Ⅰ 邦妮和克萊德的影片評價
事實上兩人並非一路上相依為命，而是有一群同夥跟著：Clyde的哥哥Buck和他的太太Blanche，以及一個會修車的小個子CW。故事的主線即是圍繞在這一夥人之間的沖突上：Clyde與哥哥難兄難弟，感情甚篤，Bonnie和Blanche則勢成水火。因此四人之間呈現微妙的關系：Clyde要維系和Buck之間「哥兒們」(buddy)的感情，另一方面又要時時安撫Bonnie。Bonnie則經常在追求自由理想和因為愛人所作的犧牲之間掙扎。最後這種緊張關系在Buck被擊斃與Blanche被逮捕後結束。兩人獲得獨處的機會，也達到了完滿的性高潮。然而這還是暗示兄弟哥兒們的關系和男女之間的情愛往往是不相容的。這種主題，常常在以男性為觀眾對向的動作片中。
車子在全片中佔有重要的地位。男女主角相遇是因為Bonnie看到Clyde正要偷她媽媽的車，而兩人的結局也是以在車中被亂槍打死而告終。他們每搶劫一次就換一次車，當然一輛比一輛更好更新。車子在本片中不僅是作案逃亡的工具，也正是對物質慾望的投射和通往自由的機器。
最後一幕是暴力美學的經典之作：一群鴿子飛上樹梢，兩人正欣賞一剎那的美感。告密者忽然鑽到車底下。男女主角往樹叢看一眼，心知大勢已去。兩人對望，男主角急速跑向車中，但此時亂槍已起。慢動作，兩人被打成蜂窩。這裡面有許多元素被往後的電影一再借用。大家必不陌生。
《邦妮和克萊德》雖以兩人伏法結束，但這部電影非宣揚「惡有惡報」的陳腔濫調。相反的，它的影像語言的運用是希望我們同情認同死者的。事實上本片推出以後造成極大的爭議。當初被Bonnie和 Clyde所殺害的人其家人紛紛指責電影美化了兇手；而另一方面青少年卻奉二人為偶像。飾演Bonnie的菲·唐納薇（Faye Dunnaway）在片中的穿著甚至成為當年最流行的款式。在那個以抗爭、罷課、反戰為風潮的年代，這部電影的確亦有推波助瀾的效果。
羅密歐與朱麗葉在逃亡
為了紀念《邦妮和克萊德》誕生40周年，華納兄弟家庭影業於2008年3月25日發行了關於《邦妮和克萊德》的紀念版影碟，包括特別版、終極收藏版、藍光、高清四種版本。於是，這部久違的經典黑色電影再次進入影迷的視野。邦妮和克萊德，就像是匪徒世界裡的羅密歐和朱麗葉，在逃亡的不歸路上愈行愈遠……
開啟「新好萊塢」時期
《邦妮和克萊德》（Bonnie and Clyde），台灣人很宿命地譯作《我倆沒有明天》，香港譯名則是通俗的《雌雄大盜》。若是僅憑後面這個片名，會讓人誤以為這部電影通篇都是講一對亡命鴛鴦如何橫行無忌、作案手段如何高明。內容卻非如此，故事主要部分是，邦妮和克萊德以及克萊德的兄嫂、外加一個修車小子莫斯一同逃亡；且這伙江洋大盜（也是一個臨時家庭）被描繪得低級、幼稚、天真。
這部拍攝於1967年的電影雖是取自真人真事，背景為1930年代經濟大蕭條時期，骨子裡的反抗意識、壓抑與絕望卻是當時（1960年代）美國社會反戰反政府的情緒。此時好萊塢黃金時代已經遠去，美國的年輕導演們都以法國新浪潮為榜樣，力圖拍出洋溢著鮮活氣息、青春無悔式的電影。多數人認為，充斥著汽車馬達聲的《邦妮和克萊德》迎來了「新好萊塢」時期，它的執導者阿瑟佩恩被稱為「後古典好萊塢導演」。
