① 戰爭電影的觀後感720字
銹蝕之刃
文/夢里詩書
對《罪惡之城》風格的借鑒，並沒能成為《鋼刀》一鳴驚人的亮點所在，其僅是淪為了導演的一塊遮羞布，且並無從掩蓋那凌亂毫無邏輯的劇情，這是一個發生在戰爭年代兄弟間羈絆的電影，卻只有狗血粉飾的蒼白，用荒蠻纏斗代替的沉思。
原名劉曉光的電影導演給自已起了一個頗具電影意蘊的名字——阿甘，而從電影來說他也確實有著「阿甘精神」，正可謂是屢戰屢敗，屢敗屢戰，甚成為了當代國產低成本恐怖片的奠基人，電影《阿甘正傳》中曾有句經典的台詞「人生就像一盒巧克力，你永遠不知道下一塊會是什麼味道。」，但阿甘導演的作品卻基本都是「還是一樣的配方,還是熟悉的味道」，這一點在《鋼刀》中並沒有發生改變，整個故事給人一種莫名其妙的感覺，劇情間的聯系牽強而尷尬，唯所見的便是導演對《罪惡之城》風格不知節制的濫用。
《鋼刀》雖與《罪惡之城》有著極為相同的風格，但這樣的借鑒在電影中並未能達到與《罪惡之城》相之媲美的暴力美學，不進真實的做作，不僅令人無從得見於一場戰爭的本態，只是班門弄斧，為人貽笑大方，在故事上電影亦並沒有將風格服務於劇情，而是在很多場景上甚可以犧牲劇情去彰顯這種所謂風格，更令人不忍直視的是這樣一部電影其所表達的內在價值更是為人生厭的套路。
縱觀戰爭題材電影，在近年來如《索爾之子》《地雷區》《無境之獸》等多以深刻的人文情懷表達對戰爭的著點反思，而在這部電影中，刻意為之的熱血渲染，沒有兄弟只有戰士的對決，動不動就是血拚肉搏的自我相殺，這些組成電影內在的構思，膚淺更令人尷尬不堪，作為一部戰爭電影其不僅無從令人去反思戰爭的原罪，那糟糕一同抗戰神劇的狗血編排只是讓人無所適從。
電影所呈現的這把「鋼刀」猶如一把銹蝕之刃，刻意生硬的風格即無從金玉其外，亦沒有鋒利的內在動人心弦。
② 求電影《蒼白》 影評
這是 我借鑒的 我也是看完電影 在看這個 才理解了許多許多
影片一開頭其實就揭示了一部分結局：海灘上安娜腐敗的臉，露西、威廉、本三人開去古宅的車被藤蔓覆蓋，古舊殘敗的車身表明三人最終沒有成功從古宅逃脫。
關於露西的異色雙瞳，威爾森夫人（女醫生，其實也就是安娜的老同學）說過，其實這是表明一個身體居住著兩個靈魂的原因。露西發現父親在母親走後第八月就有了對象感到很生氣，並在浴室里看到上弔死亡的母親，而後感受母親的手溫柔撫摸她臉龐的觸感。這里不能肯定露西究竟是幻想，還是實實在在與母親的魂魄發生的接觸。但是很有可能母親死後魂魄並沒有離開露西，而是就居住在女兒身體里。
關於傑賽爾夫人，我覺得可以說她是老不死的妖怪。即使都已經老得形同枯槁，但她的戰鬥力依然爆表，徒手解決一個成年男子完全沒障礙。傑賽爾夫人攻擊人的方式和安娜一樣，兇猛、簡潔、直撲要害，同時也一樣讓被攻擊物大失血，給人一種血流成河的暴力血腥感。本來以為是吸血鬼，但是如此的暴力美學實在是與吸血鬼一貫強調的優雅不符合。而且傑賽爾夫人不怕陽光，還諷刺安娜畏懼陽光的虛弱體質。古宅裡面有很多的動物標本，其中也不乏狼的。還有影片前面露西和威廉去本的酒吧時，路過一張海報（還是招牌的旗幟？），幾乎佔了整個畫面的一半，畫的就是一把剪刀插入了狼的脖子。所以以此判斷傑賽爾夫人很有可能是狼人。而且是抗攻擊力超強的狼人，她遇血就原地復活。要不是最後露西和安娜齊手把她的下巴從頭部扯斷，即使被剪刀劃開咽喉、從幾樓高摔下，都死不了。
關於安娜，首先要贊一下飾演安娜的演員，無論是跳芭蕾時的優雅；還是滿身是血從古宅搖搖晃晃走出來時的迷茫；又或者是在露西的呼喚下重新活動時的詭異舞蹈，我都覺得她演繹得淋漓盡致。那個類似機械舞的舞蹈動作在這種恐怖、懸疑的情境下也TM贊了吧。
安娜的攻擊習性與她母親相似，但是很怕陽光。所以難道她是狼人和吸血鬼的混血？？但是小姑娘悲催的很，母親大人凶得很，成天把她囚禁在古宅不說，還用暴力的方式逼迫她練習芭蕾。甚至於脊椎都被兇殘的母親大人給生生踩斷了。可是這樣她依然死不了，只要有血，她就能永生下去，只是需要藉助機械的能動力了。影片出現傑賽爾夫人給安娜做手術的時候，我簡直就是笑噴了。傑賽爾夫人全能啊，還會外科手術+高精度機械修理！這點也太科幻了吧！
後來的靈魂交換儀式就更加玄幻了，傑賽爾夫人通過在露西和安娜身體的傷口裡埋入蟲蛹，然後孵化的飛蛾從各自口中飛出，再各自飛入另外一個人的口中來完成。我覺得這里的飛蛾就是身體中的靈魂，也就意味著露西和安娜體內的靈魂進行了一次互換。但因為露西的體內有兩個靈魂，所以究竟是哪一個靈魂進入了安娜的體內？
安娜的眼睛顏色是藍色，露西母親的眼睛顏色是黑色。在安娜再次醒過來後，她的眼睛和露西本來的顏色一致了，變成了藍黑雙色。而露西的眼睛則變成了黑色。所以很有可能儀式之後的露西體內是她母親的靈魂，這點從儀式之後的露西看著鏡子撫摸自己的臉，就像是之前在浴室里她母親的手在撫摸一樣就可以看出。而且這個時候她小聲念叨著，「一個人」，說明她意識到體內只有自己的靈魂，而露西的靈魂不見了一樣。而且在後來殺死傑賽爾夫人，她們二人睡在沙發上可以看出，露西抱著安娜的方式充滿了保護欲，就像是姐姐抱著妹妹，抑或是媽媽抱著女兒。
