① 香港電影發展史
香港電影發展史
香港電影史的發展應該從電影傳入香港開始，1895年12月28日，法國人路易.盧米埃爾在法國巴黎公映了《盧米埃爾工廠的大門》、《火車到站》、《水澆園丁》等世界上最早的影片。這一天，被世界各國電影界公認為「電影時代的開始」。1896年初，路易.盧米埃爾的助手來了香港放映這些影片，而電影就是這樣傳入香港。自他離開後，香港電影直至1898年才再有活動。1903年，香港放映過一些很短的紀錄片，每次放映十套以上。直至1903年10月5日，香港才有整部故事片公映。有關報導是這樣的：「現在中環街市對面，即同記辦館面前，准十五晚開演「成套戲本」(即整部電影)。」這部電影是法國導演下.齊卡當年的一部名片《基督的受難》。
1907年，香港有不少電影院紛紛開辦，而且公映的次數和數量都較以往為多，因此被視為香港電影事業的第一個高峰年代。
1909年完成的《偷燒鴨》，是上海「亞細亞影戲公司」在香港拍攝的一部默片諧劇。該片的導演梁少坡同為該片的主角，故事講述一個小偷(由梁少坡飾演)想偷燒鴨，卻被警察捉住了。劇情十分簡單，但不乏詼諧動作。
值得注意的是，《偷燒鴨》雖在香港攝制，卻並非香港電影公司的作品。該片出品人布拉斯基後來結束了他在上海的電影事業，回美國路經香港時，和黎民偉合作製作了香港出品的第一部故事片《莊子試妻》，並因而催生了香港電影事業，而黎民偉更被譽為「香港電影之父」。這部電影的出現，象徵香港電影史啟蒙期的終結，萌芽期正式開始。
黎民偉是廣東新會人，他曾拍攝反映孫中山在廣東的革命活動、北伐、淞滬抗戰等中國近代史重要事件的紀錄片《勛業千秋》和《淞滬抗戰紀實》，自1913年起，他拍攝了香港第一部故事短片《莊子試妻》、第一部故事長片《胭脂》、第一部新聞紀錄片《中國競技員赴日本第六屆遠東運動會》、開辦香港第一間華資影院「新世界戲院」、創立香港第一間製片機構「民新製造影畫片公司」……。
據《中國電影發展史》記載，香港的第一部故事片《莊子試妻》在1913年出產， 編導 是黎民偉、 攝影 師是羅永祥，主要演員是黎民偉和嚴珊珊。
黎民偉原為劇社的主持人，又怎樣開始拍起電影來?原來他對電影一向很有興趣，於是透過羅永祥的介紹，認識了路經香港的布拉斯基，他們商談合作拍片成功，便由布拉斯基提供拍片所需的設備和基金，利用劇社的布景和演員，以「華美影片公司」的名義製片和發行，拍成了《莊子試妻》一片。
《莊子試妻》改編自當時的粵劇《莊周蝴蝶夢》，取材於其中「扇墳」一段。劇情大意是：「莊子之妻，夫骨未寒，便有了新情人。為了討好新歡，她不惜擾及死去不久的丈夫的墳墓。而這個新歡實則是莊子扮的，他只是詐死來考驗他的妻子對他是否忠貞。
《庄》片的主角是莊子之妻，由黎民偉反串演出。片中婢女一角由黎民偉的妻子嚴珊珊飾演。嚴不僅是香港電影史上第一個電影女演員，還是中國第一個電影女演員。
《庄》片利用陽光露天拍攝，香港實地取景，而片中人物都穿了民初的服裝。本片更使用攝影特技，把莊子的鬼魂拍得忽隱忽現，加強戲劇效果。
「聯華」香港分廠一向都是拍默片，雖然當時有聲電影興起，創辦人卻不敢冒險。於是，第一部 粵語 有聲片就由上海「天一電影廠」的湯曉丹執導拍成，這就是《白金龍》。
有聲電影問世後，香港的電影公司紛紛拍攝有聲片。1934年「聯華」香港分廠解體，黎北海另創了香港第一家有聲電影製片廠「中華」，並導演了一部局部有聲片《良心》(1933)及第一部有聲片《傻仔洞房》(1934)。%C8lc5^,w
與此同時，不少電影公司還依著傳統，拍攝了不少默片，其中有「振業」出品的《呆佬拜壽》(1933)、「國聯」出品的《落花飛絮》(1933，是在越南攝制的，字幕亦是越南文)。故此，1933年至1934年間，可說是默片與有聲片共存的時期。
進入1935年，香港已沒有默片生產，香港電影正式步進有聲時代。
從1935年開始，香港的粵語片產量每年遞增，從1935年的32部增至1937年的85部，增幅超過一倍。1935年，受到抗日熱潮的影響，香港生產了多部愛國電影，其中包括「大觀影片公司」出品的《生命線》。該片由關文清執導，吳楚帆、李綺年主演，電影的主題鼓吹抗日救國。當時香港政府為怕開罪日本帝國主義，一切直接抗日的言論一概被禁。因此，《生命線》亦難逃被禁的命運，是香港電影史上第一部被禁映的電影。
1936年，社會教育片成了香港電影的主流。這是由於政府當時正提倡「新生活運動」，及香港社會提倡的「反蓄婢運動」。邵醉翁執導的《廣州-婦人》、《博愛》即屬此類作品。
除了「社教片」之外，「愛國片」在同年增多了產量，包括關文清的《抵抗》、姜百合的《女間諜》等等。當然，故事片在香港電影史上從來也並未受過忽略。1936年的代表作之一就是由南海十三郎編導的《兒女債》一片，由林坤山、吳楚帆主演，影片以親情為主題。
1937年，由於「七七事變」的發生，香港抗日氣氛高昂，因此電影工作者也紛紛開拍抗日愛國片，頓時間，「愛國片」成了主流，在1937年出產的85部故事片之中，就有25部為「愛國片」，產量可謂驚人。
芸芸「愛國片」之中，由香港電影工作者集體編導、演出的《最後關頭》絕對可以稱得上是經典之作。影片描述中國一班大學生對「國難當頭」的覺醒。當時參與影片製作的全是義拍，可見電影工作者對國家的熱愛，以及團體合作的精神。
1938年，「愛國片」繼續盛行，得獎的《血濺寶山城》是其中一個例子。同年香港第一部彩色的電影《廣州一婦人續集》、第一部功夫片《方世玉打擂台》及第一部國語片《貂蟬》亦相繼出現了。隨著《貂蟬》的出現，香港進入了粵語片與國語片並存的時期，國語片的產量漸多。
同年亦有九部粵劇電影出品，《女兒香》是南海十三郎自編自導之作，而馬師曾的首本戲《賊王子》亦是當時重要的粵劇電影之一。
1939年秋，受到歐洲國家的戰爭所影響，1940年的港產片產量下降到不足90部。1941年12月日本入侵香港，使香港電影業陷入低潮。「大觀電影廠」及其他電影設施被炸，大量的香港電影拷貝和底片也被燒毀或遺失，以致1945年前出品的近600部影片，只有百分之一殘留至今。到1946年初，香港電影業處於完全停頓狀態，在這期間，只有一部反英的故事片和幾部由日本電影公司拍攝的紀錄片問世。由於戰爭期間造成的交通困難，當時大多數戲院放映的都是戰前製作的粵語片。
戰後初期，電影製片廠的數目較戰前為少，「大中華」是其中一個較有規模的，因為它擁有李麗華、周璇等上海明星，以及名導演朱石麟和吳祖光。1946年至1949年，「大中華」生產了34部國語片和8部粵語片，可惜到了1949年，產量卻愈來愈少，被迫關門。
總括來說，日本入侵對香港電影業造成了很嚴重的破壞。香港電影經歷了四年的停產，才在1946年上映了戰後首部港產片《情陷》。而到了1940年末，上海電影界很多左派人士為了逃避反動派的政治壓力，或中國大陸通貨膨脹的影響，紛紛定居香港。故此，香港的國語電影業便愈來愈蓬勃，到了七十代初更達至高峰。
起飛歲月
香港電影在二次大戰後迅速復興，而在1949年以後漸趨蓬勃，不無原因。1949年後大批中國大陸的電影工作者因政治及經濟理由紛紛南下，在香港設電影廠，跟本地影人合作拍攝國、粵語片，使香港成為南中國唯一的也是最大的電影中心。再加上五十年代中期，星、馬電影勢力過渡到香港，以及香港原有被美、日、歐電影文化所帶來的沖擊，遂令香港電影邁向成熟的雛型。
五、六十年代是國、粵語片起飛的時期，其中由四十年代末到六十年代中更是粵語片的盛產期。這段黃金時期粵語片有以下幾個主流：
粵劇戲曲片
據估計，在五十年代每年就有200部粵劇戲曲片問世，差不多每三部粵語片之中就有一部是粵劇片，而在1958年更達到了高峰，這一年的160部電影中，粵劇佔了一半。
「舞台式」的粵劇片基本上製作費不高，電影技巧也不特別考究，因為大多數都沿用粵劇舞台上的大老倌演出，只唱主要情節，其餘的排場做手都不嚴格。因此，這類戲曲大多被揶揄為「五日鮮」、「七日鮮」。當然其中也不乏製作認真，至今仍為人津津樂道的不朽經典，如《帝女花》(1959)、《紫釵記》(1959)、《李後主》(1968)等。而戲曲片的演員亦有不少為人熟悉的名字，包括：任劍輝、白雪仙、新馬師曾、薛覺先和林家聲等等。
至於粵劇戲曲片為何會在五十年代大受歡迎呢?這是因為戰後粵劇發展蓬勃，進棚看戲成為上流社會的消費享受。至於一般市民只好聽電台話劇或聽粵曲，有見及此，電影公司便把大量經典粵劇拍成電影，讓戲迷可以以低廉的戲票欣賞傳統的粵劇戲曲。
文藝片
這時期的文藝片背景多為民國或當代，講求戲劇結構，又或改編自中外文學、流行小說，或襲取荷里活通俗劇的故事模式。而提到這類環繞家庭倫理、男女之愛的文藝片，就不得不提粵語片電影公司中的佼佼者:聯合電影有限公司「中聯」。
「中聯」創建於1952年，共生產了44部電影，出品了不少粵語片中的經典，如李鐵的《危樓春曉》(1953)、《天長地久》(1955)、楚原的《可憐天下父母心》(1960)等等，都是家傳戶曉的作品。
「中聯」的21位精英，有見於影藝界充斥著粗製濫造之歪風，遂以認真的拍攝態度、主題健康的電影信念為大前提，創辦「中聯」以抗衡媚俗投機而質素低劣的「七日鮮」貨色。這批電影界精英包括導演李鐵、吳回和十三位著名演員:吳楚帆、張瑛、張活游、白燕、黃曼梨、紫羅蓮等等。
「中聯」電影每每針對香港社會種種問題，批判上流大亨的偽善丑惡，帶有濃厚的教化意味，更大大提升了中國電影的美學層次。大概是因為過份執著於傳統道德使命，「中聯」漸漸跟時代脫節。到1967年，它也隨著粵語片的息微而關閉，但其對香港電影的影響是絕不容忽視的。
古裝武俠片
五十年代的古裝武俠片大多以民間熟悉的俠義神怪故事為骨幹，但武打場面並不講求真實感，發展至後期(六十年代初、中期)日漸注重動作場面設計，大量加進了特技花款(如怪獸、怪人裝扮和模型特技)、曹達華和於素秋就演了不少這類古裝武俠片，如《如來神掌》系列。
喜鬧劇
這類電影大多以詼諧搞笑的喜劇演員掛帥，橋段不外乎「大鄉里出城」、「癩蛤蟆想食天鵝肉」之類的故事，如新馬師曾、鄧寄塵主演的「兩傻」系列。
以上各類型的粵語片雖然在電影美學角度上來說，藝術感略嫌粗糙，但論到能否帶給觀眾共鳴，則可謂綽綽有餘，難怪這段時期，粵語片的產量可觀，令粵劇片達至高峰期。
事實上，從1967至1969年，粵語片的產量仍高於國語片，只是到了69至70年，情況才開始扭轉。
國語片由低沉轉盛的轉捩點，是五十年代中期「國際發行公司」與邵氏父子改組，分別成為「電影懋業公司」和「邵氏(兄弟)公司」。「邵氏」和「電懋」資本雄厚，野心勃勃，改組後銳意在香港電影業大展拳腳。它們不但全力推動國語片，還建立完善的發行網來開拓海市場。
1957年邵逸夫掌舵「邵氏」，製作大量高質電影，首部成功的作品是李翰祥執導的《江山美人》、《不了情》，達到前所未有的以「十萬」為單位的票房成績。「邵氏」電影製作豪華瑰麗，粵語片中的「爛衫戲」可謂相形見絀，加上製作重質不重量，鮮有「七日鮮」的電影出現。
國語片的熱潮不獨使國內興起的.黃梅調電影帶到香港並使之流行起來，更創作了新派武俠片，包括改編自金庸及梁羽生的武俠作品：胡鵬導演的《射鵰英雄傳》(1959)。單在1963年，武俠片的產量已高達61部，而武俠片之中的代表作則是胡金銓的《龍門客棧》(1966)及張徹的《獨臂刀》(1967)。狄龍和王羽這些武打明星的出現，亦可視為七十年代李小龍冒起的前奏。
事實上，從五十年代起，國、粵語片的確並存，雖然兩者存在競爭，但本質上是相容的。可是，隨著國語片從1970年迅速發展，加上粵語片青黃不接，於70-71年間，國語片的產量多達116部，而粵語片只有22部;於71-72年間，國語片數量依然上升，反觀粵語片卻只剩一部，那是由鄧麗君主演的《歌迷小姐》。之後的數年，國語片一直領導著香港電影市場。