向新浪潮致敬
新浪潮的味道從《邦妮和克萊德》劇本創作時就存在了，編劇搭檔大衛紐曼與羅伯特本頓說寫這兩個人物，就是覺得邦妮和克萊德有點像戈達爾電影《精疲力竭》里的貝爾蒙多。當然對他們啟發最大的是特呂弗的《朱爾與吉姆》和《槍擊鋼琴師》，尤其是前者，羅伯特本頓曾說他兩個月看了12遍，並模仿著把主要人物寫了一個三角關系，因為真實生活中的克萊德伯勒正是雙性戀。作為導演第一人選的特呂弗雖然很喜歡這個劇本，卻因他的《華氏451》開拍而放棄了。戈達爾對這個劇本也感興趣，據說他想把背景換成日本，並把邦妮和克萊德弄成十幾歲的孩子，這無疑嚇走了製片商。明星沃倫比蒂買走劇本後，找到了曾與自己有過合作的導演阿瑟佩恩，據說這個本子此時已經轉過20位導演之手了。
影片的開場就帶著濃厚的新浪潮痕跡：50多秒中的三四個鏡頭，從費唐娜薇扮演的邦妮的嘴唇開始自由搖移、推拉，她的臉蛋與身形占據整個銀幕。這幾個鏡頭中，空間幾乎被隔絕於身體之外，顯出煩悶、壓抑、狂躁的情緒（這種情緒也一路伴隨邦妮）。之後，影片在以撥弦為主的配樂中，凸顯出瑣碎的喜劇感，並且有著活潑的生活味。按照電影史家格雷戈爾的分析，這部電影的巨大魅力來源於：它既有隔絕於真實社會環境的傾向，又能寫實地烘托出小城鎮與鄉村圖景。這在很大程度上歸功於該片的「劇本醫生」（Scriptdoctor）羅伯特湯恩，這位後來以《唐人街》名噪一時的銀幕劇作家按慣例沒有在編劇上署名。根據一篇《邦妮和克萊德，新好萊塢的開始》的博文記載，湯恩有意識地改變了以往主流電影中的四件事：人物總能找到地方停車；買東西從來沒找過零；夫妻從不睡一張床；女人睡覺總是不卸妝。為顛覆這四條，影片拍出了許多令人難忘的小瞬間。
隱喻與技術革新
由於製片人兼主演沃倫比蒂反對把克萊德寫成雙性戀者，編劇就把這位男主角改為了性無能。這一改寫倒是賦予這部影片些許心理學隱喻和社會隱喻的意味。克萊德頓時化身為國家壓迫下的受害者；而他的犯罪行為成為性愛的替代行為。當克萊德第一次拔出槍時，邦妮撫摸槍管的場景是頗具性意味的。由於克萊德的這種生理缺陷，他又退化為孩子；他與邦妮之間的愛情，在大部分時間里是柏拉圖式的，既真摯又純潔。這和影片里的反派———警察與家長———形成一種強烈對比。當克萊德和邦妮在被銀行沒收了房產的落魄農民面前宣稱「我們是搶銀行的」之時，那種驕傲與害羞的神情，真是惹人憐愛。他們笨拙地搶劫，他們倉惶地逃亡，他們毫無來由地相愛，一如羅密歐和朱麗葉。正是因為《邦妮和克萊德》的童話特質，即便是當時令人耳目一新的電影技法、對於今日的影迷來說早已司空見慣，但它依然可以完全打動我們。
阿瑟佩恩在這部影片中，的確採用了許多新的技術手法，比如邦妮第一次下樓見克萊德時逆光仰拍的鏡頭，比如克萊德一夥與邦妮家人見面時虛焦朦朧的場景。而最著名、最有影響的段落當然是結尾處令人震撼的槍擊場面：風吹草動、群鳥驚飛，而後機槍掃射、硝煙彌漫，邦妮和克萊德如同「提線木偶一樣在彈雨中顫抖」，身體猶如蜂窩，凄美慢鏡頭彷彿芭蕾舞蹈，之後一切歸於平靜。不用多講，你立刻就能聯想到吳宇森某些經典的槍戰場面；實際上在此之前沃倫比蒂戴著禮帽、叼著火柴、喝著汽水的形象難道不會令你想到《英雄本色》時代的周潤發嗎？