而安娜和露西的靈魂就同時存在於安娜體內了。可是為什麼後來的安娜要與露西一起聯手解決掉傑賽爾夫人呢？難道安娜體內的安娜靈魂沒有意識？？我覺得有兩種可能，一是安娜的身體完全被露西給控制；二是安娜對自己的母親只有恨沒有愛，她恨她的囚禁、她恨她的控制，她想擺脫傑賽爾夫人，追求真正正正的自由。聯想到之前回憶中安娜千方百計的逃脫古宅，渴望陽光，對傑賽爾夫人的呵斥不理不睬，逃跑應對，甚至還被她踩斷骨頭，後者的可能性很大。而且在影片的最後，傑賽爾夫人掛掉了，安娜真正自由了，她可以走出古宅，享受新鮮空氣，即使從懸崖飛身而下，她也是欣喜的。
不過影片里還是有疑惑沒有看懂，例如殺死本的三個芭蕾女孩到底是誰？我有考慮過跟著傑賽爾夫人聯系芭蕾的小女孩，但她們為什麼要殺人？還是說本就是一個悲情男二號，他的存在只是為了渲染古宅的詭異氣氛。。。
另外草地里的藍色火苗是什麼？死去女孩的靈魂？
當然法國的恐怖片還是一如既往得延續了他們浪漫的色彩，即使是恐怖片，也依舊文藝范兒十足啊。
③ 有哪位知道大概10多年前一部描寫德國納粹黨一群水下作戰的片子！！！名字急求！！！
《從海底出擊》 （德語《潛艇》）
大導演沃夫岡·彼得森一舉成名之作，影史上少見廣受好評的戰爭片，在出品本片的德國創下極高賣座紀錄。 完整版片長293分鍾。 劇情描述二次世界大戰期間，德國發明了一艘出沒無蹤的深海潛水艇，在海戰中無往不利，後來跟英國海軍發生了遭遇戰，雙方都有重大犧牲。影片製作認真，戲劇張力逼人。導演在潛艇內狹窄的空間內運用行雲流水般的鏡頭將船上的軍隊生活作出生動逼真的呈現，海戰鏡頭的氣氛亦掌握得相當不錯。
電影相當忠實地紀錄了一艘德國U型潛艇在二戰中的一段航程，從奉命出航搜索並擊沉大洋上的英國商船
《從海底出擊》電影劇照(21張)隊，歷經驚濤駭浪出生入死，直到最後返回基地(電影的結局實在太有意味，從海底出擊
為顧及未看過此片的讀者，這里還是不煞風景不說為妙)。攝影機彷彿觀眾的眼睛，身臨其中，但又自始至終旁觀著一幕幕險景的發生。從娛樂的角度來看，電影的戲劇性與緊張度無時無刻不在(雖然它的放映時間是那麼漫長，一如全體船員的航程)。看完該片沒幾天，我碰巧看到一部講二戰片的電視片，其中就有該片導演及主要演員的專訪。據導演說，他拍此片時為照顧狹窄的內景空間，特意改制了一部小型攝影機，以追求寫實與紀錄的風格。而且，整部電影打破了拍攝常規(眾所周知，一部電影並非按照放映的物理時間先後來拍攝)，盡量依照故事的順序來拍，所以觀眾甚至可以留意到演員的胡須生長程度。 為了拍攝的真實，演員們有差不多1年的時間沒曬太陽，個個臉色蒼白。 曾有評論說，與沃夫岡的《從海底出擊》相比，斯皮爾伯格的電影簡直是在講童話故事。
二次大戰期間，德軍一艘U型潛艇奉命出擊，完成對英國船隊的襲擊任務，當他們完成任務返航途中，卻遭遇上前所未見的危機。《從海底出擊》片長超過三個小時，而從開始到結束的每一分鍾里，時間幾乎都消耗在一艘德國潛艇的封閉空間裡面，滿臉油污、鬍子拉茬的德國海軍是影片的主要角色。在它的悠長篇幅之中並不缺乏大起大落的情節起伏，潛在的重重危機隨時威脅著艦艇上官兵的生命安全，這個貌似強大而冷冰冰的龐然大物完全不能自保，一切只能聽天由命。 以德國人的觀點去審視、反思二次世界大戰的電影並不多見，但幾乎一出現都成為了精品，從沃爾克·施隆多夫（Volker Schlondorff）的《鐵皮鼓》（The Tin Drum，1979）到薩博（Szabo）的《摩菲斯特》（Mephisto，1981），雖然取材和角度各不相同，但對戰爭的批判和人性的揭示同樣深刻。《從海底出擊》並沒有以上兩部電影那樣尖銳而明顯的批判性，也沒有在影片中為敵對雙方作出道義上的判斷，它僅僅以二戰中一群普通的德國士兵的角度出發，寫實、客觀地描寫這群非常時期的軍人。他們無條件地執行上級的命令，兢兢業業地堅守自己的崗位，甚至災難來臨也毫不退縮，深入研究對「敵人」的作戰方案，拯救即將崩潰的艦艇和日漸失去的勝利果實。然而面對無休止的戰爭，他們漸漸麻木了，朋友或敵人的界限越發模糊，被他們重創後掉下水中生靈的絕望求救都不能觸動他們的神經。而長時間徘徊在生死邊緣的折磨和壓迫，面對敵人、面對同袍、面對無助的困境，他們逐漸喪失了理性的判斷力，他們苦悶、憂郁難以自拔，行為日漸失控並趨向瘋狂和歇斯底里。在殘酷的戰爭中，他們更象是一堆行屍走肉，原來性格鮮明、思想單純的年輕人已經徹底死去，取而代之的一部一部的冷血戰爭機器。他們失去了熱情、失去了思想，沒有現在更沒有未來，在一個冷漠而朝不保夕的環境中惶恐度日，何時會死去，何時才能結束，沒有人可以給他們答案。時間已經無人關心，空間已經不再重要，一切將會如何了斷…… 沃爾夫岡·彼得森通過《從海底出擊》，從人性的角度重新審視戰爭為全人類帶來的毀滅性災難。它通過詳實的資料充分地說明，戰爭不單只為被侵略的國家帶來了不可估量的損失，作為德國、這個戰爭的發動者，它的人民同樣處於水深火熱之中，同樣是廣大受苦受難民眾中的一員，而直接參與戰爭的士兵，更成為瘋狂野心的陪葬品，他們犧牲的不只是寶貴的生命，還有生存的權利和尊嚴，他們的在天之靈將永不瞑目！
幕後信息
德國人沃爾夫岡·彼得森（Wolfgang Petersen）被人們褒揚並不是因為從海底出擊
