㈠ 電影《1917》觀後感
奧斯卡的《1917》這部電影不得不說讓人是又愛又恨，最好的調度，最好的攝影，這絕對是一場兩小時的視聽盛宴，這絕對是一部值得兩刷，甚至是三刷的戰爭巨作。但是相比一邊倒的「吹爆」聲，對於一個沉迷游戲的御宅，1917所帶來的震撼要打上不少折扣了。通過一鏡到底的拍攝手法展現戰爭，而且是相對比較陌生的一戰題材，著實令人眼前一亮。只是在看過之後，我最直觀的感受卻是：戰地1真牛逼。
戰地1是一款以一戰為背景的fps游戲，有多人對戰模式，也有故事模式。那些耳熟能詳的索姆河戰役、凡爾登戰役，在游戲中都有著精彩絕倫的展示，而且，也是一鏡到底。
相比之下，無論是沉浸感、參與感，游戲都要更勝一籌。甚至連電影的強項，敘事上，游戲處理得也更加巧妙。
現在娛樂圈有一個奇怪的現象：游戲越來越像電影，電影越來越像游戲。只是在同化的道路上，游戲一路絕塵而去，電影卻處在了一個非常尷尬的境地。
目前主流的戰爭題材電影無非兩個論點，最常見的就是一直被人詬病的主旋律戰爭片。謳歌軍隊，抨擊侵略者。這種片子並非國內獨有，無論哪裡，都是一抓一大把。另一種則是反戰，批判戰爭，謳歌和平。
有趣的是，通常來說關於二戰的主旋律影片比較多，如《無恥混蛋》《帝國的毀滅》《辛德勒名單》《紫日》等。在這些片子里，都有一個明確的「惡人」符號，他們的作用就是給主角找不痛快，所有觀眾都會痛恨他們。
因為二戰是一場正邪非常明確的戰爭，無論怎麼解構，納粹和皇軍是侵略者，也許其中有好人，但人們不關心，在影視作品中他們就是邪惡的。這一點在所有國家的電影里都高度一致。
而關於一戰的片子就比較微妙了，它們大多都是反戰題材的影片，如《戰馬》《戰壕》《聖誕快樂》等。這一類影片並沒有特別明確的邪惡符號，也許有幾個壞人，但並沒有那個群體被貼上邪惡的標簽。甚至主角可能是任何一個國家的士兵，德國也好、英國也好、土耳其也好。
究其原因，一戰本身就沒有對錯。一戰中的協約國和同盟國並沒有明確的侵略者與被侵略者，雙方都是施暴者，也都是受害者。無非是帝國主義在工業革命中膨脹到了極致之後因為分贓不均而展開的內訌。在一戰中，屠殺平民這種見不得人的事情，比比皆是。
然而1917的立場則顯得非常曖昧，門德斯作為一個地地道道的英國人想當然地認為大英帝國是輝煌正確的，德意志則是邪惡的……事實上，在大英帝國眼中，所有的歐洲大陸國家都是邪惡的。所以他的主角自然是一個非常傳統的英雄——團結、有愛、勇敢……而且有愛。
用咱們比較熟悉的話說，就是個聖母白蓮。
這兩個主角的所作所為讓我甚至有種在看樣板戲的錯覺，除了戰鬥力不太夠以外，這不就是兩個抗戰英雄么?怎麼炸都不死，和法國老百姓同仇敵愾，明知山有虎偏向虎山行，心系身在前線的親人，面對受傷的敵人還苦心救治，甚至面臨暴露的危險也不願在第一時間下殺手。
相比之下，德國佬簡直就是抗戰電影里悍不畏死萬歲沖鋒的「鬼子」。明知必死也要和主角拚命，對著自己的救命恩人刀劍相向，著實可憐又可恨。
若是戰爭剛爆發的1914年也就罷了，但是很難想像在經歷過人類史上最殘酷的戰役之一——索姆河戰役後，這兩個主角居然還如此天真。
一戰不是正邪大戰，而是一場徹頭徹尾的悲劇。雖然死亡人數相近，但一戰的殘酷程度遠遠勝過二戰。前線是不折不扣的絞肉機，在短短五個月的時間里，參戰雙方在六十公里長的戰線上丟下了一百五十萬具屍體。
人們稱其為「索姆河地獄」。
幾乎所有經歷過索姆河戰役的士兵都得了創傷後應激障礙。
然而門德斯卻非常巧妙地將1917處理成了一部主旋律影片，他已經試圖通過批判戰爭的殘酷來將自己偽裝成一個反戰者，但是所有反戰電影必然存在的要素就是自我批判。在這一點上，1917卻是非常平淡地一語帶過。
「只有一種方法結束這場戰爭——最後一個人站著」。
這是一沒有任何意義的哀嘆，甚至讓人覺得說出這句話的上校是個明白事理的好人。但這並不是戰爭的真相，也沒有展現戰爭的可怕。
為數不多直接描述「地獄」的片段里，兩個通訊兵穿過彈坑遍布的陣地，他們看到了許多屍體，膽小的布雷克被嚇了一跳。斯科菲爾德從瀑布落下之後，越過十幾具屍體爬上岸。
花瓣飄落在漂浮屍體的河流上實在是驚艷的設計，但放在這里又頗令人費解：這強烈的批判，其對象到底是怪罪你的敵人，還是參戰的雙方?
