A. 《簡•愛》影片賞析——用光寫作與文學改編
這部電影非常成功的用電影的視聽語言創造了一種我們閱讀19世紀現實主義、浪漫主義小說時候的閱讀感受。就是當我們讀19世紀小說的時候，我們不會感到形式的存在，我們好像透過一個透明的形式，直接地去接觸到故事、人物和意義。 而20世紀以後的自覺的現代主義小說，它經常有非常清晰的形式感。而在這部電影當中，導演非常成功地創造了一種透明的幻覺。但是我們將看到這種透明的形式的幻覺，其實是通過電影視聽語言的精心營造及其大量的電影的科技手段的借重，才得以實現的。
在這部電影當中，它的畫面非常的優美，然後它的布光實際上是非常地講究。當我們在看夜景的時候，夜景要把黑色拍的非常實，本身是一個技術性的挑戰，而黑色實際上是通過特定的布光手法勾勒出來的。這些電影畫面是在非常明確地用電影的視覺語言、電影的光、電影的畫面、電影攝影機對人物的記錄和勾勒來成功地復制19世紀中期的油畫，同時復制19世紀中期的最早攝影術——即用銀板拍攝的肖像畫。
在這部電影當中，導演和攝影師他們用了最大的努力，通過光、色、攝影機成功地復制19世紀的主流媒介和視覺媒介，這視覺媒介就是油畫和肖像攝影。19世紀油畫式的效果，除了大片的黑，在黑上面的暖色調和在黑上面的光所形成的那種富麗感之外，很重要的就是所有的畫面都是使用散射光，並沒有明確的主光源和光源依據，二是通過充滿整個畫面的散射光來完成一種畫面的視覺感知。
Ex.直到19世紀中後葉，印象派在美術史上出現的時候，西方繪畫和西方視覺藝術才第一次正面去處理光，才直接地把光作為自己的表現對象。在此之前，除了宗教繪畫，有45度角的聖光之外，其它的畫面都沒有光，都沒有明確的光源。
當你在一個畫面當中要使用散射光，這個散射光沒有明確光源的時候，在19世紀的空間環境當中，光源主要是地板的反射光。在這部電影當中，導演和攝影師精心地營造地板的散射光。而這也是這部電影冒的一個巨大的風險，因為當光源成為地板的發射光時，也就是人物的造型光成了腳光。但是這部電影中的腳光並不是恐怖片式的腳光，而是通過壁燈和頂燈來平衡主光源來自地面的散射光，電影中人物的造型光是他的下半部臉更亮。這是夜景的拍攝方式。
在日景的拍攝中，導演為了保持整個影片的造型總譜形式的高度一致性，在日景中盡可能地選用了全逆光。當攝影機迎著太陽拍攝，又避免了眩光的時候，整個畫面當中充滿了光霧。於是畫面的扁平感被加強了，畫面有了一種水粉式的效果。導演用這種方式，使日景和夜景同樣具有一種風格化的媒介特徵，而這種媒介特徵喚起了我們對歷史的藝術媒介的記憶，同樣也喚起了1847南夏洛蒂·勃朗特書寫《簡·愛》時那個年代的歷史感。
此前所有的電影、電視改編版本都採用第一人稱敘事人，而這部電影卻並沒有採用這種方式，但是它把視覺人稱結構變成了電影的敘事結構。也就是每個場景、每個段落，都以簡愛在場為前提。我們見她之所見，感她之所感。
這部電影非常奇妙的地方是，它並沒有使用什麼非常奇特的電影視覺語言，它使用的都是非常常規性的語言，但是它很具匠心、頗具創意地使用這種語言，使得電影語言不光服務於敘事，而且服務於人物心理。
在電影當中，男主人公與女主人公第一次見面時，他們不擁有任何的共享的空間，所以完全使用畫面分立的對切鏡頭。當男主人公開始向女主人公展露自己的內心，講述自己的痛苦的時候，在淺焦鏡頭當中，畫面的上緣出現了非常虛的不清晰的男主人公的側面。專業的說法是，過肩鏡頭出現了，兩個人開始分享畫面空間。在這部電影當中，這種使用非常精到和准確。
在這部電影當中，導演使用了在電影攝影、電影技術、電影表達上具有高難度的、普通的電影語言手段，叫做景深鏡頭的運用。導演系統地把淺焦鏡頭作為了他重要的敘事手段，重要的展現人物心理的手段。這是一個巨大的挑戰。
當劇情出現轉折，簡愛和眾人都以為男主人公愛上了一位貴族小姐時，分立的畫面再次出現。這時候不僅僅是情感的、心理的距離，也是社會和階級的距離。導演用焦點的虛實來表現在場與不在場，來表現心理上的拒斥和認同。在宴會上，當宴會的畫面清晰的時候，簡愛是一個虛化的形象。鏡頭切換後，簡愛的形象再次變得清晰，後景就一片虛幻。
當表現兩人真心相愛後，導演摒棄了對切鏡頭，完全使用雙人中景，來表達他們愛情的熾熱和他們相互認同的深刻。
當劇情發展到婚禮的披露時，前景中原本清晰的男主人公突然暈化變得模糊，這個模糊的形象遮住了後景中的作為觀察和呈現主體的簡愛。這個虛化了的男主人公，是簡愛的內心體驗，也就是這個人突然在她內心變得含混一片。同樣的視覺語言還體現在閣樓的那場戲中。
在這部電影中，導演使用古典的電影語言，通過現代技術迎接挑戰式的處理，賦予故事微妙的、細膩的心理表達。
在電影當中，不光對白、人物和表演在講故事，更多的時候是電影的畫面、電影的光、電影的色、電影的構圖、電影的景別和電影的景深在講故事。
在訣別那場戲中，繼續使用完全對稱的雙人中景，而畫面構圖完全採取了封閉穩定性構圖。這是一個別具匠心的表演，雖然這對戀人在生死決別，但是這並不意味著他們的愛在任何意義上褪色。
接著簡愛出逃桑菲爾德，淪落荒原，電影當中使用了從未使用過的俯拍。這種孤獨的、被放逐的單人中景鏡頭，呈現了簡愛的絕望和內心的傷痛。
在這部電影當中，在簡愛的卧室中有三面以上的鏡子，但是簡愛從來沒有對鏡自照。這是導演給予簡愛這個角色的一種闡釋，不自憐、不自戀，她內心的剛強是以這樣一種方式表達出來的。只有一次例外，就是結婚的那天的早上，而且使用的非常徹底。不僅簡愛出現在鏡子當中，鏡中的簡愛，鏡外的簡愛，而且走廊的玻璃上也映射出了簡愛，這一切都說明了這位新娘是一個幻象，這個幸福的新娘是一個幻象。當真相披露之後，簡愛回到房間撕碎自己的婚紗，導演沒有給一個鏡頭是簡愛望向鏡子。而當她轉身背對鏡子的時候，她的眼淚流了下來。這體現了導演對人物體認的細膩和深刻以及表達的節制和准確。
出處：網易公開課
鏈接： 《簡·愛》—— 用光寫作與文學改編
B. 電影老無所依中女主和殺手之間的對話拍攝,如何體現固定鏡頭的軸線關系
通常是以我們看到的過肩鏡頭為主，一般的機位設置。
外拍正反打是較為常見的方法之一，通常是以我們看到的過肩鏡頭為主，一般的機位設置。左右兩台攝像機拍攝人物，中間攝像機交代人物位置、環境，以及豐富鏡頭元素。外拍正反打，也就是過肩正反打，是我們最常看到的一種對話關系的鏡頭。往往也是這種鏡頭，最能體現人物間的強弱勢關系。
外拍正反打，也就是過肩正反打，是我們最常看到的一種對話關系的鏡頭。往往也是這種鏡頭，最能體現人物間的強弱勢關系。
C. 電影2046是講的什麼啊
《2046》影片主要講述了周慕雲為了與過去作更好的告別，將生活的點點滴滴化為文字，寫下小說《2046》的過程。
1966年，離開香港的周慕雲藏起了一個秘密，直到在新加坡遇到了蘇麗珍。謎一般的蘇麗珍讓他想起了另一個身影，那個也叫蘇麗珍的女人在他心裡一直是 一個沒有人知道的過去。周慕雲的眼光跟隨著蘇麗珍穿梭在賭場里，她拯救周慕雲的沉溺，卻不願跟著他離開。