他被好萊塢同化之後的商業作品《空軍一號》（Air Force One，1997）和《完美風暴》（The Perfect Storm，2000），而是一部令他完全有資格受到廣泛尊敬的德國電影《從海底出擊》（Das Boot，1981），這部反映二戰時期潛艇戰的驚險片獲得了82年奧斯卡金獎六項提名，沃爾夫岡·彼得森更成為有史以來第一位憑著德語電影獲得最佳導演提名的人。該片徹底征服了全球觀眾，也為戰爭類型電影建立了一次幾乎不可逾越的典範。 沃爾夫岡·彼得森通過《從海底出擊》，從人性的角度重新審視戰爭為全人類帶來的毀滅性災難。它通過詳實的資料充分地說明，戰爭不單只為被侵略的國家帶來了不可估量的損失，作為德國、這個戰爭的發動者，它的人民同樣處於水深火熱之中，同樣是廣大受苦受難民眾中的一員，而直接參與戰爭的士兵，更成為瘋狂野心的陪葬品，他們犧牲的不只是寶貴的生命，還有生存的權利和尊嚴，他們的在天之靈將永不瞑目！
影片分析
一向對表現熱兵器戰爭的影片都不是十分的熱衷，人脆弱的身體在這些現代武從海底出擊
器的攻擊下總會令我產生厭惡的感覺。幾乎每一部令人稱道的戰爭電影，其編導都會去專心的標明每一個參與戰爭的是人類，而非冰冷的機器。除了本能的排斥外，戰爭對現在的我們而言，確實有著疏離感。看著自己的同類在眼前血肉橫飛，看著構建的一切在影像里灰飛煙滅，而來尋得感官上的快感，戰爭這種殘酷人性最佳表現的方式，一再重復的在電影里出現時，需要觀眾在這影像里去憐憫誰人？ 《從海底出擊》已把戰爭脫離了本質上的意義，更是人類本身的一個歷程。在U潛艇的內部空間里活動著的艦員，宛如人身的神經那般，各司其位，每每在絕境處做出相應的反應，一路保護著潛艇這個『身體』沖破道道屏障。若把這部電影稱為『全金屬外殼』更為合適，穿行在海底自保多於攻擊的過程中，金屬外殼和現實里人身體的無異，一次次在深水炸彈的攻擊下，在艙里所有人凝成一線的恐懼心理，每一次突破底線的下潛深度，潛艇里的所有軍士都是在一樣的情緒下操作著各自的工作，把軍人與這艘潛艇看作一個完全不可以分割的整體，綳緊著神經不敢出任何錯誤的處理每一個突發難關，在海底里無奈的潛行者，在炮火中，遠方則是故鄉，停泊的港口。 這艘名為U96的潛艇在下水時已是二戰末期，出航的任務則是封鎖航道上的英國貨船。電影以這幫潛艇艦員在俱樂部里的狂歡開場，導演對室內戲的調度是當今世界上數一數二的高手，先不說在潛艇里製造的巔峰效果，僅是在俱樂部里群軍士的歡狂場景，在視聽上所造成的效果已是現在頂尖大片的效果。在上潛艇執行任務的前一夜，所有的艦員都忘我的投入了狂歡之中，這是戰爭給予他們的權利，但沒人知曉下一秒是否還有生存可能。 在俱樂部這一幕經典：瘋狂飲酒調戲舞女滿屋亂竄的豬玀兵哥哥與一臉淡然坐在吧台前的艦長。狂亂中拉開航程的序幕。上潛艇前艦長向將士介紹著前來隨軍報道的記者，於記者前面擠眉弄眼的娃娃兵們仍把心情留給了俱樂部舞女的身上。如果再下一城，或者他們也會像宛如《現代啟示錄》馬龍·白蘭度喃喃說著的『恐怖』，再也找不到任何形容以表達自我。 潛艇對外敵方信息的接受方式只能靠肉眼、潛望鏡及聽螺旋槳這幾個簡單途徑來獲取。無盡黑暗的艙里聽著驅逐艦在水裡傳來的螺旋槳打水聲時，將恐懼無限放大。當驅逐艦停在頭頂上時，聲聲鑽心入肺的隆隆聲宛如惡鬼催命那般。絕境。在水底除了這一層『金屬外殼』的保護之外，幾乎是無處可逃。每次因躲避深水炸彈而再三地潛過各個艦員可承受的心理底線之外的潛艇。外殼因水壓而發出的吱吱聲，像利刀那般擊在各個將士隨時崩潰的神經線。潛艇竭斯底里的大吼或喃喃說著上帝救我，在黑暗裡等待著每一次死亡的來臨。但他們知道，上帝是絕不會在這艘潛艇里的，每次躲過死亡的淚水與歡呼，在呼喊著下一個死亡危機的到來。在水底，除了這個金屬外殼，他們便一無所有了。而這個外殼，則是所有人的生命。生則同生，亡則同亡。而唯一能接受外面信息的感覺只能是那對牽連全身神經的耳朵。頭頂穿梭著敵軍的驅逐艦時，只能是雙手握於胸前，緊閉雙眼，在黑暗裡聽著潛艇外那由遠至近的螺旋槳打水聲與深水炸彈爆炸聲。 父母生我一對耳朵，於此時，我用它來感受死神的面貌。 航行初，第一次潛水演習設定了潛艇成員的第一個心理底線。艦長把潛艇潛到水下170公尺時，流著冷汗都欲出聲制止艦長這個令人心生恐懼的演習。這個深度是艦長所能接受的心理底線，看著在低頭禱告著的手下將士，微笑著把潛艇升回水面。但是他也沒料到在之後居然要一次次的突破對潛艇可以潛深度的底線，以至在經過直布羅陀海峽時完全突破底線。電影不只是用一次次心理底線的突破來釋放及加深艦員及觀眾的恐懼、來描述這一過程。在航行了差不多一個月之後，除了躲避驅逐艦的追擊之外，幾乎毫無建樹的U96潛艇全體成員的士氣在慢慢的低落，在大海里毫無目的漂流。在某一天在前方居然看到了已方近在眼前的潛艇，站在瞭望台上的對方艦長正是出航前一天一起在俱樂部狂歡的老湯姆森，這名須發皆白本來是處於退休狀態的老艦長正站在暴風雨對面的潛艇上向這邊狂揮著手。『嘿，湯姆森，湯姆森！』茫茫大海居然相遇，互揮手擦邊而過。那刻百感交集，宛如在一個偏遠的地方，看到自己親近的人，與他互望而過。 此片如此完美，可以說是導演對『室內戲』超乎常人的理解。特別在潛艇『可視』的狹小空間里用『聽』來表現無限的空間。在狹小空間里所做到的不凡效果，把『視聽』范圍做到了極致。導演在訪談中談及，不過是把攝影機改小一些來適合這個拍攝空間罷了。而把電影表現得妙到顛峰的不是影像里可視的空間，而是聽到的關於潛艇外傳來的各種聲音。驅逐艦探測潛艇方位的聲納，驅逐艦的螺旋槳打水聲，在頭頂上爆炸的深水炸彈，艇殼受到水壓而發出的聲音。每一樣聲音都讓人真切的宛如置身於這個黑暗潮濕的潛艇之內，而外面則是無限空曠的大海底。於狹小空間表現另一空間無限性且讓人身臨其境的處理手法，確實是在視聽表現上的一個里程碑。導演在進軍好萊塢之後的《空軍一號》如法炮製，卻未達到如此真實引人入境的感覺。《從海底出擊》足已讓導演不朽。 當U96駛入碼頭全體將士接受著凱旋歸來的禮儀時，被盟軍的飛機擊沉時，這樣的歸宿對於U96而言不是最好的結局么？我更願意把這艘潛艇看作是一個活生生的物體，一個包著金屬外殼的智慧體。影片則是表現它從生到死的過程。