縱然屍山血海，觀眾最直觀的感覺卻不是對戰爭的厭惡，而是對於那些破壞美好田園的德國佬的憤恨。
這是主旋律戰爭片和反戰戰爭片的根本區別。前者讓人痛恨侵略者，後者讓人痛恨戰爭。
我個人並不反感主旋律電影，事實上，很多主旋律電影拍得熱血沸騰，香的很。可是將一場雙方愚蠢而造成的悲劇處理成單方面的過失，就頗有些甩鍋的意味了。
網上對於1917的咱們聲大抵和《鳥人》、《俄羅斯方舟》相同，都是對其一鏡到底的表現手法贊美有加。
一鏡到底的電影就吹爆，爆什麼呢?吹就完了。
可是在1917中的長久頭又顯現出了一些奇怪的弊端。
寫實又過分寫意，唯美的鏡頭和殘酷的戰爭本應產生的強烈撞擊卻因為一鏡到底所扭曲的空間而被扭曲。電影本身就在玩弄時間和空間，剪輯更是重要的電影手段之一。但是為了達到「一鏡」這一形式，不得不舍棄幾乎所有的剪輯手段，與之相對的，精湛的調度和鏡頭的連續性被發揮到了極致。
似乎從阿方索開始，好萊塢就開了個奇怪的頭，許多導演開始迷信一鏡到底，當電影的內核無法企及那些經典，當導演無力通過影片闡述自己的思想，那麼能夠體現自己價值的手段就只剩下演技和調度了。
相比在其他各類獎項上的優異表現，奧斯卡給《1917》的最佳攝影、最佳視覺效果和最佳音響效果彷彿是一種無聲的諷刺。
不過說了這么多，並能不能否認這仍舊是一部相當優秀的電影。
㈡ 2020年第92屆奧斯卡金像獎，最佳攝影是哪部影片
2020年第92屆奧斯卡金像獎，獲得最佳攝影獎的影片是羅傑·狄金斯執導的《1917》。《1917》是由美國夢工廠出品的戰爭片，由薩姆·門德斯讓櫻執導，喬治·麥凱、迪恩-查爾斯·查嘩彎普曼領銜主演。該片於2020年1月10日在美國上映。電影還獲得了最佳音響效果獎、最佳視覺效果獎以及多個獎項提名。
整部影片是一個長鏡頭，必須按照順時序拍攝，為了連戲，必須在陰天拍亂滑悶攝，如果遇上猛烈的太陽，劇組就停工，改為綵排。綵排期間，劇組工作人員都會抬頭看天空，看雲層何時能夠遮住太陽。等到雲來了，劇組就爭分奪秒進行5分鍾左右的拍攝。
為了挑戰「一鏡到底」最長的拍攝時間是8分半鍾，然後用技術手段將多個較長的鏡頭組接起來，讓整部影片看起來是一個鏡頭。
(2)奧斯卡一鏡到底戰爭電影擴展閱讀：
主角簡介：
1、斯科菲爾德 演員喬治·麥凱
英國士兵，布雷克的戰友，是一個有點笨拙的男孩，和戰友一起被選去完成一項艱難的任務。因為前面是寸步難行的敵人鋒線、戰壕，和不到24小時的時間，斯科菲爾德從開始的抱怨，到出於友情的應承，最後決定負重前行，最終歷經磨難，穿越重重障礙，完成了不可能完成的任務。
2、布雷克 演員迪恩-查爾斯·查普曼
英國士兵，在戰斗進入最激烈之際，布雷克被布置緊急任務，傳遞重要情報，任務相當艱巨，要穿到德軍防線後方，向英軍傳達一條緊急命令，取消原定對德軍興登堡防線攻擊計劃，原因是德軍已經設計了陷阱。這關繫到幾千名英軍士兵的生命，還包括在前線的哥哥。
㈢ 電影《1917》採用了什麼拍攝手法，獲得了怎樣的獎項