獨自回到香港的周慕雲，在平安夜巧遇舊識LuLu，然而LuLu卻對以前的往事毫無記憶。LuLu想不起和周慕雲的那段過去，周慕雲卻在LuLu居住的酒店裡發現了一組似曾相識的數字：2046。2046號房曾經充滿了周慕雲和蘇麗珍的回憶，如今只剩下LuLu與男友CC愛恨交織的痕跡。
周慕雲於是搬進了2047號房間，知道了酒店老闆的兩個女兒王潔雯與王靜雯各有心事，潔雯情竇初開，靜雯與日籍男友的感情不被允許。此時新房客白玲住了進來，白玲一身風塵，撩撥起周慕雲不費吹灰之力，然而當她動了真情，才發現周慕雲早已封鎖了內心。
於是周慕雲開始動筆撰寫一部名為《2046》的小說，小說中只要搭上了前往2046的列車，人們就可以找回失去的記憶。沒有人想離開2046，除了一個名叫Tak的男子。熱戀中的靜雯不會知道，故事裡她化生的冰冷機器人，曾經帶給Tak最渴求的溫暖，她的存在是Tak記憶里最大的秘密。一直到公元2046年，那班神秘列車依舊定期開往2046 。
(3)經典過肩鏡頭電影擴展閱讀
《2046》是由香港導演王家衛執導，梁朝偉、鞏俐、王菲、木村拓哉、章子怡、劉嘉玲、張震、董潔主演，張曼玉特別出演的劇情片。
《2046》里的每個人物個性都極其鮮明，但內心又是極度的復雜。加之劇中的台詞都很內斂，鏡頭所表達的就直接深入到人物內心。影片在刻畫人物上大量運用面部特寫、局部特寫，即使在正反打鏡頭里前景中那個人的肩也是刻意虛掉，轉而直接突出肩膀後的那張臉。
如周慕雲和蘇麗珍分手前的那場戲，一個虛化了的梁朝偉的過肩鏡頭下是一張強調了眼眶濕潤的的鞏俐的臉。而對於人物的活動又用了長鏡頭跟拍表現人物動作的完整性。
《2046》就在這種不緊不慢的局促里傳遞著曖昧的感覺，而王家衛熟練老道地運用畫面中的光影、構圖、場景調度等出色地表現著這份含蓄的情感。
在畫面的構圖上，鏡頭中表現的人物與環境大都採用了封閉式的構圖，在周慕雲所住的旅店，前景是旅店的招牌，而招牌後站在天台上的人卻被壓制到了畫面的三分之一處，造成的是壓抑克制的氛圍。即使是周慕雲走在縱深的街道里，導演也迴避運用全景景深鏡頭，轉而用大光圈虛化人物身後的街景，加深畫面的局促感，從而重點突出失去愛情的人物內心深處的孤獨落寞。哪怕是在相對空曠的場景，前景也都會刻意虛掉。
王家衛通過其電影豐富的畫面語言傳遞出的是陰郁壓抑的基調。影像採用低調，運用的畫面色彩也是暗色調，雖然是燈紅酒綠的歌舞昇平，色彩艷麗卻明顯可見導演克制的痕跡，因此，傳遞給觀眾的是一種壓抑感。
《2046》在光線與影調的運用上是非常出色的。燈紅酒綠下的鮮明色彩與暗淡的街角牆上斑駁深色的對比，塑造人物時用的深邃色調都刻化了主人公在當時環境下的生存狀態：迷失自我下的內心孤寂。光線與影調的出色處理都為《2046》的畫面增添了唯美的色彩。
D. 《半截蠟燭》劇本主要講了什麼
一集40分鍾左右的標准電視劇大概有40場左右的戲
每場開始前寫清楚場次，時，景，人
有場景的大體描寫，人物對話，要強調的語氣和動作需要標出
電視劇本基本格式就是這些東西
劇本寫作基礎：劇本的格式
首先明確一點，劇本區別於任何一種文體形式，我經常看到有的朋友把劇本寫成了小說或人物傳記，這是不對的，至少是不專業的。劇本有自己專署的格式，寫劇本從某種程度上說是個技術活。
寫劇本也不是什麼很崇高的藝術創作，這只是一個普通的工種，劇作家和清潔工人沒什麼區別，都是很普通的工作而已，所以每個人都可以寫劇本，每個人都可以當導演。當然，既然是一個工種，就有自己的規范。這些規范也許不會讓你迅速變成一個專家，但至少能使你看上去像一個專家。或者，不至於讓你糟糕的格式成為審稿人槍斃你稿子的理由。因為一個審稿人每天要看三到四篇稿子，如果你的劇本格式看上去不怎麼專業的話，他完全有理由翻上幾頁就把你的劇本扔在角落裡涼快。
先來看看劇本寫作常犯的錯誤：
1：把劇本寫成了小說
剛剛上面提到有的朋友把劇本寫成了小說，不是不可以，但那個是文學劇本，根本不能用來指導拍攝和製作。舉個例子，你可以在小說里花幾頁的筆墨來寫一個人的身世，背景，家庭組成，或是用幾頁的筆墨來描寫主角的心理斗爭過程，但這些東西是無法表現在電影屏幕上的。你的劇本就是一個屏幕，你所要表現的是電影屏幕上能被觀眾直接看到感受到的東西。像心理活動這類東西是無法很好的表現出來的。加旁白？當然可以，除非你能忍受主角的畫外音在一動不動的鏡頭里讀幾頁小說。電影*畫面表達情緒，你的劇本就是電影畫面，要通過攝像機的角度來寫，這可能引起第二個問題。
2：不必要的攝象機標注
如果你這樣寫劇本：在5號升降台，用盤納為升70型相機，60mm鏡頭，由8.5m搖至2m對焦…………如果你這樣寫，就算過了審稿人這一關，你的劇本也會被導演扔掉。你不需要教他怎麼拍，這不是你的事。你在寫劇本的時候完全不用擔心相機的事。但是不是劇本就不要考慮相機了呢？也不是，你需要考慮相機的關系而不是位置。劇本里有自己的專用相機術語，多多使用這些術語，能讓你的劇本很專業，至少看上去很專業。
1.Angle on 角度對准：比如BILL走出便利店，相機對准BILL。
2.Favoring 主要表現：BILL在一個大廣場，人很多，但主要表現BILL。
3.Another angle 另一個角度：換個角度的相機表現BILL在大廣場玩的很開心。
4.Wilder angle 更寬的角度：先表現BILL在廣場的一角喝可樂，然後鏡頭拉遠，表現BILL所在的廣場。
5.New angle 新角度：換個角度表現BILL喝可樂，使鏡頭豐富。
6.POV 視點：從BILL的視點看東西。就是第一人稱視角。
7.Reverse angle 反拍角度：BILL和SALLY在一起跳舞，先拍BILL看到的SALLY，再拍SALLY看到的BILL，通常是兩人的POV互反。
8.Over shoulder angle 過肩鏡頭：相機越過BILL的肩頭看到SALLY，BILL的肩頭能把畫面自然的分割，很常用的類型。
9.Moving shot 運動鏡頭：包括跟拍，搖移，追隨等等，反正鏡頭是運動的，至於具體怎麼動，還不是現在考慮的問題。
10.Two shot 雙人鏡頭：BILL和SALLY在邊喝可樂邊交談，這種鏡頭的相機不要隨意移動，防止「越軸」。把BILL和SALLY兩人連起來有一條軸線，相機只能在軸線一側運動，如果越過這條軸線，在畫面上BILL和SALLY的位置就會左右互換，引起觀眾視覺上的邏輯混淆。
11.Close shot 近景：強調SALLY美麗的眼睛，但一般少用為妙。
12.Insert 插入鏡頭：某物的近景，比如天色已晚，SALLY問BILL幾點了，BILL抬起手來，接下來可以接一個BILL手錶的特寫，當然你還可以用此種鏡頭來換景，比如BILL移開手錶時攝象機里看到的已經是夜晚的舞會了。
以上就是劇本里的鏡頭描寫格式，看個例子就明白了。這是具體的寫作格式：
場景說明要黑體，時間地點要黑體，居左
場景中出現的音效要黑體標出
第一次出現的人物名要黑體居中
人物的對話要居中，兩邊留空，不同人物的對話要另起一行
標明攝象機的關系
標明場景的切換，「切至」就是硬切，「化至」就是加轉場的效果，全部居右
如有特效運用，也要用黑體標出
