『壹』 為什麼電影《七武士》能被評選為日本電影第一
縱觀這部《七武士》，其中的鏡頭運用、敘事節奏都非常流暢，有著優秀且辨識度極高的敘事節奏與拍攝風格，可以說沒有多餘的鏡頭或情節，而這部電影的台詞，也是微言大義，值得揣摩。更難能可貴的是一些動作戲，其中的動作設計和鏡頭剪輯沒有絲毫地拖泥帶水，放在今日依舊是頂尖水準。
這就是《七武士》的魅力，它讓你看見那個國度最後的江湖，就像影片結尾處對犧牲的死人無力的憑吊一樣，「揮手自茲去，蕭蕭班馬鳴」，這部長達三個多小時的電影，像一首慷慨激昂的戰歌，最後卻空餘一聲嘆息。
『貳』 求一篇關於日本電影情書的影評，1500字左右
可遇與可求之間，只在太過年少的時地看來，才彷彿隔著滄海桑田。
偏偏又是年少，才會為一束日光、一盞窗檯、一級台階的微涼而哽咽。
誰又能想到，這哽咽竟能這樣頑強地蹣跚過歲月，恍恍惚惚，清濁相間，一點一點鑿穿世間最頑冥的時間之石。
直至透亮透亮，凝成哀而不傷的漬。
生命正因此不輕不重、卻獨一無二的痕，在陽光下閃耀著生生不息又遙不可及的希冀。
許多人看《情書》，許多人寫《情書》，一遍又一遍不厭其煩地梳理著年少，回味著愛的博大與徒勞。也許只有到了可以追憶的時候，愛才稱其為愛。它永恆、它不朽，因為它深植記憶。它可以分享、可以遺忘，卻無法互相替代。無法爭搶，無法偷竊，無法模擬，因而具有天然的神聖性。
《情書》日本式的優雅與委婉常常給人一種震懾的美，日本電影人精微的創作力和感受性，使得他們的作品在模仿之外，更具有獨立的詩性追求。「尋找世界上的另一個我」是世界電影中一個經典的主題，新銳導演們總是能夠敏感地捕捉這種鏡像中的自識，從而通過膠片——這一特殊的情感載體，細密地、委婉地傳達對於生命的詩意追問。無常、宿命、極端美學常常是日本電影中最為鮮明的基調，然而《情書》的特別之處在於，它並沒有過多地展現這種淋漓的殘酷之美，而是將「悲哀即美」的日本式美學觀念詮釋得精準到位。
渡邊博子因為強烈的思念而去尋找死去戀人青年時代的記憶，導演給予她的鏡頭色調總是暗暗的，與女藤井樹的溫暖色調對比，悲憫之心躍然顯現。從影片一開始的雪中祭奠，到渡邊博子壓抑、內斂的臉部特寫，整個故事都籠罩著死亡的陰影。
死亡不是遺忘，而是未知，是無助，是傷痛。渡邊博子靜靜地躺在浩瀚的雪地中凝住呼吸，她試圖通過這種親近死亡的方式緩解兩年以來的強大孤獨感，試圖走出這段無果的愛情企盼。深情的女子，像沉默的雪，綿延浩瀚。在她的眼神中，投影的不僅僅是她無措的命運感，更有她企盼能夠互通情感的對話世界。情書，是最為古典的傳情方式。它不需要直面，不需要聲音。它承載著等待、承載著希望。它是自我敘述，也是自我認識。（情書）中微妙的感覺就像是在打開一封沉封已久的情書,以往的那種淡淡的溫情依然點滴在心頭,懵懂的年齡,模糊的記憶,交織的錯覺,似乎掩蓋了心中那份埋藏已久的真摯情感. 居住在神戶的渡邊博子,來到了因山崩而意外死去的未婚夫的墓前拜祭,結束了3年的拜祭後,博子便來到了未婚夫的居所拜訪,在不經意間博子發現了未婚夫藤井上學時所留下的紀念冊,因為依然還懷著對藤井的思念,所以博子開始往紀念冊所記載的藤井居住的地方寄信,但另人沒想到的是居然收到了回信,迷團重重,博子提著懸掛的心開始了調查,最後才知道原來在那裡住著一位與自己長的極為相似的女人,並且與藤井有著一模一樣的名字,博子這才意識到藤井真正愛她的原因. 一封看似沒有著落的信,卻牽扯出了兩段真摯的情感,一邊是對他無法舍棄的思念,一邊是他埋藏在心中對她的暗戀,這種有些莫名其妙的三角關系被一根無形的線拉扯到了一起,那種惟妙惟肖的情感,叫人無法不被動容.純純的愛,強烈的愛,隱藏的愛,真摯的愛,這部電影就是一封包含了無數愛的情書.影片將拍攝的地點設置在了日本北海道的小樽,隨著這部電影的放映,小樽已經成為每個人心中所嚮往的聖潔之地,純白的大雪覆蓋在大地上,看上去是那樣的純凈與美好,讓人覺得那兒就是愛的發源地. 這也是一部現實與回憶交替出現的影片,只是刻畫的沒那麼強烈,顯得很自然,也可以說是一部帶點懸疑色彩的電影,在人們都覺得納悶之時,隨著情節一步步的展開,真相的揭曉,隨之而來的動人氣息,席捲了每個人的心,影片在整體上給人一種優美清麗的氣息,在婉約之中又不失溫情,看過之後讓人覺得回味無窮.