《1917》是一部由薩姆·門德斯執導，科林、康伯巴奇等主演的戰爭類電影，於2019年12月25日在北美上映，2020年8月7日在中國內地上映。拍攝手法一鏡到底巧妙運用， 並且奪得了第92屆奧斯卡金像獎。影片聚焦兩名年輕的英國士兵，講述了一戰時期，兩名英國士兵為了拯救成百上千的生命而冒險穿越敵境傳遞重要情報的故事。
電影《1917》目前現有研究方向中多集中於對影片中一鏡到底剪輯手法的討論，話題也多為貫穿電影始終的一鏡到底畫面運用及成片效果。
㈣ 除了驚艷的一鏡到底，《1917》還有哪些與眾不同的亮點呢
今年第92屆奧斯卡算是史無前例的一屆，佳片雲集，《寄生蟲》創歷史斬獲包括最佳影片在內四項大獎；《愛爾蘭人》雖爆冷顆粒無收，但大家依然為平均年齡近80歲的導演和影帝主演們折服；《小丑》和《朱迪》的精湛表演當之無愧摘取了影帝影後。
而其中顯得不那麼起眼技術類獎項，“最佳攝影獎”則頒給了《1917》，這部爆冷拿下金球獎最佳劇情片的戰爭電影。
（二）用技術傳遞情緒，客觀鏡頭表達情感與思緒
著名導演馬塞爾·卡爾內說過：“構築影像時，我們得像繪畫大師對待畫布般，考慮其效果和表達方式。”
電影僅有炫目華麗的長鏡頭，還不足以吸引人，需要起承轉合，烘托鋪墊反襯。
1.場面調度
系統化場面調度包括15種元素：（1）對比最強的區域（2）燈光風格（3）鏡頭與攝影機的距離（4）鏡頭角度（5）色彩（6）鏡片/濾鏡/底片（7）對比次強的區域（8）密度（9）構圖（10）形式（11）景框（12）景深（13）演員的位置（14）表演位置（15）距離關系。
由於大篇幅的長鏡頭，雖然會刻意減少豐富多樣的鏡頭語言；但《1917》擁有其他戰爭片，所不能比擬的詩意美感，源於優秀的場面調度，充斥影片全程的構圖的美感：
㈤ 1917一鏡到底怎麼拍的
1917一鏡到底是由美國夢工廠出品的戰爭片，由薩姆·門德斯執導，喬治·麥凱、迪恩-查爾斯·查普曼領銜主演。該片於2020年1月10日在美國上映。
今年奧斯卡最大遺珠《1917》，十提三中，獲得最佳攝影、最佳音響效果、最佳視覺效果3項技術大獎。本片已確認引進內地，但想要在影院一睹風采，可能還需等待。影片講述了兩名年輕的英國士兵在第一次世界大戰期間穿越槍林彈雨，通過傳達重要情報而阻止友軍落入德軍圈套的故事。
在一戰時，英德兩國打的不可開交，戰局一度陷入僵持狀態，此時德軍突然撤退。但在經過縝密分析後，指揮部判斷出德軍撤退的真實意圖，其實德國布下了瓮中捉鱉之計，因為他們在後方構建了強固的防線和強大的火力，就等著英軍的到來。在識破了德軍的計謀後，指揮部下令前沿部隊停止進攻，可此時，德軍切斷的通訊線路，指揮部只能派人去傳送命令。
㈥ 《1917》的一鏡到底，對故事和情緒的呈現加分了嗎
電影《1917》由薩姆-門德斯執導，喬治-麥凱、迪恩-查爾斯-查普曼領銜主演。劇本的靈感源於導演祖父——一位參與過一戰的作家的回憶錄。故事聚焦兩名年輕的英國士兵，講述了他們為拯救上千名戰友的生命，而在戰場逆行、穿越敵境傳遞重要情報的故事，呈現出一副悲壯而動人的史詩級戰爭畫卷。