總評
影片根據真人真事改編，故事背景在30年代經濟大蕭條期，他們倆人不但結伙搶劫銀行，甚至殺害不少無辜，走上命喪槍下的不歸路。
在導演阿瑟 佩恩(Arthur Penn)的獨特美學營造下，全片散發著濃郁的懷舊色彩，末場的慢動作槍殺鏡頭，更如同一場凄美的死亡祭典。讓人緊張的同時，不知道自己對主人公是恨是愛。
當年首映時，被衛道者及評論界罵得體無完膚，不過它不但沒在攻擊中倒下去，反而變成熱門影片，賺進了大把鈔票，也使得年輕人的服飾與思潮都趨向仿效30年代的式樣。
本片還有一項特殊風格，即是將喜劇感和恐怖味熔合一爐，那種浪漫而詼謔化的犯罪過程十分逗趣，但漸漸地卻導入恐怖與血腥的死亡陰影里，奧立佛史東的「閃靈殺手便受其影響。
曾獲1967年，第40屆奧斯卡最佳女配角、攝影兩座獎。
Ⅱ 小李子的經典電影有哪些在電影中的表現如何
截止2019年底有《荒野獵人》、《不一樣的天空》、《羅密歐與朱麗葉》、《飛行家》、《華爾街之狼》、《泰坦尼克號》、《逍遙法外》等。
《荒野獵人》
是由萊昂納多·迪卡普里奧、湯姆·哈迪、威爾·保爾特 、多姆納爾·格利森、保羅·安德森等主演。片中的每一位演員都應該獲得奧斯卡提名。
(2)新好萊塢時期的電影小子們擴展閱讀：
《飛行家》
是由馬丁·斯科塞斯執導，萊昂納多·迪卡普里奧、凱特·布蘭切特、凱特·貝金賽爾等人主演的劇情片，講述了霍華德·休斯成為好萊塢製片人，並且主持了藍雲杉飛機的發明和改進的故事。
《華爾街之狼》是馬丁·斯科塞斯執導的一部喜劇片，講述的是華爾街傳奇人物喬丹·貝爾福特的故事，這位股票經紀人曾在三分鍾內賺取1200萬美元，31歲時就擁有億萬家產。影片根據喬丹的個人回憶錄改編，講述了他遊走在法律邊緣的發家生涯以及迷失於性和毒品的沉淪生活。
《泰坦尼克號》
是美國二十世紀福斯電影公司、派拉蒙影業公司出品愛情片，由詹姆斯·卡梅隆執導，萊昂納多·迪卡普里奧、凱特·溫斯萊特領銜主演。講述了處於不同階層的兩個人窮畫家傑克和貴族女露絲拋棄世俗的偏見墜入愛河，最終傑克把生命的機會讓給了露絲的感人故事。
Ⅲ 電影《計程車司機》影片講什麼沒看懂
《出租汽車司機》是著名導演馬丁·斯科西斯的代表作，在1976年引起巨大轟動，其藝術成就在歐美各國受到了一致的肯定，稱得上是當年世界上最具藝術魅力的影片之一。這部電影簡直就是二十世紀世界藝術電影長廊中的極品。《出租汽車司機》的故事發生在越戰結束後的紐約，這是美國上下頗為尷尬迷茫的時期，越戰的失利使得很多普通人開始對國家政治和「美國精神」產生懷疑。人們無法彼此信任，社會的隔膜逐漸明顯。而在紐約這座以繁華著稱的大都市裡，孤獨和空虛更顯著地籠罩每一個個體。
影片被電影評論家們歸為政治性很強而藝術表現出色的社會問題片。其原因就在於影片具有深刻嚴肅的社會內涵，人物的塑造也充滿了現實意義，從而在商業片樣式中顯現出了獨特的藝術魅力。
