上買來的愛迪生影片拷貝，或者用他們仿效馬萊的"連續攝影機，拍攝下來的愛迪生型的影片。
在這一發明競賽中，獲得勝利的人一定是在公開賣票放映上獲得成功的人。因為自從1888年以來，在實驗室里的放映或者無結果的公開試映已經舉行過不知多少次了。
1895年，早期電影的放映非常盛行。放映者之間常常毫無聯系，因而後來在發明電影這一問題上引起了許多爭論。在最先發售"電影視鏡"的美國，首先進行試映的有：阿克梅·勒·洛埃、歐仁·勞斯特（他們兩人從這一年2月起已開始作單獨的公開放映，但未引起觀眾注意）、狄克遜、拉泰姆父子（同年5月在紐約曾經放映過一個時期的電影，後因不受觀眾歡迎而停止）、阿爾瑪特和堅金斯（9月在亞特蘭大州放映過電影，收獲也很少）等人。過了不久，在德國也有安許茲的放映（10月在柏林舉行了數次單獨的放映）和馬克斯·斯克拉達諾夫斯基的放映（10月在一家很大的游藝場連續放映過多次，盡管放映的影片質量不好而且很短，卻能夠繼續好幾個星期之久）。
但是所有這些放映，都不能和盧米埃爾的"活動電影機"所獲的成功相比擬。那次放映是從1895年12月28日起，在巴黎嘉布遣路的"大咖啡館"里舉行的。
路易·盧米埃爾原和他的父兄一起在里昂經營一個製造照相器材的大工廠。愛迪生的"電影視鏡"剛剛輸入法國的時候（1894年），他已經開始了電影機的研究工作。他在實驗中曾製成過一架應用"杭勃羅歐偏心輪"和里昂製造的愛迪生型膠片的"連續攝影機"。從1895年3月經過多次公開表演之後，盧米埃爾請卡爾邦蒂埃經營的工廠製造他的"活動電影機"--一種既是攝影機同時又是放映機和洗印機的機器，這樣，他終於發明了一種超越其他一切競爭者的機器。這一機器技術上的完善和它所攝制的影片主題的新穎，使盧米埃爾獲得了世界性的勝利。
盧米埃爾培養出來的幾十個攝影師，極力向全世界推廣這種機器，結果使"活動電影機"這個名詞以及由此轉化來的Cinéma、Ciné、Kino等名詞普及到地球上的大部分地區，成為代表這一新的玩意的名詞。俄國的沙皇、英國的國王、奧地利的皇室，以及其他國家的元首，都想看到這種新的機器，從而為這種機器作了宣傳。
"活動電影機"在美國最初表演，是在愛迪生的"維太放映機"（Vitacopes）剛剛公開不久之後，但法國機器的成功卻遠遠超過了愛迪生所製造的機器。可是六個月之後，這一成功卻先後在美洲和歐洲遇到勞斯特和狄克遜設計而有麥金利總統的兄弟參加的一家大財閥公司所經營的"比沃格拉夫放映機"（Biograph）的競爭。在英國，威廉·保羅的最初幾次放映成績僅稍次於盧米埃爾，但以後他卻成了電影機的製造商，此後又做了電影導演。在法國，梅里愛在開始時曾應用過威廉·保羅的電影機，萊翁·高蒙曾發售"第米尼連續放映機"；查爾，百代則請亨利·約利製造最初的電影機。
到了1896年底，電影已經完全脫離了實驗階段而與觀眾見面了。享有專利權的電影機器，為數達百餘種之多。法國的盧米埃爾、梅里愛、百代、高蒙，美國的愛迪生和比沃格拉夫公司，倫敦的威廉·保羅，都已在電影企業中奠定了基礎，每天晚上都有好幾千觀眾擁擠在漆黑的電影院里了。
以上我們只簡單地敘述了電影機器發明的經過，因為本書主要目的是要敘述一種藝術的歷史，即"電影藝術的歷史"。我們先要研究一下活動形象，因為這是電影最早的祖先，就如一種新語言的最初發音一樣。
1825年發明的"幻盤"，它的最早的形狀是一張硬紙板的圓盤，一面畫著小鳥，一面畫著鳥籠，當圓盤轉動時，小鳥就好象關在鳥籠里了。其實這里並沒有一件東西在運動，只不過利用重迭在一起的印象，使人看去似乎很合理。它的主題也非常簡單。這種玩具曾經盛行一時，人們並把簡單的主題印成很漂亮的帶色的石版畫。於是，在倫敦、巴黎和維也納的市場上出現了這樣一些主題的"幻盤"：騎師和他的馬、砍了頭的男子和他的頭、一個家庭里的一對夫婦、一句話的兩個部分、舞女和她的舞伴、獵人和他的獵物等等。這樣的主題經過旋轉以後，就會結合成為一個畫面了。
維也納的斯丹普弗爾是一位幾何學教授，他從"法拉第輪"發現了"牛頓的圓盤"所產生的帶有顏色的扇形形象。這位奧地利教授在他製造的"頻閃觀察器"（Stroboscope）里首先使一些薔薇形的、齒輪形的和各種圓形的物體活動起來。這一發明可以說是科學教育電影的最初萌芽。
以後，斯丹普弗爾和普拉托，又分別在維也納和列日從事使人物形象能夠活動的研究。他們使人物在立體面上運動，由此給予人物以一種浮雕的感覺，這是在發明"立體鏡"（Stéréoscope）前幾年的事情。普拉托請他的朋友馬杜畫的第一張畫是一個象行吟詩人似的用腳跟打轉的侍從。斯丹普弗爾請人畫的一張畫則是一個翻跟斗的賣藝人。
當玩具製造商對最初的技術發展的興趣消失之後，主題的選擇便成為他們注意的對象。這種玩具的發展范圍原很有限，它只要使畫片簡單運動，充其量只需做到象今天動畫片專家所說的作循環不斷的轉動而已。
當時常用的一些主題有：跳躍的馬、伶俐的狗、體操教師、跳繩女郎、芭蕾舞女、一對跳華爾茲的舞伴、走繩索的人、拳斗家、摔跤者、決斗者、酒鬼、兩個拿著唧筒的救火隊員、一個患牙疼病人的滑稽面孔、鋸木頭的木匠、憲兵和小偷、打鐵的鐵匠、理發師、母雞啄食、滑稽小丑等等。
1877年，雷諾在他的"活動視鏡"中採取了大部分"走馬盤"的傳統題材，並在他未發明新的題材以前，把這些主題加以改進，使之更為完善。他和斯丹普弗爾及普拉托一樣，也都利用"深景"。①但斯丹普弗爾和普拉托只能做到使一個人物或者是兩個人物在一個地方轉動，而雷諾則能使得幾組跳華爾茲舞的舞伴、滑冰者、小學生、丑角演員等，時近時遠地運動。他還模仿了他的前輩，應用"特寫"。最後，他還從慕布里奇和馬萊的攝影中間，發現了正確地表現馬跑的方法。