二劇本寫作入門
這是我在大學修讀劇本寫作課程時所得到的體會。記得當年導師和我們說：「要想寫好劇本，就必須懂得劇本的基本知識和理論，搞明白電影的規律！」
今天，身為其中的一員，有幸和大家分享一下我所懂得的劇本理論知識，如有錯漏，還望大家多多包容。
簡單來說，要寫好一個故事，首先要構思好你的故事走向，人物關系，情節高潮，主題思想等…… 美國好萊塢有一套編劇規律：即開端、設置矛盾、解決矛盾、再設置矛盾，直至結局。中國也有自己的編劇規律：起、承、轉、合。
在下面的文字，本人會分類將寫作劇本的基本和重要的元素詳加論述，並會舉出實例加以說明。
< 第 一 節 >
劇本基本理論 ：態度、主題
<<態度 (Attitude)>>
寫故事最重要的是對故事的態度，不同的態度會產生不同的效果。舉一個簡單的例子，同樣是寫一個青樓女子的故事，如果作者是以一個淫穢、色情的態度去寫，故事自然集中於男女之間歡愛的部份。相反，如果作者是以一個同情、尊重的態度去寫，故事便會集中於描寫青樓女子被迫賣身，身不由己的可憐、無奈……
<<主題 (Theme)>>
在下筆寫故事之前，你必須要問自己：你要講一個怎樣的故事？是朋友之間的友情(如電影午夜牛郎—midnight cow boy)，男女之間的愛情(鐵達尼號—Titanic)，外星人入侵地球的故事(天煞地球反擊戰)，還是一個控訴戰爭的故事(殺戮戰場—platon)等。這就是主題。
主題必須十分明確、貫徹、毫不懷疑。你不能寫一套戰爭片段，一時就懷疑戰爭，一時就歌頌戰爭。主題有如一支指南針，它會引導你創作故事，和貫穿故事中的枝節。而最重要的是它能避免你在寫作中偏離主道。試舉一例，清朝皇帝雍正在野史是一個殺弟、殺父奪位，強奸弟弟妻子的禽獸。但在雍正皇朝(早期亞視播出的電視劇)作者筆下的雍正，卻是一個好皇帝。因為作者的主題是要寫一個好皇帝，所以在故事中只會見到雍正徹夜不眠批奏章、視察農民、減稅、推行德政等場面，並沒有殺弟、殺父等場面。
所以，一套成功的劇本是要讓觀眾看完後，清楚明白作者想表達的思想和主題。
< 第 二 節 >
創造角色沖突 (create character conflict)
角色沖突是吸引觀眾的不二法門。這包括故事角色和角色之間的沖突，角色和他自身價值觀的沖突等。
<<方法一： Potogonist Vs Antogonist>>
故事裡的人物想做一些事，但有一股力量抗衡他，這就是Potogonist /Antogonist
例如電影怒火風暴(Falling Down)故事中，主角剛剛經歷完痛苦的勞獄生涯，當他出獄時，他一心想見回自己的妻子，重過正常人的生活(Potogonist，他想追求的事)。但他的妻子逃避他，不認他，而四周的人也因他的犯罪紀錄而歧視他(Antogonist，阻止他達到目的的力量)。
<<方法二： 不能分解的關系 (unbreakable bonding)>>
當角色和角色之間存在沖突，而且有一個不能分開的結把他們拉在一起，好戲便來了。舉一個簡單的例子，男主角的妻子是個三姑六婆、八卦的女人，而男主角的母親則是個守禮節的傳統婦女。因為環境的因素，主角和他的妻子必須搬進家裡和媽媽一起住。試想兩個完全沖突的人：媳婦和奶奶被一個 unbreakable bond 拉在一起時，會是怎樣。
< 第 三 節 >
創造表面張力 (create dramatic tension)
<<方法一： 讓你的觀眾知道一些事而故事中的角色是不知道的>>
例如故事中的主角闖進了敵人的基地，有支槍在黑暗處伸出來瞄準著他(觀眾知道但主角不知道)，敵人就快要開槍了，觀眾也為主角擔心。
<<方法二： 讓你的觀眾感到故事中的角色是走在一條錯誤的路上>>
主角的母親病了，他全身家只有一百元，於是他便去睹場碰碰運氣。很好運地，主角不停地贏錢，已有幾千元，有足夠的醫葯費了。但他竟然貪勝不知輸，繼續賭下去，結果輸了一局又一局(觀眾已知他已走在一條錯誤的路上)。最後連手上的一百元也輸了，竟然還去問大耳窿借錢(他用錯誤的方法企圖達到目的)。
<<方法三： 時間限制 (deadline)>>
故事中某些事件若存著時間的限制，或計時炸彈，能夠給觀眾一股緊張的情緒，並且這股緊張情緒能維持一段長時間。
還有十二個小時，隕石便會撞擊地球，地球上超過一半的生物會死亡。(電影--隕石撞地球)
這輛巴士必須維持在時速一百二十公理，否則車上的炸彈便會爆炸。(電影--生死時速)
<<方法四：轉折點 (Turning Point)>>
使用轉折點能製造意外的效果，引起觀眾的預期心理，加強情節張力，從而持續觀眾對故事的興趣。轉折點最常出現於故事的前段和後段。劇本前段的轉折點一般用於開啟故事和陳列出主角即將面臨的各項選擇。至於後段的轉折點則指向主角解決危機，收攏故事。
例如著名電影「生於七月四日」(Born on the fourth of July)，主角在故事開始面臨第一個轉折點：是否要參加越戰。主角最後選擇參戰，走上戰場。但好景不常，在戰爭中主角被打破了雙腳，要終生坐輪椅。原本愛國主戰的他經歷了多件事件後，改變了他的想法。導致故事結局出現了很出人意表的轉折點，他由主戰派變成反戰派，從而帶出反戰的主題。
< 第 四 節 >
其它技巧
<< 伏筆 (Planting)>>
相信有作文的人都會知道什麼叫做伏筆吧！埋下伏線可以吸引觀眾追看劇情。例如在電影心計中，主角湯美一早便表露了他有模仿人簽名和行為的能力(伏線)，到故事發展到他殺了有錢人迪奇後，觀眾憑借伏線已經估到主角會假冒迪奇。
<< 關鍵匙 (Payoff)>>
所謂 Payoff，就是最能象徵整個故事的對象。例如在電影」Apartment」中，那條門匙就是Payoff。又如著名電影「舒特拉的名單」中，那張猶太人的名單也是Payoff。
<<蒙太奇 (montage)>>
有兩個畫面，梅花間竹地播出，這就是蒙太奇。例如在電影教父中，畫面一邊播出教會里正在舉行的神聖儀式，如神父替孩子洗禮，向天主祈禱等。但另一邊畫面卻轉接地播出教會中邪惡的一面，例如教會中的領袖為求奪權，去反對他的人的住所，不停地大開殺戒。
蒙太奇亦可以指一些不同而沒有關系的畫面,當他們剪接在一起的時候,會產生另一種意義,簡單來說,如第一畫面中有一隻手正在投球,而另一畫面是另外一隻手接到一個球,然而球不見得是同一個,但當兩個畫面前在一起的時候,就是一個人把球投給另外一個人,注意/若中間再加入另外的畫面,這意思就完全不一樣了!! (註：這一段蒙太奇的文字解釋由網友「貝戈」提供)
< 第 五 節 >
劇本三大忌
<<寫劇本變寫小說>>
劇本寫作和小說寫作是兩樣完全不同的事，要知道寫劇本的目的是要用文字去表達一連串的畫面，所以你要讓看劇本的人見到文字而又能夠實時聯想到一幅圖畫，將他們帶到動畫的世界裡。小說就不同，他除了寫出畫面外，更包括抒情句子，修辭手法和角色內心世界的描述。這些在劇本里是不應有的。舉一個簡單的例子，在小說里有這樣的句子：
「 今天會考放榜，同學們都很緊張地等待結果，小明別過父母後，便去學校領取成績通知書。老師派發成績單，小明心裡想：如果這次不合格就不好了。