《計程車司機》經過五、六十年代反傳統敘事的革命性實驗以後，當代電影對敘事的回歸成了電影人最關注的問題。這種回歸並非簡單的重復，而是對敘事本身有了更加深刻的認識，敘事本身成了目的。一種帶著強烈的個人色彩的敘事出現了。斯科西斯的《計程車司機》明顯帶有「垮掉的一代」的特徵。
影片的表現形式十分獨特，影片著意於氣氛的渲染，給人以強烈的感染力。在主人公特拉維斯的眼裡，紐約這個昔日的樂園已經變成荒蕪的地獄，艾端絲和斯波特的棲身之所是這個地獄里尤其恐怖的一角。特拉維斯這個猶太移民隱喻了在「紐約的小義大利」西西里長大的斯科西斯對於美國都市化的憂慮，並借特拉維斯的心態和行動來諷喻了他本人在美國的經歷。
影片帶有強烈的表現主義色彩。紐約籠罩在一種光怪陸離的氛圍中。場景多表現為黑夜，黑暗中燈光閃爍下的團團霧氣，街道上和汽車玻璃上的雨水，骯臟的路上晃動著的渣滓，觀眾的耳際響起陣陣不和諧的、節奏強烈的音樂聲，這些音響符號巧妙地托出這個城市的冷漠、迷亂和可憎。特拉維斯居住的公寓黑暗、破損，暗示主人公的精神狀態。影片運用了大量的紅色，紅色的片名，紅色的霓紅燈、信號燈、尾燈無不隱含著暴力，直至結尾的暴力場面，特拉維斯的臉上、身上以及妓院的黑牆上都沾滿了腥紅的鮮血，給人以強烈的視覺沖擊。
《計程車司機》講述了一個完整的故事，故事的結構明確地具有開始、發展、高潮、結局等部分，還具有明顯的明線和暗線的交織融合，這完全是用傳統的方式講述的一個現代人生活的故事。好萊塢的電影都知道觀眾期待什麼，他們的工作就是盡力去滿足觀眾的需求。馬丁·斯科西斯以好萊塢的方式講述自己的故事，這個反抗傳統好萊塢的「電影小子」最終締造了一個新好萊塢電影。
Ⅳ 外國電影史｜新好萊塢
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新好萊塢：從狹義上講，指的是60年代末到70年代末好萊塢在舊有電影體制瓦解以後的變革轉型，確立了新的電影機制的階段。
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美國電影受到了法國新浪潮電影運動等思想潮流的沖擊，電視業的發展給美國電影業帶來了重創，加上時局的動盪和政治上的危機，迫使他們對近親繁殖的類型電影進行從主題到形式上的反思。
國電影的製作者觀念開始發生變化，70年代一批深受歐洲電影影響，在電影學院學習的導演順應時代出現了，他們被稱為好萊塢小鬼或是聰明的小夥子們，有點逆反心理，崇拜歐洲電影，貫徹法國新浪潮「作者論」是他們的主要標簽，他們的崛起標志著新好萊塢的誕生
「新好萊塢」在敘事觀念上帶來了深刻的變化：(1).受美國式的「作者論」的思想影響，強調突出個人風格；(2).對傳統不再採取經典的態度，即在敘事上突破了以線性的因果關系為基礎的結構方式，在人物處理上的非英雄化；(3).不是放棄類型片，而是出現了多種類型融合的傾向；(4).不是否定情節中外在行動的重要性，而是更注重對人物心理反映的刻畫；(5).不再追求對影片的內容和人物做單義的理解，而是以更開放的態度來對待影片多義性的解讀。