①利用"深景"是一種使人物由前向後或者由後向前移動，而不局限於一個景上的導演手法。"景"是指攝影機拍攝的幅度而言。
雷諾為了他的"影戲機"而製造的第一部動畫片《丑角和他的狗》，再次採用了普拉托以來的舊式"走馬盤"的主題。在這部畫片里，他以更復雜的運動來代替迅速、循環不斷的轉動。但他這種最初的試驗還只是真正的放映的一種"前驅"而已。
他的第二部動畫片《一杯可口的啤酒》，也是根據走馬盤的主題《酒鬼》製作出來的，但動作卻復雜得多。顯然，他很受當時流行的馬戲丑角入場式或啞劇的影響，以一出笑劇--我們也可以把它叫做"速寫"--的方式來表現這一簡單的主題。
《可憐的比埃羅》這部動畫片，已經從原始狀態中解脫了出來。它的情節是：比埃羅向科隆賓娜求愛，卻遭到了阿爾甘的嘲笑和打擊。這部畫片可以演出十二分鍾，裡面並有歌詞。這是一出漫畫劇，或者象葛萊凡蠟人館的廣告上所說的那樣，是一出"明亮的啞劇"。
《更衣室旁》這部動畫片是雷諾最豐富、最復雜的一部作品。在這部可以連續演十五分鍾的畫片里，出現的場景和畫面，幾乎象"鏡頭組合"。
畫片開始是用海水浴者的笑劇來表達海邊的氣氛，而這種氣氛又由於海鷗不斷地來回飛翔而變得更為濃厚。鳥的飛翔是一個很新穎的場面，在戲劇里從未見過，因而成為吸引觀眾的原因之一。接著是一個簡單的但卻安排得很生動而幽默的情節：一對巴黎的夫婦來到海邊；一個"風流客"對巴黎太太大獻殷勤；因為偷看她在更衣室里脫衣服，結果屁股上被踢了一腳；巴黎夫婦在海里游泳；"風流客"被關在更衣室里。經過一段打架的場面以後，出現了一艘張帆的船，帆上寫著"劇終"二字，故事由此而告結束。
《更衣室旁》這部動畫片，已經具備了現代動畫片的一切特點，諸如：一定的放映時間、巧妙的劇情、典型的人物、噱頭、特技攝影、緊湊生動的故事情節、同步的音樂、美麗的布景，以及動人的色彩等等。
除以上特點以外，雷諾還在這部動畫片里完成了一件他的許多後繼者所不能實現的事情，那就是他創造的人物完全和真人一樣，而不是一些漫畫里的人物或時裝展覽上的那些毫無人氣的木偶。他賦予他所創造的人物以諷刺和幽默感，同時又不使之過分誇張。他的"巴黎太太"和"風流客"都具有真正的人性，它們和後來的奇形怪狀的"米老鼠"、"唐老鴨"或迪斯尼所繪制的全無生氣的"白雪公主"、"美貌王子"完全不同。
《爐邊偶夢》表現回憶、夢和追溯①。據我們所知，這部動畫片遠不如《更衣室旁》完美。雷諾利用攝影機拍攝的影片，是沒有什麼值得提到的。但他在迦里波主演的影片《最早的雪茄》時，為了更清楚地表達演員的面部表情起見，大概利用過中近景。
①追溯是切斷事件在時間上的次序的一種敘事的方式。
在雷諾的"影戲"公演以後不久，第米尼的"留聲放映機"（Phonoscope）--一種把馬萊在試驗室里的實驗通俗化的機器--第一次表現了一個能說"法國萬歲"和"我愛你"的人的半身活動形象。這種生動的大特寫鏡頭（歷時約一秒鍾）乃是一種新的創造，連愛迪生也曾予以重視。
這種大特寫鏡頭在狄克遜攝制的初期影片之一《弗雷德·奧托打噴嚏》里，又再一次被採用過。
狄克遜攝制的影片可以說是最早的影片，片長都不超過30秒；它們能象"走馬盤"的畫片那樣，可以循環重復表現。觀眾是通過"電影視鏡"上的一個放大鏡來觀看這種比明信片還要小的影戲的。
愛迪生曾經這樣說過："我發明'電影視鏡'的念頭是從一個小的名叫'走馬盤'的機器得到的……我的機器只不過是一個用來表示我現階段的研究成果的小小模型而已。"
愛迪生早期用於"電影視鏡"的50部影片都套用了"活動視盤"上的節目。舞女、賣藝者、體操教員、走繩索者、跳躍的狗、伶俐的貓、拳斗家、摔跤者、酒鬼、牙醫生、理發師等等"走馬盤"常用的主題，都被狄克遜重新採用。他只不過是把"走馬盤"上原來的24張畫片改成500多張照片而已。"走馬盤"的畫片里只畫一些小道具，沒有布景。在愛迪生的影片里（這些影片差不多全部是在綽號"囚車"的世界上第一個攝影場里攝制出來的），也是這樣。在烏黑的背景上只能看到一些白的影子在活動，它們的形象與其說象人，倒不如說象木偶，這種影片很可與黑白恰恰相反的中國皮影戲相比擬。
但狄克遜有幾部作品卻是例外，並且為未來的影片作了先驅。在這些影片里，"走馬盤"的主題是被他用不同的風格來處理的。大特寫①的使用，已足使我們看到的形象不是木偶而是真的人物。如用中近景拍攝的《桑陀教授》。當他表現身上的肌肉時，由於他的面部和身體佔了畫面很大的面積，以致黑暗的背景完全消失，於是我們看到的乃是一張真正活動的照片。
①"大特寫"是只拍一個人的面部；"前景"是拍到胸部以上；"中近景"拍到半身；"中景"拍一個人的全身；"遠景"則把場面里所有的人都拍進去。
在《消防員救火》這部影片里，出現在黑暗背景上的梯子和掩蓋了畫面的濃煙，是創造活動布景的很好辦法。同樣，在《拔牙》（這是一部最早的寫實影片）中，以及在那些用觀眾把背景掩蓋起來的拳賽影片中，增加道具或臨時演員也是一種創造活動背景的辦法。在影片《理發店》和《新酒吧間》中，還有真的室內場面，而且可以說已帶有布景了。這些影片是"電影視鏡"影片中最成功的影片。
狄克遜應用愛迪生的留聲機紀錄聲音的方法，請一些游藝場的演員在他的影片里演出。這些演員的聲名對於宣傳"電影視鏡"起了很大的作用。同時，這種作法又為明星制度的出現開辟了道路。這種影片絕大部分紀錄了游藝場演員經常演出的節目，因此狄克遜可以說是第一個拍攝舞台紀錄片的人，為後來的梅里愛的影片作了先驅。