他十分擔心，害怕考試失敗後不知如何面對家人……』
試想，如果將上面的句子寫在劇本里，你叫演員看了怎樣用動作去表達。
如果要用劇本去表達同樣的意思，就只有寫成如下：
「 在課室裡面，學生都坐在座位上，臉上帶著緊張的表情，看著站在外面的老師。老師手上拿著一疊成績通知書，她看了看面頭的一張，叫道：「陳大雄！」大雄立刻走出去領取成績單。小明在課室的一角，兩只手不停地搓來搓去。他看出課室外面，畫面漸漸返回當日早上時的情景。小明的父母一早就坐在大廳上，小明穿好校服，准備出門，看了看父親，又看了看母親，見到他們嚴肅的臉孔，不知該說些什麼。小明的父親說：「會合格嗎？」小明說：「會……會的。」
「陳小明！」老師宏亮的聲音把小明從回憶中帶回現實。老師手上拿著小明的成績單看著他，小明呆了一會，才快步走出去領取……』
<<用說話去交待劇情>>
劇本里不宜有太多的對話(除非是劇情的需要)，否則整個故事會變得不連貫，缺乏動作，觀眾看起來就似聽讀劇本一樣，好悶。要知道你現在要寫的是電影語言，而不是文學語言。只適合於讀而不適合於看的便不是好劇本。所以，一部優秀的電影劇本，對白越少，畫面感就越強，沖?力就越大。
舉一個簡單的例子，比如你寫一個人打電話，你最好不要讓他坐在電話旁不動，只顧說話。如果劇情需要，可讓他站起來，或拿著電話走幾步，盡量避免畫面的呆板和單調。
<<故事太多枝節>>
很多人寫劇本都寫得太多枝節，在枝節中有很多的角色，穿插了很多的場口，使故事變得復雜化，觀眾可能會看得不明白，不清楚作者想表達什麼主題。試想如果在一幕電影中同時有十幾個重要的角色，角色之間又有很多故事，你叫觀眾在短短時間里那能把每一個角色記得這么清楚。
其實，寫劇本有一句格言：「 Simple is the best! 」愈簡單的故事就愈好。大家想想你們所看過的好電影中，它們的劇情是不是都很簡單。例如電影鐵達尼號(Titanic)只是講一艘大船下沉，而下沉當中男女主角產生了愛情。其它電影也一樣，簡單到報紙短評用短短幾十個字就能講出故事大綱。
但是，簡單永遠是最困難的：「
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E. 電影拍攝技巧分享
技巧運動因其具有極強的藝術欣賞性，更適合表演。中國技巧運動員的精湛表演在海內外享有盛譽。以下是我為大家收集的電影拍攝技巧分享，歡迎大家分享。
電影拍攝技巧分享 篇1
①推鏡頭
推鏡頭是電影拍攝中的常用手法，攝像機鏡頭與畫面逐漸靠近，畫面外框逐漸縮小，畫面內的景物逐漸放大，使觀眾的視線從整體看到某一布局。推鏡頭可以引導觀眾更深刻地感受角色的內心活動，加強情緒氣氛的烘托。
影片使用了85mm或100mm中焦距鏡頭來拍攝人像。當前景中的物體形狀越來越大，鏡頭焦越拉越長;當鏡頭框架中的物體移動越來越快，鏡頭焦距越拉越長。
②跟鏡頭
跟鏡頭是電影拍攝中的經典手法之一，但是在斯皮爾伯格在實際應用中賦予了這一手法更多詮釋，形成了極具辨識性的斯式跟鏡頭風格。一般，斯皮爾伯格會使用長時間的跟鏡頭，記錄行走並交談的兩名角色。為了追求出色的視覺質感，斯皮爾伯格會在角色和攝像機之間以多樣方式排列道具和零時演員，提升畫面框架和角色活動的視覺豐富性。
另外，當邊走邊談的兩名角色的場景進行到最後，其中一名角色將要說服另一名角色時，斯皮爾伯格會要求兩位演員靠近攝像機，記錄他們相互對視的畫面。
③過肩鏡頭
過肩鏡頭是普通的不能再普通的拍攝手法，然而在斯皮爾伯格卻能將平凡化作神奇。斯皮爾伯格通常會隔著主角的肩膀使用寬鏡頭拍攝，這樣可以使得主角的形象在畫面上比其他角色更高大，從而突出主角的作用和地位，達到強烈的戲劇效果。
另外，有時候在過肩鏡頭中，會讓肩膀占據大部分的畫面，從而把想要突出的畫面主體擠到鏡頭框架的邊緣。雖然不是標準的過肩巨頭，這樣做通常都有特別意義。斯皮爾伯格這樣用是為了強調某一場景的特俗含義，不過他在一部影片中絕對不會用超過第二次。
④特寫鏡頭
很多導演都會使用特寫鏡頭，但是迄今為止特寫鏡頭應用的最好的當屬斯皮爾伯格。
⑤寬鏡頭
斯皮爾伯格極其偏好寬鏡頭，無論是過肩，跟鏡頭或者其它各式各樣的拍攝手法中，只要他想突出畫面背景中的前景，他一定會使用寬鏡頭。許多人指責斯皮爾伯格 認為他的寬鏡頭用的非常保守，不過事實上，斯皮爾伯格對寬鏡頭的處理比不少導演要大膽得多，他應該是電影史上最有冒險精神和雄心壯志的導演之一。
⑥通過大量前景構造鏡頭畫面
斯皮爾伯格特別喜歡在鏡頭中用各種背景來構造鏡頭畫面。在《少數派報告》的開頭，有一個隔著椅子拍攝小男孩的場景。這使得觀眾能夠感覺到一種緊張刺激的感覺，好像你是從哪個隱藏角落進行偷窺。這樣的手法比起直接把鏡頭對准小男孩要高明多了。
⑦鏡像拍攝手法
在電影中，經常看以看到通過鏡像來表現故事場景的拍攝手法。鏡像拍攝一般通過寬鏡頭來處理，慢慢過渡到對角色的特寫鏡頭，通過這種手法，鏡頭上的過渡得順理成章，不漏痕跡。
鏡像拍攝另外還可以在鏡頭中用來突出角色。
⑧匹配剪輯
所謂的`匹配剪輯是指將不同時間不同空間但圖像軌跡相似的兩個場景連接起來。斯皮爾伯格的匹配剪輯讓人印象深刻。
⑨用背光燈來製造陰影輪廓
斯皮爾伯格早在21歲拍攝他的第一部短片《安培林》時就學會了如何用背光燈來構造陰影輪廓，不得不感嘆他的少年英才。
⑩多種鏡頭不間斷拍攝
斯皮爾伯格最大的天才在於他對於各種鏡頭的融會貫通。通過不斷的變換拍攝位置，斯皮爾伯格可以不間斷的使用寬鏡頭，特寫鏡頭，過肩鏡頭，最後再到特寫鏡頭的進行連續拍攝，一氣呵成，沒有停頓。
電影拍攝技巧分享 篇2
第一大類：鏡頭角度
1.鏡頭角度之平視
平視鏡頭是最基礎的鏡頭角度，手持穩定器向前水平拍攝，即可拍攝出平視鏡頭。在電影中，通常用平視鏡頭來保持（第三方的）客觀性，而不是改變被攝人物之間的關系。
2.鏡頭角度之斜角
斜角拍攝在電影中又稱『德國式鏡頭』，顧名思義是穩定器傾斜拍攝，目的是讓觀看電影的觀眾注意到失調以及不平衡的畫面。斜角鏡頭可以利用智雲穩定器中的POV或者三維夢境功能輕松實現。
3.鏡頭角度之仰角
仰角拍攝是一個手持穩定器從低角度仰視拍攝，可以使得被攝對象更加高大或者占據主導地位的鏡頭角度。
4.鏡頭角度之俯角
與仰角拍攝相對的是俯角拍攝，利用穩定器的圖傳功能可以輕松實現從高往下處拍攝，讓被攝人物顯得弱小。想要展示鳥瞰拍攝角度的可以用獨腳架或者延長桿搭配穩定器實現，一般用於展示大局和全景。
5.鏡頭角度之過肩
過肩鏡頭也可以說是特寫鏡頭，過肩鏡頭中一個人會正對著另一個人，在電影對話鏡頭中會常用到，畫面帶有沖突感。
第二大類：景別
1.景別之特寫
特寫鏡頭是五個景別鏡頭中最重要的鏡頭，一般著重拍攝演員的表情或者面部特徵，也會放大五官的局部進行拍攝，用意是想通過特寫鏡頭來推動劇情的發展。特寫鏡頭最適合搭配穩定器的變焦功能拍攝使用。
2.景別之中景
中景鏡頭介於特寫與遠景之間，可以露出一般的人物形象，一般角色中，手裡拿著東西或者正在使用工具的時候會拍攝中景鏡頭。
3.景別之遠景