1967年阿瑟·佩恩導演的《邦尼和克萊德》標志著新好萊塢電影的誕生。其它代表作品還有《逍遙騎士》（丹尼斯·霍佩爾 1969年）、《畢業生》（1969年）、《計程車司機》（馬丁·斯科塞斯 1975年）、《教父》（弗朗西斯·福特·科波拉 1972年）、《現代啟示錄》（弗朗西斯·福特·科波拉 1979年）等。
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Ⅳ 美國電影《好小子們》的豆瓣評分是多少
豆瓣評分是7.2分，比較有深意的一部電影。
不得不說這是一部拍給成人看的R級青少年喜劇，它以一種比較有趣的方式，站在兒童的角度，去看待成人世界的懵懂，從而讓孩子們引發一些思考，又或者用大人的視角，去看待孩子們的友誼，讓還在孩童時代的我們知道「你總會在長大的同時失去珍貴的友誼」這個道理。
Ⅵ 有沒有類似於返老還童的電影
如果要在世界上評選「最具民族性和世界性的」的東西，美國電影即使無緣奪冠，名次至少也不會掉出三甲。在這個星球上，好萊塢的產品同時扮演了兩種角色，它既是不同膚色、種族和信仰的人群的娛樂對象，又是美國精神和價值觀的龐大載體。因此，在選擇這30部「中國人不得不看的美國電影」時，我們的目光，首先聚焦於「美國」，其次關注的才是「電影」。
美國電影與美國精神
今年早些時候，在美國電影協會( A FI)評選的「美國片十大英雄」中，1962年的影片《殺死一隻知更鳥》中的律師阿提克斯•芬奇名列榜首。可以想像，在這個集合了慈父、好公民和反種族歧視鬥士等多種身份的角色身上，普通的美國人可以發現他們心目中若干最一般也最崇高的理想和人生守則：勇敢、樂觀、正直、坦誠……但是，在這些人類普遍遵循的道德准則背後，美國精神中另有一種獨特的東西存在，這就是執著到近乎頑固的獨立。
大概是移民國家的特色———在政權和宗教之外保持一種人格上的自足與自尊，始終被美國人視為民族精神的核心。表現在電影里，便是以《正午》中的退休警長和《巴頓將軍》里的鐵血統帥為代表的形形色色的「孤膽英雄」。在這些影片中，他們往往同時承擔著來自敵人、上司和同僚的壓力，最後憑個人的智慧與血勇，在逆境中殺出一條路來。在《關山飛渡》、《殺無赦》等西部片中，這種個人英雄主義得到了完美的體現。尤其是後者的結尾，男主角以自己的一身殺氣，震住了整整一隊荷槍實彈的警察，從容而去，實在是酷炫到了極點。
不過現實中畢竟不是每天都有子彈橫飛，對獨立的追求，表現在日常生活的領域，則是對個人奮斗和經濟成功的肯定，這便是美國人津津樂道的「企業家精神」。美國影片中的富人闊佬，固然有卓別麟《城市之光》中那樣的宵小之徒，但也有不少像弗蘭克•卡普拉的《一夜風流》和《富貴浮雲》中那樣善良、開明、滿懷社會責任感與正義感的人物。這在對金錢和市場持懷疑主義的歐洲人看來，往往難以理解。例如，喬治•薩杜爾就曾經在他的《世界電影史》中評論如下：
「它們證明億萬富豪都是一些天真、可愛的瘋子，他們放盪的生活並不妨礙他們從事善行或有益於人類的事情。卡普拉的喜劇對好萊塢的老闆洛克菲勒家族或摩根家族所表示的尊敬，和過去宮廷弄臣對君主的尊敬，其實沒有什麼不同……」