總之，《1917》是一部值得細細品味的電影作品，這部視頻在豆瓣的評分是8.5分，86%的網友給予的好評。這樣的戰爭片，還是更適合在大銀幕上觀看。
㈦ 電影《1917》一鏡到底是如何實現的
時隔四年，薩姆·門德斯攜最新力作《1917》席捲而來，斬獲了金球獎最佳劇情片、最佳導演獎，並在剛剛結束不久的奧斯卡頒獎典禮上「十提三中」，成為年度最熱門電影之一。是的，曾執導《美國麗人》《007：大破天幕危機》的他，這次將目光聚焦於第一次世界大戰期間，並如願以償地完成了一部史詩級的戰爭電影。
1.一鏡到底的想法
《1917》這部電影，講述的是兩個年輕的英國士兵，斯科菲爾德和布萊克，他們需要盡快將放棄對德進攻的命令文件傳遞給前方的英軍作戰部隊，因為這是一個圈套，關繫到數千人的存亡——而布萊克的兄弟正是這支部隊的其中一員。但他們卻只有一天的時間完成任務，與時間的緊迫相比，更大的問題還在於，他們將穿越大片的敵占區，才能到達這個主力團所處的方位。
顯而易見，這個故事的情節發展是一直處於行動之中的，而薩姆·門德斯也想用一鏡到底的拍攝手法製作這部電影。門德斯說，有一次他看到自己的孩子在玩戰爭類的電子游戲，這使他產生了一鏡到底的想法。《1917》這部片子跟隨了兩名士兵的腳步，而薩姆·門德斯正是想讓觀眾體驗到那種與主角們同呼吸，共進退的身臨其境。
歷史題材的電影，對電影製作的每一個部門來說都是挑戰，尤其是藝術概念設計、布景、服化道等細微處。為了實現這一幾乎無法完成的巨制，薩姆·門德斯第四次邀請世界頂級DP羅傑·迪金斯先生出山掌機。
2.大量的前期准備工作
製作一部在觀眾看來連續兩個小時一直拍攝、未曾剪輯的故事片，這無異於說笑。電影製作方細致入微地大量前期設計，精益求精地完善了技術上的每一個細節，才完成了這項不可能的任務。
如你所見，拍攝一部像《1917》這樣的史詩電影，需要大量的前期准備工作。美術指導丹尼斯·加斯納(Dennis Gassner)在拍攝前首先製作了整個置景地的模型，這樣能使團隊中的每個人都與薩姆·門德斯和羅傑·迪金斯保持一致的設想。這無疑是很有用的，工作人員可以清楚地了解到演員的位置，也可以知道攝影機的運動軌跡和燈光角度。這樣，整個攝制組才可以在拍攝前行之有效地調整畫面中每條街道和戰壕的長度。在價值數百萬美元的電影置景地，你不可能總想著即興發揮——除非你不折不扣地按計劃去做了，然後才能有足夠的時間與預算去「隨心所欲」。
3.攝影機運動與鏡頭
如果你曾經製作過一鏡到底的項目，那麼你一定意識到排練是多麼的重要。你需要片場里的每一個因素都能在攝影機鏡頭前完美地同步演繹，這包括了演員、攝影機運動、現場爆破特技等等。為了實現這樣的拍攝，羅傑·迪金斯和他的團隊使用了兩種穩定器：一種是傳統的三軸穩定器，另一種則是五軸穩定器——ARRI Trinity。對於那些無法人為操作的大范圍調度鏡頭，他們會接力般地將穩定器安裝在各種索道、伸縮搖臂以及車輛等移動設備上。