狄克遜常常集合許多群眾演員在他的攝影棚里的舞台上演出。例如，他拍攝的時事諷刺劇《賀依特的乳白色旗子》的最後一個場面上，就有34個穿著盛裝的群眾演員出現。但由於"電影視鏡"中的形象很小，所以這些群眾場面反使人感到混亂，因而這種利用人數眾多的群眾演員的嘗試，沒有獲得多大成功。
狄克遜在離開"囚車"攝影場到紐約另一家攝影場工作以後，他的技術更有長足的進步。他此時攝制的《吸鴉片煙的人》和《中國洗衣店的吵架》就具有梅里愛在幾個月以後創造的初期故事片中的一切特徵：如布景、演員、服裝、化妝和電影劇本等等。但狄克遜的電影劇本當時還非常簡單。
接替狄克遜在愛迪生處工作的愛德蒙·庫恩是一個職業攝影家，他拋棄了"走馬盤"的一切習慣作法，而致力於活動照片。但由於愛迪生的攝影機非常笨重、復雜，使庫恩只能在攝影棚里拍攝影片。一直到盧米埃爾的初期影片獲得成功以後，庫恩才開始從攝影棚里擺脫出來。
庫恩導演了兩部有名的影片。一部是《瑪麗·斯圖亞特之死》，描寫劊子手在群眾面前砍下女王瑪麗的頭，拿給群眾觀看；另一部影片是《梅·歐文與約翰·賴斯的接吻》，利用大特寫的手法，拍攝了一出很受歡迎的話劇中的一個插曲。《接吻》雖然不是第一部利用大特寫手法的影片，卻是利用大特寫第一次獲得成功的影片。這種幼稚的色情表現為後來很多用大團圓來收場的影片作了開端。
《接吻》一片由於"電影視鏡"只能一個人單獨觀看而獲得了很大成功。人們又替"電影視鏡"拍攝了一些扭動下身的跳舞、只穿著一條褲衩的舞女以及淫盪的舞蹈等影片，吸引了很多男性顧客。這種只能一個人單獨觀看的電影，直到現在，還由於這些"特殊的主題"被繼續保留著。
⑷ 如何理解經典電影，或偉大電影
經典電影不一定是非要大家認可的，才是經典的，每個人的心中肯定都有一部，屬於自己的經典電影，你覺得這部電影它可以反映一個時期的時代特徵。或者能夠對你造成一定的影響，它就是經典的電影，偉大的電影也是一樣的。我們很容易誤以為偉大的電影，就是那些大場面，有一兩個偉大的人出現，英雄主義的電影。
而我覺得不應該這樣去理解，每個人對於電影的看法不一樣，不管是經典電影還是偉大的電影，只要能夠在你心中成為一部好電影，能夠對某一些人造成影響，它就可以稱為經典和偉大的電影。在我心目中那個經典的電影就是陳凱歌的《霸王別姬》，這部電影一直深深的印在我的心頭，這部電影很多個地方都打動了我，有關於師兄弟之間的情義，還有一個特殊時期的社會大環境。
《霸王別姬》在我們很多影評中都有分析，被很多人分析過，但是每一個人的角度不同，看法也就不同。就說我們國內的電影，還有最近出來的愛國主義的電影《戰狼2》，我覺得也是一個偉大的電影的一個代表。這是象徵著中國綜合實力提升的一個電影，激發了我的愛國之情，我想很多人在看完這部電影之後，也會滿腔熱血，充滿了愛過的熱情。
這兩個電影一個是老的電影，可以被我們成為經典，《霸王別姬》經歷了時間的洗禮，還是讓人銘記在心，尤其是張國榮精彩的演技，更是讓人刻骨銘心。一部經典電影，不僅是電影本身，更重要的還有演員的表演。而《戰狼2》則是一部新的電影，同樣也會被人所接受，而且還是喜歡，因為這代表了我們的祖國，足以稱得上是一部偉大的電影。
⑸ 很多人都喜歡看電影，那麼電影的定義究竟是什麼
電影是繼文學、戲劇、音樂、舞蹈、繪畫、建築之後出現的一種新的藝術形式。它發明於19世紀末期，由最初被認為是「小學生的玩意」、「奴隸們的娛樂游戲」逐步發展成為20世紀最廣泛和最具影響力的藝術。它通過攝影機以每秒拍攝若干格畫幅的運轉速度，將被攝物體運動的時空轉換過程記錄在條狀膠片上，然後將不同的膠片銜接起來，經過顯影、定影。乾燥加工成電影拷貝的過程，製成可以放映供許多人同時觀看的影片。影片從最初拍攝一些活動的日常生活景象片斷，發展到現在已能夠拍攝豐富多彩、復雜變化的現實世界，具體形象地反映社會生活的能力和生動的藝術感染力。
由於電影的樣式和片種繁多，有注重完整故事情節、刻畫人物性格的故事片，有報道某一政治、經濟、文化教育、軍事或歷史事件活動的記錄片，也有運用各種美術手段和材料製作的美術片，還有記錄舞台藝術表演的戲曲片等等。在這些種類中又包含若乾片種。如故事片中有喜劇片、西部片、愛情片、科幻片等；美術片中有動畫片、木偶片、剪紙片；記錄片中有傳記記錄片、文獻記錄片、新聞記錄片等。它包括文學、戲劇、繪畫、建築、音樂、舞蹈等各種藝術成分，所以被稱為綜1合藝術。
所謂綜合藝術，指綜合幾種藝術成分而構成的藝術樣式。其特徵是：
集體創作。包括編劇、導演、演員、美術、攝影、錄音多個創作部門藝術創造的有機配合；
利用現有的一切藝術表現手法。電影有含文學成分的描寫和結構，有含戲劇成分的對話、內心獨白、形體動作、面部表情，有含音樂成分的歌曲和與畫面融合的視覺形象；
廣泛的群眾性文化。電影的構成是用活動著的畫面和各種音響表達、表現世界各國的人和環境之間的關系以及由此形成的風俗習慣、生活方式、文化水平，且通俗易懂、明白曉暢。
但是，電影的綜合性並不是指各種藝術成分的簡單相加，而是指將各種藝術形式包含的藝術成分融匯貫通變成新的東西加以表現。它除具有一般文學藝術的共性特徵外，還具有自己的個性特徵。這在於電影藝術的表現工具與別的藝術表現工具不同。電影是用攝影機來反映的。攝影機具有真實記錄反映對象及其運動的時空轉換這一特點，由此形成特殊的電影表現手法和電影敘述語言，將各種藝術成分有機統一組合成新的藝術表現形象。