這些近乎斥罵的句子，其實從反面證明了弗蘭克•卡普拉對觀眾口味的把握之准。他的影片，可以說是對傳統意義上的「美國精神」的最好詮釋。在《史密斯先生到華盛頓》一片中，卡普拉把鏡頭對准了國會山、林肯紀念堂和刻有《葛底斯堡演講》的石碑，將這些象徵著美國價值觀中最崇高部分的事物，與現實政治中的污濁和腐敗進行了對比，然後通過正直、單純的青年議員史密斯以及一群孩子的力量重新撥亂反正。二戰中，在卡普拉為美國陸軍部製作的紀錄片《我們為何而戰》中，他用「光明世界與黑暗世界的決戰」來形容戰爭，把美國的制度和生活方式作為「光明世界」的代表，國會山、石碑等鏡頭再次出現，用以為「美國精神」大唱頌歌。該片後來獲得了奧斯卡最佳紀錄片獎。
這種牧歌式的自信，以越戰為起點，開始動搖。至高無上的「山巔之國」信仰，到了《野戰排》和《全金屬外殼》的年代，已經被打回塵埃。上世紀六七十年代的美國社會，對傳統價值觀的懷疑是空前的。《深喉》一掃「漢斯法典」實施以來統治電影界的清教徒戒律，把赤裸裸的性場面搬上了銀幕。一時間，看《深喉》幾乎成了一種風尚。大學生們在周末呼朋喚友，成群結隊地跑到電影院去看這部影片。這與其說是對性場景的渴望，不如說是享受那種沖破規則、反抗社會的快感。同樣，《油脂》和《毛發》撕去了傳統音樂劇電影「典雅」的面紗，用大量俚語、粗口和嬉皮裝扮直面真實的人生。《洛基》則通過低級拳手挑戰拳王失敗的故事，質疑了「個人奮斗」的傳統信條。只不過在這套系列影片的續集中，西爾維斯特•史泰龍又回到了傳統的懷抱。至於《美國往事》，則是為好萊塢影片中一貫謳歌的「兄弟義氣」埋下的第一塊墓碑。直到許多年後，馬丁•斯科西斯的《好傢伙》終於在棺材上投下了最後一鍬土。
與解構相伴的是新生。以《教父》、《大白鯊》和《星球大戰》這3部影片為標志，「電影小子」們在20世紀70年代初全面接管了史詩片的泡沫迸裂後留下的滿目瘡痍，好萊塢的大製片廠制度被注入了新的活力，電影中的價值觀，也更加關注平民社會和普通人的生活。如表現家庭、親情與事業矛盾的《克萊默夫婦》、講述城市貧民悲慘命運的《午夜牛郎》等。與此同時，《星球大戰》系列為美國社會營造了一個新的世界，同時也為喬治•盧卡斯培養了一批狂熱擁躉。從「天行者」盧克身上，美國人看到了祖輩曾有過的那種生活與追求：一個青年，孤身一人離開家，到遙遠的地方去實現自己的事業與夢想……
經過十幾年的淘洗，1994年羅伯特•澤米基思的《阿甘正傳》為世紀末的「美國精神」寫下了一部《新約》。卡普拉式的理想主義雖然已經黯淡，但在鬧劇般的歷史事件中，依靠純真、執著與善良，人們依舊能夠找到自己的精神家園。美國人似乎很滿足於這個答案，因為從那以後，好萊塢的主流電影開始朝大投資、高科技、純視覺刺激的方向發展，美國精神通過簡單的、符號化的方式加以表現。最典型的例子，莫過於《拯救大兵瑞恩》和《蜘蛛俠》中高高飄揚的星條旗。而影片《肖申克的救贖》則體現了美利堅立國的根本，即以「自我救贖」為內核的新教精神。
美國電影中的另類聲音
美國電影業的強盛，除表現為大量從大製片廠流水在線生產出來、大投資、製作精良的A級影片外，還表現為充斥市場的無數低成本娛樂片，即所謂的「B級片」。這些電影多數採取獨立製片的形式，編劇往往兼任導演，奔走呼告求得的一點可憐的資金，多半在影片拍竣前即告用罄。為了省錢，很多影片甚至用磁帶攝像機拍攝，然後就等待著被哪位製片人相中，肯為他們掏腰包，把磁帶轉換成膠片拷貝。實在等不及了，就只好先以錄像帶的形式進入租賃和零售市場，能收回一點成本是一點……