最後值得一提的是，雖然在六十年代末期，粵語片面對著國語片雄霸市場的威脅，但仍力求在戲種上有所突破，青春歌舞片順勢興起，並造就了兩位當時得令的年青人偶像-蕭芳芳和陳寶珠，電影界追捧偶像的熱潮可說是由她們而起。
七十年代是香港普及文化的重要轉捩點，而香港電影也隨著電視的普及化，社會和經濟的發展，以至香港人心態的轉變而受到種種沖擊，以致七十年代的香港電影是趨向多元化及地道化。
承接六十年代中期的凌厲氣勢，「邵氏」在七十年代初期依然在香港電影業占著領導的地位，擁有「東南亞電影王國」的美譽，出品了大量國語武打片，大導演包括李翰祥、張徹及劉家良等等。他們都以熟悉的刀劍拳腳功夫片作依歸，電影世界裡都是強烈的陽剛味，其中張徹的電影更造就了偶像級武打明星，如王羽、狄龍、傅聲等。1970年的《龍虎門》就是當年「邵氏」最賣座的功夫片之一。
踏入71年，此類古裝刀劍片的鋒芒其實以較在六十年代遜色，原因大抵是一代武打明星李小龍的出現。
李小龍配合著鄒文懷的「嘉禾電影公司」的崛起，在七十年代初叱吒一時。從首部作品《唐山大兄》(1971)到之後兩年間拍攝的《精武門》及《猛龍過江》令李小龍進運國際影壇，創造出香港電影事業的神話。
1973年李小龍驟然暴瘁，令功夫片熱潮未能延續。而隨著本地文化的普及，香港觀眾對遠離現實的功夫片漸漸失去興趣，反而對反映當時社會狀況，諷刺現實的電影加以青睞，這就解釋了楚原的《七十二家房客》在1973年成為最賣座電影的原因。
《七十二家房客》里的演員，如鄭少秋、沈殿霞都是當時的電視藝員，而由於電視已成為當時的重要媒體，因此他們對觀眾來說有一定的吸引力。而這部電影的成功，不但為以後的新電影類型作了開端，更令粵語片得到重新。
自此，很多電影都走地道市井的風格，演員的演繹亦帶有嘻笑怒罵的味道。從電視跳到電影的許氏兄弟也因此而冒起，成為七十年代、以至八十年代香港電影的中硫底柱。
由於從七十年代中期開始，大家的主導閱讀方式是電視模式，很多粵語片的題材或靈感都是來自電視內容，如《阿福正傳》(1974)、《大鄉里》(1974)、《新啼笑姻緣》(1975)。許冠文、許冠傑兩兄弟也跳出了電視趣劇的框框，走上大銀幕，以其獨有的「笑話公式」拍攝了一系列非常賣座的喜劇:《鬼馬雙星》(1974)、《半斤八兩》(1976)、《賣身契》(1978)等等。這些電影不但令喜劇在香港電影史上得到前所未有的重視，更促使了後來功夫喜劇的誕生。
1978年袁和平執導《蛇形刁手》和《醉拳》奠定了功夫喜劇的地位，使其成為七十年代末最具代表性的電影類型。功夫喜劇離開電視感性，以密集的功夫設計及諧趣的雜耍風格吸引觀眾;可以說是揉合了傳統功夫片及許氏兄弟式的喜劇精粹。演員方面，成龍，洪金寶等也擺脫了以往武打明星的英雄模式，改而以反叛貪玩的形象來親近觀眾。
除了以上提及的片種，提到七十年代的香港電影，不可不提的是大導演李翰祥從台灣返回香港東山再起，大拍風月綽頭及騙術奇觀電影。好像他在1971年拍下的《騙術奇譚》，不但開始了他的電影生涯新的一頁，也象徵著七十年代香港電影意識的轉變-金錢至上、綽頭化的風格抬頭，這個影響一直延續到八十年代。不過，1979年香港電影新浪潮的出現卻為香港電影帶來了富神采而短暫的變奏。
1979年是香港電影的重要里程碑，那是香港電影新浪潮的開始。大批電視幕後工作者轉投電影圈，他們包括徐克、許鞍華、章國明、譚家明、嚴浩、余允抗等等，他們本著對電影的熱誠，及年青人特有的創意和社會觸覺，拍出不少充滿個人色彩的電影作品，為香港電影打開嶄新的一頁。
最先掀起「新浪潮」的是1979年的三部作品：《瘋劫》(許鞍華執導)、《蝶變》(徐克執導)、《點指兵兵》(章國明執導)。其後這批或在外國學習電影，或在電視台「少林寺」出身的年青導演繼續拍攝了一部又一部風格化的電影，包括方育平的《父子情》(1981)、《半邊人》(1982)、徐克的《第一類型危險》(1980)、譚家明的《烈火青春》(1982)等數十部作品，都很能表達這些導演對當時社會氣象的感覺及情懷。
雖然這些新導演全被以「新浪潮導演」之名，但事實上，他們每一位的作品都極富個人色彩，並沒有陷入香港電影類型化的傳統模式。許鞍華的作品流露出深刻的人文性、高度的女性敏銳;徐克有一股神經質的張力;方育平作風朴實，真實感濃厚;嚴浩浪盪於青春暴烈及淡然含蓄之間;譚家明走中產美學;章國明擅拍片等等，這些特質都體驗到新浪潮電影的「作者論」美學。
「新浪潮」標志著香港電影與上一代中國本位粵語片的決裂。五、六十年代的粵語片往往背負著沉重的民族包袱，未能突破創新;而「新浪潮」電影則帶有濃厚的都市色彩，流露強烈的本地感性;這跟導演們於香港成長、受西方教育很有關系。
此外，這時期的電影都棄用大明星，製作成本亦減至最低，跟後來的港產片標榜卡士明星，動輒千萬製作的營運模式可謂截然不同。
香港的電影界從來都是以商業掛帥，新浪潮電影叫好不叫座，自然難免被淘汰的厄運。八十年代初，「新藝城影業公司」異軍突起，吸納大批當時嶄露頭角的導演：吳宇森、徐克、林嶺東、高志森等，炮製一部一部商業掛帥的電影，其中以喜劇為主。這些電影的共通點是以電視台集體創作的模式來度橋創作，充滿密集的笑料及動作，一切以迎合觀眾口味為依歸，代表作品有許氏兄弟的《最佳拍檔》系列及周潤發擔綱的《英雄本色》、《龍虎風雲》等。
除「新藝城」之外，八十年代叱吒一時的電影公司還有「德寶電影公司」。「德寶」成立於1984年，一方面拍喜劇(《雙龍》系列、《富貴逼人》、一方面也拍動作片《皇家師姐》系列、或者都市優皮小品路線(《三人世界》、《單身貴族》)，務求達到片種多元化的要求。
至於「嘉禾電影公司」則繼續以成龍作頭牌，讓他從《師弟出馬》、《龍少爺》的功夫小子形像，漸漸成為《A計劃》中穩打穩扎的真正「打星」，而到了《警察故事》及《奇跡》，更是成龍的顛峰之作。
同樣是武師出身的「德寶」明星洪金寶卻憑《鬼打鬼》(1987)開創了靈幻片的潮流，之後的《僵屍先生》系列也是走相近的風格。而他的另一系列片《奇謀妙計五福星》以至《運財五福星》也取得很好的票房成績。
據統計，八十年代的十大賣座香港電影之中，「新藝城」佔了四部，「嘉禾」佔了五部，再加上多產量的「德寶」整個八十年代可稱為「三雄各據」的時期。
跟七十年代末興起的「新浪潮」相比，我們會發現到八十年代的香港電影由於太過側重劇情堆砌，明星包裝，因此電影類型單向化，更遑論什麼「作者論」了。有人認為這時期的電影造就明星、扼殺導演、編劇的創作，使香港電影走上窮途末落，加上其風波影響經濟、影帶市道發達等種種因素下，令八十年代末期的香港電影市道滑落。盡管如此，若不以電影質素或創意來衡量，單看票房成績及投資者的態度，說八十年代的香港電影屬飛黃騰達的時期實在不為過。
艱難歲月!
綜觀九十年代的香港電影，基本上仍可稱之為百花齊放，我們不但有從八十年代順利跨向九十年代的新一代導演：張婉婷(《秋天的童話》)、王家衛(《旺角卡門》)、陳嘉上(《小男人周記》)等等，還有九十年代的奇跡周星馳、劉德華以及幾個國際知名的名字：張曼玉、周潤發、李連傑、成龍等等。
然而，我們不得不承認的是相對於八十年代電影公司大灑金錢，演員一天九組戲的「好景」日子來說，九十年代的香港電影的確危機重重，陰霾滿布。
首先是九十年代初盛行武俠動作片，《黃飛鴻》和《東方不敗》相繼掀起打風熱潮，一時間李連傑、林青霞成為賣埠保證。可是，依照香港電影的傳統，賣座的片種總有跟風者，而當跟風者眾、水準參差的時候，亦即該電影類型走向死亡之路。武俠動作片熱潮如是，賭片熱潮及後期的古惑仔系列也沒有例外。
到了九十年代中期，港產片票房連續下挫，西片逐步抬頭。《侏羅紀公園》(JurassicPark))先在93年創下六千萬元票房佳績，98年的《鐵達尼號》(Titanic))更以一億一千萬元攀上頂峰，這部映了195天的荷里活A級大製作還佔了「本世紀百部賣座片」中的榜首位置，完全壓倒了在八十年代威風一時的「新藝城」作品《最佳拍擋》系列。
另一個令九十年代香港電影褪色的原因是「盜版」問題。八十年代錄影帶市場興起已經令電影收入大打折扣，到了1997年後，盜版VCD更為香港電影市道帶來了重擊。不少電影在午夜場或首映過後便出現盜版，海關和警方又互相推卸責任，直至近一、兩年，香港政府才開始正視這個問題，海關逐漸加強掃盪，才使盜版VCD活動略為收斂。
香港人揮之不去的「九七問題」，也為香港電影業帶來負面影響。港人對「一國兩制」缺乏信心，電影界曾多次組團訪京，與港澳辦及電影局商討創成自由、版權問題等，亦促請大陸政府開放市場。九七回歸後，香港特別行政區首長董建華先生首次在《施政報告》中提到香港電影，並撥出一億港元開發電影科技及接受資助申請，令香港電影人略為安慰，更把2000年的香港電影金像獎搞得有聲有色。
值得可喜的是，香港電影人揚威國際，張曼玉、蕭芳芳、王家衛先後在柏林、康城等國際影展中獲獎，香港電影漸受國際影壇重視。可惜的是，這也導致影圈人才外流，吳宇森、唐季禮、袁和平、林嶺東等著名導演紛紛往荷里活發展，周潤發、成龍、李連傑及楊紫瓊等巨星級演員亦被荷里活羅致。
有外流亦有「外援」加入，香港電影人在亞洲區尋找了不少新面孔，成績最突出的是在台灣一脫成名的舒淇，在香港成功轉型，由脫星變性格演技派，成績斐然。還有九十年代中期之後，香港掀起日本電視劇熱潮，連帶電影界亦多找了日本演員參與港產片，其中又以女星為主，包括《星月童話》、《東京攻略》和《阿虎》，當然亦少不得成龍電影里插科打諢的一眾日本美女。
九十年代的賣座保證是「雙周一成一劉」(周潤發、周星馳及成龍劉德華)，周星馳獨有的「無厘頭」喜劇深得民心，成為後現代文化的代表，他的作品如《逃學威龍》、《唐伯虎點秋香》、《食神》等等都是九十年代的喜劇經典。近年，周星馳明顯減產，一邊休養生息，一邊走上幕後之路。
周潤發在八十年代中後期憑《英雄本色》肯定他在香港影壇至尊無上的地位，之後拍了一連串英雄片、動作片，雖偶有票房失利，但基本上依然甚有觀眾緣。近年進軍荷里活，除拍一貫的動作片(如《血仍未冷》)，還嘗試拍如《安娜與國王》這類文藝片，似乎仍未有打算回歸拍港產片之意。
至於成龍則大致維持一年一部大製作，票房上依然不俗(但相對於八十年代的成績，近年成龍作品已不算大賣)，惜在電影風格上難求突破。劉德華的江湖浪子形象也成香港商業電影早期的票房保證之一,在發哥和成龍離開之後,華仔對香港電影的票房貢獻作用更加明顯.
導演方面，「雙王」王晶和王家衛可謂雙映成趣，一個擅拍商業味道極重的電影，更被揶揄為「屎尿屁」導演;一個專挑大明星合並，產量少、藝術味濃，往往得到國際影展的垂青，兩人電影風格回異，但在九十年代的香港電影占著舉足輕重的地位。
另外，新浪潮創將之一杜琪峰近年頗受矚目，作品叫好又叫座，愈來愈有個人風格。還有憑《香港製造》打出名堂的陳果亦成功地從獨立電影導演變為香港主流電影導演之一。
科幻特技也順著世界性的大趨勢融入香港電影之中，《風雲之雄霸天下》與《中華英雄》是其中成功的例子，而動作片《特警新人類》及《紫雨風暴》、《藍血人》更特別邀請外國特技效果專家設計爆炸場面，令觀眾嘆為觀止。
總括來說，九十年代的香港電影雖然較諸於八十年代有所失色，但似乎在創作意念及電影製作方面則有過之而無不及。一些小本製作的獨立電影如《過海隧道》、《天上人間》等亦有公映的機會，加上數碼電影的冒起，而劇本創作亦得到應有的重視。相信踏入新紀元，香港電影將會追求更高的質素，並帶領整個亞洲區的電影業邁向國際影壇。 ;
② 有關大陸與台灣香港回歸的故事類型電影有哪些
〈卧虎〉
導演：王光利
主演：吳鎮宇 / 曾志偉
〈每當變幻時〉
導演：羅永昌
主演：楊千嬅 / 陳奕迅
〈基佬四十〉
導演：舒琪
主演：林子祥 / 陳小春
〈老港正傳〉
導演：趙良駿
主演：黃秋生 / 莫文蔚
〈港督最後一個保鏢〉
導演：張堅庭
主演：周文健 / 江希文
〈迎頭痛擊〉
導演：徐克(Hark ...