正因為如此，作為藝術的電影，雖然是誕生於眾多古老傳統藝術如文學、戲劇、音樂、舞蹈、繪畫、雕塑、攝影……之後的最新最年輕的藝術，但也是迄今為止唯一可以讓我們知道它的誕生日期的藝術。自1895年12月28日盧米埃爾正式公映自己製作的世界最早的影片獲得成功至今僅百年的歷史。而古老傳統的藝術，其中有的已經歷了上千或數千年的滄桑，它們問世的時日，就連專門研究藝術史的專家學者們也無從稽2考。電影和古老傳統的藝術相比，它只能算個小弟弟。但是它後來居上，後生可畏，最年輕的藝術——電影，以其無可比擬的藝術魁力，闖進了世界藝術之林，一躍而成為最富群眾性最具影響力的與世紀同齡的藝術巨人。其所以能如此，恰恰是由於它年輕，有它自己的優勢。因為電影不僅是誕生於古老傳統的藝術之後，而且它是吸取和消化了這些藝術的所長而又揚棄了它們的所短，有機綜合了多種藝術因素而形成的一種新型的獨特的藝術形式。因此，多種藝術門類的有機綜合，是電影藝術最突出的美學特性，綜合性是電影美的本質所在。
早期的電影研究家們從電影像誰這一命題出發，探討電影藝術的基本持性和電影美的奧秘。他們所持的觀點和所得的結論各不相同，大相徑庭。有人認為電影像文學，有人認為電影像戲劇，也有的認為電影像繪畫，還有的說像音樂等等。不一而足。於是便有「可見的文學」、「電影詩」、「視覺交響樂」、「沉默的旋律」諸如此類的說法，試圖從電影美學的層次上對電影美的本質作出界說。這些見解雖知其相對的合理性依據，但在今天看來，其各執一端的片面性，則是顯而易見的。電影既像誰也不像誰，電影就是電影，因為電影是吸取、包容了文學、戲劇、音樂、舞蹈、繪畫、雕塑、攝影……多種藝術的因素、集它們於一身的綜合藝術。
電影中包容了文學的因素，因為它從文學中吸取了一整套反映客觀世界和現實關系的方法，從文學的各種體裁中廣泛吸取營養，如從詩中汲取抒情性，從散文中汲取紀實性，從小說中汲取敘事性。在敘事手法上又借鑒了文學中的主觀敘述和客觀敘述，外部描繪和內心剖析以及多種形式的結構原則等。總之，無論從人物塑造、情節結構的安排、細節的描寫、敘事的3方式，電影都借鑒了文學的經驗而具有文學的因素。電影中存在的戲劇因素，表現在演員表演、場面調度、矛盾沖突和懸念等一系列藝術方法和手段的運用。電影中的音樂因素，表現在通過旋律配合畫面，以營造環境氛圍、渲染情感和節奏變化。至於電影中的繪畫、雕塑、攝影等因素，不僅表現在造型性和視覺再現性上，對構圖、色彩和光影的處理上，借鑒了這些藝術的經驗，而且電影中的許多專用術語如畫面、色調、影調、鏡頭、焦距等等，也都是從這些藝術中借用過來的。
電影從文學中吸取了一整套反映客觀世界和現實關系的方法，從人物塑造、情節結構的安排、細節的描寫到敘事形式等各個方面都借鑒了文學的經驗、方法和技巧，因而具有文學的因素。但文學進入電影』，由於受電影的制約，經過消化、融合，已發生了質的變化，而非電影加文學。電影中的文學因素和作為語言的藝術的文學有質的區別。因為盡管電影廣泛借鑒文學塑造藝術形象的經驗、方法和技巧，但文學是通過語言文學這一唯一的媒介塑造文學形象，而電影則是通過畫面和音響以及電影所獨具的特殊表現手段——蒙太奇來塑造銀幕形象。作家用語言來寫故事、寫人、寫人的靈魂。文學形象是通過抽象的語言符號給讀者以聯想，銀幕形象則是通過可見的畫面和可聞的聲音具體地直接地訴諸觀眾的視聽感官。可見電影中的文學因素決不是電影加文學。
電影從繪畫中吸取營養，包括構圖、光影、色彩、線條的運用和處理，具有繪畫的因素，但繪畫進入電影並非電影加繪畫，電影中的繪畫因素受電影制約，與繪畫藝術有質的區別。繪畫再現生活的手段是線條和色彩，電影的手段是畫面，並且有聲音與之相配合。繪畫中的造型形象只能是化動為靜，靜中4見動，不能表現對象的連續運動，銀幕中的造型形象則始終是不斷變化著的連續運動的造型形象。
電影從戲劇吸取營養包容了戲劇藝術的因素，但戲劇進入電影，因受電影的制約被消化融匯也產生了質的變化，並非電影加戲劇。電影的時空觀念和處理同戲劇的時空觀念和處理有著質的區別。舞台空間是固定的，銀幕空間是不斷變化的。舞台時間是現實的物理時間，銀幕時間則可以自由延長、壓縮、停滯的非物理時間。因此戲劇的時空表現受到限制，而銀幕的時空表現則有很大自由。不僅如此，戲劇表演和電影表演也存在著質的區別。表演者的表演和欣賞者的欣賞共時共地，同時完成，這是戲劇表演的特點；而電影表演則是另外一種情形：表演者在場表演，欣賞者缺席；欣賞者在場欣賞，表演者缺席，表演者的表演和欣賞者的欣賞不可能共時共地，也不是同時完成。因此，這就決定了戲劇表演和電影表演各有自身的特殊規律而非一致。
其他各門藝術進入電影，同樣要產生質的變化，凡此種種，說明電影吸取了多種藝術門類，並不是各門藝術簡單地相加拼湊在一起，而是經過了化合的有機的綜合整體。電影吸取了多種藝術門類而形成綜合性的審美特性，就其實質來說，乃是時間藝術和空間藝術的有機綜合。正因為如此，作為時間藝術與空間藝術相結合的新型藝術——電影，它克服了傳統的純時間藝術難以充分表現空間和傳統的純空間藝術難以表現時間的局限與不足，既可以充分表現時間又可以充分表現空間，因而具有巨大的表現潛力和藝術可能性。由此也不難看出，包容了多種藝術門類的電影的綜合性實質，還在於它是視覺藝術和聽覺藝術的綜合，它克服了純視覺藝術難以滿足人們對聽覺形5象的審美需求和純聽覺藝術難以滿足人們對視覺形象的審美需求的局限，而具有可以融合視聽兩者之長的優勢，成為一門最富群眾性的藝術形式。