影片信息
這部影片有三個版本，136分鍾的劇場版，216分鍾的導演剪輯版及293分鍾的未剪輯版。泰盛文化最新發行216分鍾的導演剪輯版。對這部影片有著由衷的喜愛，不但是導演技驚四座的表現手法，還因U96潛艇一次次的劫後餘生，將心理底線拉到退無可退的崩潰點。生活並不是像影片里所表現的潛艇航行過程那般驚險，而所謂的窘境也不是潛艇次次所面對的生死一線那樣決絕。對生活現狀有所不滿並嘰嘰歪歪的一般都是我般吃飽撐的傢伙才說的事，真正有資格出來吼幾聲的，大多給累得說不出話了。而這部電影在絕望的氛圍里一直都透著一線生機，一個多月的航程，上艇時一臉稚氣的娃娃兵在下潛艇時已一臉滄桑，磨難是最好的成長方式。而那副在海底里所有人賴以生存的金屬軀殼，不正是現在人類社會的一個縮影么？當看到它在回到港口既被擊沉時，若不覺得悲傷，那就不妨歡呼吧。
幕後花絮
德國導演彼德森揚威國際影壇的作品，改編自戰地記者布克海姆的暢銷自傳。影片用狹窄場景，取得了宏大場面所特有的巨片氣氛，被譽為潛艇片的經典。原為六小時的電視片，現在以不同長度的版本流傳。
④ 越戰5部曲是哪5部電影呢
沒聽過這個說法，只是知道奧利弗·斯通(OliverStone)的越戰三部曲《野戰排》（《Piatoon》，1986）、《生於7月4日》《BornontheFourthofJuly》，1989）、《天與地》（《Heaven&Earth》，1993）
奧利弗·斯通最新作品是《世貿大廈》
奧利弗·斯通
生平簡介: 奧利弗·斯通1946年9月15日出生於美國紐約。耶魯大學輟學後,前往越南在當地教英文.21歲時參加越戰.回國後進入紐約大學電影系就讀, 早在70年代中期，他便以其非凡的編劇和導演才華而享譽好萊塢。 早先，斯通擔任的大多是編劇的角色。25歲時，他開始自編自導了影片《seizure》（1974），反響不俗。1978年，他更是以影片《午夜快車》（《midnight express》）的編劇身份登上了奧斯卡的領獎台。從此，斯通聲名鵲起。
進入80年代， 斯通接連或編或導了《conan the barbarian》（1982）、《scar face》（1983）和《龍年》（《the dragon》（1985）等影片，它們進一步鞏固和發展了斯通在好萊塢影壇上的地位。 在1986年作了影片《salvador》的編劇之後，斯通開始一心撲在導演事業上。他喜好用個性化的藝術語言來表達其對一些社會、政治問題的獨到見解。他拍攝的影片具有一種自然流暢而又剛毅沉重的特質。它們總是以豐富的情感和巨大的想像空間令觀眾折服。
1986年，斯通經過長期的醞釀，憑著自己的親身經歷和對藝術的獨到理解，僅靠650萬美元的資金， 只用54天時間便在菲律賓的叢林中拍攝了《野戰排》（《platoon》)一片。該片一反戰爭影片通常謳歌戰斗和戰士的傳統，通過一個年輕士兵的眼睛，展現了戰爭的恐怖與殘酷，並進而對越戰作了深刻的揭露與批判。影片一推出即引起轟動。果然，在87年的第59屆奧斯卡頒獎晚會上，該片又為斯通贏得了其藝術生涯中的第二尊金像。
不久，斯通又導演了影片《wall street》(1987）和《生逢7月4日》(《born on the fourth of july》（1989），獲得了觀眾的廣泛好評。尤其是同樣具有批判意義的戰爭題材影片《生逢7月4日》以其內涵的深刻性和藝術手法的獨到魅力令觀眾嘆為觀止。該片也為斯通贏得了奧斯卡最佳導演提名的榮 譽。
1991年，斯通又執導了《刺殺肯尼迪》(《jfk》）一片，它以獨特的視角對前總統肯尼迪的一些生活片段作了藝術化了的詮釋。影片雖然引起了諸多爭議，但畢竟取得了成功。
此後，斯通又執導了根據小說改編的電影《天與地》（《heaven &earth》1993）。該片以藝術的想像，通過一個女子和他的美國丈夫在戰亂中的顛沛生活，再次控訴了戰爭的野蠻與殘酷。
次年，斯通又導演了《natural born killers》。該片以其內蘊批判的思想內核在諸多觀眾中引起了共鳴。 最近，知命之年的奧利弗?斯通仍探索不懈。在95年的新片《尼克松》(《nixon》）中，他把取材范圍從戰爭背境又移到了社會政治領域，對美國前總統尼克松的政治生活作了獨到的反映。
近幾年又拍攝了<<u型轉彎>>(u turn)(1997)與<<挑戰星期天>>(any given sunday)(1999)關於美墨邊境與體育體裁的影片,雖無突破,到也中規中矩,不失水準,充滿爆發力與破壞性,不愧為具有顛覆傳統價值能力的煽動者.