主演：Carman Lee
〈四大天王〉
導演：吳彥
主演：吳彥祖 / 陳子聰
〈流星語〉
導演：張之亮
主演：張國榮 / 吳家麗
〈女人本色 〉
導演：黃真真
主演：梁詠琪 / 薛凱琪
〈愛情〉
導演：舒琪
主演：葛民輝 / 許志安
③ 曾經輝煌的香港電影，為什麼說沒就沒了呢為什麼不再有新明星
簡言之，曾經輝煌的不是香港電影，而是以那一代人為代表的香港電影，都老了。
幾個關鍵詞，邵氏，香港無線TVB，周星馳，洪金寶，成龍，周潤發，劉德華，梁朝偉，張曼玉，劉嘉玲，李嘉欣，關之琳，鍾楚紅，梁家輝，張家輝等等的老去，他們經風華絕代，氣質卓絕。
而現在，隨著香港電影電視支柱的TVB的衰落，幾易其主，沒有了香港無線藝員訓練班的TVB，沒有造星機制的它，只能眼睜睜的看著自己，逐漸「失血而亡」。
隨著50，60年代生人的這一代巨星老去，剩下的70,80年代的人，能打的有幾個？
謝霆鋒？張智霖？答案是沒有。
雖然香港電影翻拍很多，即便是原班人馬，限於主演年紀太大，也不復當年的倜儻瀟灑。
曾幾何時，香港電影的最大買家是台灣電影，但是因為香港電影製片商的過於盤剝，台灣又通過了引進好萊塢電影的制度，台灣抵制香港電影，成了香港電影衰落的導火索。
明星都老了，就連成龍大哥的功夫電影，這兩年都勉強維持個不賺不賠，有時候甚至是賠錢。
內地電影人的崛起，張藝謀陳凱歌之後的徐崢，寧浩，黃渤，陳思誠等人逐漸展露才華，而與此同時，王晶江郎才盡，王家衛手中的棋子，也越來越少，好不容易出了個曾志偉的兒子曾國祥，導演了《少年的你》，主演還是易烊千璽和周冬雨。
香港的演員？就跟他們逼仄的住房一樣，困在所謂的千尺豪宅里，走不出來，格局的過小，導致人才缺乏鍛煉的空間，又沒有專門的培訓機制了，一個個的不成才。
沒有造星機制，哪有新明星啊。35歲的陳偉霆都扛起大旗了，可他的演技，也不咋滴。
說了這么多，其實是格局變了，香港不再是亞洲電影的中心，中心在內地，人才當崛起。
香港電影的衰落，發生在1997-2002年這5年，這個時候的香港電影海外市場開始大片淪陷，而並沒有進入中國市場。
2,2002年張藝謀的英雄之後，院線制改 革，釋放市場活力，大陸市場才開始起飛，香港電影才認識到大陸的重要性，開始大規模的進入。
3，大陸市場雖然在大幅擴大，但是香港電影並沒有獲得恢復的機會，因為大陸電影的本土文化親和力和大製作電影的投資力度，是香港電影所無法比擬的。香港電影無法跟大陸的本土電影力量競爭，導致失去復活的機會。注意，是失去復活的機會，而不是進一步衰落，因為她的市場實際上是增加了的。
4，審查制度對大陸本土電影的抑製作用是同時存在的，不構成香港電影的威脅。香港電影一直以來就有面向海外和大陸製作兩個版本電影的手法。
5，即使審查制度放開，大陸本土電影同樣可以製作江湖黑暗題材的電影，在適應本土文化上有天然的優勢，香港電影也難以重拾輝煌。 香港電影的製作水平和能力，我認為並沒有下降。 爛片是每個時期都有的，在優秀的電影中，寒戰、毒戰系列電影的製作水平與1990年代中期的作品相比，並沒有大幅下滑。
但是，這些電影的票房吸引力，明顯無法跟大陸本土的大特效魔幻片，像畫皮、狄仁傑這些競爭。 香港電影的衰落是由於香港經濟的衰落這個問題，我認為也是不合理的。 香港經濟在今日雖然無法像1990年代那樣耀眼，但是gdp仍然是在增長的，金融業、房地產業、零售業、 旅遊 業等很多支柱產業仍然繁榮，香港電影市場的總體票房也沒有減少。 在其他 娛樂 產業方面，香港的電視劇、音樂雖然在大陸失去了影響力，但是在本土仍然是受到歡迎的，同樣受到盜版的影響，但香港仍有陳奕迅這樣的歌手，TVB的電視劇在本土的市場份額也沒有受到沖擊。但是電影，確實衰落的更加嚴重了，連香港人也主要去看美國大片，而不再追捧本地的港產片。
在面對盜版的沖擊方面： 全世界的電影業都在面臨這個問題，但是在所有的 娛樂 產業中，我們可以看到，那些小成本製作的 娛樂 產品，比如小說、音樂，受到盜版的沖擊要比電影嚴重的多。相對來說，電影產業的整體規模並沒有縮小，否則無法解釋近年大陸電影市場的高速發展。 電影產業和其他文化產業相比，最大的區別就是： 其單個產品製作成本的投入，要遠高於其他文化商品，尤其是如今這個多媒體時代，電影要想吸引觀眾進入電影院，大特效大場面的幻想片模式是最重要的法寶。 在大片時代，擁有巨大的本土市場，可以提供天價成本的大製作投入，可以通過高投入的數字技術和其他國家電影拉大視覺效果差距，是美國電影能夠在世界重新建立霸權地位的重要原因。
2010年的阿凡達，全球票房收入27億美元，所過之處一片炮灰，管你是什麼國家的電影，莫不俯首稱臣。從此之後，美國電影紛紛製作立體電影（特別是動畫片，全部3D化），其視覺體驗、製作成本要求與其他小地方的2D電影的差距更加拉大。 即使是日韓這樣的發達國家，本土電影也只是依靠一些接地氣的影片來維持生存，比如日本的動畫片、電視劇片，比如韓國的諜戰片、黑幫片、情色片。
只要美國大片一上映，基本上紛紛躲避。 香港電影與日韓相比，其本土市場的狹小，在大片時代的嚴重不適應，是一個致命的原因。 而香港電影，要想接上大陸的地氣，很難很難。
希望能幫到你
曾經輝煌的香港電影走向沒落，是什麼原因？下面我們就來分析下。
香港電影斷代十分嚴重，最為輝煌的一代現在已經都是50多歲60歲的人了，這部分人現在還能撐起香港電影的一片天，但是這部分人終於有一天是會老去的，至少在十年左右會慢慢淡出 娛樂 圈、電影圈，一旦這部分人淡出，那麼香港電影圈中我實在想不出還有多少人能夠撐起這偌大的市場。
現在我們看香港的電影，就本上都是一些老面孔，年輕一代基本上沒有什麼特別優秀的人物，對此我對香港電影的繼承問題十分擔憂，斷代現象十分嚴重，新一代難以崛起。隨之而來的就是老一代老去之後，香港電影就真的走向沒落了。
即使你們不相信，但是內地 娛樂 圈正在崛起，雖然產出的作品參差不齊，但是有點我們必須的承認，那就是內地電影市場並沒有出現斷代的問題，無論是老一代還是中生代又或是年輕一代都是在蓬勃發展，雖然現階段還是有很多很多的問題，但是就是這樣有問題的電影人，源源不斷的支撐起這個電影市場。
最後：香港電影的沒落，會讓更多的內地電影人進入香港電影圈中，或許後面香港電影圈要靠內地無數年輕電影人去支撐了
總結說一句：香港電影圈的沒落已經是肯定了，短時間內基本上很難再回到正常水平，至於說再次回到巔峰，基本上是沒有多少機會了，就現在的電影市場，香港電影很難再一個時期內誕生這么多優秀電影人了。
香港電影黃金時期，可謂是是百花齊放，各種類型的香港電影層出不窮，全部都是一流水準，哪怕和今天的電影相比，仍然是有過之而不及，比如大家都熟悉的英雄本色、五福星系列、逃學威龍系列等。
但是香港電影到了1995年以後就開始慢慢的走下坡路了，特別是到了2003年更是到了香港電影界最黑暗的一年，除了經濟低迷的原因之外，好萊塢電影的崛起也是一個很重要的原因，特別是香港兩位重量員的逝世，就是張國榮和梅艷芳，對香港電影更是雪上加霜。
第1個最根本的原因就是資金問題，因為那一些粗製濫造的電影想要回收成本，基本不可能也無法投入到新的電影當中拍攝，外商在向外尋找新的派出市場，香港的經濟也受到了沖擊。
第2個原因就是香港演員本身青黃不接，想一下以前香港電影有多人，周星馳、周潤發、成龍等，現在香港演員好像都拎不起來，都沒有幾個能稱得上檯面的。
第3點最重要的原因就是國外電影行業的崛起，特別是好萊塢，比如1997年泰坦尼克號獲得了21億美元的票房，而香港全年的票房卻只有4500萬。
香港電影的海外票房也在逐漸的敗退，本土的市場也在受到了排擠和擠壓，在國外電影市場蓬勃發展的同時，香港電影確實停滯不前乃至在退步。
最後一點原因就是人們喜好的改變，經濟與發展的同時，人們對於電影的期望也發生了改變，更加追求高製作高新穎的電影，比如美國的那種科幻大片。
香港電影曾經的確是輝煌過，幾乎每天都有新電影上映，一個二流演員，每天都要跑十幾個劇組拍戲，因此也成就了不少演員，明星。到了1997年之後，到了21世紀，香港電影開始走下坡路，這是為什麼呢？
第一點：我覺得以前的香港電影大多是在講故事，藝術來源於生活，電影劇本也都是根據真實故事、人物事跡來改編的。香港的環境不同，所以很多電影題材都可以上映，所以香港電影產量很高。不過呢，題材雖然很多，但也會走到黔驢技窮的地步，電影編劇們的創作靈感也會少很多了。
第二點：大陸的電影市場崛起，成為香港最大的競爭對手。同時，大陸市場更是香港電影工作者，演員們嚮往的地方，畢竟市場大，錢更多。香港大牌演員，老戲骨紛紛北上發展，也導致香港電影的沒落，有好劇本，也不找不到好演員來演。
第三點：年輕一代的演員，在演技方面完全無法超越前輩們，因為以前的演員是靠演戲吃飯，演得好，才會有更多工作。現在的演員呢！公司可以打造，會不會演，會不會唱都無所謂，只要你漂亮。這樣一來，到了看臉的時代，劇本、演技都不被看中，老一輩演員根本又不會去接爛片。
不過，總得來說，就是香港電影題材無法創新了，即使創新，也要面臨審查，所以收到了諸多限制。
首先，香港電影經歷了從上世紀60年代到80年代約三十年的輝煌之後，從90年代起到現在一直在衰落，當然，我們要限定一下，在這里只考慮商業片。在肯定這個事實的前提下，我就總結一下香港電影的衰落，之所以稱為總結 是因為，我本身對於這個問題非常好奇，就在各地找了大量的評論，經過認真的閱讀之後，便將介於主流和邊緣的、但是比較符合事實情況的觀點剝出，並用上所有先人們的論據，得出此文。
天時、地利、人和皆備
首先說香港電影三十年輝煌的原因，這一小節從外部原因講。一個國家或者地區電影產業的發達程度與所在地經濟、 社會 環境密切相關，好比現在的大陸電影，繩索太多、限制過死，自然發展困難。
而六十年代的香港是什麼景象呢，經濟開始起飛，商貿逐漸繁榮，人口迅速增加，文化日益多樣，地區影響力迅速崛起，是不是看著像高中 歷史 課本，對，就是這樣，在這種環境大背景下，加上以邵氏電影公司為代表的商業資本投資電影產業，香港電影業在獲得了充裕資金的滋潤後，迅速崛起，不論是產量還是質量在當時的年代都是亞洲領先的。香港一度成為好萊塢之後世界第二大電影產地，並在東亞、東南亞國家建立了自己獨有的影響力。
接著，為什麼香港電影就在東亞和東南亞就勢如破竹呢，這就是當時這些國家的國情決定的，日韓在相當長的一段時間里沒有形成有規模的電影產業，而東南亞國家的實力說實話來講離香港差了點，首先經濟起飛時間就晚了十年。
並且東南亞大量的華人也為香港電影的快速及普遍的接受提供了可能。
人和呢，就不用說了，以小龍為代表的幾代電影人（包括演員、導演、編劇等等）的實力直到今天來看仍是空前的。
武俠、動作片一統江湖
這里就不多說了，主要就是香港電影在當時以邵氏電影為代表的武俠片、功夫片的 娛樂 性、觀賞性已經能夠滿足香港及東南亞的大部分觀眾的觀影要求，畢竟以好萊塢為代表的西方大片還沒有進來，可以說，大部分的觀眾的眼光要求還不高。
刀光劍影、鬼哭神嚎的註定不長久
接著第二小節，問題隨之就出來了。刀光劍影、鬼哭神嚎的香港電影在縱橫了三十年的江湖之後，終於發現觀眾開始不買賬了，電影吸引力不管是在香港本土還是在海外都開始急劇下降了。
為什麼？很多人說了很多的外部原因，這些外部原因我會在下一個小節全部列出，但是我想在這里重點說的是是香港電影的內部原因註定會給港影帶來這樣的後果。
哲學講內因決定外因，用在這里特別恰當。我在上面已經說了
電影僅僅是形式，吸引人的是新鮮。現在香港有的，全國都有，包括頂級富豪。以前電影是燒錢的 游戲 ，下海的不多，現在門檻降低，不易壟斷。互聯網時代，玩法變了，發行方式改變。
④ 有人說香港電影已經沒落了，難道香港真的沒有年輕演員了嗎
香港電影的沒落是從2000年以後開始的。
爾冬升前段時間都承認，香港能用的男演員，只剩下古天樂了。
大家也可以扳著手指數一數，能夠叫得上名的，香港40歲以下的男演員，真的沒有。
以前謝霆鋒還算一個，但是如今他不務正業，迷上了做菜而不能自拔，已經多少年沒有作品問市了。
其實，並非香港真的沒有年輕演員，而是年輕演員太少，能撐起一部電影票房的年輕男演員，真的沒有了。
經常看電影的人都知道，目前香港電影圈，基本上還是周潤發、劉德華、郭富城等六旬左右的老男人的天下。周星馳已經退出演員圈，專心當起了導演，但速度太慢，需要等。
他們能夠紅到現在，並非演技又有了新提升，而是在吃二三十年前香港電影黃金期，積累下來的人氣與形象。一旦坐吃山空，或年紀再大，他們被資本拋棄是完全可以預料的。
香港電影黃金期，一年可以拍400多部電影。但是整個香港，沒有一所和表演有關的專業學校。這是個很奇怪的現象。
我們熟悉的諸多香港演員，都是在無線演員班培訓半年後，到片場從跑龍圈開始，一步一步磨出來的。
缺少專業的培訓，沒有理論支撐，連基本的台詞可能都不過關，許多人就成明星了，哪裡還會有人靜下心來學表演的知識。
能夠成名的演員，要麼真的有表演天賦，如周星馳、梁家輝，梁朝偉，要麼靠著爛片或小角色，一步步熬出頭的。比如劉德華。