遠景是與特寫相對的景別鏡頭，遠景可以拍攝對象的全身，觀眾也可以看到場面的大鏡頭。遠景鏡頭一般用於電影中的打鬥場景拍攝，能看到完整的拍攝打鬥動作以及場景。
4.景別之單人雙人
當鏡頭裡面只有一個畫面角色的時候，可以把這類鏡頭歸類為單人鏡頭；雙人鏡頭則是鏡頭裡面有兩個畫面角色。
5.景別之POV視點
POV也稱視點鏡頭，視點鏡頭拍攝的畫面就是角色所看到的內容，在電影中使用POV鏡頭，是想讓觀眾更加感同身受的融入畫面鏡頭中。而在日常拍攝中，也可以利用穩定器的POV模式直接實現這一鏡頭的拍攝。
第三大類：鏡頭運動
1.鏡頭運動之橫搖直搖
水平橫搖和上下直搖是最簡單的一組鏡頭運動鏡頭，拍攝過程中保持穩定器和相機位置不變，利用穩定器搖桿控制鏡頭上下左右移動。這種鏡頭運動的優勢在於使觀眾一直處於旁觀者的角色，鏡頭畫面和劇情發展不帶偏向性。
2.鏡頭運動之變焦
變焦是我們最熟悉的一個鏡頭了，利用穩定器實現變焦和拍攝運動方向的反方向操作，即可拍攝出希區柯克變焦鏡頭。
3.鏡頭運動之跟隨
跟隨鏡頭是指手持穩定器跟隨主體移動拍攝的鏡頭，運動軌跡可以是直線跟隨也可以隨著主體的運動幅度有弧度地跟隨拍攝；跟隨鏡頭可以讓觀眾盡可能多的感知畫面中的空間和場景。
4.鏡頭運動之不規則運動
穩定器圍繞一個點不定向的搖動，隨心所欲的控制鏡頭拍攝，叫做不規則運動。不規則的運動鏡頭可以為畫面增添運動感，使畫面更具張力。
5.鏡頭運動之360度環拍
360環拍是鏡頭運動中難度最大的運動鏡頭，指在展現人物的同時，手持穩定器圍繞主體進行360度的環繞拍攝，讓畫面看起來像是在三維空間中運動。360度環拍十分考驗畫面的穩定性，所以拍攝時一定要使用我們的穩定器拍攝。
當你精通鏡頭手法的拍攝和組合時，你可以將視角，景別和鏡頭運動以不同的方式組合在一起，成為一鏡到底，一鏡到底一直都是難度最高的長鏡頭拍攝手法，需要極高的拍攝經驗以及一氣呵成的劇本安排，再配合演員以及拍攝設備的配合。
F. 影視製作的30大鏡頭
影視製作的30大鏡頭
電視媒體已經成為當前最為大眾化，最具影響力的媒體型式。下面是影視製作的30大鏡頭簡介，為大家提供參考。
1、航拍鏡頭
航拍鏡頭（Aerial Shot），是指從空中拍攝地表地貌，獲得俯視圖，最大優勢在於能夠清晰的表現地理形態，因為技術原因是鏡頭中的「貴族」，近年來隨著無人飛機的發展，雖然成本有所下降，但高質量的航拍鏡頭仍然價格不菲，在電影電視中也是最常見的鏡頭手法之一，尤其是多用於開頭部分。
2、弧型運動鏡頭
弧型運動鏡頭（Arc Shot），顧名思義，攝影機以按照某個圓周以弧形運動所拍攝的鏡頭，可以為一個場面提供多變化的視覺層次，在電影電視中屬於被濫用的鏡頭之一，對技巧和手法的要求不高，但精通難度大。《變形金剛》導演邁克爾·貝對弧形運動鏡頭情有獨鍾。
3、銜接鏡頭
銜接鏡頭（Bridging Shot），一般用來表示時間或者空間上的跳躍和其它與劇情不連續的鏡頭，就好像一條在地圖上穿梭的線條。銜接鏡頭對於電影電視的情節推動有著不可替代的作用，不過使用的手法因人而異，高明的銜接鏡頭總能讓觀眾感覺順其自然。
4、特寫鏡頭
特寫鏡頭（Close Up），最早由導演格里菲斯等人創造，用來拍攝人像的面部，人體的某一局部，物品的某一細節。它的出現和應用豐富和增強了電影的表現力，也是鏡頭美學最重要的一環，同時，也是觀眾最喜歡也最容易記住的鏡頭手法。
5、七分身鏡頭
七分身鏡頭（Cowboy Shot)，又稱牛仔，來源於全盛時期的好萊塢西部片，鏡頭的畫面一般涵蓋從人的頭頂直到膝蓋的位置，也就是七分身，像極了西部片中對牛仔形象刻畫，從頭到配槍的腰身，雖然西部片行將就木，不過七分身鏡頭卻在現在的電影電視中脫胎換骨。
6、中景鏡頭
中景鏡頭（Medium Shoot），畫框下邊卡在膝蓋左右部位或場景局部的畫面稱為中景畫面，中景鏡頭所包容的景物比全景少，比特寫多，環境處於次要地位，重點在於表現人物的上身動作，在影視作品中中景鏡頭的比重較大，因為鏡頭的敘事性較強。
7、遠景鏡頭
遠景鏡頭（Long Shoot），具有廣闊的視野，常用來展示事件發生的時間、環境、規模和氣氛，比如表現開闊的自然風景、群眾場面、戰爭場面等等，重在渲染氣氛，抒發情感。在遠景畫面中，不注重人物的細微動作，但卻可以通過承上啟下的組接含蓄地表達人物的內心情緒。
8、深焦鏡頭
深焦鏡頭（Deep Focus），利用焦距將前景，中景，近景等全部景深融入到鏡頭到中，在電影構圖中，往往尋求最大景深，把所有細節都在鏡頭里畢露無遺。影史上最早也是最著名的深焦鏡頭攝影大師當屬格雷格·托蘭德，他和大導演奧遜·威爾斯是深焦鏡頭的鼻祖。
9、滑動變焦
滑動變焦（Dolly Zoom），是一種非常有名的鏡頭拍攝手法，相機一方面向前推進一方面同步使用變焦攝影，對移動目標對象產生縮放的視覺效果，從而有效地突出畫面中的目標對象，將主體作為場景中位移大小位置不變化的構成。
10、定場鏡頭
定場鏡頭（Establishing Shot），影片一開始或一場戲的開頭，用來明確交待地點的鏡頭，通常是一種視野寬闊的遠景。定場鏡頭通常會和航拍鏡頭結合在一起，在航拍鏡頭後出現。
11、仰拍鏡頭
仰拍鏡頭（Low Angle Shot），攝影機從垂直位置上低於多數被攝對象位置拍攝的鏡頭，往往可以使得畫面中主體人物顯得更加高大，當然，仰拍鏡頭的應用不止於此，關鍵在於這種低角度的拍攝和電影畫面的具體情節相結合，比如拍攝小孩等等。
12、俯拍鏡頭
俯拍鏡頭（High Angle Shot），相對於仰拍鏡頭而言，任何攝影機從一個垂直位置上高於多數被拍攝對象的位置來拍攝畫面的鏡頭，俯拍鏡頭也是換了角度來觀察世界，將觀眾從一般的平行視角中解放出來。
13、鎖畫鏡頭
鎖畫鏡頭（Locked-Down Shot)，指的是鏡頭畫面被固定在某一范圍內，但是角色的動作狀態在畫面之外，常常用來表達「此處不適宜觀看」或者認為掩飾比起給觀眾直觀展現更有戲劇效果，在電影電視中常用，但在同一部作品中使用的次數有限制，一般不會多於3次。
14、手持攝影鏡頭
手持攝影鏡頭（Handheld Shot），攝影師用手持的方式操縱攝影機來拍攝畫面的手法，代表著一種隨心所欲充滿自由的風格，通常會用來記錄一個連貫的動作，在紀錄片和劇情片中被大量應用，鏡頭的紀實感異常強烈。
15、荷蘭式上下直搖
荷蘭式上下直搖（Dutch Tilt），雖然叫荷蘭式，其實這個鏡頭手法跟荷蘭一點關系都沒有，而是來自德語中的Deutsch Angles，指的是劇烈晃動的縱搖移動鏡頭，這種鏡頭手法通常用來表示迷失、迷惑的氛圍，注意，畫面的角度一般都是傾斜的。
16、圖書館鏡頭
圖書館鏡頭（Library Shot），又可稱為老鏡頭，顧名思義，指的是那種在圖書館和電影博物館里早就存在的老電影的鏡頭，在影視劇中經常會被引用，用作懷舊或其它用途，比較熟知的`老鏡頭電影當推馬丁·西科塞斯的《雨果的秘密》，以一個孩童的視角回顧電影誕生初期的大導演喬治·梅里埃。
17、遮攝鏡頭