影片總體上可分為兩部分,過去與現在. 過去:藤井樹,到......到,隨著兩人一致的回答,也就意味著命運已經悄悄地將兩人的情感聯繫到了一起,但在那段兩人相處的歲月中給他們各自留下的印象卻截然不同,對於樹來說,那段時光並不好受,甚至覺得歲月就是在痛苦中慢慢流逝的,只因一個原因,因為班上有個與他同名同性的男生,就因為這樣所以她常常被人誤會,,嘲諷,戲弄,侮辱,讓她經受了很大的壓力.比如兩人一起值日,同學在紙上寫下藤愛藤的字樣,藤井偷拿她的考試卷,與他一同在圖書館工作,他幾乎在每本書的書簽上寫下了自己的名字.....這對於她來說是種無形的折磨,在她的記憶中對他的感覺就一字:怪.但他對她的感情卻從這里開始,已經埋下了深深地伏筆,而她對他的印象一直到父親的去世才有了轉變,藤井到她家來看往她,並遞給了她一本書,叫她幫他還,她也很欣然的接受了,後來她到學校後,才得知他已經轉學了,但是有同學居然在他的桌上擺了盆菊花,樹立刻將花盆狠狠地摔在地上,那一刻同學都驚呆了,伴隨著那花盆的破碎,也許他們那種朦朧的愛剛開始就已經結束了. 現在:博子對他一往情深,一直到他去世,得知真相後,才逐漸的明白,也許自己也只不過是單相思而已,她不甘心,不願相信,這突如其來的現實讓她無法接受,她開始調查,一直到樹將她與藤井的那段已經略顯模糊的記憶在信中敘述給她時,她才明白,才真正的放下心中的包袱,才得以去迎接屬於自己的幸福,影片中有一段讓我很感動,博子站在雪地里,望著那座遙遠的藤井遇難的大山,歇斯底里的哭喊著:"你好嗎?...我很好!...你還好嗎?.....我很好..."觀眾們的心也伴隨著這強烈的思念被徹底的撕裂了,我大致還記得博子寫的最後一封信中所說的話:我認為藤井在借書卡中所寫下的名字並不是他自己,而是指的你,我把這些信還給你,因為這些是屬於你對藤井的回憶,我沒有權利擁有."這一刻也許她真的放下了那段揮之不去的思念.而另一邊當樹得知藤井的死後,肺炎突發,躺在醫院,淚水從眼角流出,口中不停的喊倒:你還好嗎?.......與博子重復著一樣的話,讓人感動到不能言語.一直到最後同校學妹,再拿那本書的書簽給她看時,看到背後的畫像,她才恍然大悟,慧心一笑,那種初戀時青澀,害羞的模樣,從她幸福的臉上甜蜜的流露了出來. 這是一部無可挑剔的影片,從劇情,配樂,演員,背景...都很完美的融入到了這部影片中,特別是背景音樂,更加讓人體會到了影片凄美與婉約,女主角的扮演者中山美穂也表現的相當的出色,一人分飾兩角,表演的很自然動人,其實不用多說,這些元素都已經在無數個電影節上獲得了肯定. 這並非是一封簡單而寄託著思念的情書,而是一封寄到了每個人心中的情書,在每個人的一生之中都有暗戀與被暗戀的日子,也有無法割捨思念的時光,看完後每個人都會有得到共鳴的喜悅之情,生命中那一分最真摯的情感的來源也許就是初戀時懵懂的你和我
『叄』 北野武：在人生中橫沖直撞的雙面人
北野武在《菊次郎的夏天裡》為人熟知，白襯衫搭配黑西褲，趿拉著鞋駝著背，右臉面部麻痹，偶爾抽搐著沒有表情，透露出黑幫老大的狠勁，行為舉止又透露出孩童般的天真。
他活躍在劇場、電視和大屏幕，將多種兩極化的性格特質都集中於自身：暴力與怯弱，殘忍與溫柔，刻薄與熱心，大男子氣概與孩子氣。
與母親一輩子的抗爭與逃離迫使他不得不認真地活著。
北野武，人生的喜劇演員，他的電影讓人笑著便不自覺哭了。
【一】
母子大戰：輟學的叛逆小子
1947年，40多歲的佐紀女士生下家中老幺北野武。他的出生地在東京的足立區，那是木匠、石匠等手工業者聚集的雜亂街區，而北野武的父親菊次郎則是一名油漆匠，母親佐紀是名教師。
可以說，北野武成為相聲演員和日本知名導演純屬意外。
如果不出意外，北野武本會跟隨父親菊次郎成為油漆匠，又或者聽從母親佐紀的安排成為大學學者。而北野武卻由祖母隔代遺傳成為漫才藝人，這讓篤定教育改變人生的佐紀女士痛心疾首。
人生規劃的錯位，可預見一場北野武與母親之間不可避免的大戰。偏偏佐紀女士又是渴望掌控力的母親，為了孩子的教育，她勤做兼職賺錢給孩子買參考書。而北野武是幼子，備受祖母寵愛，當他的哥哥們都順從母親安排之後，他更無實現長輩理想的後顧之憂。從北野武出生起，兩人的戰火從學習蔓延到生活，但北野武從來都是母親的手下敗將。