不完全得獎記錄:第三十六屆金球獎最佳編劇 （1979）,第五十一屆奧斯卡最佳改編劇本 （1979）
第三十七屆柏林電影節最佳導演 （1987）,第四十四屆金球獎最佳導演 （1987）
第五十九屆奧斯卡最佳導演 （1987）,第四十一屆英國電影學院獎最佳導演 （1988）
第四十七屆金球獎最佳編劇 （1990）,第四十七屆金球獎最佳導演 （1990）
第六十二屆奧斯卡最佳導演 （1990）,第四十九屆金球獎最佳導演 （1992）
作品年表:
《seizure》1974
《mad man of martinique》短片 1979
《午夜快車》midnight express 編劇 1978
《手》the hand 1981
《王者之劍》conan the barbarian 編劇 1982
《疤面煞星》scarface 編劇 1983
《龍年》year of the dragon 編劇 1985
《英雄膽》8 million way to die 編劇 1986
《野戰排》platoon 1986
《薩爾瓦多》salvador 1986
《華爾街》wall street 1987
《脫口秀》talk radio 1988
《生於七月四日》born on the fourth of july 1989
《門》the doors 1991
《刺殺肯尼迪》jfk 1991
《天與地》heaven and earth 1993
《天生殺人狂》natural born killers 1994
《尼克松》nixon 1995
《阿根廷,別為我哭泣》evita 編劇 1996
《不準掉頭》u-turn 1997
《挑戰星期天》any given sunday 1999
《beyond borders》2001
佳品淺評:
《生於七月四日》:人們對電影的觀念往往是虛構和不可信,但這次你可要睜大雙眼,因為銀幕上七成的東西,導演在若干年前都曾經歷過.另外奧斯卡小金人與靚湯的犧牲造型也能吸引你不少的注意力經濟,當然這些要歸功於那個狗屁制度下的狗屁政府發動的狗屁戰爭.
《野戰排》:斯通首次證明在越戰體裁上,其的權威是不可動搖的,這次除了技術手段的圓潤外,還得到了歐洲的認可(柏林最佳導演銀熊獎).
《華爾街》:一個俗套的故事,一個人人渴望的名利戰場,為利益而生,為金錢而活,那兒是貪婪與手腕的演武場,是人性與善良的墳地,當然它也給了你機會,只要你善於出賣靈魂,你在這里就能呼風喚雨.值得一提的是邁克爾.道格拉斯從幕後走到幕前,鮮活的演出不僅使其在奧斯卡上稱帝,更為其今後成為銀幕上的魅力壞男人形象打上了深深的烙印.
《門》:現實模糊理想,虛幻逃避真相,上帝為靈魂開了一扇名叫搖滾的門,供你我來回穿梭.門那邊,性,暴力與毒品一個不少,但反射著深刻與真實;門這邊,茶,玫瑰與煙草,也一個不缺,但映襯著蒼白與虛無.當然它也是一種精神鴉片,很有毒但也很有效,而且決不容你淺嘗輒止.所以如果你碰巧還是個搖滾樂迷的話,那麼《門》就是你盼望已久獲得心靈上酣暢的良葯.此外你要相信方.基墨與梅格.瑞恩是不會讓你失望的,斯通當然更不會.
《刺殺肯尼迪》jfk:一段美國人心碎的歷史,一次迷一樣的刺殺,簡單的幾槍就終結了山姆大叔的一代神話.那把冷槍背後的黑手究竟是誰,黑幫,fbi,還是……?人民是否有權力知道他們認為應該知道的事?國家的是否有權力欺騙人民,如果他們覺得有必要?國家的保密制度到底應該對誰負責……?一個定格在世界警察夢斷這一特定時點的黑白鏡頭,牽帶出斯通一連串疑問,並且他根劇自己的資料,通過科斯特納等人的閃亮表現,臆造出上述的種種答案.這大概是斯通在上世紀90年代的最高水準,然而敏感的體裁遭遇更為敏感的奧斯卡與美國大眾,註定是不能登頂的,雖然以旁觀者眼光來欣賞地世界其他民族,給予了該片當年度最熱烈的掌聲.
《天生殺人狂》:光看名字就知道這是一部爭議影片,何況這次斯通還遭遇了昆汀.塔倫提諾.整部影片就像一個kill game,展現出赤裸裸的殺人娛樂,即使是最和平軟弱的心,觀後也會不時泛起點點殺機.當然如果你的眼力夠狠,還可以看到對司法,新聞機制的抨擊和人性黑暗面的挖掘,但問題是這些對大眾來說往往會淹沒在血淋淋的視覺快感中,如同你看到的某些大師的情色大作,在目睹赤裸裸的性交場面時,有多少人會琢磨不同姿式所承載的人性與社會暗寓.其實這之間的偏差根本在於大師們對電影本質作用的認識與大眾的絕然不同,這就是我們經常聽到的所謂藝術與商業之爭,電影究竟是是以育人(絕不是某些大師用不明所以或假裝高深來愚人)還是娛人為主.單就這部片子而言,先鋒的歐洲電影小眾們還是給了它很高的評價.