遮攝鏡頭（Matte Shot），是一種合成攝影的方法，指的是將兩個不同的鏡頭拍在同一張底片上，過去由於技術落後的原因一般會在前進動作的後面放上一塊用玻璃畫好的背景物，現在隨著科技的發展，遮攝的方法主要通過電腦實現，這也使得電影的鏡頭變現內容和形式更加豐富。
18、金錢鏡頭
金錢鏡頭（Money Shot），只有更貴，沒有最貴，金錢鏡頭專門指的是那種花費了極其高昂的價格拍攝出來的鏡頭，尤其是在現在CG特效高速發展和使用的好萊塢大片中，不管是各種絢爛的爆炸場面，還是恐龍的萬獸狂奔，這些讓影迷大飽眼福的鏡頭背後是巨大的人力物力花費。
19、過肩鏡頭
過肩鏡頭（Over-The-Shoulder Shot），隔著一個或數個人物的肩膀，朝另一個或數個人物拍取的鏡頭。過肩鏡頭的作用在於給觀眾一個旁觀者的角度，同時又通過肩膀和畫面主體在鏡頭畫框內的具體空間關系，分清楚主次。過肩鏡頭也是電影電視中最常見的鏡頭之一，簡約而不簡單。
20、橫搖鏡頭
橫搖鏡頭（Pan Shot），作為鏡頭四大經典手法推拉搖移中搖鏡頭的一種，橫搖鏡頭側重的是鏡頭的水平移動，從左到右，或者從右到左，就好像這個鏡頭的英文名字中出現的「平底鍋（PAN)」，鏡頭移動方式就好像是沿著平底鍋的鍋延。橫搖鏡頭通常用來拍攝移動中的汽車鏡頭，比如《速度與激情》系列電影。
21、主觀視角鏡頭
主觀視角鏡頭（Point-of-View Shot），指的是攝影機通過角色的主觀意識來展示角色所看到的事物，讓觀眾看到或聽到的事物和角色本身所看到或聽到的保持一致，讓觀眾進入角色的內心世界，主觀視角鏡頭嚴格意義上來說不輸於常用的鏡頭手法，但在心理片和恐怖片上中所佔比重較大。
22、序列長鏡頭
序列長鏡頭（The Sequence Shot)，是長鏡頭拍攝手法的一種，強調地是在不剪輯的前提下連續不斷地將一個完整的鏡頭片段記錄下來，再現了事件發展的真實過程和真實的現場氛圍，由於沒有剪輯的支持，序列長鏡頭對於攝影的技巧要求非常高，因為全部鏡頭片段的記錄全靠攝影師對攝影機的靈活調度和操作。
23、斯坦尼康鏡頭
斯坦尼康鏡頭（Steadicam Shot），其中，斯坦尼康指的是攝影機穩定器，指的是通過斯坦尼康代替滑軌使得攝影機可以自由流暢地移動，在上個世紀70年代由奇才加里特·布朗發明，一經問世就給整個電影界帶來攝影革命，在最近的幾十年裡，斯坦尼康鏡頭肩負起了拍攝大部分大場面長鏡頭的使命。
24、縱搖鏡頭
縱搖鏡頭（Tilt Shot），指的是攝影機在垂直方向上移動所拍攝的鏡頭，和橫搖鏡頭相對應，又稱俯仰拍攝，最好的縱搖鏡頭例子莫過於跟蹤向上升起的物體，比如氣球，當鏡頭要記錄氣球從地面向天空飛行的過程，鏡頭可以從指向地面開始，以指向天空的仰角度結束來追蹤氣球運動的軌跡。
25、頂攝鏡頭
頂攝鏡頭（Top Shot），和俯拍鏡頭的區別在於它不是從某個人的角度出發去拍攝，而是從鳥瞰的高度直接拍攝，因而通常從人們根本無法達到的角度，把一些富有表現力的造型和場面拍成構圖精巧的畫面，把人與環境的空間位置，變成線條清晰的平面圖案，從而使畫面具有特殊的情趣和美感。
26、推軌鏡頭
推軌鏡頭（Tracking Shot），將攝影機架在小推車上前後移動或者在被攝對象的側面移動，鏡頭的運動軌跡是線型，這是它和橫搖鏡頭的差別，推軌鏡頭往往強調鏡頭畫面的整個過程，因而在推動電影電視的敘事性方面，突出了角色或者畫面逐漸變化的過程，有層次感和立體感。
27、雙人鏡頭
雙人鏡頭（Two-Shot），只要鏡頭畫面中的有兩個主體人物就可以被看做是雙人鏡頭，電影電視中常見的鏡頭之一，尤其見於一些以情侶、兄弟為主題的類型影片中。雙人鏡頭入門不難，但是想要精通就得考慮兩個主體在鏡頭中的畫幅構造，以及電影電視故事情節的敘事要求。
28、急搖鏡頭
急搖鏡頭（Whip Pan），橫搖鏡頭的一種，只是由於鏡頭搖擺的幅度太劇烈，使得鏡頭畫面看起來因為劇烈的晃動而難以辨識。急搖鏡頭在鏡頭語言和電影電視的敘事性上有著特殊而鮮明的寓意，比如突發自然災害在內的意外情況對角色所在位置的沖擊，以及角色本身的心理活動的掙扎和迷惘。
29、變焦鏡頭
變焦鏡頭（Zoom Shot），變焦鏡頭是在一定范圍內可以變換焦距、從而得到不同寬窄的視場角，不同大小的影象和不同景物范圍的鏡頭。變焦鏡頭在不改變拍攝距離的情況下，可以通過變動焦距來改變拍攝范圍，因此非常有利於畫面構圖。變焦鏡頭是屬於高難度的電影電視拍攝技巧，是拍攝技術中區別平庸和大師水準的分水嶺之一。
30、升降鏡頭
升降鏡頭（The Crane Shot），攝影機被放置在升降機或者起重機機械臂上所拍攝的鏡頭，攝影機和攝影師可以在這種升降裝置上自由移動，從而從多個試點來表現場景，利用表現從高處所展現的各個局部，展示事件或場面的規模的宏達氣勢，通過升降速度和節奏的運用，還可以表現不同的場面情調。
;G. 《X聖治》—（1）
《X聖治》是我看的第一部黑澤清的電影。看這部電影的契機很簡單：豆瓣的一位影評人認為一切嘗試用jump scare等手段的恐怖片都會讓觀眾感覺自己是被迫使感到恐懼，而只有像黑澤清這樣的片子才是高級的恐怖（使人從內心感到恐懼）。
（1） 引入
影片開頭是一個遠景，男主高部的妻子坐在畫面偏右方的椅子上讀一本書，心理醫生從畫面右邊入畫，然後又坐在了妻子對面的椅子上，緊接著是一個拍妻子讀書的近景。妻子讀完書之後是一個心理醫生的過肩拍，然後心理醫生拿著童話書出畫（縱深運動，從前方出畫），留下一個妻子的遠景。導演緊接著切到了一個心理醫生的近景和妻子的主觀鏡頭。
分析這一整段的設計，我們發現黑澤清通過畫面上強烈的對比以及細節設計來營造一種詭異的氣氛。首先是景別上的對比。黑澤清在開頭直接把一個人物近景的鏡頭接在一個遠景後面。我們都知道遠景的作用一般是交代人物所處的一個大環境，或者是展現人物之間大幅度的身體互動。但這一鏡頭帶給觀眾的只有「妻子在讀書」這一信息，所以我們可以確定這個遠景鏡頭的作用更偏向於前者，也就是說這個鏡頭的重點更偏重於「環境」而不是「人物」。相反，近景聚焦於妻子的面部表情，讓觀眾走進人物的內心。從遠景直接切換到近景的設計顯得有些突兀，但黑澤清這么做的意圖也很明顯：迅速交代人物的所處環境-心理診所，然後又迅速將人物這個元素抽離出來，給觀眾一種生硬，機械，冰冷的觀感，而現代生活中的這些特質也是導演所想展示的。
動與靜的對比以及畫面中元素之間的對比也很顯著，而這在某種程度上也交代了人物的心理狀態以及人物之間的關系，地位。在這場戲中，妻子在椅子上處於靜止狀態，而心理醫生在開場鏡頭中有一個橫移的運動，過肩鏡頭中又有一個縱深的運動。妻子一直是坐著的，而醫生大部分時間是站立的（比妻子高出很多）。妻子很瘦弱，而心理醫生身型肥胖，因此他們在畫面中的佔比也不同（這個在過肩鏡頭中顯得很明顯）。我們不妨這樣解讀：在心理治療中，心理醫生佔有更高的地位，因為他引導患者打開自己的內心，讓患者展現出自己最隱秘的想法，而心理醫生在患者面前卻是神秘的，因此心理醫生是那個可以在房間里隨意走動的心靈窺探者，而患者更像是一個沒有抵抗能力只能乖乖坐在椅子上的被分析者，這樣的關系在某種程度上也可以投射到催眠的過程中，所以這也是一種鋪墊。