他們趕上了好時代，有那麼多電影在拍，有那麼多角色供他們拿來練手，增長演技。他們可以從路人甲，用幾年甚至幾十年時間做到影帝。
如今，香港電影風光不再，產量暴跌，每年不到30部，哪裡有那麼多機會給年輕的演員練手，增長演技？
既沒有受過專業培訓的後備人才，又缺少培養實踐型人才的環境，怎麼可能有年輕的演員脫穎而出。
第二個原因是香港電影不再受資本青睞。
香港電影再好，香港也只有760多萬人，除去沒上幼兒園的，進了敬老院的，香港電影的受眾群體，真的小到可以忽略不計。
香港電影以前票房高，並不是指本土票房，而是指台灣、東南亞等地的總票房。以前香港電影的投資，主要來自台灣。
王晶在接受采訪時說，自周星馳拍攝《濟公》起，台灣資本不再給香港電影投資，香港電影自那時起開始走下坡路。
隨著內地電影市場的發展，一大批內地演員和導演成長起來，拍出來的電影票房越來越高，再內地龐大的人口，所以2000年以後，內地的電影將香港電影遠遠拋在後面。
沒有資本投入，意味著電影行業的產出少，機會少，收入低，怎麼可能對年輕人產生吸引力？
因此，有眼光有頭腦的香港演員和導演，早就北上發展。來得早的，哪怕在香港曾經是不入流的十八線演員，甚至過氣多年的演員，都比在香港賺得多。
前幾天不就出了橫店成香港過氣演員養老地的新聞嘛。黃一山、梁小龍、黃一飛……早就在香港無戲可拍，如今在內地卻片約不斷。
當然，還有劉德華、古天樂等人致力拍攝純正的港片，堅守香港電影的最後一絲尊嚴。但是這真沒有什麼用，投資方都是內地的，發行是內地公司，票房主要來自內地。
這樣的堅持，不會太久，也沒有多少意義。以後不會有香港電影，內地電影，只有中國電影。成龍多年前就看到了這一點。
在這樣的情況下，香港怎麼可能會出現優秀的男演員。即使有，也是鳳毛麟角，對於整個香港電影的大局，無濟於事。
香港電影輝煌時，稍有名氣的演員，一天趕幾個片場拍電影是常見的事。那樣的電影，有何質量可言？那樣的表演，有何演技可言？
那個年代，出了不少優秀的年輕演員。一旦競爭來臨，觀眾不好糊弄，要求變高時，這樣的演員，勢必要被淘汰。
順便提一句，成龍曾說，內地的演員和導演，能在內地有幾十億的票房，但他們的作品出不去，在國外不被認同，沒有市場。
比如吳京的《戰狼2》，國內票房近60億，至今無人超越，但國外票房實在慘得不忍直視。
王晶拍電影時，男一必定是香港演員，因為他也知道，內地演員在國外沒有票房號召力。
中國電影，任重而道遠。
電影是一種藝術，是一種來源於生活又高於生活的藝術而已。如果這也不給拍、那也不過審的話，這電影天天拍的都是所謂的正能量，估計愛看的人也就越來越少了。
我是一個八零後的人，我幾乎是看香港電影長大的。我們那時候的偶像有:周潤發、萬梓良、張國榮、梅艷芳、狄龍、周慧敏、劉德華、張曼玉、鍾楚紅、溫碧霞…………
可以毫不誇張的說，香港電影在八零後的腦子里打下了不可磨滅的烙印！
很多人和我一樣，香港電影里可以舉出一大堆的經典影片。例如:監獄風雲、英雄本色、縱橫四海、成龍的動作片、梁朝偉的耍酷片、周星馳的無厘頭、鄭伊健的古惑仔等等。可以說香港電影記載了我們的童年、陪我們度過了美好的青少年時光。
我下面來實事求是的分析兩個問題:一是，為什麼當年的香港電影會如此經典呢？二是，為什麼到了21世紀之後香港電影就沒落了呢？
大家小時候都喜歡看香港電影、都喜歡模仿電影里的人物和服裝，一時間香港電影就成為了我們的「主流文化」之一了。
那為什麼當年的香港電影就如此受歡迎呢？
1、1978年我們實行改開的時候，國內的現代電影幾乎是一片空白，除了幾個樣板戲以外啥也沒有了。
當時的香港電影讓我們耳目一新，彷彿看到了另外一個世界了。例如:霍元甲、上海灘的流行，大家發現電影里除了正能量以外還能有愛情、仇殺、還能有一些以前看不到的場景。
80年代的香港電影為我們打開了一扇窗戶，看到了不一樣的文化、更加符合人性的東西、更加現代的生活方式等等。
2、由於當年香港實行的是另外一種模式，所以電影的審核方面就寬松的多。說實話，電影如果被限制多了、刪減多了、約束多了必然就不好看了。
香港電影的尺度更大、揭露的問題更深刻、題材更敏感，這也是大家愛看香港電影的重要原因。
3、香港電影界可是不拘一格降人才的，所以人才濟濟。電影好看說到底還是要有演員演技好、導演導的棒，香港以前就從不缺好演員、不缺好導演。
香港當年通過港姐選拔、無線影視培訓班、星探挖掘等各種手段將一些平民變成了明星。例如:周潤發以前是打零工的、劉德華是無線影視班的、李嘉欣，鍾楚紅都是港姐。總之一句話，香港電影界以前從不缺明星。
80、90年代的香港電影之所以經典原因無非是:以前我們沒啥看的，香港電影為我們打開了電影之門；香港電影更貼近生活、更具有現實意義、更敏感；
只有保持本色，才能拍出更好的電影！
香港電影沒落了這是事實，如今香港 娛樂 圈還是靠著那些年過五十多歲的人頂著，例如:古天樂、劉德華、周潤發等等。
我感覺謝霆鋒之後好像就沒有什大牌的香港明星了，說香港 娛樂 圈斷代了好像也不為過。
電影作品更是如此了，我認為自從電影《無間道》之後好像就沒啥經典的香港電影了。
我來分析一下:為什麼香港電影會變得沒落了呢？
1、有個無法否認的事實:如今香港電影的審查機制和以前不一樣了，藝術就是藝術，如果被限制多了、條條框框太多了之後，也就失去藝術本來的魅力了。
2、我們內地看香港電影已經沒有那麼敬仰了。當年我們是「剛放出來」所以把香港電影「驚為天人」。如今網路放開了、渠道多樣化了，我們能夠接觸更多的電影了，例如:好萊塢大片、日本電影、韓國電影等等。
3、如今內地的經濟上去了，電影票房也起來了，演員的片酬也不可同日而語了。這樣的情況下，很多香港演員和導演也就內地化了，香港電影也就沒啥市場了唄！
其實阿sa只比唐嫣大一歲，卻感覺她們不是同一個時代。黃曉明比謝霆鋒大了6歲，卻感覺謝霆鋒比他早紅一個時代，所以說香港年輕演員隨著港台 娛樂 圈的沒落也消失了。
謝霆鋒他們是最後一代，也是香港 娛樂 圈最後的黃金時期了。從此以後，港台 娛樂 圈的明星紛紛投靠內地發展。他們本土的電影，還是劉德華梁朝偉那一批人。
郭富城如此年紀還享受著當偶像，劉德華已經不在年輕，卻比當下的年輕人不知道敬業多少倍。從tvb五虎還有四大天王走紅開始，他們紅了整整一個時代，半個世紀都是他們在挑大樑。後來他們拍戲沒有那麼頻繁時，活躍在銀幕上的成了張家輝等人。
香港真的沒有年輕演員了，能叫上名的還是那些港台 娛樂 圈巔峰時期的那些人，可惜他們不在年輕了。現在看香港藝人，紅的就只有王嘉爾，陳偉霆和鄧紫棋三人，而且還都不是演員。
梁朝偉劉德華還是那麼拼，還在挑著香港電影的大梁，可見香港實在是無接班的年輕演員了。
紅樓夢里探春說過一番話「大族人家，若從外頭殺進來，一時是殺不死的，必須是先從家裡自殺自滅起來才能一敗塗地」，一個行業也是如此，行業的沒落的結果一定是內外兩個因素兼具的。
由於 歷史 因素，香港的文化氛圍一直相對寬松一些，不僅有流行歌曲、奇幻科幻小說等等，更是創造出了香港獨有的武俠片、功夫片，武俠泰斗金庸就是在這樣的環境下走了出來。
武俠片當時是最受演員們歡迎的影視類型，大量的一線演員排著隊希望能在武俠片中嶄露頭角。過硬的演技為當時的武俠片保駕護航，使得如今談及香港影視發展，武俠成了一個避無可避的話題。
之後，香港影視文化反哺內地，其 娛樂 性和觀賞性對於滿足當時的觀眾已經綽綽有餘。高起點是把雙刃劍，在大量收割影迷的同時，也導致當時的香港電影行業並沒有去積極的 探索 和蛻變。
隨著西方以好萊塢電影的湧入，觀眾的欣賞類型發生改變，而香港電影無論是創作人員還是表演人員都未有巨大突破，以至於漸漸走下坡路。
這個分界線是什麼時候呢？或許吳京可以告訴我們。
如今的當紅小生吳京曾在二十年前南下港島尋夢，可相比更早之前的一路高歌猛進，二十年前港島的影視圈已經略有疲軟的態勢，無法給新人提供足夠廣闊的天地，吳京一番流連後，再次返回內地。
同時，成龍、李連傑等人也在漸漸轉向好萊塢謀求出路，更有藍潔瑛在淡出銀幕之後生活潦倒，因精神疾病等原因，導致其無法維持生計，成為首個向香港政府申請經濟援助的藝人。
香港金牌武術指導元華隨大流到內地「撈金」，種種現象可以看得出香港的市場養活不了巨大的文化產業，電影投資金主的重心轉向內地，大量的人才流失，港片自然更加舉步維艱。
如果說香港電影沒落僅僅是缺少年輕演員未免有點偏激，電影演員固然是電影工業化產鏈的重要一環，但興盛和沒落可不僅僅是靠演員，好演員只是興盛的結果。同樣的道理，香港電影的沒落也別都怪在沒有年輕演員的頭上，而是多種因素合理的結果。
不是香港電影沒落了，而是整個影視劇行業都在沒落。
為什麼這么說呢？
其實很簡單。
流量明星崛起這一點不光正在影響香港電影行業也在影響內地電影行業。
流量鮮肉的入局，加速了電影商業化，可是咱們現在的影視行業卻屬於剛剛走的平穩階段，這就造成了斷代問題。
新演員都跑去爭流量，而有演技的老演員卻因為年齡被戲路所限，其結果就是電影質量越來越差。
諸多限制其實這也是重中之重，90年代的香港電影被譽為東方好萊塢，為什麼會有這個稱號呢？就是因為當時的香港電影放得開手腳，其尺度和人性的展現，完全可以和好萊塢媲美。
可是現在香港電影只能遵守廣電的規則。
這也就意味著，從根本上就打掉了以前像是《古惑仔》或者是一些恐怖類的電影再造機會。
於是給觀眾的感覺就是，「香港電影」越來越沒內味了。
並沒有，香港電影一直都有年輕演員輸出，只是大部分的年輕演員在面對低片酬高質量的角色拍攝邀請時都會選擇將眼光放進內陸那些高片酬低質量的電影角色。再加上老一代的演員退幕，香港電影本身的惰性日益暴露，如今看來，我們談到香港電影會想到什麼？男孩子想到武俠片，警匪片，女孩子想到王家衛。但只是可惜，提及如今香港電影，卻沒有哪部能夠讓人念念不忘許久。只能說香港電影沒有沒落，但也是停在原地，甚至是慢慢被人留在了過去。
客觀來說，這是兩個方面的話題，香港電影的沒落是指電影，香港演員的衰落是指演員，兩者是不是真的是因果關系？不能說完全沒有關聯，但香港電影的沒落真的還並不是演員為主要。
第一是當時以回歸為主的大環境，香港電影從大層面是融入了當時與內地共同發展的契機，所以假如看當時院線制的形成，英雄、十面埋伏以來內地大片的出現，本質上，香港演員，香港導演，香港動作指導，攝影、美術、音樂等等全都漸漸北上融入中國電影或者華語電影這個層面，按說並不是完全的倒退或衰敗。
第二，如果是認為香港本土的電影，那麼我們觀眾在談香港電影的時候到底在指什麼？黑幫、警匪還是三級？？如果是指這些帶有負面的東西才能夠代表香港電影特色，那麼恐怕這一業態本身並不 健康 ，敗落是遲早的事，本身香港電影行業圈子會被取代，很多業內導演和演員都知道流水線，工業化許多都不完善和混亂，不論在製作環節還是選題企劃都是這樣的。
第三，當然回歸以後，肯定會面臨行業整頓的種種，實際追逐利益的香港電影人，是自己把自己搞垮了，他們奔著內地更大的資金層面去了，比如稍有點理想情懷的，張之亮來內地拍了心願之作墨攻，陳德森來內地拍了十月圍城，陳可辛拍了投名狀，這些都是過去香港圈子不可能完成的。但在之後，陳可辛、徐克等等，包括林超賢全都變了，淪為了內地電影的某種傳聲筒式工具人，是他們自己主動放棄了香港電影本來還比較好的東西，完全丟掉自己的特色，假如不是，那就純粹是為了掙錢，包括今天爾冬升導演這樣的跑來上綜藝大談表演和情懷？這不是 搞笑 ？
第四，假如再說演員的斷層，都知道香港演員半壁江山出在TVB，何止半壁？幾乎所有除了一個個明星之外的，配角，綠葉，龍套，感覺要說三分之二，四分之三，如果加上亞視的，說十有八九的演員都出自他們都不為過。同樣的，新面孔也在他們，但是還是機制原因。實際每幾年都還有新演員，只是隨著劇集的原因，涌現的並不算多，但不能說沒有新演員和有潛質的，但主要還在電視圈，電影是沒有了，但內地的班底輕易不會找還沒有被內地大眾熟悉的香港新人，除非他們小有名氣以後才可行。那麼就寧願給已經過氣老面孔，哪怕已經是三四線五六線的，所以大多數人會認為香港已經沒什麼演員了。
所以，香港電影今天的問題是他們自己主動放棄的，雖然口口聲聲都很懷念，但誰也不肯真正堅守，內地對影視創作的嚴苛從來是內地本身，雖然這是一個問題，但誰說香港電影就一定非要挑戰上映的底線呢？所以嚴格來說又不算什麼大問題，不是嗎。
香港電影比起90年代，確實是沒落了。當年，周星馳、劉德華、張國榮、梅艷芳等巨星紮根的香港電影圈誕生了無數的經典影片，但是現在似乎榮光不在，而且也沒有30歲以下的年輕香港演員在大陸冒頭。
香港電影毫無疑問是沒落了，或者說暫時是處於一個寒冰時期。但是，香港還是有年輕演員的，只是這些年輕演員沒有在大陸紅起來而已。他們紅不起來是有原因的。近年來，香港一直沒有出現一部大熱影片。今年賀歲檔的《廉政風雲》彷彿就是近年來香港電影在華語影壇的縮影，題材單一，演員老化，票房被《流浪地球》等當紅炸子雞沖擊得七零八落。
而且大陸影片的質量在這幾年來，有所提升。如今，信息傳播如此之快，影片質量怎麼樣，是無法隱藏的。