也是為了能靈活地進行運動設計，他們選用ARRI Alexa Mini LF拍攝《1917》。這是ARRI Alexa Mini的全畫幅版，羅傑·迪金斯描述說，這是「他使用過的最小巧的數字攝影機之一。」在鏡頭使用方面，整部電影都是使用ARRI Signature Primes系列鏡頭拍攝的，具體包括了35mm、40mm和47mm這三枚鏡頭在內。
4.布光和剪輯
羅傑·迪金斯在攝制早期面臨的最大難題，就是怎樣在如此大的置景場地上進行布光，同時還要兼顧到幾乎是360°移動的攝影機。是的，在有太陽的情況下，這根本做不到。所以他們只能依靠照度相對穩定的陰天來拍攝白天的外景——如果你想要場景之間的視覺連續性，天氣肯定是要保持一致的。這也意味著，在足夠方便拍攝的大片雲朵到來前，劇組將會有數天無法開工。
但對於夜間的外景布光來說，那就是另一個故事了。小鎮部分的夜景戲，整個場景基調是昏暗的，整場戲要給人在噩夢與現實之間不斷穿梭的感覺。為了對該場景進行布光，迪金斯使用了一些看起來像是附著在線上的煙花類型的燃燒物。這樣，光會在天空中持續的散射，照亮演員與場景。
說到後期製作，剪輯師李·史密斯(Lee Smith)會出現在每一個需要剪輯的鏡頭的拍攝場地。相關鏡頭的拍攝期間，他一直在片場，然後在晚上剪輯場景之間的連接鏡頭，以便團隊第二天決定是否可以繼續下一場次的拍攝。
在拍攝現場定剪是非常具有挑戰性的，因為你必須在現場，堅決果斷地判斷出最完美的鏡頭，直接做出選用的決定。事實上，你所選擇的鏡頭會直接影響到接下來的拍攝。剪輯點看起來會很不尋常，因為我們通過道具等手法隱藏了剪切痕跡。說真的，我很好奇，想去電影院看一下成片來了解最終呈現的效果。
㈧ 一鏡到底的電影有哪些
根據我個人的判斷給您推薦幾部，希望是您想要的電影。
1、《工廠大門》它可稱為第一部電影。攝影機在門外記錄了下班工人走出門外，騎車的，走路的，一幅自然真實的景象。喬治薩杜爾說「至今還使人感到一種樸素的魅力。」大門在略靠右邊，在中間靠左的地方還有一個小門，因為光線暗，所以是黑色的。大門和小門剛好形成黃金分割。從大門出和從小門出的人，在構圖上，也形成力量的平衡。
2、《寂靜的房子》該片講述了莎拉和父親來到了空置已久的湖邊小屋，因為這里即將被出售給他人，所以父女兩人決定先過來把衛生給打掃打掃，也算是一種告別的儀式。時間一分一秒的流逝著，夜幕漸漸降臨，黑暗和靜謐籠罩著湖面，亦覆蓋了小屋。
3、《余命85分》該片靈感來自一個真實的事件，一位無辜婦女的脖子上被繫上了一枚衣領炸彈。在哥倫比亞，一位婦女和她的家人成為一個特別恐怖行為的受害者。由於無法支付贖金，這位母親變成了一個活著的時間炸彈，她陷入了身體和心理的絕境，她和她的家人試圖打破這一絕境。
4、《約翰娜的7333秒》該影片憑單鏡頭2小時零2分鍾的片長成為吉尼斯世界紀錄認可的最長一鏡到底的電影——可是連IMDb都沒有收錄本片！
5、《奪魂索》該片講述了博蘭頓和菲利普都是哈佛的高才生，一天，都是同性戀的兩人合謀殺害了同學戴維，並藏屍於一個大箱子中。或許是出於炫耀，他們做出了一個驚人的舉動。那就是用裝著戴維屍體的箱子當餐桌，邀請了戴維的父母、未婚妻、同學和茹伯特教授 ...