在這場戲中，演員的表演也具有很強的層次感。在側面近景中，由於妻子在讀手上端著的書，她的視線往下。通常向上的視線說明角色在思考，水平的視線說明角色在與對方進行正常的交流，而向下的視線給人一種角色有些不耐煩的感覺。接著她又有些粗魯地把書丟在了桌上，這也讓我們可以這樣推測：這本書的內容可能使她聯想到了一些不好的經歷或者勾起了另她不適的情感。在心理醫生詢問她「丟書」的原因並且踱步到她面前時，她的眼神飄忽不定，並且她不敢與心理醫生對視，只是勉強地擠出了一個微笑，敷衍地回答說自己沒事，這也說明了一個適用於所有角色的一個道理（也是主題）：所有人的潛意識中都隱藏著一些我們極力否認的不被世俗所接受的可怕想法，這些想法由於壓抑作用而存在於潛意識中，但只要有一個契機（催眠），這些想法就可能會進入到人的意識之中並且驅使人們去付諸實踐。因此，可以說《X聖治》 第一場戲就展現了催眠的過程。
女主講述的《藍鬍子》可以被看作是一個隱喻。一個有著藍鬍子的男人有過七任妻子，但他的每一人妻子最後都下落不明。有一天藍鬍子想追求一個貌美的女子，但女子的父親不同意，經過勸說後，父親最終答應把小女兒嫁給他。一天小女兒出於好奇打開了一個藍鬍子不讓她看的暗門，發現了藍鬍子前妻的屍體。藍鬍子想要殺害女子，但女子佯裝要做最後的禱告，趁機把藍鬍子殺害了，並且得到了藍鬍子的所有遺產。妻子，也是被催眠者，對著觀眾（主觀鏡頭）道出了故事的真相：女子從一開始就想要殺害藍鬍子。故事中的藍鬍子對應的就是刑警高部，女子對應的就是妻子，而這也整個故事也印證了本片的主題。
縱觀整段戲的設計，黑澤清用一種客觀冷靜的試聽語言和現代極簡的布景來奠定一種疏離，詭異的情感基調。
H. 《消失的愛人》有什麼特點
如果說影評人有什麼固執的話，那就是，看到《消失的愛人》（Gone Girl）這樣的電影，一定會寫點什麼，包括我這個業余的不能再業余的影評人，好，今天就和大家聊聊大衛·芬奇的這部神奇電影。聊聊他的鏡頭語言。
大衛·芬奇大家應該都不陌生，其實不認識也不丟人，每天生活家長里短柴米油鹽，需要我們關心的東西太多了，一個和自己生活完全不相乾的老外導演，本就沒有義務記住，只是閑暇之餘，買些醬鴨脖，開瓶啤酒，才想起來，電腦里還有塵封了好久都快忘記的大片，掃一眼，《龍紋身女孩》，《返老還童》，《七宗罪》，《搏擊俱樂部》，稍微長點記性，才知道，都是這個老小子的作品，看來也是與張藝謀姜文起名的人物。
《消失的愛人》於2014年10月3日在北美，在台灣，韓國，香港上映，票房都連續數周奪冠，然後點燃了各種電影獎項提名的熱捧，獲得好萊塢電影大獎，電影有這么好嗎？我先說說自己看完的感受，電影好看吸引人但不夠驚艷，雖仍然是芬奇式的懸疑破案故事，情節預設稍微做作，電影前半部分情節稍微拖沓，節奏過緩，而後半部分又情節過於集中，後期的信息量又稍大，剪輯的節奏明顯加快，讓人有點難以適應。
電影女主人公艾米的大腦過於算計，尤其是最後殺死自己的備胎回到丈夫身邊這段情節，貌似懸疑但失去了現實生活正常的演化，也就是說，電影人物過於小說化戲劇化，對女主人公的性格反轉解釋缺乏，邏輯游離於現實之外，還有，電影幽默和設定是純美國化的，對中國的觀眾觸動也沒有在老外影院笑場那般明顯，就猶如我們看《絕望的主婦》，幾個女人說老公在過山車上做愛的笑場和說老公在床上做完愛哭了的冷場，中國主婦觀眾的感受絕對和美國觀眾不一樣，所以網上說，在美國，觀看此電影，沒幾分鍾就要一個笑料包袱的劇院的笑聲，但我只是看到的是後背發涼，一句也沒笑出來。
所以中國觀眾對電影裡面女主播，律師，「好鄰居」的心裡切入絕對沒有那麼強，但面對自己一天朝夕相對愛恨交加的愛人，感覺隨時會崩塌卻一直奇跡支撐的婚姻，面對愛是神奇卻又傷害，得之不覺失之劇痛的情感，這種情緒是共同的，看看這部電影在亞洲的票房就能說明一部美國婚姻片在亞洲的喜愛，說明了人類共同的部分，對婚姻的探討和絕望各占對半，芬奇導演，你這把黑色心裡雞湯的胡椒面也是灑的足足的。
還是說說這部電影神奇的地方，大衛·芬奇導演的認真，拍了500多小時的素材，粗剪得到3個多小時，「我們聽了不少意見，然後在音樂上下了不少功夫」，而電影的靈魂的剪輯是在電腦上完成的，也就是說，電影是用Adobe剪輯完成的（也不能再說仔細了，因為我也不懂），雖然中國觀眾悲催的只能看看藍光或者下載而無緣到影院去認真感受電影膠片的質感，但還是可以看出電影每一個畫面在數字效果上都得到了精心地修飾。
（度娘的正確答案：普通電影的剪輯軟體如Avid的Media Composer以及蘋果的Final Cut。影片每天的拍攝都會產生幾TB的數據，這些數據需要先進行整理和選擇，才能加以創造性地剪輯處理。剪輯師需要比對每個場景的鏡頭素材，再大致將它們編剪以及組接。隨後調色師和特效師再進行粗略處理，這樣就產生了樣片。導演觀看樣片後，提出意見，再把樣片交還給剪輯師、調色師和特效師作進一步的優化處理。整個過程就是如此循環往復。）
其實這部電影痛失金球，估計也難在奧斯卡上有所斬獲，但導演在鏡頭上處理，堪稱經典。
鏡頭是攝像機一次撲捉一個特定動作或事件的視覺信息的最小單位。作為一部描寫家庭生活的《消失的愛人》。大衛芬奇導演在鏡頭的處理上，干凈、冷峻、爽利、緊湊而又鬆弛有度，一如他以前的作品，今天，我們就邊介紹情節，邊看看《消失的愛人》電影裡面，導演通過鏡頭的調度，畫面特寫的處理，構圖的技巧，看看，電影給我們傳遞了一種什麼樣的情緒。
這是《消失的愛人》真正的主角，艾米。開頭結尾，電影的鏡頭都是這樣一個面部特寫，「我真可憐你，因為每天早上醒來你都要努力扮演跟自己夢中完全不一樣的人。」電影的結尾也截止到早上兩人初醒的狀態，艾米在枕邊翻個身，一雙純潔無暇的神情，看著觀眾，卻傳遞著讓人恐懼的情愫。
這種簡潔，精確，冷峻的攝影在大銀幕上有著獨特的光芒，是在任何電腦屏幕無法體會的，所以這也是我們要去影院看電影最重要的原因。
尼克·鄧恩和艾米在一次派對上相遇，一見鍾情，拿啤酒的女孩就是傳說中的神奇的艾米，她人生中的每個階段都是如此成功，相識兩年後，他們步入婚姻的殿堂。她從來不想有一個平淡的，世俗的婚姻生活。她總是刻意去製造一些浪漫，包括每年結婚紀念日的尋寶活動。但漸漸的，他們的生活也不能像童話般美滿。
演Amy的Rosamund也為本片獻出了不能忽視的表演。艾米在婚後幸福的和尼克生活在一起。
這是一個經典的過肩雙人鏡頭，讓取景更緊湊，是為了照顧鏡頭美麗的面容，襯托艾米的美麗。這是艾米最好的狀態，其他演員全部虛化，攝像機通過肩部平齊拍攝，艾米的陽光和燦爛，傳遞給觀眾，而對她心生喜愛。
父母和出版商還專門設計了婚禮酒會，而真實的並未嫁人的艾米卻要尷尬地去參加自己的婚禮酒會。父母將她偽裝成神奇艾米，而真實的艾米始終活在生活的謊言中。當她無法控制自己成為神奇艾米時，她便要控制自己的生活以及自己的男人。
隱隱中的艾米透露著強勢和復雜。
艾米是一個典型的浪漫型女人，對婚姻的期望過於期待，當一個男人跟她玩浪漫時她基本沒有什麼抵抗力