電影的誕生
電影的誕生是科學技術發展到一定階段之後的產物，它涉及到物理學中的光學、電學、化學、生理和心理學以及機械製造和攝影技術，當這些技術發展到相當水平後才促使電影的出現，並隨著這些學科及技術的發展而發展。
首先是視覺暫留原理的發現和確立為電影的產生提供了必要的條件。什麼是視覺暫留原理呢？少年朋友幼小時候可能見過並玩過一種叫做幻盤的玩具。在一張圓形的硬紙板上，一面畫著一隻小鳥，另一面畫著一個鳥籠。當你拉緊系在紙板兩端的繩子，讓紙板快速旋轉時，好像小鳥關在籠子里了。如在黑暗中點燃一支香，用手持香作圓圈快速揮動，我們就會看到一個人圈。這些就是視覺暫留現象。這時因為反映在我們視網膜上的視象不會立即消失，人所看到的視象有視網膜上具有滯留性的特點。科學家試驗並確證，視像在眼前消失之後，仍然能夠在視網膜上保留0．l秒左右的時間。今天的電影，膠片上每畫格中的影像都是靜止不動的呆照。但是，通過給我們以連續運動的幻覺，這就是運用視覺暫留原理而產生的效應。
其次，電影的發明是在攝影的物質條件和技術條件不斷完善的基礎上才得以實現的。實際上意味著快速攝影，而普通攝影的拍攝對象，一般只能是靜物或人物呆照，不能拍攝和表現出連續運動中的人和物。據說19世紀50年代，有位攝影師想6表現一個人放下手臂的動作，他採用的辦法是：首先拍攝這個人舉起手的姿勢，然後把未曝光的膠片重新裝進照相機，再來拍攝這個人的手稍微放下一點的姿勢，如此這般逐次地拍攝，一直拍攝到這個人把手完全放下為止。拍攝一個簡單的動作竟如此困難和煩瑣，如要拍攝快速復雜的連續運動，自然更加無能為力了。如：1872年美國有位富商和人打賭，他認為馬在奔跑時，它的4隻蹄會同時離地騰空。為證明自己的判斷是正確的，他不惜以重金聘請一位攝影師來拍攝馬在奔跑時的實況。攝影師在跑道上安置了40多架照相機進行連續拍攝的試驗，花了幾年的工夫，直到1880年才完成這項實驗，雖獲得成功，但他所拍下的片子只能放映一兩秒鍾。可見一般的攝影技術是不可能適應電影攝影的需要的。1888年法國生理學家馬萊經過多年探索，終於製成了活動底片連續攝影機，才首次為電影攝影奠定了初步基礎。
還有，適應電影攝影需要的膠片，必須依靠化學工業及其技術才能生產，而膠片必須通過放映機平穩、均衡的速度把光影投射到銀幕上也並非易事，它有賴於機械工業為製作放映機提供先進的技術條件。1894的愛迪生發明了「電影視鏡」，每次可放映半分鍾，但每次放映只能供一人觀看，盧米埃爾從縫紉機的運作工藝得到啟發，在前人探索試驗製造放映機的基礎上獲得較大突破，發明了膠片以每秒16畫格的均衡速度通過放映機片門的放映技術，遂使影象清晰穩定地投射到銀幕上供大家觀賞，終於迎來了電影的誕生。
1895年12月28日——人類文化發展史上一個不平凡的具有特殊意義的日子。這一天，法國里昂的企業家、攝影師路易·盧米埃爾兄弟，在巴黎卡普辛路14號大咖啡館的印度沙龍7內，向社會正式公映了自己製作的幾部「活動照相」，如《火車到站》、《工廠大門》、《嬰兒喝湯）、《水澆園丁》等世界最早的影片。世界影壇和電影史學家們公認，它標志著電影發明階段的結束和電影時代的正式開始。偉大的電影先驅者盧米埃爾，為世界電影史譜寫了光輝的第一頁。
電影的發展及流派
1．電影的發展
法國電影理論家馬爾丹說，電影成為藝術，是從導演們想到挪動攝影機那一天開始的。盧米埃爾作為偉大的電影先驅者，揭開了電影史的第1頁。但盧米埃爾的電影，都是固定視點拍攝，攝影機與被攝對象的距離、角度等關系不變，自始至終是一個全景，一分鍾一部電影，一部電影只有一個鏡頭。法國的電影先驅者梅里愛，把戲劇引入電影，並創造了停機再拍、疊印、多次曝光等拍攝手段，使電影獲得生機和振興。但梅里愛的全景內容是舞台上的科幻、神話、魔術等不同表演，形式仍然是復制的戲劇節目被人稱為「前排觀眾眼裡的戲劇」。因此它們還不是真正的電影藝術。
被譽為美國電影之父的電影藝術家大衛·格里菲斯，對電影的發展作出了不可磨滅的歷史貢獻。他的偉大功績在於改變了盧米埃爾復制現實和梅里愛復制舞台、以場景為構成影片的基本單位的作法，而採用不同距離、不同角度和不同方位來拍攝所要表現的拍攝對象，以鏡頭構成影片的基本單位。他攝制的影片《一個國家的誕生》（1915）和《黨同伐異》（1916），不僅標志著當時美國電影的最高水平，同時也是世界電影史上8的經典名作。
攝影機挪動的標志是電影邁出歷史性的一步，它終於突破了活動照相和復制戲劇的局限，真正成為一門獨立的藝術。
電影發展史上發生的兩次重大的技術革命，使電影藝術跨入了成熟的階段。
本世紀20年代末30年代初發生的由無聲電影發展到有聲電影的技術革命，是電影發展史上第1次重大的技術革命。
電影自誕生以來的數十年裡，一直是只有供人觀看的畫面而無聲音的默片——無聲電影，因而被人們稱之為「偉大的啞巴」。直到20年代末，由於電子工業的發展，聲頻真空管和光電管的發明以及錄音還音設備和技術的逐步完善，這一系列技術成果的取得，才為電影的首次重大技術革命——由無聲電影發展到有聲電影奠定了技術基礎，為使「偉大的啞巴」開口獲得了良方。1926～1927年間，美國的華納兄弟電影公司率先推出了能說話會唱歌的有聲影片《爵士歌王》、《唐璜》等。1930年以後，製片商競相仿效，有聲電影開始風靡於世。有聲電影的問世，使電影獲得了聲音，電影已不再是純視覺藝術，而是視覺藝術與聽覺藝術相結合的藝術。它更好地滿足了電影觀眾的審美需求。