這場母子之戰的趣事在北野武的文字作品《菊次郎與佐紀》里有很多，讓人忍俊不禁。比如北野武小學時候迷戀棒球不愛讀書，而佐紀女士不認可打棒球是正經事。鄰居看北野武打棒球沒有手套可憐，便買了當禮物送給他。母親若看到手套肯定會沒收，北野武心想，窄小的家裡又沒有私人空間，怎麼辦呢？他用塑料袋把手套包好埋在家中院里的銀杏樹下，每次打球前再拿出來，若無其事的樣子。偷偷摸摸一段時間後，有天北野武玩棒球前去拿手套，挖開泥土後，卻只見塑料袋裡躺著一摞參考書……
佐紀女士不僅機智，還嘴毒。北野武回憶，母親有次為了驅趕來找他玩的朋友，先是說自己的兒子笨，小心被傳染；轉過頭來卻對他說，這孩子腦筋太差，要離遠些。
這些回憶的文字里滿是抱怨，卻深藏著北野武對母親智慧的折服。
如果說幼時只是小打小鬧，但隨著北野武羽翼漸豐，他決心干票大的——向初入學的民治大學工學部提交退學申請書，並收拾行李離開家自己租房。
這是他短暫人生里的閃光時刻。他剛滿20歲，稚嫩但躊躇滿志。他以一種極其亢奮的心情，將之看做告別過去、迎接新生活的轉折點，更重要的是可作為擺脫母親控制的手段。
那一瞬間——「周圍的風景突然變得不一樣，一切都像沐浴在初夏陽光中般閃耀金光」
然而這只是幻覺，最後的結局是北野武拖欠半年房租，母親悄悄墊付。得知真相的他，懊惱地承認母親又贏了。
母親佐紀是北野武生命中極其重要的人，但他認定，「母親可能會是毀掉我人生、我最親的人」，他一直在逃離。但正是這種抗爭讓他不得不認真地活著。
北野武對母親的這種既仰賴又排斥的情感關系，也投射在他與其他女性的關繫上。他曾在訪談中提及，不敢想像與女性面對面吃飯。在電影《花火》里也有體現，北野武飾演的警察在與妻子合拍時，妻子親昵地挽住他的手，他卻立馬甩開，但臉帶微笑、頭向妻子一側歪著。
女性也很少在他的電影里以獨立主角出現，大多作為配角與背景。如《花火》里身患絕症鮮少台詞的女主，或《菊次郎的夏天》里最後露面的小孩母親。
與北野武結婚的女人，並不是他最愛的。那位讓之念念不忘的女士對他極好，但就因此所以他要遠離。他是個情人不斷的情場浪子。
但北野武身上帶著母親帶給他的深刻烙印，他的眼神和語氣像佐紀女士，刻薄、毒舌也像她，而這也成為支撐他日後學習相聲技巧的基礎。他像母親般熱心，和徒弟們組成「武軍團」，對待他們就像親人一般，徒弟們也十分尊敬他。
相比較，父親的角色對於北野武則是缺位的。菊次郎酷愛抽煙喝酒，醉酒回家後還會毆打佐紀女士，沒有掙錢養家的心思，十分卑微窩囊。他也不姓「北野」，這是佐紀女士此前男人的姓，其家中地位可見一斑。
北野武在書中寫到——
我常常想：如果有個會打架，常給孩子零用錢，也會適當管教孩子的父親多好，從未對老爸滿意。這種心理，在我離家自己賺錢後也沒變，或許這就是我直到今天還像個調皮小鬼，無法成熟的原因。
吳念真也認為，北野武骨子裡是大人與小孩的綜合體，在他的身體里還有一個調皮搗蛋、活潑過度，而且可能隨時闖禍的小北野武。
但北野武對父親帶有男人之間惺惺相惜的感情，他也繼承了父親的羞怯，他的二哥北野大認為弟弟雖不至於尊敬，但對父親有儒慕之情。
《菊次郎的夏天》便是北野武對於父親的致意。電影里主人公內向，不知道和孩子說什麼好，就如他那沉默寡言的父親。他的孩子氣在這部電影里展現得淋漓盡致，主人公笨拙的游泳姿勢、搞怪的游戲，充斥著無厘頭的游戲感。但這種喜劇感背後，又帶有種可望不可即的悲傷。
原生家庭的影響將伴隨人的一生，北野武的人生軌跡、生活態度乃至作品潛藏著他的出身與童年。
【二】
半路出家的電影導演
「無聊的人生，我死也不要」，這是北野武自傳的書名。
他的人生確實不無聊，十分精彩。大學中途輟學很孤注一擲，當相聲演員全憑直覺，半道出家充當電影導演最終還得到金獅獎更是戲劇性十足。
要知道，在輟學後與去淺草當漫才藝人練習生之前，北野武還在新宿過了五年的流浪生活。首先在一家爵士咖啡店當侍從，後來又是街頭推銷員、建築拆卸工人、的士司機、加油站員工。他像個流浪漢不停切換身份，對於未來的規劃，能想到的就是留學。
輟學的決定很叛逆，但帶來的亢奮感轉瞬即逝，什麼才是「只有自己能做的事」，北野武不知道。從新宿走向淺草，北野武憑的是直覺，因為他從小就在那裡看錶演，覺得自己能做些什麼。