好萊塢怪才蒂姆•伯頓導演的影片《艾德•伍德》，其主角就是這樣一位歷史上確有其人的B級片導演。他出身寒微，默默無聞，卻如同《喜劇之王》里的星爺那樣，始終夢想著看到自己的名字在銀幕上出現。與無數傳奇人物不同，他不是天才，有些時候甚至愚蠢到令人吃驚的地步，對拍攝過程中最明顯的錯誤(如拍同一場戲，一會兒是白天，一會兒又是夜晚)都視而不見。除了妻子和一個年老多病的過氣的恐怖片明星外，幾乎所有人都瞧不起他。夢想與熱情是他惟一的精神支柱———這個人後來真的拍成了許多影片，這些影片為他帶來了「有史以來最爛的導演」的評價。不過那又有什麼關系呢？他的夢想已經實現了。影片中最意味深長的一段，是艾德•伍德和奧遜•韋爾斯在酒館中邂逅。有史以來最偉大的導演和最差勁的導演坐在一起，像兄弟一樣談論著他們的苦惱和抗爭。也許，就靈魂的層面而言，這兩個人之間的距離，其實很小。
從某種意義上講，理解美國電影，要從B級片開始。它們是電影市場的最底層，是金字塔的塔基，但貢獻卻遠遠超出了所得。為了增加發行量，B級片多半包含大量驚險、兇殺和色情內容。這一方面加深了人們對它的「低級趣味」的偏見，但另一方面，無數B級片導演的探索，豐富了類型片的內容和表現方式，成為電影製作者汲取營養的源泉。許多著名導演在成名之前，都曾經有過在B級片市場打拚的經歷。《蜘蛛俠》的導演薩姆•拉米，當年就憑著一套小製作的《屍變》，不僅成為「邪典」電影中的傑出之作，更初步展現了自己在模型製造和節奏控制上的超凡能力。到了上世紀末，終於出現了一位把B級片的意義發掘到極點的「另類天才」———昆汀•塔倫蒂諾。
昆汀•塔倫蒂諾曾是錄像帶租借店的店員，眾所周知，那裡正是無數B級片的「大本營」。這種滋養反映在他出道後的作品中，令我們在《落水狗》、《低俗小說》等掛著「昆汀•塔倫蒂諾導演」招牌的影片中，看到了濃郁的B級片色彩。在無數的粗口、暴力和對兇殺的過分渲染之後，我們看到的是對無常人生和乖戾社會的黑色諷喻，看到的是對傳統敘事方式的大膽顛覆，看到的是在每年數百部主流影片背後的好萊塢。前不久，昆汀•塔倫蒂諾推出了他的新片《殺死比爾》。據說他在製作這部影片之前，曾用了整整4年時間，觀看了大量歷史上默默無聞的B級片，並將之吸收進《殺死比爾》中那種誇張、變形和戲謔的風格里。也許再過幾年，當我們重新整理這份名單的時候，將會把此片收錄其中。
好萊塢另外一位著名的「另類」導演，是把傳統類型片進行解構與重組，創造出極具特色的混亂感與夢幻感的戴維•林奇(代表作：《藍絲絨》、《我心狂野》)。與一切「另類」的事物同理，觀眾對這些導演的作品的態度往往兩極分化嚴重：喜好者趨之若鶩，厭惡者不屑一顧，極少中庸。其中比較典型的例子，便是1975年的那部荒誕的歌舞片《洛奇恐怖電影》。該片講述一對夜行的青年男女被雷雨所阻，不得不投宿於一座城堡，一夜之間目睹了兇殺、宇宙航行和實驗室造人等諸多離奇景象。影片上映之後，很快就出現了這樣的局面：每天晚上都有100名影迷前去觀看，一遍又一遍，樂此不疲，雷打不動。除此之外，則再也沒有人來矣。於是每天晚上，售票廳也只能賣出這100張「鐵桿票」，一張不多，一張不少。