以上幾部希望是您要找的，謝謝！
翻了下回答，竟然沒有提到《俄羅斯方舟》，這是真正意義上的「一鏡到底」，導演和演員事先排了倆年多，最後用一天完美結束，真正的一鏡到底
我有看過一部一鏡到底的電影---《鳥人》
《鳥人》在第87屆奧斯卡中最佳影片獎，《鳥人》在入圍奧斯卡最佳劇情片的諸多電影中，《鳥人》顯然是與眾不同的。它不僅有著充滿魔力的、肆意縱橫的電影語言，而且相比其他幾部四平八穩的學院派作品，《鳥人》對人物內心、人的普遍性困境的狠辣關注，使它有了一種瑣碎混沌中難得的人文氣質。
其實故事並不復雜，過氣的中年演員Riggan ，自編自導自演卡佛的短篇小說《當我們談論愛情時我們在談論什麼》，試圖以這部嚴肅的百老匯作品擺脫「birdman」（飛鳥俠）， 這個帶給他名利，也禁錮了他的好萊塢形象。不出意外，與事業的困境相伴而行的，還有家庭關系的嚴重問題。這部舞台劇，也就成了他所期待的能夠解決中年危機的方案。但他對自我實現、自我認知的迷惘和掙扎則無時無刻不環繞在他的周圍。
在這個看似老套的故事中，導演用了被大家津津樂道的（偽）長鏡頭——把剪輯點隱藏在快速的橫移或者黑屏中，或者是利用特效，製造一鏡到底的效果，使得影片直到四十分鍾後，才有了第一個能被觀眾明顯意識到的剪切點。也就是說，這里的長鏡頭不是力圖減少作者干擾，而是一種作者的表達方式。劇情的推進也幾乎都是以Riggan 的主觀視角來進行，因此觀者對里根的每個細膩的 情感 變化和思考都可以有非常清晰的體會。
《帝國大廈》
導演：安迪·沃霍爾
簡介：由美國先鋒派藝術家安迪·沃霍爾於1964年導演的一部無聲電影。
推薦理由：首先介紹的這一部作品，可以說是簡單至極同時也是一部俗人看不懂的作品（反正我看不懂），其次也是一部催眠妙葯，而且這部電影恐怕是史上一鏡到底最長的電影，電影全長485分鍾也就是說有8個小時，並且全程就是一個場景，從早上8點到下午2點就一直對著帝國大廈拍攝，這是一部看了海報就相當於看完了全程的電影。據說這部電影首映時兩百名觀眾不到半個小時就走光了。
美國夢工廠出品，戰爭題材電影。影片聚焦兩名年輕的英國士兵，講述了一戰時期，兩名英國士兵為了拯救成百上千的生命而冒險穿越敵境傳遞重要情報的故事。這部電影斬獲第92屆奧斯卡金像獎最佳攝影、最佳視覺效果、最佳音響效果三項大獎。
斯科菲爾德，英國士兵，布雷克的戰友，是一個有點笨拙的男孩，和戰友一起被選去完成一項艱難的任務。因為前面是寸步難行的敵人鋒線、戰壕，和不到24小時的時間，斯科菲爾德從開始的抱怨，到出於友情的應承，最後決定負重前行，最終歷經磨難，穿越重重障礙，完成了不可能完成的任務。
布雷克，英國士兵，在戰斗進入最激烈之際，布雷克被布置緊急任務，傳遞重要情報，任務相當艱巨，要穿到德軍防線後方，向英軍傳達一條緊急命令，取消原定對德軍興登堡防線攻擊計劃，原因是德軍已經設計了陷阱。這關繫到幾千名英軍士兵的生命，還包括在前線的哥哥。
整部影片是一個長鏡頭，必須按照順時序拍攝，為了連戲，必須在陰天拍攝，如果遇上猛烈的太陽，劇組就停工，改為綵排。綵排期間，劇組工作人員都會抬頭看天空，看雲層何時能夠遮住太陽。等到雲來了，劇組就爭分奪秒進行5分鍾左右的拍攝。為了挑戰「一鏡到底」最長的拍攝時間是8分半鍾。然後用技術手段將多個較長的鏡頭組接起來，讓整部影片看起來是一個鏡頭。
最近電影里的長鏡頭，一鏡到底，國產的應該屬於《芳華》那個戰爭片段了。
今天就來推薦幾部一鏡到底的電影吧.
首先科普下一鏡到底的概念,都擺好小桌椅站好前排馬上就要講課了.
一鏡到底:需要有極高的默契度和拍攝技巧,全程鏡頭不換不切不停一人失誤就得重頭再來.