直覺為他的人生帶來轉機，從此，北野武開始了相聲演員的生涯。他在淺草法蘭西座當電梯侍應員卻被拉去做藝人練習生，向深見淺三郎拜師學習諷刺偽善的相聲風格，與兼子二郎組成Two Beat對口相聲團體去不同地方循環演出，去電視台做主持人，29歲時獲得NHK的相聲比賽的優秀獎。酬勞從買便當都不夠，到上電視後的百萬，人生逐漸順利得如32倍速快進的電影畫面。
這時，作為喜劇演員和導演的他，藝名叫彼得武。在演藝界，只有拍電影，寫劇本的他，才叫北野武。
從彼得武轉換為北野武，從節目主持人相聲演員跨界到電影行業，從專注文字的逗趣諷刺到用視覺語言傳達情感，這完全是跨維度的嘗試。
日本的知名導演如小津安二郎、黑澤明，都是先從副導演或攝影助手做起，而更晚輩的是枝裕和和岩井俊二也本是電視導演。相比較而言，大學工科肄業、毫無導演經驗的北野武完全是野路子出身。他進軍影業的動機在於，電視節目實在太平庸了。
但野路子出生的北野武卻獲得日本殿堂級導演黑澤明的認可，得到信件囑咐，「日本電影就拜託你了」。或許得承認，北野武有導演天賦。在淺草當藝人時，北野武便表演自己寫的相聲腳本，能隱約瞅到日後他自編自導自演的電影路線。
北野武從影很晚，36歲時，他才首次出演電影，在大島渚導演的電影《戰場上的快樂聖誕》中扮演一位在二戰中虐待俘虜的日本軍官，演技獲得很高評價。等到42歲時，他才執導自己的處女作《一個極其凶暴的男人》。
上世紀80年代後期，日本電影廠體系解體、獨立製片抬頭，北野武等導演在電影行業異軍突起，在90年代時頻繁獲得國際電影節的認可。《花火》在1997年獲得威尼斯電影節金獅獎，北野武是日本影人中獲此殊榮的第三人，前兩人是黑澤明（《羅生門》，1951）和稻垣浩（《無法松的一生》，1958）。上世紀50年代是日本電影歷史的一次高峰期，此後隨著60年代電視的出現等其它原因，熱潮消退。北野武因《花火》在國際影壇中獲得知名度，也承擔著日本電影在新世紀復興的厚望。
《花火》是一部很貼合北野武電影美學的作品，在生命最美好時刻、死亡不期而至，用暴力達成完美。北野武是「暴力美學」的實踐者。電影講述的是北野武扮演的警察西在同事殘疾、妻子身患絕症的情況下，借高利貸、搶劫銀行，為的是給同事買畫筆、陪妻子做最後的旅行，這么一步步走向法律深淵，最終在海邊用手槍了結自己和妻子生命的故事。
突發性暴力是北野武所崇尚的元素。如在《花火》這部電影里，放高利貸的混混來餐館找警察西，鏡頭緩慢移動，西沉默不語拿起筷子，隨著一生吃痛的聲音，餐桌上灑上血跡，下個鏡頭便緊接混混手捂眼睛的畫面，筷子直插眼裡。
用富有沖擊性的視覺畫面來表現暴力，是對暴力的解構與儀式化。北野武對「暴力美學」的探索具有日本本土特色。
「死亡是突如其來的暴力」，生命若如櫻花，花期短暫，絢爛綻放又迅速隕落，符合日本國民對美的認知，這也是北野武暴力美學的部分含義。
死亡的暴力體現在他的電影情節和畫面里。如他的早期作品中，《那年夏天 寧靜的海》講述的是一對聾啞戀人在即將幸福時，男主生命戛然而止的故事；《一個極其凶暴的男人》里，面對被綁架輪奸並染上毒癮的妹妹，北野武飾演的冷酷警察雖然已報仇，但最終選擇開槍結束妹妹的生命。他的電影里反復出現的大海是死亡的象徵，北野武曾在訪談中坦誠，有段時間看見大海心中便有莫名情緒，想走向海里，走向死亡。
【三】
車禍因心中有自殺性沖動
在因《花火》得獎前，北野武的確因為得不到業內而感到困擾。這場酒醉騎摩托車飆車導致的車禍讓他右臉面部麻痹。手術過程可怖，十分痛苦。
「從左到右橫跨鼻子下面都用到了金屬絲。臉上稍微露出螺絲釘。顴骨也像氣球那樣鼓起來了」
1994年的這場摩托車事故，成了北野武此後心中的一塊重石，車禍現場到處是血，那似乎是死亡的預兆，但他活下來了。盡管「死而復生」，這對他是精神和身體上的雙重打擊，為此他停止演藝活動長達7個月，而這也成為他反思生活和破繭成蝶的契機。
在車禍前，北野武以旺盛的創造力執導了四部電影，三部動作片，一部青春片，試圖表達在極端情況下的個人選擇。那時，北野武對於自己指導電影的能力十分自信，也有著開放的實驗性心態。即使如此，他卻始終得不到業內認可，也正是這種迷茫和自我放棄的心態，促使他在醉酒後無意識地駛向死亡。