電影史上第2次重大的技術革命，是30年代中期彩色電影的問世。
電影自誕生以來的數十年間，還存在著另一嚴重缺陷，這就是它沒有色彩，一直是黑白片。電影家們為消除電影患有「色盲」症的缺陷，開始了不斷的探索、試驗以尋求良方。如有的電影家曾試用人工著色的辦法，在膠片的畫格上逐一塗色，以克服銀幕上只有黑白世界而無真實的色彩世界的缺陷。9但是，面對多彩的客觀世界，這種人工著色的辦法，是難以在銀幕上獲得滿意的效果的。正因為如此，1935年由於生產具有特殊感光性能的彩色膠片的工藝得到滿意的解決，美國導演馬摩里安攝制的世界第一部大型彩色影片《浮華世界》（根據英國作家薩克雷的著名長篇小說《名利場》改編）在美國誕生了，40年代初以後，彩色電影開始遍及全球。
由此可見，依靠現代科技的裝備，電影才從視點解放、從無聲發展到有聲、從黑白發展到彩色。隨著當代高新科技的發展，當代電影又從普通銀幕電影發展到寬銀幕電影、立體聲電影、環形電影、全息電影等等。隨著電腦技術的發展又出現了《侏羅紀公園》、《空中大慣籃》等一些充分利用電腦來拍攝的新的電影，為電影的進一步發展開拓了一條新的思路。
2．電影的理論流派
在涉及到與電影有關的問題時，總聽到蒙太奇這個名詞，那麼蒙太奇究竟代表什麼意思呢？
蒙太奇，是法語的音譯，原來是指建築學中的構成、裝配。借用到影視藝術中有組接、構成的意思，也就成了影視片中分切、組合的代名詞。一堆建築材料，沒有生命、沒有任何美感，到了建築師手裡，卻可以把它們組合成風格不同、式樣不同的各種建築。它是電影語言中最基本的語言，如果對關系電影美學基礎的蒙大奇問題不甚了了，那麼，作為電影導演，是不可能拍出好影片來的；作為電影編劇，也寫不出好劇本；作為影評人，難以評到點子上；同樣作為電影觀眾，也難以看出個名堂。
前蘇聯著名導演庫里肖夫曾做了一個實驗來說明蒙太奇的效果。他從一部由當時蘇聯最有名望的演員莫茲尤辛主演的舊10片中，選出一張毫無表情的特寫鏡頭；另外，又從別的影片中選出表現一隻飯桌上的湯碗、一口棺材和一個孩子在玩耍的鏡頭，分別把莫茲尤辛的特寫鏡頭與這3個鏡頭隨意結起來放映，果然出現了奇跡。莫茲尤辛的臉不再是無表情了，而是呈現出飢餓、悲傷和慈愛的表情。
一般來說，電影蒙太奇的基本內涵就是鏡頭的分切與組合。
一部影片通常一般由數百個或千餘個鏡頭組成。而一個鏡頭，是指自攝影機起動始，至攝影機停止運作止，一次連續攝錄在膠片上的畫面。電影藝術家根據既定的思想藝術意圖，對人物、事件、動作、環境等被攝物分別拍下許多不同景別，不同角度和方位的畫面鏡頭即分切；然後再按原定的構思方案，把這些不同鏡頭有機地藝術地剪輯組合在一起，使這些鏡頭相互間產生連貫、對比、隱喻、象徵、烘托、懸念、節奏等有機聯系並構成整體，組成一部表達一定思想藝術內涵並為觀眾所理解的影片。所以，說到底，蒙太奇就是電影藝術家用以敘述故事的一種方法，是電影語言中的重要組成部分——電影語法。
隨著電影的發展，其內涵也隨之不斷豐富和拓展。在無聲電影中，蒙太奇的分切與組合，僅限於鏡頭與鏡頭之間的外部關系。一旦電影獲得了聲音和色彩，蒙太奇也參予了聲音和色彩的分切與組合。蒙太奇參予聲音，形成了聲音蒙太奇，它涉及聲音與聲音、聲音與畫面之間的關系。後者又包括聲音與畫面同步即聲源來自畫面中、聲音與畫面分立和聲音與畫面對位即聲音與畫面不同步，聲源不在畫面中等不同關系。蒙太奇參予色彩，形成色彩蒙太奇。此外，蒙太奇的分切與組合還可以11通過人物和攝影機的不同調度在一個長鏡頭內成，對此人們稱之為內部蒙太奇。
第二次世界大戰結束以後，世界的格局發生了變化，電影無論從技術方面還是從藝術方面來說，也進入了快速發展的階段。
從藝術方面來說，許多電影藝術家已經不滿足於固定傳統，他們追求現代意識，刻意創新，許多新的理論、流派都紛紛出現，其中影響比較大的有：以法國為中心的先鋒派，在義大利興起的新現實主義，在日本興起的獨立製片運動，在法國興起的長鏡頭理論、新浪潮主義等。
長鏡頭理論源自於安德烈·巴贊。安德烈·巴贊是法國的一位電影評論家，他認為，電影的最大優點是真實地反映客觀世界，而傳統的蒙太奇手段卻是人為地把影片按照編導自己的觀點和想法進行剪接，實際上是強迫觀眾接受編導者的思想，因此，電影就失去了它的意義。他主張，不要把時空隨意割裂，從而限制觀眾的知覺過程。因此，他強調要把事件的全部真實過程拍下來，讓觀眾自己欣賞、品評，這樣就造成了長鏡頭的出現。因此，巴贊的理論也就常常被人們稱為長鏡頭理論。其實，它還有個名稱，叫做場面調度理論。巴贊的理論有它的積極意義，因為他強調讓觀眾自己去理解、品評，「看他們自己想看的東西」。
對於蒙太奇理論和長鏡頭理論，雖然有些電影理論家各有偏愛，但實際上，兩者都有它們的積極作用，也都有它們的不足。有人用長鏡頭理論否定蒙太奇，認為蒙太奇已經過時了，這樣把長鏡頭理論反映到了絕對的地位，又走向另一個極端了。應該說，這兩種理論都大大地豐富了電影語言，因而，也12就推動了電影藝術的發展。
60年代中期，在西方結構主義思潮的影響下，電影符號學在法、英、義大利等國興起，這是世界電影理論發展史上的第三個里程碑。它以1964年法國的電影家克里斯蒂安·麥茨發表的題為《電影：語言還是言語？》的論文為開端，標志著這一新的電影理論的脫穎而出。和前兩種電影理論不同，電影符號學不是電影理論的一個流派，和電影的創作實踐的關系也不是很密切，它是讀解影片本文對影片的分析和研究和對電影進行純理論性研究的一種傾向和方法論。