⑤ 急需特洛伊劇情介紹！！！
實話實說,這是我復制來的,你看對你有什麼幫助沒.
特洛伊Troy(2004)
導演：
沃爾夫岡·彼德森 Wolfgang Petersen
主演：
戴安·克魯格 Diane Kruger
奧蘭多·布魯姆 Orlando Bloom
布拉德·皮特 Brad Pitt
艾瑞克·巴納Eric Bana
更多中文片名：
木馬屠城
類型：愛情/動作/劇情/冒險/戰爭/歷史
片長：163 min / Germany:162 min (cut version)
公元前1193年，特洛伊國王普里阿摩斯和他俊美的二兒子王子帕里斯在希臘斯巴達王麥尼勞斯的宮中受到了盛情的款待。但是，帕里斯卻和麥尼勞斯美貌的妻子海倫一見鍾情並將她帶出宮去，惱怒的麥尼勞斯和他的兄弟邁西尼國王阿伽門農興兵討伐特洛伊。
希臘聯軍的統帥阿喀琉斯和Priam最小的兒子，特洛伊年輕的國王赫克托耳逐漸成為在戰爭中成為雙方各自的英雄。
由於特洛伊城池牢固易守難攻，希臘軍隊和特洛伊勇士們對峙長達10年之久，最後英雄奧德修斯獻上妙計，讓希臘士兵全部登上戰船，製造撤兵的假相，並故意在城前留下一具巨大的木馬。
特洛伊人高興地把木馬當作戰利品抬進城去。當晚，正當特洛伊人沉湎於美酒和歌舞的時候，藏在木馬腹內的20名希臘士兵殺出，打開城門，里應外合，特洛伊立刻被攻陷，殺掠和大火將整個城市毀滅。老國王和大多數男人被殺死，婦女和兒童被出賣為奴，海倫又被帶回希臘，持續10年之久的戰爭終於結束。
特洛伊》：走下神壇的悲壯史詩
西方文明起源於古希臘文明，《荷馬史詩》則是古希臘文學藝術中的瑰寶。作為世界文明的源頭之一，這一偉大作品一直啟迪著後人的智慧與想像；5月14日公映的好來塢電影《特洛伊》，是對《荷馬史詩》的最新一次致敬。
與以往「忠實原著」的改編作品不同，《特洛伊》對《荷馬史詩》中的《伊利亞特》部分作了大幅度修改，去除了所有的神話色彩，將一場人神之間的混戰，變成一部完全以人類為主體的、關於戰爭、愛情、英雄與傳奇的悲壯史詩。
一
和原著一樣，《特洛伊》的故事也是以希臘第一勇士阿喀琉斯（Achilles）為中心。影片一開始，就塑造了他的「戰神」般的形象，同時表現了他與當時希臘最強大的王阿伽門農（Agamemnon）之間的矛盾。接下來，就是大家都非常熟悉的盜取海倫（Helen）和大舉圍攻的故事了。鑒於《伊利亞特》在特洛伊主將赫克托爾（Hector）死後就結束了，《特洛伊》剩下來的情節就參考了《奧德賽》的開頭部分以及其他古希臘傳說，最終還是以阿喀琉斯的命運為終結。
除了隱去神話色彩外，《特洛伊》還對《荷馬史詩》故事中部分人物關系和情節作了修改。例如原著中阿波羅神廟祭司之女克律塞伊斯與阿喀琉斯的女俘布里塞伊斯（Briseis），在電影中就變成了同一個人，帕特洛克羅斯（Patroclus）由阿喀琉斯的好友變成了表弟，而阿伽門農在電影中的歸宿也要比原著中更戲劇化得多。此外，在原著中，特洛伊之戰持續了十年，雖然《伊利亞特》以阿喀琉斯的憤怒開始，只集中描述了其中最精彩的51天，但對一部兩三個小時的電影來說，過於細節的描述是不可能的，也是不必要的。因此，特洛伊之戰，在電影中看起來也就是兩三天的事。
這種取捨與改動，在我看來是成功的，是符合電影的敘事特性與節奏的。歷時十年的戰爭，電影並非沒法表現，只要幾個簡單的字幕就行了；但是，劇情電影真正吸引人的地方，應當在於情節的連貫與緊湊，尤其是對於這樣大製作的商業電影而言，突出原著所表現的主題、而不是斤斤計較於虛構的時間細節，才是把握原著神髓的正確方式。從這一點來看，我贊賞影片的敘事節奏。影片開始十五分鍾內，就交代了一場最偉大戰爭的起因和主要人物關系與性格，卻並沒有露出倉促急躁的痕跡，顯示出編導優秀的控制能力。電影的開頭，使用的是典型的「先聲奪人」的手法，阿喀琉斯的勇猛無敵以及自負散漫給人留下了深刻的第一印象，這樣一來，觀眾就很容易理解其後發生在他身上的故事了。
作為一部85%時間里表現戰爭過程的將近三小時的電影，而且又是線性發展的情節，《特洛伊》居然沒有我想像中的沉悶或過分；恰恰相反，影片的不少場景，都強烈地吸引了我。更為難得的是，它不僅是吸引我的「目光」，而是吸引我的「心靈」：盡管我已經對《荷馬史詩》的故事爛熟於心，但在觀影過程中，我仍然對帕里斯（Paris）的不負責任感到出離憤怒，對赫克托爾的忠誠與無奈感到無比痛心，對阿喀琉斯的個人悲劇感到同情與悲哀……
可以說，《特洛伊》不僅僅是復活了《荷馬史詩》所表現的主題，還使得這些主題更容易被普通人理解。原著中人物的命運無常以及相應悲劇，還可以說是人被百無聊賴的眾神玩弄於股掌之間；但在本片中，正由於抽離了所有的神話因素，人物的命運變得完全由人物各自性格與環境驅使；因此，原著中需要藉助「神的安排」所表現的種種轉折，無一不深深烙上了人性的印記。原著中帶上了神意的人的脆弱、貪婪、勇敢、忠誠，也終於可以現出「原形」。也許有人會說這是將高貴的藝術史詩庸俗化了，但是我認為，只要讓更多的人更能理解人類自身，那這樣的「庸俗化」只有好處，沒有壞處。