香港電影如果沒有本職變革，這段低谷期恐怕永遠也不會過去。
香港電影行業的沒落，跟演員的老去和匱乏有直接關系，但卻不是根本原因。根本原因在於思想的匱乏和與時代的脫節，讓香港電影找不到往前走的路。
香港在殖民地時代，電影藝人卻秉持著正確的三觀，特別是對愛國主義和時代精神的主題進行了不斷的抒發和升華，創造出了許多膾炙人口的影視作品。比如《霍元甲》、《陳真》和《再向虎山行》，比如李連傑的《精武英雄》、《方世玉》系列、《黃飛鴻》系列，主人公要麼是在同腐朽的封建朝廷抗爭，要麼是在同壓迫中國的列強亮劍。也有很多是反應小人物經歷奮斗，內心成長掙扎的故事，比如《阿郎的故事》、《喜劇之王》等等。
可是越到後來思想性越窄淺，甚至乾脆向取悅人性的陰暗的靠攏。如果說《英雄本色》還在宣揚男人之間的義氣，但已然開始向炫耀暴力和暴力帶來的虛榮滑下去了。《賭神》系列的正面思想基本看不到，似乎只是人與人之間的爾虞我詐和大仇得報的快意，反倒讓大陸的觀眾學到了好多的賭博玩法。《古惑仔》系列更是流毒甚廣，「大哥小弟馬子凱子條子」充斥於校園青少年的口耳。就是星爺的電影，在《大話西遊》以後，思想性也日漸退化， 娛樂 性漸成主體。至於鬼片、整蠱片、《無間道》系列，基本都毫無思想性。
讀者試想，香港97年回歸，至今已然有24年了，香港電影界可曾出品過一部反應香港回歸後香港 社會 和百姓生活的叫的響的影片，沒有，完全沒有，這就是與時代的脫節。
香港 社會 港獨思潮在境外反華勢力的煽動和組織下沉渣泛起，黃秋生、杜汶澤這些人乾脆站到了愛國主義的反面。香港大部分藝人雖然一再站出來反對港獨和亂港，卻沒有人拿起電影的武器，講述有分量的回歸故事，真是讓人悲哀和無語！
⑤ 香港電影的歷史發展
香港電影史的發展應該從電影傳入香港開始。
1895年12月28日，法國人路易·盧米埃爾在法國巴黎公映了《盧米埃爾工廠的大門》、《火車到站》、《水澆園丁》等世界上最早的影片。
這一天，被世界各國電影界公認為「電影時代的開始」。
1896年初，路易·盧米埃爾的助手來了香港放映這些影片，而電影就是這樣傳入香港。
自他離開後，香港電影直至1898年才再有活動。
當年，美國湯默斯·愛迪生公司派出一位電影攝影師到香港拍了一批紀錄片：名為《香港街景》、《香港總督府》、《香港碼頭》、《香港商團》和《鍚克炮兵團》。
這幾部有新聞紀錄的電影雖然不是香港電影公司的出品，可是它們是在香港拍攝的，內容又是香港景物，可以把它們稱為「香港電影」。
從1896年到1903年，香港放映過一些很短的紀錄片，每次放映十套以上。
直至1903年10月5日，香港才有整部故事片公映。
有關報導是這樣的：「現在中環街市對面，即同記辦館面前，准十五晚開演『成套戲本』（即整部電影）。
」這部電影是法國導演下·齊卡當年的一部名片《基督的受難》。
1907年，香港有不少電影院紛紛開辦，而且公映的次數和數量都較以往為多，因此被視為香港電影事業的第一個高峰年代。
1909年完成的《偷燒鴨》，是上海亞細亞影戲公司在香港拍攝的一部默片諧劇。
該片的導演梁少坡同為該片的主角，故事講述一個小偷（由梁少坡飾演）想偷燒鴨，卻被警察捉住了。
劇情十分簡單，但不乏詼諧動作。
值得注意的是，《偷燒鴨》雖在香港攝制，卻並非香港電影公司的作品。
該片出品人布拉斯基後來結束了他在上海的電影事業，回美國路經香港時，和黎民偉合作製作了香港出品的第一部故事片《莊子試妻》，並因而催生了香港電影事業，而黎民偉更被譽為「香港電影之父」。
這部電影的出現，象徵香港電影史啟蒙期的終結，萌芽期正式開始。
據《中國電影發展史》記載，香港的第一部故事片《莊子試妻》在1913年出產，編導是黎民偉、攝影師是羅永祥，主要演員是黎民偉和嚴珊珊。
這部電影創下不少香港電影紀錄：
（一） 它是香港出品的第一部故事片；
（二） 第一部在外國公映的香港片；
（三） 第一部有女電影演員參演的香港電影；
（四） 也同時是第一部有特技攝影的香港電影。
黎民偉及其兄長海山、北海於1923年創辦了香港第一間全由香港人投資創辦的電影製片公司「民新製造影畫片有限公司」。
他們並非為了名利，而是志在推動香港，以至全中國的電影工業。
民新的成立為香港電影業帶來很大的推動作用，它不僅在1923年出品了香港第一部新聞紀錄片《中國競技員赴日本第六屆遠東運動會》，又在1924年在廣州成立了香港第一個演員培訓所民新演員養成所，發掘有演戲潛質的人。
此外，民新還攝制了香港出產的第一部故事長片《胭脂》。
於1924年，珍貴的新聞紀錄片《中國 *** 第一次全國大會》、《孫大元帥檢閱軍團警會操》以及1925年出產的《孫大總統東較場閱兵》等亦是民新的出品。
事實上，1924年至1925年，香港電影事業已漸漸成長，可是由於黎民偉具有同盟會的背景，港英 *** 禁止民新於香港開設攝影場，香港電影發展被迫中止了。
1925年5月30日，日本帝國主義侵略者無理殘殺中國人民，中國各地紛紛 *** 、 *** ，以示 *** 。
同年6月，內地的 *** 熱潮擴展到香港。
香港大 *** 期間，每天都有商店倒閉，百業凋零，所有娛樂活動，包括電影放映一律停止。
這個現象令剛萌芽的香港電影事業夭折。
次年10月 *** 結束，但香港電影事業仍然未能復甦起來，因為有實力的電影工作者都去了廣州或上海發展。
雖然期間有些影片公司招考演員，但這都是有名無實，直至 1929年末，仍沒有一部香港電影生產過。
1930年初，黎北海等創辦了香港影片公司，製作出創業作《左慈戲曹》，然後香港才陸陸續續再有電影製片公司的成立，香港電影事業才見起色，得以復甦。
1930年，香港的電影業隨著黎北海（黎民偉兄長）創建香港影片公司而開始復甦。
不過，真正令香港電影業站穩住腳的是1930年10月25日，由黎民偉的上海民新與其他幾間電影公司合並而成的「聯華影業公司」。
「聯華」可以說是為香港電影業帶來了很大的影響力，是戰前中國最大的電影廠之一。
為了培養人才，聯華在1931年4月開辦演員養成所，教授的課程包括編劇、導演、表演、攝影等，堪稱一間電影全科學校。
它培訓了一批傑出的粵語片導演，如李鐵、黃岱等，對香港電影貢獻良多。
「聯華」香港分廠一向都是拍默片，雖然當時有聲電影興起，創辦人卻不敢冒險。
於是，第一部粵語有聲片就由上海天一電影廠的湯曉丹執導拍成，就是《白金龍》。
有聲電影問世後，香港的電影公司紛紛拍攝有聲片。
1934年「聯華」香港分廠解體，黎北海另創了香港第一家有聲電影製片廠「中華」，並導演了一部局部有聲片《良心》（1933）及第一部有聲片《傻仔洞房》（1934）。
進入1935年，香港電影正式步進有聲時代。
從1935年開始，香港的粵語片產量每年遞增，從1935年的32部增至1937年的85部，增幅超過一倍。
受到抗日熱潮的影響，香港生產了多部愛國電影，其中包括大觀影片公司出品的《生命線》。
1936年，社會教育片成了香港電影的主流。
除了社教片之外，愛國片在同年增多了產量。
當然，故事片在香港電影史上從來也並未受過忽略。
1936年的代表作之一就是由南海十三郎編導的《兒女債》。
1937年到1938年，由於「七七事變」的發生，香港抗日氣氛高昂，因此電影工作者也紛紛開拍抗日愛國片，頓時間，愛國片成了主流，在1937年出產的85部故事片之中，就有25部為愛國片。
1939年秋，受到歐洲國家的戰爭所影響，1940年的港產片產量下降到不足90部。
1941年12月日本入侵香港，使香港電影業陷入低潮。
大觀電影廠及其他電影設施被炸，大量的香港電影拷貝和底片也被燒毀或遺失，以致1945年前出品的近600部影片，只有百分之一殘留至今。
到1946年初，香港電影業處於完全停頓狀態，在這期間，只有一部反英的故事片和幾部由日本電影公司拍攝的紀錄片問世。
戰後初期，電影製片廠的數目較戰前為少，大中華是其中一個較有規模的，因為它擁有李麗華、周璇等上海明星，以及名導演朱石麟和吳祖光。
1946年至1949年，大中華生產了34部國語片和8部粵語片，可惜到了1949年，產量卻愈來愈少，被迫關門。
總括來說，日本入侵對香港電影業造成了很嚴重的破壞。
香港電影經歷了四年的停產，才在1946年上映了戰後首部港產片《情陷》。
而到了1940年末，上海電影界很多左派人士為了逃避 *** 的政治壓力，或中國內地通貨膨脹的影響，紛紛定居香港。
故此，香港的國語電影業便愈來愈蓬勃，到了70代初更達至高峰。
香港電影在第二次世界大戰後迅速復興，而在1949年以後漸趨蓬勃。
不無原因，1949年後大批中國內地的電影工作者因政治及經濟理由紛紛南下，在香港設電影廠，跟本地影人合作拍攝電影，使香港成為南中國唯一的也是最大的電影中心。
再加上20世紀50年代中期，新加坡、馬來西亞電影勢力過渡到香港，以及香港原有被美、日、歐電影文化所帶來的沖擊，遂令香港電影邁向成熟的雛型。
20世紀50-60年代是國、粵語片起飛的時期，其中由40年代末到60年代中更是粵語片的盛產期。
這段黃金時期粵語片有以下幾個主流：
粵語片
1：粵劇戲曲片
據估計，在20世紀50年代每年就有200部粵劇戲曲片問世，差不多每三部粵語片之中就有一部是粵劇片，而在1958年更達到了高峰，這一年的160部電影中，粵劇佔了一半。
舞台式的粵劇片基本上製作費不高，電影技巧也不特別考究，因為大部份都沿用粵劇舞台上的大老倌演出，只唱主要情節，其餘的排場做手都不嚴格。
因此，這類戲曲大多被揶揄為「五日鮮」、「七日鮮」。
當然其中也不乏製作認真，至今仍為人津津樂道的不朽經典，如《帝女花》（1959）、《紫釵記》（1959）、《李後主》（1968）等。
而戲曲片的演員亦有不少為人熟悉的名字，包括：任劍輝、白雪仙、新馬師曾、薛覺先和林家聲等等。
至於粵劇戲曲片為何會在20世紀50年代大受歡迎呢？這是因為戰後粵劇發展蓬勃，進棚看戲成為上流社會的消費享受。
至於一般市民只好聽電台話劇或聽粵曲，有見及此，電影公司便把大量經典粵劇拍成電影，讓戲迷可以以低廉的戲票欣賞傳統的粵劇戲曲。
2：文藝片
這時期的文藝片背景多為民國或當代，講求戲劇結構，又或改編自中外文學、流行小說，或襲取好萊塢通俗劇的故事模式。
而提到這類環繞家庭倫理、男女之愛的文藝片，就不得不提粵語片電影公司中的佼佼者——聯合電影有限公司（中聯）。
中聯創建於1952年，共生產了44部電影，出品了不少粵語片中的經典，如李鐵的《危樓春曉》（1953）、《天長地久》（1955）、楚原的《可憐天下父母心》（1960）等等，都是家傳戶曉的作品。
中聯的21位精英，有見於影藝界充斥著粗製濫造之歪風，遂以認真的拍攝態度、主題健康的電影信念為大前提，創辦中聯以抗衡媚俗投機而質素低劣的七日鮮貨色。
這批電影界精英包括導演李鐵、吳回和十三位著名演員：吳楚帆、張鍈、張活游、白燕、黃曼梨、紫羅蓮等等。
中聯電影每每針對香港社會種種問題，批判上流大亨的偽善丑惡，帶有濃厚的教化意味，更大大提升了中國電影的美學層次。
大概是因為過分執著於傳統道德使命，中聯漸漸跟時代脫節。
到1967年，它也隨著粵語片的息微而關閉，但其對香港電影的影響是絕不容忽視的。
3：古裝武俠片
20世紀50年代的古裝武俠片大多以民間熟悉的俠義神怪故事為骨幹，但武打場面並不講求真實感，發展至後期（20世紀60年代初、中期）日漸注重動作場面設計，大量加進了特技花款（如怪獸、怪人裝扮和模型特技）、曹達華和於素秋就演了不少這類古裝武俠片，如《如來神掌》系列。
4：喜鬧劇
這類電影大多以詼諧搞笑的喜劇演員掛帥，橋段不外乎「大鄉里出城」、「癩蛤蟆想食天鵝肉」之類的故事，如新馬師曾、鄧寄塵主演的「兩傻系列」。
以上各類型的粵語片雖然在電影美學角度上來說，藝術感略嫌粗糙，但論到能否帶給觀眾共鳴，則可謂綽綽有餘，難怪這段時期，粵語片的產量可觀，令粵劇片達至高峰期。
5：國語片
事實上，從1967至1969年，粵語片的產量仍高於國語片，只是到了1969至1970年，情況才開始扭轉。
國語片由低沉轉盛的轉折點，是五十年代中期國際發行公司」與邵氏父子改組，分別成為電影懋業公司和邵氏（兄弟）公司。
邵氏和電懋資本雄厚，野心勃勃，改組後銳意在香港電影業大展拳腳。
它們不但全力推動國語片，還建立完善的發行網來開拓海市場。
1957年邵逸夫掌舵邵氏，製作大量高質電影，首部成功的作品是李翰祥執導的《江山美人》、《不了情》，達到前所未有的以十萬為單位的票房成績。
邵氏電影製作豪華瑰麗，粵語片中的爛衫戲可謂相形見絀，加上製作重質不重量，鮮有七日鮮的電影出現。
國語片的熱潮不獨使國內興起的黃梅調電影帶到香港並使之流行起來，更創作了新派武俠片，包括改編自金庸及梁羽生的武俠作品：胡鵬導演的《射鵰英雄傳》（1959）。
單在1963年，武俠片的產量已高達61部，而武俠片之中的代表作則是胡金銓的《龍門客棧》（1966）及張徹的《獨臂刀》（1967）。
狄龍和姜大衛、王羽這些武打明星的出現，亦可視為70年代李小龍冒起的前奏。
事實上，從20世紀50年代起，國、粵語片的確並存，雖然兩者存在競爭，但本質上是相容的。