美國電影中的世界
許多美國影片———尤其是史詩片———取材於美利堅本土以外，甚至歐美世界之外的故事。這一方面豐富了美國片的故事來源，另一方面也為好萊塢影片的「全球化」提供了強大的支持。然而，無論是希臘、羅馬，抑或泰國、中國，世界上所有其它國家和民族的歷史事實和歷史人物，在經過好萊塢「加工」之後，無一不失去了本來面目，被深深烙上了一個「美國式」的鷹徽標記。
在本文後面附帶的影片名錄中，包括1956年由迪克•鮑威爾導演、約翰•韋恩主演的影片《成吉思汗》。我們選錄這部影片，並非覺得它是什麼了不起的傑作，而是恰恰相反。這部影片可謂好萊塢濫改歷史，炮製所謂美式「史詩片」最惡劣之一例。其內容大致是：
塔塔爾人的公主孛爾貼在出嫁的路上被鐵木真劫持(他和他的兄弟們從一個戈壁化的小山包上沖下來，像極了西部片里的印第安人)。為逃避塔塔爾人的報復，鐵木真求助於王罕(這個蒙古游牧首領住在一個很像巴格達的城市裡，擁有巨大的皇宮和大理石地板)。王罕與塔塔爾人定計陷害鐵木真，後者卻在孛爾貼的告警和幫助下，殺死了敵人，繼承了他們的龐大軍隊，開始了征服世界的事業。
倘若成吉思汗的後人看到這樣的故事，不氣死才怪！
其實這部爛到極點的影片是很能說明問題的，因為它把好萊塢改造其它民族歷史的「套路」發揮得淋漓盡致。在這些影片中，所有的角色，只是穿著其它民族的服裝，使用著其它民族的名字，不僅滿口說的都是地道的英語，骨子裡更完全是美國式的思維，以及由美國主流影片賦予他們的靈魂。這些影片的共同特點是：感情在人物性格和事件中起決定性的作用，角色往往憑借感性而非理性行事，強調歷史事件的偶然性和巧合。在影片風格方面，則力圖把不同民族的歷史與現實，硬性地塞進好萊塢「類型片」的框架之中。前面的這部《成吉思汗》，不過是這種套路發展到「物極必反」程度的產物而已。這樣的胡編亂造，連美國人都有點看不下去。有影評者尖刻地說：「我還以為這部電影里的角色，都是些外星人哩，導演是不是忘記在片尾說明了……」
但是，在這種「套路」之下，也曾經產生過不少優秀影片。以拍《聖經》題材著稱的西西•地米爾曾經聲稱：「給我兩頁《聖經》，我就能給你一部電影。」其間奧妙，也無非是以聖書為骨，依照前面所言的套路，添加上劇情片的內容而已。在他的眾多作品中，有《參孫與大利拉》等中庸之作，也不乏《十誡》這樣製作精良、人物刻畫深刻而富有層次的經典。片中「分開紅海」一場的特技，在當時可謂石破天驚。一般而言，好萊塢在拍攝其它民族的史詩片時，其年代越是古老，其記載越是模糊，其地點越是貼近歐洲，影片也就越出色，如《賓虛》、《勇敢的心》、《辛德勒的名單》等。葛麗泰•嘉寶主演的《瓊宮恨史》雖然招來了瑞典的抗議，但在藝術上獲得了成功。尤其是嘉寶在片尾著名的「無表情」表演，已經成為眾多表演教程的範本。然而上述3條如果反過來，出來的片子便往往不忍卒睹，《安娜與國王》便是其中的代表。
參考資料：http://vampire1985.blog.sohu.com/