二
正如同偉大的戰爭需要偉大的戰士一樣，史詩級的電影也需要史詩級的場面。
《特洛伊》在這方面做得中規中矩。倒不是說它不好、不震撼，只是有《角鬥士》、《魔戒》等影片珠玉在前，而本片的很多場面又是模仿以上兩片的運鏡方式，所以至少在創造性上就降低了一些印象分。
「虛擬攝影」似乎在好來塢拍攝大場面時越來越有用了。《角鬥士》中對於壯觀羅馬城的俯瞰鏡頭，《魔戒》系列中那跨越無數士兵與槍尖的搖移鏡頭，在《特洛伊》中都讓人看起來特眼熟。數萬士兵的前進與對峙再到相互沖擊，茫茫碧海上的千帆爭舸，凌空回轉的不可思議的長鏡頭，都是體現好來塢最新視覺效果的把戲。只不過《特洛伊》把這些技術應用得更嫻熟了，也更逼真了。例如那數萬士兵的沖擊場面，雖然現在沒有觀眾不知道那絕大部分「士兵」都是虛擬出來的，但在片中那光天化日之下的環境下，你還不得不佩服人家做得都看不出破綻。相對於《魔戒》系列中的類似鏡頭，本片的同類場景盡量避免那種夢幻的感覺，而力求更多的細節表現。影片聰明地將更多鏡頭對准了局部人群的戰斗，以此來烘托整體戰場的激烈，同時又能突出個體人物的英雄形象，可謂一舉兩得。
不過，我還是要奉勸一心抱著看「大場面」讀者一聲：本片的大場面不會讓你失望，但也不是特別出色；與其欣賞那基本上玩不出什麼新花樣的大場面，不如尋找一些小場面上的亮點。個人覺得本片的人物造型和動作設計值得一提。
提到希臘，很多人可能不一定能想到《荷馬史詩》，但一定能想到奧林匹克運動。一想到奧林匹克運動，我們的腦海里一定會馬上浮現出一具具健美的身體和一個個展現力與美的無暇動作。看來本片導演深得此中三味，專門用此片來勾起我們對那最原始同時又是最永恆的美的嚮往。片中的三位男主角，都有不少的肌膚裸露鏡頭，這使我有點懷疑導演是故意討好女性觀眾。但那樣健美的身軀，即使是男性觀眾看了，也會覺得挺養眼的。被人作為「戰神」擁戴的阿喀琉斯，是詮釋力量之美的最佳人物。從影片的效果來看，布拉特彼特（Brad Pitt）六個月的汗水沒有白流，當他那蜜色的胴體出現在銀幕上時，估計台下所有的美眉都有幸福到眩暈的感覺。雖然性感之神和戰神的概念不一樣，但是極端突出了阿喀琉斯的「偶像化英雄」特性，和原著的精神氣質還是一脈相承的。
這樣一個性感之神又是絕對致命的，那才是阿喀琉斯真正「戰神」的一面。為了突出他無敵於天下的武技，電影為阿喀琉斯設計了一套不同於其他人的動作與招式。可能有些觀眾會不習慣，認為阿喀琉斯的動作稍嫌花哨了點。但我覺得這對於體現阿喀琉斯神賜一般的戰斗能力，還是非常有必要的。何況那些動作實際上並不花哨，不僅是符合實戰需要的，而且是符合原著描寫的。尤其是像滑步、抬腳、弓步、轉身這樣的動作，是實戰中非常普通的技巧，只不過其他角色都打得過於直接，因此顯得阿喀琉斯「花哨」了。而對於攻擊「技巧」的掌握，不正體現阿喀琉斯異於普通戰士之處嗎？在原著中，荷馬多次用「山鷹猛撲」來形容阿喀琉斯的超人戰斗能力，在電影中，我們也看到阿喀琉斯多次採用這種「鷹擊術」，端的是輕盈迅猛，高手風范。尤其是與赫克托爾決斗的場景，充分體現了阿喀琉斯的快速與強力的作戰特點，堪稱本年度好來塢電影中的最佳打鬥。
三
一部「史詩」如果只有故事和場面，那它很可能失敗。史詩必須能經受得住歷史的考驗。史詩電影也一樣：場面、效果都可能過時，給觀眾留下深刻印象的，往往是血肉飽滿的人物形象和他們身上所體現的觸動觀眾心靈的特質，。
阿喀琉斯，這一被神化了的人類最偉大的戰士，在片中果然是光芒四射：他的勇猛，他的不羈，他的柔情，他的憤怒，他的悲哀都表現得不錯。作為原著中一個比較偶像化的人物，布拉特彼特的演繹還是很有神採的。動作語言上的健美和技巧，通過訓練還可以比較容易達到，阿喀琉斯在戰場上那股令對方膽戰心驚的殺氣，卻不容易通過肢體語言表現出來。布拉特彼特用凌厲的眼神和血氣方剛的沖勁，增強了動作的感染力，塑造了一個令人信服的「戰神」形象。與其他演員的表演相比，布拉特彼特的演繹總是散發出咄咄逼人的性感魅力，這可能與其本人的氣質有關。不過這種氣質和原著人物形象配合得很好，也許「萬人迷」的阿喀琉斯本來就該是這個樣子的。
盡管阿喀琉斯夠眩目，但影片最讓我動心的卻是赫克托爾，永遠的赫克托爾。與熱血沖動的阿喀琉斯相比，沉穩的赫克托爾無疑顯得更成熟。赫克托爾的心裡，裝著比他弟弟帕里斯要博大、深沉得多的愛，這使他成為最完美男人的典範，同時也照就了他不可避免的悲劇性。艾瑞克班納（Eric Bana）的演繹堪稱完美，尤其是他那雙大眼睛，雖然不如布拉特彼特那樣放電，但卻永遠讓人感到溫暖可靠和勇氣；雖然他的表情並不復雜，但這深邃的眼神足以說明一切。在觀看的過程中，觀眾根本不用去設想原著人物是怎樣的，因為班納的表演和赫克托爾這個人物在精、氣、神上完全統一了。過多地描述他的表演是不必要的，觀眾的反映最能說明問題。片中赫克托爾迎接他命運終點的場景，是整部電影的高潮；也只有在那一刻，我注意到電影院里靜得讓人心悸——所有觀眾同時被感動了，那種感覺真的非常美好。即使整部電影沒有那些炫耀似的視覺效果，沒有酣暢淋漓的打鬥場景，單憑班納塑造的赫克托爾形象，已足以讓人喜歡上這部電影。毫不誇張的說，如果說阿喀琉斯是影片最大的賣點的話，赫克托爾就是本片的靈魂。正如同《角鬥士》的成功離不開羅素克洛（Russell Crowe）一樣，沒有班納完美塑造的赫克托爾，《特洛伊》將淪為淺顯娛樂的爆米花作品。