北野武那時似乎對外界帶有被害妄想症，他在車禍後悲涼地認為，公眾盼望他出事，也能感覺到媒體的喜悅。
「星期五」事件是北野武對媒體鄙夷的佐證。那時，《星期五》雜志里的編輯曝光他的花邊新聞，去采訪他的情人，卻在拉扯中誤傷了女孩子。北野武聽聞後一氣之下帶著徒弟毆打編輯，然後被警察拘留。一時輿論嘩然，結局是他暫停一切日程，暫時去一座島上躲起來。
這樣的性格讓人聯想到竇唯，後者也曾因憤怒火燒記者汽車。記者觸犯職業道德是其一，但主體行為的突發性是因極度的內斂，因為無處釋放情緒。這種憤怒和絕望最終以車禍為收場。
但這也成為北野武人生中的轉折點，《花火》這部作品便是在車禍後誕生。
他經歷此事後明白，如果學會面對後會發現因死亡的必然性而帶來的絕望和恐慌不僅屬於自己，也屬於所有人，就像死亡會找到每個人，包括媒體里詆毀他的人。「死可以說是突如其來的暴力」，他決定以更坦然的態度面對，與傳媒達成和解。 人將如何面對死亡，也會成為他日後文藝創作的主題。
關於對過去生活的反思，北野武表示當初並不後悔用暴力解決矛盾。
還未出院，他開始計劃拍攝內容，打算繼續拍暴力電影。北野武是個工作狂，他認為自己的生活方式就是工作。是啊，如果不是工作狂，誰又怎能有熱情同時投身於電視和電影中，執導的電影能有大約年均一部的產量呢？
如今，北野武的右臉很難再做出生動表情，但富有定力的眼神盯著鏡頭時，這種沉默與突如其來的暴力對比也顯得有獨特味道。
看到鏡子里扭曲的臉，這場事故可以作為遺產留下來，北野武心想。他不想再回到過去，要坦然面對絕望、背負重荷，「堂堂正正地直面人生」。
這也算是，因禍得福。
如今的北野武已71歲，今年年初宣布已從北野事務所退休，沒有退休金可拿，還說要去當AV男優。他精力旺盛，從42歲起，至今已導演18部電影。他還熱衷於自導自演，在電影里扮演大佬、警察等。關於導演自導自演有多麼傷神，李安就曾在《喜宴》里客串，雖只有一句台詞，但也至此再不出鏡。這么看來，北野武還真是十分熱衷表演。
他還寫小說和雜文，開過一次畫展，每星期去電視台錄制節目。今年還自創服飾品牌KITANOBLUE（北野藍）。
真是一刻也閑不住。
北野武是個追求新鮮感的人——
「讓我一直做同一件事情，我會感覺膩味、無聊。一旦感覺無聊，我就會在不知不覺間自然而然地對另一件新鮮事物發生興趣。這真是不可思議。」
對於拍電影的追求，他不想拍出滿意的作品，要有點錯誤，才能拍下一部。
矛盾性是北野武性格特點，暴力與怯弱，殘忍與溫柔，刻薄與熱心，大男子氣概與孩子氣，多種兩極化的性格特質都集中於自身。
關於他的故事裡，在我心中最動人的一幕是，北野武在母親的守靈會上，原本打算「怎麼用笑話帶過這件事」，但最終在記者的「設計」下放聲痛哭。
喜劇或許是他的防線，展現暴力是掩飾他內心的怯弱。充滿矛盾的北野武和彼得武，無論是他的哪一面、都有動人之處。或許放聲痛哭時，才是他卸下防線的那刻。
或許這才是真實的他。
『肆』 以《起風了》為例分析宮崎駿動畫電影論文的美學特點
以《起風了》為例分析宮崎駿動畫電影論文的美學特點
《起風了》描繪了日本昭和時代的特有的田園風光以及當時的風土人情、以及噩夢般的關東大地震。每部作品均有著精美的畫面設計、流暢的角色動作設計、跌宕起伏的情節設計、融入人文精神獨特的思想教育意義。通過對大自然的細膩真實的描繪、探討人和大自然相互依存的關系。以無法表達的美通過動畫呈現給觀眾。《起風了》這部動畫電影論文來源於法國詩人保羅-瓦勒里所寫的浪漫詩句：還要繼續的活下去。宮崎駿先生以完美的姿態，完成了職業生涯的最後一部作品。
一、對蘿莉的控的女性角色的塑造及其表現
動畫大師宮崎駿先生的少女情結具體的表現在於：在他過往的每部作品中，都會有一位蘿莉外表堅強內心的女性角色。她們的成長歷程為故事的主線，《風之谷》女孩娜烏茜卡、《天空之城》女主角希達、《干與干尋》少女干尋[1]。這次也不例外，《起風了》菜穂子被塑造為一位擁有可愛的蘿莉外表且內心善良的姑娘。堀越加代的形象，使我們聯想到《龍貓》小女孩小梅、《懸崖上的金魚姬》海神女兒波妞，有著相似的蘿莉可愛的外表，堅韌的內內心。菜穂子與病魔作斗爭以及堀越加為自己夢想堅持的描寫，表現了宮崎駿的日本堅強女性的尊重之情。