70年代以前的電影符號學，總的來說，是以結構主義語言學為理論框架，注重結構和表述結果的靜態研究。70年代以後，引入了拉康的精神分析學和西方馬克思主義，並注重了表述過程的動態研究，標志著電影符號學第2階段的開始。
中國電影發展歷史
1896年8月11日電影傳入中國。當時外國人在上海徐園的又一村茶樓中放映了一部表現外國人生活的影片，引起了轟動，被稱為西洋影戲。從此，法國、英國、俄國、義大利人也紛紛把自己國家的影片輸入中國，在酒樓茶肆中放映。
中國自己拍映的第1部影片當數1905年，由北京豐泰照相館老闆任景豐拍的《定軍山》。這是一部短戲劇片，主演是當時著名的京劇演員譚鑫培，《定軍山》是譚派的保留劇目。京劇是當時中國人最喜愛、最熟悉的劇種，譚鑫培又是當時最受歡迎的京劇藝術家。任景豐當時的選擇用今天的觀點來看，是頗有精品意識的，因此，影片大獲成功。報載，放映時有13「萬人空巷來觀之勢」。當然，由於那時還是默片時代，所以任景豐等人只拍了其中請纓、舞刀、交鋒等武打或舞蹈比較多的場面。
本世紀20年代前後是中國的電影事業的萌芽時期。1917
年，中國有了第1所自己的電影企業——商務印書館影片部。一些影片的樣式，如故事片、武打片、紀錄片、風光片，動畫片都出現了，但基本上還是在探索階段中。那時拍出的一些影片，如《嚴瑞生》、《紅粉骷髏》等，無論在影片的內容上、藝術性上，都很低劣。不過那時也確有一些影片具有積極意義。如我國的第1部短故事片《難夫難妻》，在一定程度上反映了包辦婚姻的不合理。1913年，由美國人出資、中國人拍攝的
《莊子試妻》成為第1部送到外國去的影片。1931年，還誕生了我國的第1部有聲片《歌女紅牡丹》。
30年代初，中國左翼作家聯盟的成立，標志著中國左翼
文藝運動的興起，同時也標志著左翼電影的興起。「九·一八」和「一·二八」時日本帝國主義對中國的侵略，喚起了中國人民的覺醒。在中國共產黨的領導下，進步的電影工作者拍出了許多具有積極社會意義、又有相當藝術水準的影片，如《春
蠶》、《桃李劫》、《風雲兒女》、《自由神》、《神女》、《新女性》、《十字街頭》、《馬路天使》、《狼山蝶血記》等。孫瑜執導的《野草閑花》不僅在內容上有一定的社會意義，而且其中的
《尋兄詞》開了我國電影插曲的先河。蔡楚生的《漁光曲》，在中外都產生了很大影響。這一時期，我國電影藝術家對於電影語言的運用更加純熟了，推、拉、搖、跟、升、降的攝法，各種蒙太奇手段的運用，都達到了比較高的水平。1937年以後，我國的電影藝術工作者在抗日戰爭中拍攝了《塞上風雲》、《八14百壯士》、《長空萬里》等影片，鼓舞了中國人民的鬥志。
抗日戰爭勝利以後，國民黨統治區的進步電影工作者拍攝了《一江春水向東流》、《八千里路雲和月》、《萬家燈火》、《三毛流浪記》、《烏鴉與麻雀》等影片，有力地揭露了國民黨反派的腐敗和反革命的本質。而物質條件技術設備極差的解放區也開始建立了自己的電影企業，1946年，東北電影製片廠在現在的黑龍江省鶴崗成立，為人民電影事業的發展奠定了基礎。
解放後，我國的電影事業取得了有目共睹的成就。不僅成立了許多新的電影製片廠，一些著名的優秀電影藝術家創作。拍攝了許多優秀的影片，而且涌現了許多新秀。一批影片，如《白毛女》、《鋼鐵戰士》、《梁山伯與祝英台》、《聶耳》、《我這一輩子》等還在國際上獲獎或者獲得好評。十年浩劫，曾給中國的電影事業帶來了極大損害。打倒「四人幫」以後，尤其是在黨的十一屆三中全會以後，中國電影事業進入了一個全面發展、空前繁榮的時期。許多新的題材、新的辦法、新的電影藝術家大量涌現，並且取得了很大成就。以謝晉、陳凱歌、張藝謀為代表的中國導演們拍攝了一批《天雲山傳奇》、《黃土地》、《紅高粱》等有國際聲望的電影，中國的電影像中國的經濟一樣已穩步走向世界。
⑹ 有沒有什麼關於女生的事情是只有在電影中才會出現的
剃光頭、變公主、枕頭大戰 女生這10件事大概只有電影里才出現！很多人都喜歡以歐美電影里的標准來看生活中的女生，因為電影里的女人更完美性感，她們敢剃光頭，“素顏”也漂亮，簡直完美。其實電影里對女孩子的描述真的不是很准確，特別是有的事女生生活中壓根不會做，但電影里卻一抓一大把！
1.剃板寸甚至光頭
現在除了印度電影，好萊塢電影和美劇也動不動就唱歌跳舞了，《大群》和《河谷鎮》都有“大家一起來跳舞”的鏡頭。問個問題：真的有女孩子在睡覺前唱歌跳舞？
小學的時候還能理解，那時候小女孩公主心和表演欲都爆棚，自嗨一下唱唱跳跳很正常，但長大了突然拉著身邊人跳舞什麼的，就很奇怪耶！
⑺ 我想問電影從上映開始，什麼時候才能看到正版
其實，這個情況是各不相同的。
像《特工紹特》這個片，是哥倫比亞公司發行，哥倫比亞屬於美國八大電影公司之一，他們有區域限制。這個屬於一區，而一區的電影，正版DVD一般是要等3、4個月的。
而且大陸目前好像還沒有引進這個電影的意思，想在國內買就得等更久。
如果是想在網上看正版的話，也不一定要等多久。
剛放映時，網上放的是效果不好的盜版，俗稱槍版，用攝像機偷拍銀幕的。
但是過一陣就會很快會有「正版的盜版」流出。畢竟只要是個放映過該電影的影院，就有正版的拷貝，再防備也會有人偷著再拷貝出來的，製作成DVD或放在網上播放。所以不用太心急。
PS：殺青不是完成，殺青是指前期的拍攝工作結束，後面還要進行後期製作，如特效、剪接等。
⑻ 哪些電影一開始被認為是爛片，後來被奉為經典的