可是，隨著國語片從1970年迅速發展，加上粵語片青黃不接，於1970－1971年間，國語片的產量多達116部，而粵語片只有22部；於71-72年間，國語片數量依然上升，反觀粵語片卻只剩一部，鄧麗君主演的《歌迷小姐》。
之後的數年，國語片一直領導著香港電影市場。
最後值得一提的是，雖然在20世紀60年代末期，粵語片面對著國語片雄霸市場的威脅，但仍力求在戲種上有所突破，青春歌舞片順勢興起，並造就了兩位當時得令的年青人偶像-蕭芳芳和陳寶珠，電影界追捧偶像的熱潮可說是由她們而起。
七十年代
20世紀70年代是香港普及文化的重要轉折點，而香港電影也隨著電視的普及化，社會和經濟的發展，以至香港人心態的轉變而受到種種沖擊，以致70年代的香港電影是趨向多元化及地道化。
承接60年代中期的凌厲氣勢，邵氏在70年代初期依然在香港電影業占著領導的地位，擁有東南亞電影王國的美譽，出品了大量國語武打片，大導演包括楚原、張徹及劉家良等等。
他們都以熟悉的刀劍拳腳功夫片作依歸，電影世界裡都是強烈的陽剛味，其中張徹的電影更造就了偶像級武打明星，如王羽、狄龍、傅聲等。
1979年的《英雄無淚》就是當年邵氏最賣座的功夫片之一。
踏入1971年，此類古裝刀劍片的鋒芒其實以較在60年代遜色，原因大抵是一代武打明星李小龍的出現。
李小龍配合著鄒文懷的嘉禾電影公司的崛起，在70年代初叱吒一時。
從首部作品《唐山大兄》（1971）到之後兩年間拍攝的《精武門》及《猛龍過江》令李小龍進軍國際影壇，創造出香港電影事業的神話。
1973年李小龍驟然暴瘁，令功夫片熱潮未能延續。
而隨著本地文化的普及，香港觀眾對遠離現實的功夫片漸漸失去興趣，反而對反映當時社會狀況，諷刺現實的電影加以青睞，這就解釋了楚原的《七十二家房客》在1973年成為最賣座電影的原因。
《七十二家房客》里的演員，如鄭少秋、沈殿霞都是當時的電視藝員，而由於電視已成為當時的重要媒體，因此他們對觀眾來說有一定的吸引力。
而這部電影的成功，不但為以後的新電影類型作了開端，更令粵語片得到重新振興。
自此，很多電影都走地道市井的風格，演員的演繹亦帶有嘻笑怒罵的味道。
從電視跳到電影的許氏兄弟也因此而冒起，成為70年代、以至80年代香港電影的中流砥柱。
由於從70年代中期開始，大家的主導閱讀方式是電視模式，很多粵語片的題材或靈感都是來自電視內容，如《阿福正傳》（1974）、《大鄉里》（1974）、《新啼笑姻緣》（1975）。
許冠文、許冠傑兩兄弟也跳出了電視趣劇的框框，走上大銀幕，以其獨有的笑話公式拍攝了一系列非常賣座的喜劇 ：《鬼馬雙星》（1974）、《半斤八兩》（1976）、《賣身契》（1978）等等。
這些電影不但令喜劇在香港電影史上得到前所未有的重視，更促使了後來功夫喜劇的誕生。
1978年袁和平執導《蛇形刁手》和《醉拳》奠定了功夫喜劇的地位，使其成為70年代末最具代表性的電影類型。
功夫喜劇離開電視感性，以密集的功夫設計及諧趣的雜耍風格吸引觀眾；可以說是揉合了傳統功夫片及許氏兄弟式的喜劇精粹。
演員方面，成龍，洪金寶等也擺脫了以往武打明星的英雄模式，改而以反叛貪玩的形象來親近觀眾。
除了以上提及的片種，提到70年代的香港電影，不可不提的是大導演李翰祥從台灣返回香港東山再起，大拍風月綽頭及騙術奇觀電影。
好像他在1971年拍下的《騙術奇譚》，不但開始了他的電影生涯新的一頁，也象徵著70年代香港電影意識的轉變-金錢至上、綽頭化的風格抬頭，這個影響一直延續到80年代。
不過，1979年香港電影新浪潮的出現卻為香港電影帶來了富神采而短暫的變奏。
1979年是香港電影的重要里程碑，那是香港電影新浪潮的開始。
大批電視幕後工作者轉投電影圈，他們包括許鞍華、章國明、譚家明、嚴浩、徐克、余允抗等等，他們本著對電影的熱誠，及年輕人特有的創意和社會觸覺，拍出不少充滿個人色彩的電影作品，為香港電影打開嶄新的一頁。
最先掀起新浪潮的是1979年的三部作品：《瘋劫》（許鞍華執導）、《蝶變》（徐克執導）、《點指兵兵》（章國明執導）。
其後這批或在外國學習電影，或在電視台少林寺出身的年輕導演繼續拍攝了一部又一部風格化的電影，包括方育平的《父子情》（1981）、《半邊人》（1982）、徐克的《第一類型危險》（1980）、譚家明的《烈火青春》（1982）等數十部作品，都很能表達這些導演對當時社會氣象的感覺及情懷。
雖然這些新導演全被以「新浪潮導演」之名，但事實上，他們每一位的作品都極富個人色彩，並沒有陷入香港電影類型化的傳統模式。
許鞍華的作品流露出深刻的人文性、高度的女性敏銳；徐克有一股神經質的張力；方育平作風朴實，真實感濃厚；嚴浩浪盪於青春暴烈及淡然含蓄之間；譚家明走中產美學；章國明擅拍 *** 片等等，這些特質都體驗到新浪潮電影的「作者論」美學。
「新浪潮」標志著香港電影與上一代中國本位粵語片的決裂。
五、六十年代的粵語片往往背負著沉重的民族包袱，未能突破創新；而「新浪潮」電影則帶有濃厚的都市色彩，流露強烈的本地感性；這跟導演們於香港成長、受西方教育很有關系。
此外，這時期的電影都慎用大明星，製作成本亦得到控制，跟後來的港產片標榜卡士明星，動輒千萬製作的營運模式可謂截然不同。
八十年代
香港的電影界從來都是以商業掛帥，新浪潮電影叫好不叫座，自然難免被淘汰的厄運。
20世紀80年代初，新藝城影業公司異軍突起，吸納大批當時嶄露頭角的導演：吳宇森、徐克、林嶺東、高志森等，炮製一部一部商業掛帥的電影，其中以喜劇為主。
這些電影的共通點是以電視台集體創作的模式來度橋創作，充滿密集的笑料及動作，一切以迎合觀眾口味為依歸，代表作品有許氏兄弟的《最佳拍檔》系列及《龍虎風雲》等。
除新藝城之外，80年代叱吒一時的電影公司還有德寶電影公司。
德寶成立於1984年，一方面拍喜劇（《雙龍》系列、《富貴逼人》、一方面也拍動作片《皇家師姐》系列、或者都市優皮小品路線 （《三人世界》、《單身貴族》），務求達到片種多元化的要求。
至於嘉禾電影公司則繼續以成龍作頭牌，讓他從《師弟出馬》、《龍少爺》的功夫小子形像，漸漸成為《A計劃》中穩打穩扎的真正打星，而到了《警察故事》及《奇跡》，更是成龍的顛峰之作。
同樣是武師出身的德寶明星洪金寶卻憑《鬼打鬼》（1980） 開創了靈幻片的潮流，之後的《僵屍先生》系列也是走相近的風格。
而他的另一系列片《奇謀妙計五福星》以至《運財五福星》也取得很好的票房成績。
據統計，80年代的十大賣座香港電影之中，新藝城佔了四部，嘉禾佔了五部，再加上多產量的德寶（1984至1989的五年間，拍制了47部電影）整個八十年代可稱為三雄各據的時期。
跟20世紀70年代末興起的新浪潮相比，我們會發現到80年代的香港電影由於太過側重劇情堆砌，明星包裝，因此電影類型單向化，更遑論什麼作者論了。
有人認為這時期的電影造就明星、扼殺導演、編劇的創作，使香港電影走上窮途沒落，加上1989年經濟、影帶市道不發達等種種因素下，令80年代末期的香港電影市道滑落。
盡管如此，若不以電影質素或創意來衡量，單看票房成績及投資者的態度，說20世紀80年代的香港電影屬飛黃騰達的時期實在不為過。
1990年，周星馳以《賭聖》大破紀錄，開始他的票房神話，90年代至今基本是周星馳的天下。
綜觀20世紀90年代的香港電影，基本上仍可稱之為百花齊放，我們不但有從80年代順利跨向90年代的新一代導演：張婉婷（《秋天的童話》）、王家衛（《旺角卡門》）、關錦鵬（《胭脂扣》）、陳嘉上（《小男人周記》）等等，可是，依照香港電影的傳統，賣座的片種總有跟風者，而當跟風者眾、水準參差的時候，亦即該電影類型走向死亡之路。
武俠動作片熱潮如是，賭片熱潮及後期的古惑仔系列也沒有例外。
到了90年代中期，港產片票房連續下挫，西片逐步抬頭。
《侏羅紀公園》（Jurassic Park）先在93年創下六千萬元票房佳績，1998年的《泰坦尼克號》（Titanic）更以一億一千萬元攀上頂峰，這部映了195天的好萊塢A級大製作還佔了「本世紀百部賣座片」中的榜首位置，完全壓倒了在80年代威風一時的新藝城作品《最佳拍擋》系列。
另一個令90年代香港電影褪色的原因是盜版問題。
80年代錄影帶市場興起已經令電影收入大打折扣，到了90年代後期，盜版VCD更為香港電影市道帶來了重擊。
不少電影在午夜場或首映過後便出現盜版，海關和警方又互相推卸責任，後來香港 *** 才開始正視這個問題，海關逐漸加強掃盪，才使盜版VCD活動略為收斂。
香港電影界曾多次組團訪京，與港澳辦及電影局商討創作自由、版權問題等，亦促請中央 *** 開放市場。
1997年回歸後，香港特別行政區首長 *** 先生首次在《施政報告》中提到香港電影，並撥出一億港元開發電影科技及接受資助申請，令香港電影人略為安慰，更把2000年的香港電影金像獎搞得有聲有色。
可喜的是，香港電影人揚威國際，張曼玉、蕭芳芳、王家衛先後在柏林、戛納等國際影展中獲獎，香港電影漸受國際影壇重視。
可惜的是，這也導致影圈人才外流，吳宇森、唐季禮、袁和平、林嶺東等著名導演紛紛前往好萊塢發展，周潤發、成龍及楊紫瓊等巨星級演員亦被好萊塢羅致。
20世紀90年代的賣座保證是「雙周一成」（周潤發、周星馳及成龍），
有外流亦有外援加入，香港電影人在亞洲區尋找了不少新面孔，成績最突出的是在台灣一脫成名的舒淇，在香港成功轉型，由脫星變性格演技派，成績斐然。
還有90年代中期之後，香港掀起日本電視劇熱潮，連帶電影界亦多找了日本演員參與港產片，其中又以女星為主，包括《星月童話》、《東京攻略》和《阿虎》，當然亦少不得成龍電影里插科打諢的一眾日本美女。
科幻特技也順著世界性的大趨勢融入香港電影之中，《風雲之雄霸天下》與《中華英雄》是其中成功的例子，而動作片《特警新人類》及《紫雨風暴》、《藍血人》更特別邀請外國特技效果專家設計爆炸場面，令觀眾嘆為觀止。
總括來說，20世紀90年代的香港電影雖然較諸於80年代有所失色，但似乎在創作意念及電影製作方面則有過之而無不及。
一些小成本製作的獨立電影如《過海隧道》、《天上人間》等亦有公映的機會，加上數碼電影的冒起，而劇本創作亦得到應有的重視。
相信踏入新紀元，香港電影將會追求更高的質素，並帶領整個亞洲區的電影業邁向國際影壇。
然而，我們不得不承認的是相對於20世紀80年代電影公司大灑金錢，演員一天九組戲的好景日子來說，2000年代的香港電影的確危機重重，陰霾滿布。
還有90年代的奇跡及幾個國際知名的名字，周星馳、周潤發、成龍等等。
2003年是香港電影業最黑暗的一年。
除了經濟繼續低迷之外，非典型性肺炎（SARS）病毒爆發，使許多戲院空空如也，並令電影製作停頓四個月；該年只共拍攝54部電影。
香港的兩位著名歌手兼演員張國榮（46歲）和梅艷芳（40歲）的死，對電影業更是雪上加霜。
周星馳獨有的「無厘頭」喜劇深得民心，他的作品如《逃學威龍》、《唐伯虎點秋香》、《食神》等等都是90年代的喜劇經典。
從《喜劇之王》開始，周星馳導演的作品全都是香港電影年度票房冠軍。
周星馳明顯減產，一邊休養生息，一邊走上幕後之路。
周潤發拍了一連串英雄片、動作片，雖偶有票房失利，但基本上還算有觀眾緣。
其進軍好萊塢，除拍攝一貫的動作片（如《血仍未冷》） ，還嘗試拍如《安娜與國王》。
到大陸轉型做配角（如《讓子彈飛》《大鬧天宮》，也只能拍《大上海》這種老本行電影，可惜在香港竟只有500萬港元的票房。
至於成龍則大致維持一年一部大製作，票房上依然不俗，但相對於90年代的成績，2000年後成龍主演電影已不算大賣。
可惜在電影風格上難求突破。
《十二生肖》在香港更只有800多萬港元的票房。
導演方面，「雙王」王晶和王家衛可謂雙映成趣，一個擅拍商業味道極重的電影，更被揶揄為「屎尿屁」導演；一個專挑大明星合並，產量少、藝術味濃，往往得到國際影展的垂青，兩人電影風格回異，但在21世紀的香港電影占著舉足輕重的地位。
另外，新浪潮創將之一杜琪峰頗受矚目，作品叫好又叫座，愈來愈有個人風格。
還有憑《香港製造》打出名堂的陳果亦成功地從獨立電影導演變為香港主流電影導演之一。
⑥ 巔峰期的台灣電影和香港電影哪個水平更高
首先感謝您的邀請~
我認為在巔峰時期的台灣電影和當時的香港電影是不可比擬的！在80年代的香港電影既有各大公司的相助，又有眾多奇才導演的策劃，經典佳作層出不窮，這段時間可謂是香港影壇的黃金歲月也不為過！
比如鬼才導演王晶！這個相比大多數的人都知道，王晶是一個非常有才華的的一個導演，雖然王晶身上有很多標簽，賭片，情色片，晶女郎等而它們的一個共同點便是， 娛樂 。在九十年代，當周潤發、劉德華、周星馳這些90年代的明星在王晶的喜劇片里嬉鬧耍寶時，這其實是香港電影 娛樂 化的一個巔峰縮影！
接下來再從地位上看，在巔峰時期的香港電影可是有著一個「東方好萊塢」的這樣一個稱號，而香港電影金像獎則是一直用來衡量華語電影的標准！而反觀台灣電影，好的電影也有，但和香港電影比起來真的是小巫見大巫了。
其次，論經典台灣電影根本不是香港電影的對手，要知道多少人的童年都是些《英雄本色》、《阿飛正傳》等等.....