二、對西歐建築的喜愛
宮崎駿早年游歷義大利，這些經歷使得作品中常會出現一些具有濃重歐式風格的場景。大到房屋建築，小到衣帽服飾、生活用品，甚至於一些角色的體貌特徵都具有典型的歐式風格。即使如此，觀眾們也不會把這些作品當成是歐洲的動畫產品。但他的動畫作品，往往帶有很深的日本獨特的民族風情。他推崇用自己民族靈魂的東西講述著他的動畫故事。
三、對自然生靈的崇敬
宮崎駿動畫永恆的主旨——人與自然的和諧相處。《幽靈公主》中隨處可見、蔥郁的森林，《魔女宅急便》一望無際的藍色海洋，都在透露著他對於自然的嚮往之心，及他對人類過度利用自然造成生態破壞的擔憂。《懸崖上的金魚姬》海水裡到處是人類生活的垃圾，凸顯了被人類污染的海洋;《狸貓大作戰》狸貓們保護自己的家園「森林」與人類抗爭的故事。
宮崎駿30歲時，受到中尾佐助的「照葉樹林（常綠闊葉林）文化論」[2]以及「萬物皆有靈」的思想的影響。綠色為永恆的畫面主色調，作為精神寄託出現在他的作品中。在他眼中樹不僅有靈性、而且有頑強生命力。《幽靈公主》、《風之谷》自然環境被肆意破壞的情況下，《起風了》經過地震災難後的場景。大樹們都能依靠自己頑強的生命力重新茁壯成長。就像他自己一樣，無論面對多大困難仍堅持夢想不放棄。愛、童年、友情、成長、勇氣正能量的傳達，使觀眾用心去感受自然之美。
《起風了》展現給觀眾一幅幅日本昭和初期風光旖旎的自然風景畫卷。宮崎駿動畫作品中的戰爭，往往是通過印象派背景以及廣闊藍天和廣袤新綠間的.血紅殘陽來表現的。戰爭代表破壞與毀滅，它摧毀了夢想的舞台，拆散了青梅竹馬相愛的愛人，代表夢想的飛機，因戰爭而破碎。
四、飛行夢與反戰情節
我們都能夠很輕易的看到他對於「飛行」的渴望，這些源於他在第二次世界大戰中的親身經歷以及飛機製造世家的出身。在動畫作品《風之谷》，用滑翔機在腐海森林上空遨翔;《天空之城》神秘的道具「飛行石」、大量的關於飛行的場景畫面、以及最大的飛行器——高懸於雲之端的天空之城;《紅豬》男主角憑借出色的天空飛行技術，以抓捕在亞地里亞海上空的劫匪為生;《哈爾的移動城堡》通過魔法可以移動飛行的城堡。《起風了》是宮崎駿先生所創作的一部完整屬於飛行的作品，這部作品不單單是為了引起人們對戰爭的反思，更是為了展現作者對飛行與夢想的堅持。通過描寫二郎從小的夢想就是製造出能自由飛翔的飛機，但是後來卻由於戰爭的需要，不得不設計製造戰斗機，也揭露了二郎「想設計優美的飛機」的單純設計理念與零式戰斗機在戰爭中起的作用之間的矛盾。這與宮崎駿先生本身對飛行器的執著以及反戰意識是相通的。
五、現實與夢幻相結合的表現手法
在影片中，無論是地震還是戰爭都是採用真實的表現手法來描寫當時日本的真實情況。日本關東大地震以及經濟大蕭條之後，男主人公成了航空精英，並與曾在火車上邂逅的菜穗子重逢。不再像《魔女宅急便》中乘著掃帚在天空飛，《懸崖上的金魚姬》魚子從海邊飛奔在陸地的這樣的包含種種幻想元素的作品，影片中並沒有魔法及怪物的出現。第一次拍現實生活中存在的題材，真實存在的成人之間的愛情故事。但片中的男主人公與德國大師學習，最後與妻子相見，都是通過虛幻的表現手法，以夢境的形式來實現的。通過現實與夢幻的結合，觀眾感受到地震以及戰爭給人們帶來的恐慌與痛苦，二郎與菜穗子感人的愛情故事。通過夢的手法，人生如夢，展現愛情在戀人心中的永恆，同時也模糊了生死的界限。
六、愛情與夢想的堅持
在《起風了》中，愛情與夢想始終作為兩大主線貫穿著整部動畫作品。主人公努力追尋夢想以及主人公凄美愛情的故事。影片的故事開端二郎的空中飛行的夢境開始的，最後在夢到愛人菜穗子相見而結束。從主角兒童時期堀越二郎和妹妹對話，以及成年後每一次兄妹相見，可以看到二郎是個為夢想拼搏努力堅持不懈的人。二郎夢想設計出單純能在空中飛行的飛機，製造出的零式飛機最後卻專門用於戰斗。這種矛盾，就像宮崎駿是一個不折不扣的飛機迷，但同時也是一個愛好和平的反戰人士。「能夠打造出一台美麗的飛機就是我唯一想做。」是二郎與宮崎駿先生共同的的心聲，他們所熱愛的飛機，並不是用於戰爭的飛機，而是單純對飛機的熱愛。整部電影風是貫穿始終不可忽視的最重要的元素。一陣陣風未停止過，無論是影片開始時的關東大地震與女主的邂逅還是結尾的二戰結束。在火車上一陣強風把他們帶到彼此身邊，首次相遇。風讓他們再次相遇相識相愛，二郎飛機試飛成功是有風和菜穂子「幻影」陪伴。風看不到，但它一直存在，我們能真切的感覺到。