本·阿弗萊克扮演的尼克實際是個渣男，追求艾米的溫暖和自信在婚後慢慢都消失了。
尼克佔中暗示尼克在這次追求中的主動地位。光線是暖色的，柔焦鏡頭和溫暖的自然背光，製造處特別浪漫抒情的味道。
Nick求婚那場戲，一亮出鑽戒，倆人剛親上就瞬間切回現實，一點也不讓你留戀他們的甜蜜，因為現實裡面正在發生的懸疑才是最重要的。很好的在交代情節的基礎上營造影片氛圍
和所有幸福的婚姻一樣，婚後，兩人矛盾重重，形同陌路。
尼克在這里顯然是作為弱者出現的，事業上，經濟上都不如妻子，也許找情人正是想在外面尋得一點男人的剛性和自尊吧。結果他還是個弱者，整個事件一直到最後都表現的毫無建樹和陽剛之氣。艾米起初是受害者，飽受丈夫的冷戰和出軌的折磨，所以才苦心積慮的玩起了消失。消失的最終目的是要致尼克於死地的，這里的恨可想而知。她設置的一個又一個陷阱真是讓人刮目相看，構思精巧，步步為營，真正毒辣的時候毫不手軟，面對媒體又表現得柔弱之極。
心靈的交戰，艾米佔在正中間，尼克被擠到畫面的右側，這是畫面「調度」表意最好的例子。
注意女主人公頭頂的留白和圖像的構架，這是經典的一幅人物表情圖，注意艾米強烈的不滿情緒，其他人物就會失焦，用鏡頭景深控制圖像，是攝影者最基本的素質。
結婚五周年紀念日的早上，尼克·鄧恩來到妹妹瑪戈的酒吧，和妹妹一起吐槽他們的婚姻生活。「我想像著打破妻子那可愛的頭顱，梳理她的大腦，試圖找到答案。任何婚姻中首要問題的答案：你在想什麼，你感覺怎樣，我們對彼此做了什麼」。
光線陰暗，尼克的雙胞胎姐姐一點都不美麗，為最後電影情節反轉做鋪墊。
當他返回家中時，卻發現客廳留下了暴行的痕跡，而妻子竟不見了蹤影。女探員朗達·邦妮接到報案後趕來調查。女探員朗達·邦妮（金·迪肯斯Kim Dickens飾），（這個女警察也於是成為全部電影中唯一正常的人物）。接到報案後趕來調查，而現場留下的種種蛛絲馬跡似乎昭示著這並非是一件尋常的失蹤案，其背後或許隱藏著裂變於夫妻之情的謀殺罪行……
尼克在媒體里懸賞尋找自己愛人的線索。
某種意義上尼克面無表情的面癱也成就了這個角色，因為這讓他「默哀」妻子的失蹤顯得很假，他說真話的時候亦是如此，更強調了婚姻里每個人的虛偽性。圖片里更醒目還是艾米天真無邪的笑容，讓人們一直疑惑著這個懸念。
尼克是一個善於表演的人，他一直扮演一個艾米所期望的好丈夫，甚至在妻子失蹤他在警局報案時，都說自己正在扮演，但她從沒有真正關心自己的妻子，
尼克和艾米的父母在記者招待會上。
導演讓尼克佔中但虛化了正面，反而艾米的父母在亮光處，按時艾米父母在他們兩個婚姻的強勢地位。
導演用遠鏡拍攝，房屋人員擁擠，男主人公公尼克的受困感增加。
暖色處理人們紛紛尋找艾米的忙碌，人物繁瑣，背景很亂，讓人心生煩躁，總覺得那裡不對勁。
艾米的失蹤通過媒體大肆渲染和妄加揣測很快聞名全國，品行不端的尼克被推上風口浪尖，至今不見蹤影的愛人對他進行無情審判，你儂我儂的甜言蜜語早已化作以血洗血的復仇與折磨。
攝影機機位稍高，強化尼克受困之惑。
困境中的尼克，讓人心生同情後，又無比厭惡。
由於艾米身份的特殊，失蹤事件被大肆報道，猜測。失蹤延續，一個個事件出現。被丈夫說成沒有朋友的艾米竟然在小區內有一個孕婦閨蜜，並且說艾米還有懷孕經歷。妻子失蹤後的幾天，尼克竟在妹妹家與情人偷情。這一切似乎指示出尼克的謀殺罪行。
看主光在尼克臉上的陰影，就知道尼克在婚姻中困境，暗示尼克並不是殺害艾米的兇手，更像是一個受害者。
Amy自導自演這個事實，她偽造罪案現場。在丈夫不在意的情況下讓他簽署提高了保額的保險單。用丈夫的名字大量網購各種奢侈品。她精心偽造一本日記，記錄婚後的點點滴滴，開始的美滿，後來家暴，對丈夫的懼怕，擔心他會殺了她。並將日記部分燒毀後藏在棕色小屋，並修改了棕色小屋的報警密碼，以引起警方的注意。接下來的步驟，染頭發，隱姓埋名，上網發匿名信討伐尼克，讓所有人認可尼克的謀殺行為，然後自殺，之後尼克將被控謀殺。
獨自行駛在高速公路上的艾米忿忿不平的抱怨著對丈夫的不滿，丈夫的平庸和出軌打破了她對美滿婚姻的幻想，這一切都出於她的策劃。
強光下，其他細節就被忽視了，產生強烈的光線對比，來隱射艾米激動復雜的心緒。
尼克坐飛機去尋找律師擺脫困境，這時候全國的輿論都是對他的聲討。他在候機樓看他的專題節目。
這是一個仰拍，和人的視線比例平齊，電視居中，暗示媒體對人們情緒的誤導。
隨著事態的發展，尼克逐漸被媒體妖魔化，也找到了艾米以他的名義購買的物品，他意識問題的嚴重，意識到這可能是個圈套，他找到專門處理這類案子的律師應對。
並按照專業律師的提醒，慢慢反轉劇情，讓大家從討厭他變成同情他，他從一個施害者變成一個受害者，這是他參加電視節目，他接受了某電視欄目的采訪，坦誠認錯，呼喚妻子原諒，扭轉了自己的不利，博得大眾的同情。艾米也在電視上看到這一幕。
同時傳導的壓力讓艾米發現自己的報復計劃正面臨失敗的危險，她這么聰明，她會怎麼辦？
以上兩幅圖都是側面雙人鏡頭，這是電影敘述里最經典常用的鏡頭，第一幅圖，黑人律師佔主導，尼克被動，而第二幅圖，雙方平齊站位暗示各個心懷鬼胎，這場對局剛好是棋逢對手。
身無分文的艾米，聯繫到他的高中時的男友，編造了一個被虐待的謊言，男友欣然同意保護艾米，將其帶到自己的公寓。
構圖短暫的詮釋了影像的心裡空間，人物在圖中擁擠，背景繁雜，連洗手間都可以看得清楚，能傳遞出人物的焦慮和急躁。
保護人的控制欲也讓艾米無法忍受，房間里的監控又一次成為艾米製造騙局的工具，一切就緒，艾米在床上殺死了對方。帶著滿身的血跡回到丈夫的身邊，講述自己被綁架的故事。雖然故事有很多漏洞，但媒體更加關注艾米的神奇回歸，更喜歡這樣的完美結局，似乎也沒人關注案情的漏洞。
背面朝觀眾表示心裡的復雜和不確定性，也製造出一種做愛前恐懼的氣氛。暖色和性相聯系，為後面情節的反轉做鋪墊。
這是電影的高潮，如此血腥如此恐怖，但艾米卻很享受，可見這個女人的可怕。（這也是這部電影永遠不可能在中國影院上映的一個鏡頭。）
這是非常經典的俯拍，傳遞恐懼和震驚，電影高潮一幕的配樂甚為精彩，視覺沖擊力十足。情節編排上出人意料，這個經典俯拍鏡頭我們在國外的電影中比比皆是。
兩個人又幸福的在一起了。
到了結尾，動了殺機的妻子最終決定用陰謀套牢丈夫，而動了恨意的丈夫又不得不因血脈的延續而留在妻子身邊。藍色濾鏡，冷光處理，色彩壓抑，兩人人貌合神離的躺在一起，看來只有死亡才能讓他們分離。
其實婚姻還有一種折磨比離婚和殺人更厲害，就是永遠和他（她）在一起。
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喜劇之王 喜劇之王(1999)
導演:周星馳/李力持
編劇:曾瑾昌/周星馳/李敏/鄭文輝/馮勉恆/梁嘉傑
主演:周星馳/張柏芝/莫文蔚/吳孟達/林子善/更多...
類型:劇情/喜劇/愛情
製片國家/地區:香港
語言:粵語
上映日期:1999-02-13(香港)
片長:85分鍾
又名:King of Comedy
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