相對前兩位而言，人氣帥哥奧蘭朵布魯姆（Orlando Bloom）的角色極端不討好。在原著中，這位特洛伊的二王子就是個大花瓶，是男人中的「禍水」。電影中的帕里斯似乎比原著更窩囊，也更幼稚和沖動。演出這樣一個人物，對於憑《魔戒》系列中光彩照人的「精靈箭手」而大受歡迎的蘭朵布魯姆而言，是個不小的挑戰。個人對他的演繹基本滿意，他的角色從頭到晚沒讓人喜歡過，但他也沒有演出那種「孬」得讓人喜歡的效果，所以只能算中規中矩。
至於影片的女性角色們，因為在原著中就多為臉譜化的角色，因此電影中也沒有哪一個特別出彩。影片加強了阿喀琉斯與女祭司布里塞伊斯之間的感情戲份，卻也只能算是一個比較成功的噱頭，還缺乏讓人咀嚼的滋味。赫克托爾的妻子安德洛瑪克（Andromache）與那傳說中絕色的海倫也是同樣的效果，不過，後者還因為無法達到觀眾心目中「角色」的目標而飽受攻擊。其實這也是電影相對於文字很難表現的一個方面：文學具有無限想像的空間，而電影中一旦露面就固化了形象，總會有人不滿意。
與女演員的蒼白表現形成鮮明對比的是那些老演員的卓越表現，真正體現出「老戲骨」的價值。一向甘當綠葉的英國演員蕭恩賓（Sean Benn）在片中出演智勇雙全的奧德修斯（Odysseus），將角色那種委屈求全同時又能運籌帷幄的個性傳遞得很到位；布萊恩考克斯（Brian Cox）扮演的西臘聯軍首領阿伽門農則一如原著中令人討厭，但他又「邪」得帶上了考克斯自己的特點，因此比布魯姆的帕里斯要出彩。最有神韻的，還是彼德奧圖爾（Peter O』Toole）扮演的特洛伊王普里阿墨斯（Priam），和班納的赫克托爾一樣，也是屬於和角色完全融合的表演。在與阿喀琉斯秘密交涉的場景中，奧圖爾的演繹悲傷中透出堅忍，懇求中隱含機鋒，令人覺得阿喀琉斯那句「你比我們這邊的王要好得多」的感嘆是由衷的。
偉大的演員能拯救一部電影。的確，《特洛伊》正因為了有了傳神而且更人性化的普里阿墨斯、赫克托爾和阿喀琉斯，影片才具有了真正打動人心的力量。
四
看完《特洛伊》的感覺有點奇怪：劇中人物的命運能讓你浠噓不已，部分演員的表演也能讓你擊節贊賞，但對影片整體卻並沒有特別出色的感覺。腦海中能回響起來的，還是少數幾段感人的片段，對那些大場面卻很少有印象。或者說，觀眾對很多場面的記憶，很可能與其他「史詩」片混淆起來。
怪只能怪影片的整體製作太程式化了。好來塢發展到今天，已經有一套特別成熟的史詩片泡製工序。這套工序是如此的熟能生巧，以至於觀眾有些「審美疲勞」：雖然畫面越來越漂亮，故事越來越流暢，但總覺得缺少點什麼來讓自己愛得發狂。
從劇本來看，兩個多小時的電影當然無法等同於一萬多行、洋洋灑灑24卷的長篇詩歌，電影需要簡化。讓特洛伊的故事走下神壇，既是簡化故事的有力手段，也是本片最大的貢獻之一。至少從個人的感覺來看，完全從人性化的角度來描寫阿喀琉斯與赫克托爾更有感染力。他們不再是眾神爭風吃醋、爭強斗勝的棋子，而是成為陷入各自悲劇命運無法自拔的人物。這種悲劇命運是由他們自身的性格和所處的歷史條件決定的，影片對他們性格上的描繪很具有說服力。這樣即使觀眾代入角色的話，也會覺得很真實，最後的悲壯意味也更濃厚。當人物命運由性格驅使時，他們也就成為自己的棋子，有什麼比自己將自己逼上絕路卻又無可奈何更具有悲劇性的呢？因此，當演員們將自己和這些悲劇性人物結合得很好的時候，他們的角色就能格外打動人。
然而，光靠明星的魅力顯然是不行的，再出色的表演也只能讓你記住角色，而無法感受到整部電影的「獨特」魅力。導演沃夫岡彼得森（Wofgang Peterson）顯然是位成功的商業片導演，可也正因為他太熟悉商業片的拍攝套路了，以至於他」又」拍攝了一部可作為商業片教材的作品。一切都是那麼恰到好處，觀眾頭腦中「大片」應該有的東西它全都有了，但唯獨缺少作為優秀電影導演最重要的一種品質：個性。當《特洛伊》的每一個鏡頭都讓觀眾舒服的同時，它也就放棄了一項更偉大的目標：讓觀眾驚喜。
的確，《特洛伊》就是一部角色精彩、整體讓人滿意卻無法大聲叫好的作品。
參考資料：http://www.mtime.com/movie/13135/
⑥ 德國人拍的戰爭片非常客觀，真實，你心目中認為最好看的是哪一部
我認為最好看的德國戰爭片是《希望與反抗》，第一次看到這個電影名字的時候就吸引住了我，我覺得這個題目表現出一種在絕望中和努力中。這是一部比較老的片子的，2005年出來的。之前我就看過，覺得很好看。
⑦ 蒼白高清完整版電影
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