雖然一鏡到底的讓人看起來有很高的吸引力十分的拉風，但是也是一把雙刃劍,好了流傳千古，不好就飽受詬病,正如那些美麗的PS 照片一樣,背後都是需要花費很大的精力去設計還有修飾和構思.
下面就推薦幾部我心目中比較厲害的電影吧.
第一部:《帝國大廈》
推薦理由：美國先鋒派藝術家安迪·沃霍爾在1964年導演的一部無聲電影。
電影簡介:如果你喜歡看超級長的肥皂催眠劇,如果你是一個長期的失眠者,那麼這部電影簡直可以當葯了,它的拍攝時長485分鍾也就是說有8個小時!這個還不是最重要的,並且全程就是一個場景，從早上8點到下午2點就一直對著帝國大廈拍攝(說白了就是把攝影機放在那兒就好了)，你如果看了海報就不用再看它了,這就是它的厲害之處,我這種俗人不知道他要表達什麼,大概是傳說中的戀大廈癖??據說當年這部電影還有一個厲害之處:首映時兩百名觀眾看了一會兒就走光了。(畢竟導演這種愛好的人不是很多)
就是下面這個樣子的大廈,好了恭喜你看完這部電影了... ...
㈨ 獲得三項奧斯卡獎的《1917》為什麼要用「一鏡到底」
戰爭片對於電影來說，真是個奇特的類型。
導演們似乎非常喜歡在自己功成但名不就的時候拍一部戰爭片，讓自己最終拿到能證明自己的獎項。科波拉憑借《現代啟示錄》拿到了金棕櫚，庫布里克用《全金屬外殼》拿到了自己生命中的最後一次奧斯卡提名，斯皮爾伯格以《辛德勒的名單》、《拯救大兵瑞恩》獲得了到目前為止的兩座奧斯卡獎杯。
本次奧斯卡獎的大熱門《1917》，也是導薩姆·門德斯憑借戰爭片首次斬獲奧斯卡獎。獲得三大技術獎項的《1917》，也代表了戰爭片未來的發展方向。
一、戰爭片最能凸顯導演們的藝術水準
對於戰爭片來說，它不僅可以擁有內涵豐富、直面人性的故事，讓導演彰顯自己思想的深度，還能提供足夠的視覺場面來考驗導演的鏡頭和特效的布置，這也許就是導演們紛紛藉此凸顯水準的原因。
相對於上世紀的幾部經典，近年來的戰爭片對於戰爭的宏觀反思在慢慢減少，對於戰爭的還原和個人故事在慢慢增多。一是不存在戰後不久、戰爭的淋漓傷口還在的藝術創作環境；二是隨著技術的發展，導演們可以更寫實地表現戰爭場面。 這種「浸入式」戰爭片，在慢慢成為這種類型片的主流 。
諾蘭的《敦刻爾克》便不同尋常地用時空切換、聲音、第一人稱手法來增強壓迫性與緊張性，增強觀眾對於電影的代入感。
而在今年的奧斯卡頒獎季，作為黑馬殺出的戰爭片《1917》，也獲得了極大的關注度，而這部電影則是提供了一種新的手法去表現戰爭的真實，這就是所謂的———一鏡到底。用長鏡頭，減少剪輯的方式來體現這一點。
一鏡到底的手法對導演的布景，演員的演技都有極高的要求，在沒有蒙太奇變化的電影鏡頭中，這就意味著故事的發展只能單純靠攝像與導演的布置來推進。在剛剛結束的奧斯卡頒獎季中，《1917》也理所當然的獲得了最佳攝影，最佳音響效果，最佳視覺效果這三大技術類大獎，足以證明這部電影對於戰爭片的深厚影響。
二、反類型 探索 者：薩姆·門德斯
全片一鏡到底這種獨特的風格，與這部電影的導演薩姆·門德斯、攝影羅傑·迪金斯都有密不可分的關系。
說起薩姆·門德斯，我們可能一時間想不起這位導演的作品，也對他了解不多。其實門德斯是好萊塢為數不多精通藝術與商業兩方面的電影導演。
畢業於劍橋的他深受傳統的英式戲劇影響，拍電影之前，門德斯擔任過倫敦和紐約百老匯的舞台劇導演，曾以音樂劇《卡巴萊》獲得美國戲劇界的最高榮譽「托尼獎」。