最後可以總結出，台灣電影和香港電影懸殊太大了，或者說根本沒有可比性！
這個其實很容易看出，也不難回答，在電影領域中，肯定是香港電影絕對優於台灣電影。在6070年代香港電影和台灣電影都有所發展，拍的影片各有所長。到8090年代香港電影基本達到頂峰，邵氏，嘉禾等眾多香港公司出品了眾多的優質的電影。那時候的武俠，槍戰，鬼片等等都是很多優質的影片的。一大批的巨星從那時候的香港誕生，雖然台灣也有很多電影，但是拿的出手的一直不多。
我做視頻剪輯，往往是發的邵氏電影，嘉禾電影等等港片特別受歡迎，很多的經典情節真的讓人記憶深刻，頂峰時期的武俠功夫，槍戰動作，賭片，鬼片，愛情片，都是香港片，台灣片很少能拿出手的。就的發的剪輯，大部分電影看起來不真實，有點浮躁，動作設計浮誇，情節有點不太合理，也不太受觀眾喜歡。
那時候也是發展的頂峰時候，電影也極度繁榮。沒有那麼多的商業化在裡面，電影還是拍出來的，還不是慢動作做出來的，那時候的明星很少有大牌，都是好演員，兢兢業業，認認真真的。又說跑題了。。。回到這個問題上來，其實比下香港影片的口碑和票房還有數量，就佔有碾壓的優勢了，根本也不用比。
我覺得倆者不存在可比性，如果硬要對比的話，那我肯定是會選擇香港電影。並非我全盤否定台灣電影，而是從許多方面來說，台灣電影確實比香港電影差多了。
首先，從香港電影的 歷史 地位和台灣電影的 歷史 地位來說。香港電影從上個世紀以來就作為東亞電影的主要出產地之一，被稱為東方好萊塢，香港電影金像獎一直以來都是衡量華語電影的一大重要指標。而反觀台灣電影，雖然也有著許多出色的電影。但相比香港電影就要失色太多了。
其次，從電影的經典性來對比。香港電影的巔峰期存在於上個世紀八九十年代，經典電影層出不窮，從以鄭伊春、張耀、陳小春、為代表的古惑仔電影系列，以周潤發、劉德華為代表的英雄人物電影系列，再到以林正英為代表的僵屍恐怖電影系列，以及以周星馳、麥嘉、黃百鳴為代表的喜劇電影等等。經典的香港電影可謂是數不勝數。而台灣電影雖然也有不少出色的電影，但是由於地區的特殊文化影響，導致台灣電影大多都是描述本土文化的，具有太大的局限性。總體來說，台灣電影確實是比香港電影遜色太多了。
最後，從電影的總產值以及影響性來說。香港電影從八九十年代開始就一直影響著我們這幾代的華人。而台灣電影由於地區文化的影響，在八十年代之前一直都是以閩南語為基礎來製作電影，存在著太多太多的局限了。雖然偶爾也有好看的台灣電影在華語世界傳播，但與香港電影的影響相比就差太多了。從總產值上看，香港電影的總產值一直位居華人世界的第一位，台灣電影與之相比差的太多了。
總而言之，我覺得香港電影的巔峰期比台灣電影的巔峰期強太多了。或者說，是倆者壓根不存在可比性。
謝邀回答：
香港電影這幾年枯竭得厲害，翻來覆去就是拍警匪片間諜片，看過一部這種電影就好像看過全部一樣了。
唯獨愛情電影還算得上不錯。你要是看大陸的愛情電影和台灣愛情電影，媽的那都是些什麼完蛋玩意。
要我說，台灣和大陸的愛情電影都是偶像劇，只有香港的愛情電影才是真的愛情電影。
主要是台灣和大陸把生活拍得太浮誇，不真實。不是香港這類題材拍得好，全靠同行襯托
香港 娛樂 業的發達舉世聞名。尤其1997年以前，經歷過一個巔峰時期。現在已經是衰勢了，不過底子還是很厚。
那時香港 娛樂 事業無論是電影、唱片、電視劇、經理人公司、 娛樂 刊物等都非常成熟。其中香港電影更是香港 娛樂 業的代表，甚至香港文化。在鼎盛時期，電影出口曾高居全球第二位，僅次於美國好萊塢，是亞洲的夢工廠，甚至被稱作「東方好萊塢」。
這樣強大的 娛樂 產業鏈條，成就了一大批影視歌明星，他們的名字膾炙人口，成為一個時代的象徵，幾代人的精神偶像。很多作品也確實堪稱經典。
內地和台灣的 娛樂 業則要稚嫩很多，藝人和作品各方面都難以望其項背。
80年代的香港電影既有各大公司的短兵相接，又有眾多奇才的各出其謀，經典佳作層出不窮，實在是香港影壇的黃金歲月。我們會發現到80年代的香港電影由於太過側重劇情堆砌，明星包裝，因此電影類型單向化，更遑論什麼作者論了。有人認為這時期的電影造就明星、扼殺導演、編劇的創作，使香港電影走上窮途沒落，加上1989年經濟、影帶市道不發達等種種因素下，令80年代末期的香港電影市道滑落。盡管如此，若不以電影質素或創意來衡量，單看票房成績及投資者的態度，說20世紀80年代的香港電影屬飛黃騰達的時期實在不為過。80年代的電影，我們看的還是比較多的，那個時候影碟開始流行了。你們有租碟的經歷嗎？那時大街小巷都是音像店，如果有新電影上映，我們就回去尋找我們喜歡的電影。我那個時候的經歷是一本碟的租金是一元，押金要十元，如果這個影片看的很好，商家會多備幾本的。通過影碟，我們認識了帥氣的周潤發，武打 搞笑 的成龍，還有僵屍片鼻祖的林正英等等。
英雄本色是上個世紀八十年代港台影視文化最讓人無法忽視的顯著標簽。正是它一舉開創了香港江湖片的先河，劇中小馬哥的形象可以說是那個時代最酷的代表。吳宇森更是憑藉此片風光無限，奠定了他一代宗師的地位.這部影片反映出來的親情，友情，生命的意義我想每一個人都會體會的到。人生是矛盾的，生活是矛盾的，沒有矛盾的知識只能算做是一種權力，可惜，我們都不具有這種奢侈的權力。有的時候，生命只能算做是一種附加品，在必要的時候就應當舍棄。勇氣？不是每個人都有的，要看你怎樣的看待她。在影片中，小馬哥向我們闡釋了一個男人的定義：成熟，穩重，責任，執著，超脫和理解。不是理解別人，是理解我們自己。
60年代70年代的台灣電影，應該算是瓊瑤的天下，多以女性婚戀為題材。接下來的80年代，台灣電影因為愛情文藝電影的衰落，開始走向疲軟之勢。此時，電影界的後起之秀也正在長成，他們多為70年代電影製作隊伍中的編劇，場記，或是攝影。他們義無反顧地拿起台灣電影的接力棒，憑著對電影事業的熱愛與敏感，開始走向電影發展的 探索 道路，掀起了一股為期30年的台灣新電影運動。這其間的代表人物為侯孝賢和楊德昌，以及為國際影壇所熟知的李安。按照台灣影評人焦雄屏的說法，侯孝賢是中國的，傳統的，感情飽滿而豐富的；楊德昌是西方的，現代的，感情冷靜而內省的。而李安則游刃於他們之間。
侯孝賢先生是土生土長的台灣人，沒有留學經歷，他的作品中流露出的濃濃的台灣本土的人文氣息與鄉土清香，正是後來台灣小清新電影誕生的一個前奏。
楊德昌先生的電影風格更具有後現代派感覺，這與他所處的年代是有著千絲萬縷的聯系的（楊德昌出生於1947年，大學時期正是各種新思潮湧動的時期，受西方思想影響深遠，後來求學於美國）也與他個人的成長經歷分不開（幼年時期深受日本文化影響），所以他的作品始終比較小眾化。
而李安，深受中國傳統文化的濡染，從小又生活在書香門第四代同堂的舊式父權家庭中，使他比同時代的其他中國人更有機會接觸到中國文化的核心。後來求學於美國，艱難地謀生，對文化差異的適應，使他更能理解中西方文化的不同，也更能把握這兩種文化的精髓，創作出了一篇篇溫情款款同時又緊緊契合時代脈搏的電影。他的作品，更為大氣包容，同時也更有現代氣息，所以能夠感覺上楊德昌先生的作品太過於尖銳了。我想，這也許就是大家更多的知道李安，知道侯孝賢，而不太熟悉楊德昌的主要原因吧，為更多的人所接受並理解。
縱觀其發展史，香港電影無疑成就最高。
台灣電影的成就主要體現在整體來說影響力有限的「文化輸出」上。其實在本世紀以前，台灣電影，主導的都是政府，台灣電影長期以來作為香港電影的主要出口市場被壓製得體無完膚，成功的商業化作品寥寥可數，直到08年的《海角七號》才開始迎來一點轉機。
而香港電影方面，從上世紀電影工業引入，至二十年代默片、三十年代有聲片、戰爭時期湧入的上海電影人主導的黃梅調電影，以及後來的全粵語電影，整個電影工作發展有條不紊，大公司、技術、人才、設備亦逐漸完善。70年代末的香港電影業的「新浪潮」雖未形成商業上的成功，但儲備了一大批成熟的導演，終於在70年代末至90年代初迎來了香港電影的黃金時代。
80年代，香港電影無論產量、票房、還是質量，藝術性均創造出驚人奇跡，是少數能在好萊塢龐大勢力下任然能夠茁壯成長的電影基地，電影總產值一躍為世界第二，更作為亞洲第一電影生產出口基地被譽為「東方好萊塢」。當時在香港以及附近的泰國，新加坡，馬來西亞，韓國等地，不論戲院還是影帶租賃市場香港電影皆地位非凡。
香港電影最大的成功在於以商業市場為導向，注重迎合觀眾口味，因此能用成熟的類型片打開市場。最經典的如70年代的李小龍與80年代的成龍，洪金寶共同帶的吹襲西方電影市場的功夫熱，以及針對華語市場的警匪片（成龍，周潤發）、喜劇片（許冠傑、周星馳、黃百鳴）、古裝武俠片（王祖賢、林青霞）等等。
當然90年代以來由於種種原因香港電影由盛轉衰，但是瘦死的駱駝比馬大，香港電影曾經創造的偉大成就，台灣電影從未有過，現在看來短時間內也不可能擁有。
電視劇的話是台灣，電影的話是香港
文藝片台灣的不錯，武打槍戰片還是香港很好的呢。
編劇的話台灣出了不少人才，導演的話香港大師不少。
很多台灣資本的片子都是掛名香港公司出品的呢，因為台灣政治原因不好掛名在海外推廣的呢。
但是片子在海外拍攝有黑 社會 騷擾，明顯台灣黑幫更給勁一些的呢，在海外發行受阻跟發生很多外交問題，都是台灣溝通的多吧？
沒辦法比，香港拍黑幫，武俠，台灣拍劇情文藝片，香港出了徐克，杜琪峰，王家衛，台灣出了楊德昌，侯孝賢，李安。都是話語電影的驕傲。
⑦ 香港電影為什麼沒落了,是什麼原因
原因
首先是大環境改變了，時代變化了。
當年的中國沒有什麼好電影，美國大片也過不來，自然香港電影就高大上。如今現在每年網路劇這么多，中國大片也不少，美國大片都可以通過網路看到，香港電影自然也就沒那麼吸引眼球了。
其次市場變了，香港並沒有強大的本土市場可以依託。
當時的香港電影除了本土市場還有東南亞市場，因為當年韓國電影沒有起來，日本市場也比較開放，東南亞市場也可以進入，尤其是台灣，所以香港電影可以形成良性循環。
但是隨著台灣片商對港片越來越不滿，王晶曾說過台灣片商曾花3000萬買了周星馳的濟公台灣版權，但卻虧的底朝天，台灣片商聯合起來要求政府放開好萊塢市場，韓國文化崛起，泰國電影崛起，這樣所有國家都開始保護國內市場，所以香港電影頹勢就來了。
電影特點
工業化
香港的製片模式、專業分工、組織結構雖比中國大陸、中國台灣地區完善，但較之好萊塢仍顯得隨意機動，工業化程度遠不夠嚴密有序。首先，按照好萊塢的工業規則，電影一旦開機便需按部就班，不能隨意更改劇本、變動進度。
然而香港的電影導演比如徐克、杜琪峰等，他們的拍攝方法卻大不相同：在保證按時交片的前提下，現場即興發揮、隨拍隨改、有時停工，有時趕拍。這種做法恰恰是香港電影黃金時代最正常的作風習慣。同時，香港盡管也有不少以導演強勢創作著稱的影片，但是現代許多大製作的香港電影都是由集體創作完成的。
趕時間
領銜主演的明星通常身兼幾個片約，檔期有限，所以劇組人員就不眠不休的奮戰趕拍。
飛紙仔
導演開拍前只有故事大綱，開機後只能等編劇把當天要拍的劇本傳過來，當年程小東拍攝《倩女幽魂》、劉偉強拍《古惑仔》都要等徐克和文雋的「飛紙仔」。
⑧ 香港電影沒落了嗎為什麼
香港電影，也是中國人的電影，不管是香港電影，還是內地電影，都是華語片的組成部分。香港電影有著非常輝煌的過去，鼎盛時期，港產片一年產量超過200部，幾乎每天都會有新片在上映。香港電影也成為了香港文化的一個重要組成部分，香港電影也是香港文化的驕傲。
正因如此，香港電影「吃得太肥膩了」，很多人習慣了靠台灣的資本就足以拍完一部戲並且賺錢的情況，為了追逐商業利益，大家開始瘋狂拍片，底線也無限放低，最終影片質量參差不齊。
⑨ 為什麼現在香港幾乎沒什麼電影了，也不出明星了
經濟基礎決定上層建築。以前香港電影是很賺錢的，現在賺不了錢了。
香港自《無間道》後再沒有優質的作品，原因是其主要市場為台灣，日韓，東南亞市場及大陸地區。香港幾百萬人的市場是養不起電影工業的。隨著美國大片的入侵，原來的市場基本被佔領。再加上大陸經濟的騰飛，香港電影人才紛紛北上，導致香港電影的沒落。另外，大陸電影水平的提高也是不可忽視的因素。
現香港沒有邵式，嘉禾等製作中心，等於沒有電影製片廠，有點跟大陸一樣，過去多少個老製片廠己不復存在演員老的老死的死，還好留下不少經典傑作，香港也一樣，那些拍片秀女們盡都老，有的這些年就去世了，剩下部分人到大陸來拍片，如今影業不景氣，讓一些個人拍片給頂了，拍好片難得，盡拍一些垃圾沒人看的片，熬費物資白當洖工夫，拍片不行導演差勁，演員不行，找些小品，相聲演員，小品不說拍片，從中掙錢，丈著有名望拍些沒人看片。
因為沒落了。
別把什麼政審，制度拿來說。1980~1995年香港電影輝煌的時候就沒這些嗎？
第一，香港電影死於抄襲與惡意競爭。
第二，香港電影死於全球化。
第三，香港電影死於人才凋零。
輝煌時期，香港負擔著特殊地位，形成鏈接內地與西方的窗口，所以自1970年代開始，香港電影開始展露頭角，比如李小龍為代表的功夫片。
80年代初，洪金寶開創的靈幻功夫片：
林正英的僵屍道長：
乃至陳曉東的倩女幽魂：
吳宇森的英雄本色：
同時，香港黑 社會 大量滲透電影圈，綁架演員，壓縮控製片酬，洗錢等行為極其泛濫，嚴重威脅到演員和製片人利益，1992年1月15日，香港電影演員導演等等300多人公開遊行，抗議黑 社會 暴行。
陳欣健李修賢是組織者：
以前，香港電影有大量黑 社會 資金，現在黑 社會 資金來源斷絕，台灣所謂十大片商進入，玩起了片花制度。
什麼叫片花？
台灣片商是想賺錢，只看電影中大牌明星多不多，以前香港明星片酬適當，一個大明星配幾個普通二線三線，片酬加起來不過三四百萬，導演還能構築劇情。
此後，明星片酬暴漲，無論一線二線，導演只能用更多錢找更多明星，現在片酬都超過兩千萬，負面影響就是，電影實際拍攝投資急劇減少，劇本粗糙重復，等於只賣大明星的臉。
香港電影的國際開拓者鄒文懷：
同時，電影火爆，更多的電影院出現。
1980年代，香港電影院大約50家。到了最多時達到6家院線150家，本來就狹窄的香港電影市場，出現惡性競爭。
潘迪生：
以前，院線少，上映質量能保證，粗製濫造的電影只能賣錄像帶，走東南亞與台灣市場收回成本。現在電影院多了，大量原本排不上的粗劣電影在惡性競爭下也能公開上映，觀眾大呼上當，後果就是電影口碑下跌。電影收益減少，只能繼續縮減投資，增加軟廣告，質量越發降低。