《起風了》在苦難年代中辛酸而堅強為夢想活著實現自己夢想的男人。宮崎駿的動畫事業的成功，也離不開他的堅持，用自己別具一格的手繪風格，堅持自己心愛的關於動畫的夢想，全身心投入於動畫事業。「風吹唯有試著努力活下來」，也是宮崎駿先生所表達的主題。努力不懈為動畫產業奮鬥了四十年，最後用《風起了》這種特殊的方式和所有人道別，就像電影里主角的偶像卡普羅尼最後問他的「盡力了嗎？」，二郎斬釘截鐵給出的答案，也是宮崎駿先生自己一生對自己動畫事業與夢想的最真實的寫照。《起風了》作為圓舞曲，為自己的動畫生涯舞出一個圓滿的記號。對動畫夢想堅持的精神，也是動畫創作者所必需具備的品格，能完成自己動畫夢想，更好的為動畫事業奮斗。
;『伍』 日本動畫電影講一個小女孩在金色的「草地」上行走，草地——一群大蟲子的觸角幫她治療傷口
你說的是宮崎駿老師的作品《風之谷》吧
希望這個回答對你有幫助
『陸』 日本電影《入殮師》憑什麼獲得奧斯卡獎
因為入殮師不管是從劇情上還是從整體的場景，都非常棒設計的很好，因此才獲得了奧斯卡獎。
《入殮師》根據日本作家青木新門的小說《納棺夫日記》改編而成，由瀧田洋二郎執導，本木雅弘、山崎努、廣末涼子、吉行和子和笹野高史等聯袂出演。影片於2008年9月10日在日本上映。
影片講述了日本入殮師的生活，影片以一名入殮師新手的視角，去觀察各種各樣的死亡，凝視圍繞在逝者周圍的充滿愛意的人們。
主題通俗易懂
《入殮師》是松竹出品的傳統家庭故事片，散發著親切的人情味。影片側重於表現不同家庭關系中的親情，能獲取日本本土中老年觀眾的好感。但《入殮師》還有新奇成分，就是日本獨特的文化美學，如入殮過程。
再者故事通俗易懂，有笑點有煽情，大提琴等內容更不會產生隔閡障礙。關鍵一點，在西方世界與死亡有關的行為往往涉及宗教，《入殮師》與宗教的牽連則幾近於無（影片社長有一句與此對應的話，稱不信三大教），這顯然提供了另類的東方視角。
影片看似通篇在說不同的死，但其實更是提醒生者：不懼死，才能更好地生。至於片中人物的真情實感，不同國家的觀眾都能感受得到。（《南方都市報》評）
『柒』 六部日本小眾藝術電影
有些奇幻元素有些cult的電影，這次推薦的都是日本電影，有著濃郁的東方元素和色彩。
1.死者田園祭
導演寺山修司既是詩人也是導演，他把自己的詩歌，還有對童年過去自我的思考回憶全部濃縮在了這部美輪美奐的神作里。妖艷而奇詭的視覺大餐，墓地捉迷藏，恐山風車，白面與烏鴉，赤血紅月，捆綁與葬鍾。私奔與鐵軌路標，跨時空對弈，現實侵入。。。每一個片段的構圖色彩絕對是一場視覺饕餮。
2.夢
還是一部有些奇幻色彩的影片，黑澤明最美的一部電影，愛浪漫的人必看！全片共有八個夢境，分別是：太陽雨、桃園、風雪、隧道、烏鴉、紅色富士山、垂淚的魔鬼和水車之村。這八個夢幾乎貫穿了人類生活的所有主題，戰爭與和平、社會與人生。配合不同的色彩，把人類所面對的所有主題—一呈現。
3.亂
又是黑澤明的一部彩色影片，濃艷的色彩與精湛服裝和布景，極具表現力。導演稱本片為」上蒼俯瞰紛紜的人間世事」，張藝謀也曾公開說自己的《英雄》就是在向黑澤明致敬。片子很宏大，很多大場景和螻蟻般的人，拍出了人類的罪惡和孤獨。
4.惡女花魁
這是一部可以忽略情節只看攝影的電影，攝影師兼導演蜷川實花的處女作，與攝影風格一樣都是繁花似錦，絢爛明艷的色彩對比，布景非常的華麗，最印象深刻的是紅色的色彩應用，我曾經有一次中式創作里有借鑒裡面的元素。
5.陽炎座
又美又詭異還很浪漫，夢與現實糾纏不清……生與死也糾纏不清····構圖色彩都極美，像個迷幻又前衛的夢魘，很難形容，看了才知道，很多畫面會在記憶里停留好久。。。
6.鬼怪屋
最後插播一部70年代的日本恐怖片，有些溫馨的微恐怖片，屬於cult范疇吧。歡快的音樂，絢爛的色彩，七個女孩死去的過程與其說讓人感到恐怖，倒不如說更像一場惡作劇。音畫上的西方波普形式已然壓倒傳統日風，影片具備強烈的實驗視覺風格，融合著荒謬與恐怖。
『捌』 日本電影《火花》，你看過嗎