近年來，已經投身於電影的他依舊在監制一批優秀的莎翁 歷史 劇，譬如由抖森出演的《亨利四世》、《亨利五世》，而與此同時，他也指導了電影史上最長盛的商業動作電影系列——《007》系列。作為英國導演，能親自打造「007」是他的夢想，在他的處女作《美國麗人》中，就有不少對於「007」系列的致敬。
對於「007」系列，門德斯所做的最大貢獻是：讓這部屬於男性的動作電影注入了更多屬於戲劇般的人文氣息，從《007：天幕危機》到《007：幽靈黨》，這兩部電影里的邦德都減弱了特工工作賦予他的冷酷，電影支線也不單單是美艷的邦女郎與他的感情之路，而是更多地充實了個人的背景，似乎還在幽靈黨中擁有了些許家庭化的氣息。
這種人文關懷在以往的邦德電影上是不多見的，這也是門德斯在脫離戲劇後，他自己指導電影的一個顯著風格——打破類型片去探討個人境遇。
於是，在《1917》上，我們看到了在整個一戰背景下兩位士兵的獨角戲。其實門德斯的這種思想在他早年拍攝的另一部戰爭片《鍋蓋頭》上面就初見端倪。
《鍋蓋頭》沒有像大部分戰爭片將戰爭場面的表現作為重頭戲，而是以戰爭的背景透過親歷者的身心感受來描寫戰爭的無意義。
和美國電影中「二戰」、「越戰」為背景的戰爭片的不同在於：影片注入了現代人對戰爭的態度，這場美國在新世紀發動的戰爭既不出於正義，也不出於愛國，只是成為發泄青春剩餘經歷的訓練場，影片描述的戰爭竟然沒有一個敵人真正出現過，所有的場景都由主人公——一位20歲的狙擊手的生活貫穿，和他的戰友訓練、沙漠中等待作戰任務，直到最後也沒成功地發射一顆子彈，殺一個「敵人」。
這就是一種反類型，與以往富有沖擊的戰爭片大不一樣。 但在《1917》上尋求新突破的門德斯絕對不會陷於故事表達，因為《鍋蓋頭》的反響並不是很好，就像我們前面所說的那樣，鏡頭語言對於戰爭片的影響是巨大的，就像《現代啟示錄》中科波拉賦予的藝術性的油畫色彩去渲染「啟示錄」的風格一樣。
《1917》選擇了不同以往地用長鏡頭去講述影片故事，而這對於攝影是個巨大的考驗。好在，這部電影的攝影師是大名鼎鼎的羅傑·狄金斯。
三、攝影大師：羅傑·狄金斯
就《1917》這部電影本身來看，擁有戲劇基礎的導演和高深功力的攝影是完全必要的。電影的劇情簡單到「兩位士兵穿梭戰地送情報」這一句話就可以說清楚的情況下，強大的技術支撐就顯得非常重要了。
為了達到沉浸式的戰場需求，從第一個鏡頭開始，當兩名年輕的英國士兵在樹下被喚醒，在電影剩下的兩個小時里，門德斯和狄金斯跟蹤這些年輕人，在地堡和農舍里連續不斷地挖戰壕，穿過敵方領土，用攝像機一直跟隨拍攝。
影片全程的跟蹤鏡頭，攝影機隨著主角圍繞和旋轉，機位景別隨著場景的切換，主角的走位變化著全景中景特寫，平拍俯拍仰拍，總之不管是拍攝距離還是角度，導演都試圖打破觀影的平面空間，給觀眾呈現出一個立體式的自由的戰爭空間。並且，影片的聲效和光效應用都相當出色，尤其在兩位士兵穿越幾乎無人的戰場線時營造的緊張聲音和兩人在塌陷的地洞中的燈光布設都增強了體驗感。
所以，電影人看待這部 《1917》，算是在今年頒獎季最有藝術含量的片子了 ，對於普通觀眾來說，觀賞這部電影的最佳方式是去IMAX影院，畢竟你需要去感受這裡面畫面與音效帶給你的沖擊。
結合與《1917》有著類似風格的《敦刻爾克》來看，對戰爭的還原和對觀眾越來越真實的布設將是未來戰爭片的一個方向，讓我們拭目以待。