此時，具備代表性的兩大好萊塢電影進入香港，所以這就有後來說的，香港電影敗於1993（侏羅紀），亡於1997（泰坦尼克號）的說法。
台灣片商退出，東南亞經濟危機重創亞洲市場，誰都在謹慎投資電影。而香港本地兩個電視台根本無法養活原來9萬電影從業人員，只能分流，少部分留守，部分去台灣和大陸，一部分轉行。
香港電影自1992年的巔峰極速衰亡。
沒有好萊塢的大筆投資與數字化，也沒有本地市場支持甚至從業人員都失去了。
因為香港的電影大部分都是打砸搶和黑 社會 ，內陸受香港電影的影響多少年來出現了多少黑 社會 。影視媒體的影響，左右了 社會 的發展方向。香港的喜劇片還是非常好看的，至今內陸電影無法超越。
改開前，香港是大陸的窗口。這么多年過去了，一個小小的香港，不可能不被大陸湮沒。
原因很簡單，像一些向、劉、成、周、洪等等明星大佬完全控制了香港 娛樂 圈，這些人自己演不動了，還不想失去影響力，所以根本不想捧新人，所以幾十年下去了，香港 娛樂 圈還是這些老面孔，那能外出什麼好作品
香港文化衰落了。
中國以前因為文革的原因，老百姓的文化生活很單調，對香港武俠片強烈需要，帶來視覺和心理上的刺激。現在呢，老百姓對文化需求出現多元化，武俠片打砸片份量輕了。歐美日韓片佔有相當大市場。從文化上看，香港已經不是窗口，只剩下金融和轉口貿易。
以前香港成衣也很歷害的，現在也不行了。
最可悲的是香港創新力嚴重不足，而且出現內斗和內耗。從經濟上看，幾大家族壟斷地產和商業，大部分平民面對高房價無可奈何。階層已經固化，利益格局已經成熟，港人優越感曰漸衰微。
沒有產業支持，巨星就沒有土壤。
電影結尾處字幕：「隨著這座城市暗光沉睡之時，我們有否已淡忘了光輝的過去？不知今夕何夕……」
香港作為亞洲的金融中心，近些年經濟飛速發展帶來的後遺症正在這座城市愈演愈烈，城市壓力過大導致 社會 問題增加。
在彭浩翔的電影中展示了當代香港的一則恐怖寓言：如果你要生存在這個瘋狂的樓市，你就必須變得更加瘋狂。
人都是被 社會 現實逼瘋的，主角鄭麗嫦的連環兇殺是有形的殺戮，而樓市的飆升和業主的哄抬則是種無形的殺戮。
怪咖彭浩翔用B級片的套路來發泄了廣大房奴們的憤怒，但思想上卻折射出樓價暴漲大潮中個體的彷徨與無能為力。
《維多利亞一號》：一個瘋狂的城市，要想生存，就須變得比它更瘋狂
這座城市正在老去，
這個地方的規則和秩序正在被丟棄，
這個時代的 歷史 正在消亡，如同記憶中的香港電影一樣……
編輯於 2016-10-11 · 著作權歸作者所有
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評論
SydneyCarton
先說結論：
作為一個特殊文化意義上的「香港電影」這個概念，已經死掉了，基本是對 歷史 的追溯與概括，基本談不上再有較大的更新。這個概念截止期沒有明確界線。在我看來，9-7隻能算ICU，而且更多顯現出來的是「果」而非「因」，《無間道》系列倒是可以看成「香港電影」這一概念的最終輓歌。關於這一點，我在（如何評價《無間道》三部曲？） 下有具體闡述。
這個概念死掉，不是說它不再做電影了，或者說在電影界地位不重要了。這么多年的積淀擺著，而且背後還有依舊龐大的 娛樂 業，香港仍然是一處電影重鎮。而香港的電影人依舊會在華語電影中佔有一席之地，像杜琪峰為首的銀河、許鞍華、林超賢等導演依然保持著旺盛的創作力，並且也不時推出佳作。但這些都無法挽救香港電影這個概念的死亡。為什麼？聽我慢慢道來。
舊時中國的電影首都應該是上海，但得益於大陸變局，正如納粹肆虐使歐洲藝術家逃往北美，不少電影人也前往香港。來的除了人才，更有資本，這些使得香港部分繼承了舊上海電影工業的衣缽。而香港雖然是在港英政府治下，但在相當長的階段里，相對的自由度都比海峽兩岸的政權更為寬松。這些都促使香港電影產業興起。
後來我們就看到了邵氏的做大。別看邵氏家大業大，旗下也是明星無數，其實邵氏拍片比較省錢，跟現在這種燒錢拍片根本不能比。首先那些明星演員、導演都是邵氏員工，靠工資過活的，管你人前多麼風光，邵跑跑不多給你一個子兒你一點辦法沒有。你牛逼你可以走啊，但出了邵氏也不好混，又有乖乖回來的，比如整天吐槽老闆摳門的李翰祥。而且邵氏是行業垂直壟斷型企業，片場影院一把抓，有片場，拍片場地布景等花費可以省不少，有影院，全產業聯動，都是我的。再加上彼時觀眾對視覺工藝要求還不是特別高，所以邵氏那些成本很低現在看起來「粗製濫造」的片子，一樣有市場。就算票房相對低一點有啥關系，成本這么低，回本壓力小多了。而且香港片彼時在東南亞市場還頗為吃香，有本埠做基底，外埠再賣一賣，日子還是比較好過的。
那麼為什麼香港片會在東南亞一帶有市場？流行文化比較接近是一個方面。這還是要回到前面說的香港的相對自由度，再加上高度的商業性，使得香港人拍片時既沒有海峽兩岸的鄭智負擔，又會主動而有的放矢地針對市民階層的口味開掘 娛樂 。以邵氏片為例，你們以後後來王晶、周星馳的無厘頭沒下限，呵呵，看看邵氏武俠片，才知道什麼叫腦洞大開、節操洗地。這種以模糊而游動的道德標准為底線，在界限內肆無忌憚的「勇敢」，是其他各方萬萬不及的。這種口味取向也為後面埋下了伏筆。
或許很多港片影迷提港片會以邵氏為正宗，但我是在八九十年代港片中長大的，所以八九十年代的港片在我眼裡可能地位會更高。為什麼？這里要提到的就是香港電影新浪潮了。邵氏雖然雄霸多年，但畢竟還是高度功利的商業指向，大片場經營更是把指標卡得死死的，所以，雖不能說邵氏對香港電影的拍攝語言革新沒貢獻，但是相較它的江湖地位，相對而言，貢獻有限。而香港電影新浪潮則可以看成是一批少壯派影人帶來的香港電影語言的狂飆突進。譚家明、許鞍華、徐克等電影作者以突破性的姿態在電影形式和內容上大舉開拓。這次狂飆突進不僅是藝術上的，更是將一些當時看來前衛的手法與內容推而廣之，使得香港電影更加肆無忌憚。前面說到邵氏片雖然玩得狠，但邵氏的三觀其實仍是保守和傳統的，電影拍攝方法還是相對守舊的，而經過新浪潮的沖擊，香港電影拍攝上玩得更high，內容上也越來越挑戰傳統底線。（順便說一句，徐克的《蝶變》我覺得一般，但《第一類型危險》是真的好，手法到精神上的刺激，high爆了）我是先看的八九十年代港片，再看的老邵氏，最後補了一些新浪潮的課，新浪潮在中間帶來的美學變化很明顯，這也帶動了觀眾觀賞口味的變化。而隨著新浪潮而來的不止是電影形式與內容之變，更是市場競爭的加劇。邵氏作為一個老片場，多少在這場狂飆突進里有些守成了。本來鄒文懷、何冠昌分出來的嘉禾就幾乎可以分庭抗禮，80年代後一干其他公司興起，邵氏卻仍堅持著片場產品。作品質量和新穎程度和這些新貴比，明顯有所不及。
而在這場激烈競爭中，大量中小公司涌現出來，融資、拍片方式更加靈活，內容上更無拘束。香港電影在亞太市場真正達到高峰。到這時，「香港電影」這個動態概念才慢慢定型，我把它歸納一下，大致有幾個特徵：
第一，肯定不用講，香港片商投資，或以香港製作班底為主。
第二，以香港市民文化口味為主，融合有英國的歐美式中產階級文化、廣東地方文化、香港本地民間文化，並對4-9前上海市民文化也有一定程度的繼承，呈現出來的是雜糅狀態。
第三，以商業利益的追逐為終極目標，為達到此目標，底線可以無限放低。
這里的「放低」是中性含義，一方面是趣味上可以無限低俗，像有一階段邵氏片無論必要與否每片必有裸鏡，如果這還不算難以接受，我們也可以拿好萊塢做個對比，同樣是狂熱追逐商業利益，在美國的清教傳統之下，《人肉叉燒包》、《烏鼠機密檔案》中直接表現對兒童的虐殺是無論如何都不會在主流影片中出現的。但香港電影對此的容忍度比較高。
而在另一方面，這個「放低」可以理解為，為了贏得最大 娛樂 效果，香港電影可以怪招頻出，無名山村裡的吃人魔王可以cosplay林肯，流氓地痞的生身父親也可以是Chairman Miao……這些固然會引起爭議，但也使得香港電影呈現出無與倫比的創作活力。後來常說的「無厘頭」就是這種風格的部分總結。
第四，盡皆狂歡，如果不是喜劇，至少也會有喜劇因素。這一階段香港電影哪怕是很悲情的故事，像89年版的《人海孤鴻》，94年的《暴雨驕陽》都是不乏 社會 反思和道德勸誡的苦情片，即便如此，片中仍不乏「查乳癌查舌癌」、「奶罩倒穿」等笑料。所有場次，只要編導想要，只需一秒鍾，統統變喜劇。這一點對我影響蠻大的。
第五，這是波德維爾提到過的，原話不記得了，大意是：即便香港電影呈現出高度量產的狀態，這些影片平均來看，並非完全的爛作，細看每一部要麼在技法上要麼在內容上都會有些想法，但總體製作會因為趕時間而顯得粗糙。所以港片往往呈現的是有佳句少妙章的狀態。
這話既可以理解為急功近利，也可以從積極的意義上理解：香港電影的主要班底，少有學院科班出身的，大部分是僅受過速成培訓，甚至速成培訓都未經歷直接在片場拜師學藝摸爬滾打練出來的。這樣出身的班底，雖然很少能提出什麼理論，但手活兒極熟練，個別混得不錯的，腦子都很靈活，能想出一些匪夷所思的招數。所以雖然速度快，但東西都還挺有個樣子，甚至裡面不乏亮點。
這五點大致就是我對「香港電影」在藝術呈現上的定義，它的成因可以從前面我提到的大的脈絡看出。
那麼，香港電影是怎麼衰落的？為什麼會衰落？
有人粗製濫造太多，有人說黑幫控制，有人說97回歸，有人說大經濟環境不佳……都有道理。
歸結一下，時代變了。
其實我們回過頭看看它成功的過程可以看出來，香港電影能成功是一個諸多原因促成的產物。
幸運地站在海峽兩岸之外，既沒有太大鄭智壓力和負擔，又吸收了人才和資金。
本土文化、鄭智氛圍都很寬松，而且對商業有著強烈的追逐意識。
但一切到了90年代中後期，事兒都變了。
1、影片的普遍製片成本提升，單靠本埠市場支撐不住，而大陸市場尚未成形，更談不上開放。
2、粗製濫造太多導致影片淤積，資金回籠成問題，本土經濟不景氣，台灣片商也在撤資，缺乏金主。
3、周邊重要電影市場，比如韓國，自身的電影產業發展迅猛，而且還設了國產片保護。
4、自身電影人才瞅准機會早早抽身，但造星斷檔，青黃不接，周潤發、成龍、李連傑（這個算出口轉內銷吧）紛紛投身好萊塢，，帶來的空缺很能被填補。
5、上面這些原因造成的拍片量下降又直接導致原有片場師徒傳承製實際破產——師父自己都吃不飽呢，所以帶來的是人才的全方位斷檔。別的不說，香港原來世界最強的電影崗位——武術指導，你有見到多少新面孔嗎？
香港電影人不能混吃等死啊，大家都想辦法救市啊，這才有了《無間道》的應運而生。但大家看這個系列可以看出來，片子是非常不錯，但原來意義上的「香港電影」在這個系列中基本盪然無存了。而且它這一個系列成功了，但並沒有因此拯救香港電影，只是帶來的是隨後一小段時間的跟風——題材、拍攝形式上統統跟風。中間雖然也不乏一些能看的作品，但沒有一部能達到《無間道》的成功，而在這個過程中，香港電影自身的特質基本喪失了。
香港電影人怎麼辦呢？他們的目光瞄向了北方，中國大陸，這個正逐漸開放並興起的新市場。90年代合拍片還只是部分試水，到了這時候香港電影人已經是成批湧入大陸了。有一個段子，一個朋友去見文雋，剛好一個香港編劇找文。編劇問他：文生，導演協會已經開了普通話培訓班，什麼時候編劇協會也開一個？文雋有點尷尬，把那編劇敷衍幾句打發走了。跟90年代香港人來大陸排片不同，時代不一樣了，大陸人不再是那個又土又窮的表姐，土或許還是土，但窮——至少對於金主們來說，是一點都不窮了。
大量香港電影人在大陸獲得了工作機會。我在這里要強調一下，這不是說大陸是香港電影人的救世主，其實就是個工作機會。大陸畢竟熟諳商業電影拍攝法的人才還不夠多，這時候很需要擁有大量經驗的香港人參與。而即使讓香港人來操盤，也不是沒有代價的，你要在大陸拍片，並且要在大陸公映，你就得面對嚴苛的大陸%^&(大家都懂的）。更何況香港人的口味跟大陸觀眾又有相當的區別，本來就不是最佳創作狀態，又在高度限制下開工，這樣狀態下出來的作品，你覺得還能叫「香港電影」么？
更何況大陸電影人也在慢慢自己成長，漸漸的，投資方發現，與其讓香港人來拍，不如試試大陸自己的導演，他們可能更了解大陸人的口味。從影片藝術水平上來講，不好說是耶非耶，但從商業成績來看，香港人的「優勢」也在逐漸消弭。哪怕是一些比較成功已經成名的大導演，像陳可辛，從《如果·愛》開始，一直拍到《中國合夥人》才算第一次真正在商業和口碑上贏得了大陸的認可。陳可辛這種文化接受力很強且血統多元一早就倡導「亞洲電影」概念的作者尚且如此，你覺得其他人會更好多少么？
雖然大陸電影產業問題非常之多，但有資本的力量，並且也確實有一些有見識有能力的企業與製作人在推動，「香港電影」這個概念逐漸消亡了，而標志著大陸、香港、台灣乃至東南亞華人作者更大程度上融合的「華語電影」概念在這幾年逐漸形成。香港仍然是一塊電影重鎮，仍然有杜琪峰、許鞍華等作者，並且也不時會有個別新人涌現，但這些成就已經是大「華語電影」的成就了。無論從地域人才的參與，還是電影內容的接近，呈現出來的分別是電影作者的分別，而非大地域文化概念上的分別了。
消亡說起來令人傷感，但只要還有大批熱愛電影的人仍然在保持創作，仍不時推出好作品，你管它到底是「香港電影」還是「華語電影」呢？
本文純粹「印象派」，本人也非香港電影研究者，只是個港片影迷，想到哪兒寫到哪兒，掛一漏萬，權當拋磚引玉。見笑，見笑~
喜歡香港老一帶的藝人，他們敬業自律，不像內地的一些人有點名自以為是，牛哄哄，還有的唱一兩首歌就覺得自己是大師
⑩ 劉德華主演的電影，從台灣跑路到香港的那個片名叫什麼
《飆城 》 導演：黎大煒 主演： 劉德華 / 呂綉菱 / 方剛 / 更多 類型：動作 首映：1989年3月3日 中國香港 又名：飆城 《飈城》講的是台灣南部一個黑幫知名人物林港，在賽車中撞死人後逃亡香港。他匿藏在黑幫頭子聶青的情婦阿蘇家中。焦貴是聶青黑市生意的助手，亦是阿蘇的情夫。聶命林協助焦做生意，林表現很好，聶頗器重他。探員郎尼在查聶和焦的非法行為，他要林做警方線人。林感到苦惱彷徨，阿蘇安慰他，經過長時間的相處，兩人不知不覺中產生情愫。焦帶林禾大圈華交易一批金錶，交易中發生沖突，金錶失蹤了，華疑是林吞沒，對他迫害，林先後到大陸廣州及澳門暫避，華追迫，那時他已知表為焦吞沒，遂借林手把焦殺了，林准備帶阿蘇回台灣，聶知悉後，更知林為線人又殺了焦，遂派人把林和阿蘇殺死……