看完日本電影《火花》，說實話我找不到太多的詞來形容。因為真的和以前看的日劇都不一樣。首先是畫面，可以注意到都是比較明亮的而且經常會有暖色調的畫面出現，橙色尤為多。因此也讓這個從觀眾的「努力得不到回報」的「悲劇故事」看起來沒那麼壓抑。當然對於劇中角色來說，或許活得多姿多彩就是最好的回報了？我不知道。還有就是音樂，搭配的十分之好，尤其是很多壓抑的場景時播放舒緩的主題音樂，雖然就歌詞來看也不是什麼暖心的歌，但是雙方配合起來卻能奇妙的舒緩觀眾的心情。
夢想就像煙花，再美麗也終將消逝。再次感嘆林老師的演技和顏值。林老師細膩而自然的表演使傷感又帶著一絲溫暖，大量的長鏡頭運用得心應手，德永在深夜的東京街頭奔走，鏡頭從熱鬧的居酒屋到流浪漢的街頭到長階梯到微風拂來的海邊，最後回到公寓，這種長鏡頭空鏡頭大量在劇中出現，電影的美學在此片中一覽無余。 不上平凡不平庸，更沒有平凡好偉大，但與自己的平凡和解，接受他，擁抱他，了解他。人生順遂與否，最後都會落到地上，我只願你在每一個平凡的瞬間里，不被定義。
『玖』 日本電影《寄生獸》：重口又呆萌的英雄
《寄生獸》
看慣了好萊塢電影當中的超級英雄，並厭煩了正義戰勝邪惡的固定結局後，其實觀眾可以換換口味，看一看日系的超級英雄。
《寄生獸》就是一部日式超級英雄電影，該片改編自經典同名漫畫，講述平梵谷中生泉新一和寄生在他體內、與其右手同化的生物小右共存的故事。飾演泉新一的染谷將太形象呆萌，寄生體小右也外形百變，讓這部重口味的電影頓時變得萌萌噠。
黑色幽默調和重口味
漫畫《寄生獸》問世已經超過20年，故事的科幻設定大開腦洞、血腥驚悚的暴力美學，深刻描繪人性與物種生命的議題非常受歡迎，漫畫單行本銷量超過千萬冊。
漫畫有很多粉絲，詹姆斯卡梅隆就是其中之一，他曾多次表示希望能夠把這部作品翻拍成電影。實際上，好萊塢很早就出過手，2005年美國新線公司就買了《寄生獸》的電影版權，也列入過拍攝計劃，但直到合同到期始終沒有進展，最後還是回歸日本本土，由東寶映畫最終完成了兩集電影版《寄生獸》和《寄生獸：完結篇》。
作為上集的《寄生獸》，講述寄生體變形能力強，能夠自動生成殺人利器，人類完全不能匹敵，不過主角泉新一(染谷將太飾)得以與寄生體的細胞融合，也獲得了寄生體的能力，成為超級英雄，因為母親被害的復仇想法，令他想要殺光寄生體，拯救人類。
影片主人公的主要場景是校園生活和與敵對抗間轉換，男主角染谷將太的形象相當呆萌，而他右手的寄生體小右外形百變，在了解人類社會的過程中也逐漸感染了人性，與染谷將太平時經常吵嘴，但對敵時冷靜有擔當，非常搶鏡。
電影《寄生獸》沒有完全照搬漫畫，原作中的經典寄生體被重整組合到了幾個人身上，不過最有影響力的幾個場景幾乎都拍攝到了，導演山崎貴顯示了不凡的整合能力。
《寄生獸》的重口味場面很多，諸如頭顱裂開變身、寄生體變形吃人等非常頻繁。不過影片絕非只賣無腦血漿差族，《寄生獸》的故事雖然離奇，但它的環境保護主旨也非常直白，寄生在主人公身上的小右學習了人類典藉後的發現是人類是地球最大的病毒，諷刺意味濃厚。小右跟隨泉新一上學，學習過程中對泉新一身體的好奇等，對白露骨但腔慶掘卻有意想不到的黑色幽默感，給這部重口味的電影加入輕松的調合劑。
伍核怪物小右爭萌男主角
《寄生獸》主演染谷將太是當下日本最炙手可熱的男演員，今年一年他就有6部電影上映。染谷將太的戲路很寬，亦正亦邪。在片中，前段他是一個渾渾噩噩的高中生，敏感又害羞，造型以學校制服為主，加上忽閃忽閃的大眼睛，是很典型討喜的日本呆萌男生形象。後段覺醒後變得眼神凌厲，造型上也換上風衣變得成熟。
不過片中的寄生體小右不讓染谷將太專萌。小右入侵泉新一大腦失敗轉而寄生在他的右手，成為生命共同體，兩人亦敵亦友，一同攜手為生存而戰。動漫版這一角色由平野綾配音，給人印象冰冷，電影版配音阿部貞夫的處理截然不同，賦予小右認真又任性的風格，尤其與泉新一間的互動效果生動，一些看似恐怖的橋段，但兩人的對白卻帶來莫名其妙的風趣。
小右是這部影片最成功的角色，人氣也相當高。電影宣傳時，這個角色穿西裝打領帶，以巨型玩偶現身，邀約不斷，因為太受好評，片方還特別推出小右看世界系列短片。
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