《大話西遊》共投資了6000多萬港元，周星馳也是投資方之一。為了配合賀歲片的檔期，《月光寶盒》率先在1995年1月時推出，票房一度火爆，在兩天內全港六十家電影院票房總收入500多萬港元，稍遜於成龍的《紅番區》。同年《大話西遊》在上海上映，後又在東北三省上映，票房也曾一度形勢大好。「開門紅」並未持續太久，隨後的整體發行卻急轉直下，即使在當時最為火爆的香港市場，也最終以2500萬收場，在一個多月後發行的《大聖娶親》最後的票房也只有2900萬，雖然能夠收回成本，但與周星馳以前的影片相比，相差甚遠。在北京，《大話西遊》被當作發行失敗的案例，1996年2月《月光寶盒》作為寒假影片推出，5月《大聖娶親》登場，兩部影片均只以20萬左右的票房收場，有的電影公司在放映兩天後就決定以國產影片換掉《大話西遊》以免更多損失。
以上資料來自某度網路，說的很寬容了，特別是當年在香港上映的時候周星馳被大罵騙錢，觀眾說看不懂，可以理解的，畢竟在大話西遊之前，大家印象中周星馳的影片都是帶著「王晶」味的，比如整蠱專家，九品芝麻官，狀元蘇乞兒，帶著這樣的刻板印象去看大話西遊，很難不失望
不過正因如此，周星馳也是用了大話西遊系列，重新定義了周星馳
第二部，《卧虎藏龍》
來來來，別不承認，當年卧虎藏龍沒有獲得奧斯卡提名之前，評價是很慘淡的
包括憑借卧虎藏龍，拿到金像獎最佳武術指導的袁和平都不看好這部電影，說從來沒有人這么拍武俠，這根本就不是武俠片（李安自傳《十年一覺電影夢》里有提到）
香港媒體，當時也是吐槽一片，借各位電影大佬的評論暗踩台灣的李安導演拍不出正宗武俠片（當時評論文還登上了南方都市報等紙媒的娛樂版，導致很多人不看好這部電影，不知道還有多少人有印象），
香港娛記還暗指拍戲時國際章誘惑發哥，又說國際章勾搭老謀子拿到了女主的角色，並藉此壓番楊紫瓊，總之就是把這部電影當做一部爆米花電影看待，完全沒有給與重視，沒想到奧斯卡提名一出，香港娛記無一不被打臉，國際章和香港娛記也就此結下了梁子（也跟當時國際章不夠成熟的回應有關系）
李安藉此片一舉揚名海內外，並且改寫了中國武俠片的定義，此後《十面埋伏》《英雄》《無極》等文藝型武俠大片層出不窮，《卧虎藏龍》自此走上一直被模仿，從未被超越的神壇
⑼ 當電影（）的時候，才開始被看成藝術的
D、有自己的語言方式。
電影具有獨自的特徵，在藝術表現力上不但具有其它各種藝術的特徵，又因可以運用蒙太奇這種藝術性突躍的電影組接技巧，具有超越其它一切藝術的表現手段。電影可以大量復制放映，隨著現代社會的發展，電影已深入到人類社會生活的方方面面，是人們日常生活不可或缺的一部分。
(9)只有電影什麼的時候電影才開始被看成是擴展閱讀
電影的起源：
1872年的一天，在美國加利福尼亞州一個酒店裡，斯坦福與科恩發生了激烈的爭執：馬奔跑時蹄子是否都著地？斯坦福認為奔跑的馬在躍起的瞬間四蹄是騰空的；科恩卻認為，馬奔跑時始終有一蹄著地。
爭執的結果誰也說服不了誰，於是就採取了美國人慣用的方式打賭來解決。他們請來一位馴馬好手來做裁決，然而，這位裁判員也難以斷定誰是誰非。這很正常，因為單憑人的眼睛確實難以看清快速奔跑的馬蹄是如何運動的。
裁判的好友——英國攝影師愛德華·麥布里奇（Edward Muybridge）知道了這件事後，表示可由他來試一試。他在跑道的一邊安置了24架照相機，排成一行，相機鏡頭都對准跑道。在跑道的另一邊，他打了24個木樁，每根木樁上都繫上一根細繩，這些細繩橫穿跑道，分別繫到對面每架照相機快門上。
一切准備就緒後，麥布里奇牽來了一匹漂亮的駿馬，讓它從跑道一端飛奔到另一端。當跑馬經過這一區域時，依次把24極引線絆斷，24架照相機的快門也就依次被拉動而拍下了24張照片。麥布里奇把這些照片按先後順序剪接起來。每相鄰的兩張照片動作差別很小，它們組成了一條連貫的照片帶。裁判根據這組照片，終於看出馬在奔跑時，所有蹄子都騰空。
按理說，故事到此就應結束了，但這場打賭及其判定的奇特方法卻引起了人們很大的興趣。麥布里奇一次又一次地向人們出示那條錄有奔馬形象的照片帶。一次，有人無意識地快速牽動那條照片帶，結果眼前出現了一幕奇異的景象：各張照片中那些靜止的馬疊成一匹運動的馬，它竟然「活」起來了！
電影是人類知道其確切產生時間和成長歷程的藝術，是20世紀以來發展迅速、影響巨大的媒體，是政治、經濟、文化三位一體的創意產業。
從19世紀末開始，法國、美國及其他地區的電影發明家們相繼發明了能摹擬人的眼睛和耳朵的光聲記錄和還原的技術和機器，這種電影技術從一誕生，就被企業家發展成為電影生意，被政治家發展成為意識形態，被藝術家發展成為電影藝術，被研究者發展成為電影理論。一部電影發展史同時也是電影人探索電影規律的歷史。
⑽ 哪些看起來平凡的「大爛片」，卻意外成為一部部的經典
我們都知道，有很多電影在之前看起來都是非常平凡的大爛片，但到最後卻被人們定為很經典的一部片子。比如說《大話西遊》這部電影，當時剛出來的時候，人們都覺得非常的無厘頭，到後來人們才發現這原來是一部非常好的片子。
一、《大話西遊》剛出來的時候人們並不看好。《大話西遊》這部電影大家都知道是周星馳的電影。在《大話西遊》剛上映的時候，很多人看它都覺得非常的無趣，而且很無厘頭。好像只有小孩子看了之後會覺得非常的搞笑，但到後來人們有了一定的閱歷，之後再看《大話西遊》的時候會發現這真的是一部經典，而且是不可超越的經典。
綜上，我們可以發現，周星馳很多的電影看起來像是平凡的大爛片，其實卻是一部部的經典。對此，你有什麼其他的看法？可以在評論區里說一下，大家一起來討論一下。